Beverly – The Blue Swell

Rock pop cicatrizante y emotivo en lo nuevo de Beverly.

Beverly es una de esas agrupaciones con girl power que están dando de qué hablar, incluso a pesar de su alineación actual: Drew Citron -voz y guitara- y Scott Rosenthal -bajo y guitarra-. Anteriormente, también se incluía Frankie Rose -Crystal Stilts, Vivian Girls y Dum Dum Girls- pero dejó el proyecto por diferencias creativas. Este par de neoyorkinos hacen que la fórmula de su segundo álbum de estudio, The Blue Swell, nos sumerja en las profundidades de un rock pop cicatrizante, emotivo y lleno de reverberaciones, grabado a la orilla de un río cerca de Canadá.

Después de un par de años del lanzamiento de su álbum debut, Careers, el dueto ahora conformado por Drew Citron y Scott Rosenthal no se da por vencido y confecciona un rock pop muy familiar al de los noventa, con su glam alternativo y de calidad en diez canciones con curvas de sonido que a veces galopan rápido y a veces se detienen para ser sublimes.

El álbum abre con “Bulldozer”, un tema intrépido con efectos de desplazamiento en las guitarras que vuelcan su paso veloz en compañía de coros y cajas de efectos. “Crooked Cop” es un dulce manjar de miel, perfecto para el verano, con de fluorescencias de la naturaleza. Por otro lado, “You Said It” es un tema que solloza en el alma de la guitarra y sucumbe a ritmos noventeros y melancólicos que recuerdan las primeras agrupaciones integradas por féminas.

“Victoria” es un tema más endulzante y repetitivo que, al principio, nos engaña con su semiacústica para después dar un giro de 360° y convertirse en un himno pop. En su destreza, Beverly es especialista en crear algunas baladas como “South Collins” y “The Smokey Pines”, que nos envuelven en una cortina de coros celestiales y reverberaciones discretas. Temas para el verano, para el romance o para ambos. 

En The Blue Swell radica también esa variante del pop punk en “Lake House”, “Contact” y “You Used To Be A Good Girl”, debido al uso de distorsiones y ritmos rápidos que bien ha heredado Beverly de la ola punk californiana que atraviesa a cualquier generación de músicos.

Para cerrar con estilo y dejar huella en su regreso, la dupla de Nueva York nos remata con un tema que da fe de su virtuosismo: se trata de “Don't Wanna Fight”, que contiene rasgos de surf y elegantes tonos tropicales. The Blue Swell es un buen álbum y, con nueva nomenclatura de Beverly, nos deja queriendo más. Esperamos pronto salga el tercer material discográfico.

Entrevista con Ramona

Ramona, de Tijuana a la CDMX, y cómo volver a empezar de cero.

La Ciudad de México es de quienes la viven, no solo de quienes la habitan, y un buen ejemplo de esto son aquellos que llegan de distintos estados de la República a buscar una oportunidad, un mejor trabajo o una nueva vida.

Ramona es una banda de pop rock originaria de Tijuana que ha vivido esta circunstancia de manera ventajosa: “con un toque de indie”, con letras que reflejan, desde diferentes puntos de vista, el amor del romántico enamorado a la antigua que también tiene destellos alternativos. 

Jesús y Omar estuvieron en la casa Indie Rocks! y platicaron un poco sobre el trato que la ciudad les ha brindado desde que se establecieron el año pasado, justo a tiempo para el lanzamiento de su disco La Segunda Luz del Día.

“Llegamos aquí desde noviembre. No fue tan difícil dejar Tijuana sino el rollo de adaptarse a la ciudad. Lo más drástico es la intensidad de todo, en Tijuana no es así porque allá está más chiquito”, dijo Jesús.

Ramona se volvió un proyecto hecho y derecho en 2011, y para 2013 ya estaba la alineación que hoy conforma a la banda: Jesús Guerrero en la voz, la guitarra y la trompeta; Mauricio Villicaña en la guitarra y los teclados; Edgar Moreno en el bajo y Omar Córdoba en la batería y las percusiones.

Omar y Jesús iniciaron la banda, y la llamaron Ramona por el personaje del cómic Scott Pilgrim vs The World. Después de dar a conocer el sencillo “El Incansable Amor Por La Ruta”, cruzaron sus caminos con alguien que los llevaría a un destino diferente.

“Conocimos a Carla Morrison hace varios años y cuando subimos el sencillo de La Ruta, ella se interesó por nosotros, nos escribió y nos pusimos de acuerdo. La productora Pan Dulce nos prestó el dinero para hacer nuestro disco”, declaró el vocalista de Ramona.

Jesús y Mauricio son quienes componen las canciones, pero esto no significa que dejen a un lado a Omar o a Edgar. Llegan con una idea o con una base estructurada y entre todos la terminan, haciéndola no solo de un autor o dos, sino de un equipo completo.

“Casi siempre llegamos con una letra o melodía, con una base, y la empezamos a trabajar entre todos. Vemos qué le podemos meter o quitar, así funciona. Ahorita estamos maqueteando ya el segundo disco. Cuando salió el primero, yo llegué a la ciudad”, comentó Jesús.

Charlamos sobre qué tan complicado puede ser para las bandas darse a conocer hoy en día, sobre todo a las propuestas de rincones alejados de la Ciudad de México, y sobre la facilidades que provee el mundo cibernético y la gran desventaja que contiene igualmente.

“Yo creo que está más fácil porque ahorita hay muchas cosas que puedes hacer, pero hay mucha más competencia.Tienes oportunidad de llegar a la gente más rápido. Lo fácil es lo que hace que haya tantos”, dijo Omar. No sólo se trata de pensar en la competencia, sino también qué es lo que va a definir y destacar a tu agrupación para que sobresalga entre tantas. “Yo creo que el factor que tenemos ahorita es que las canciones que componemos no las hacen muchas bandas. A mí me gusta hacer boleros y estamos metiéndole más influencias del soul, y ahorita en México no lo están haciendo mucho. Queremos sonar diferente, tener un sonido peculiar”, complementó Jesús.

“El primer disco fue más una experimentación, porque lo grabamos cuando se estaba formalizando la banda y fue un proceso de año y medio. Están muy marcadas nuestras experiencias en las canciones. En ese año tocamos mucho y viajamos mucho, por lo que no tiene un sonido muy estable, es más un crecimiento”, señalaron ambos tijuanenses.

En cuanto al tema de dejar sus casas y salir a buscar esa oportunidad que todos anhelan, los chicos de Ramona dijeron que se veían pisando escenarios y viajando por el país desde que eran niños.

RAMONA banda

“Me gusta mucho que en la ciudad hay lugares para tocar. En Tijuana no hay lugares así, no tienen buen sonido y todo es muy desorganizado, teníamos que organizar todo y jalar a la gente”, dijo Jesús.

“A Tlaxcala le gusta mucho la música. En Guadalajara nosotros íbamos con la expectativa de que serían muy críticos, pero fue todo lo contrario y nos trataron muy bien. En la CDMX sí son más receptivos, están atentos y tratan de sentir la música. En Tijuana, como la escena es muy chica y son más bares que recintos, la gente va más a echar la peda que a escuchar la música”, describieron al preguntarles qué diferencias observaban entre el público de Tijuana y los demás Estados que han visitado.

Y aunque aquí en la ciudad también nos vamos a echar la peda en los conciertos, no podemos negar que vivimos una realidad musical muy diferente, haciendo de la quinta urbe más grande del mundo el sueño de muchos músicos y artistas no sólo de otras regiones del suelo mexicano, sino de distintos países latinoamericanos.

Ramona tuvo que dejar a los seguidores que se había ganado en Tijuana y tomar el riesgo de comenzar de cero y tocar de puerta en puerta -literalmente- para conseguir esa oportunidad que muchos esperan, pero pocos persiguen.

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Classixx y Passion Pit estrenan "Safe Inside"

Classixx y Passion Pit unen fuerzas para un nuevo sencillo.

Hace poco el dúo de DJ, Michael David y Blake Tyler, mejor conocido como Classixx, adelantó algunos de los tracks que conformarán Faraway Reach, su nueva producción discográfica que estará disponible el 3 de junio vía Innovative Leisure.

Ya pudimos escuchar "Grecian Summer" y “Whatever I Want”, en colaboración con el rapero,  T-Pain,

Classixx portada

Ahora, fue el turno de una nueva canción llamada "Safe Inside", con la participación de Michael Angelakos de Passion Pit. El disco también contará con las colaboraciones de Alex Frankel de Holy Ghost! y How To Dress Well.

Aunque meses atrás tuvimos la oportunidad de verlos en Ceremonia, esperemos que la promoción del nuevo álbum los lleve a pisar México otra vez. Mientras tanto, la dupla llevará su electrónica, nu-disco y deep house a algunos de los festivales internacionales más importantes, como Bestival, Panorama, y Lollapalooza.

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Band of Skulls comparte "Bodies"

Llega el tercer sencillo previo al lanzamiento del nuevo álbum de Band of Skulls.

El trío inglés Band of Skulls lanzará su cuarto álbum titulado By Default el próximo 27 de mayo vía BMG Recordings. La banda ha comentado que se trata de una nueva era que implicó una gran experimentación. El material está producido por Gil Norton (Foo Fighters, Pixies). De este nuevo sonido, ya hemos escuchado dos sencillos: "Killer""So Good", en los cuales podemos notar cómo el hecho de que la bajista Emma Richardson sea la voz principal ya lleva a la banda por caminos que no conocían.

BandofSkulls_ByDefault

Ahora tenemos otro adelanto: se trata de "Bodies", una tema que fue escrito en una iglesia de Southampton, Inglaterra. "Realmente puedes escuchar el sonido de la iglesia que nos inspiró a tocar de esta manera", mencionaron en un comunicado oficial. Aparentemente, el riff que suena en esta canción ya lo tenían desde hace mucho, pero no fue hasta este momento que pudo crecer.

"Your body is nothing without mine", suena mientras el bajo lleva el ritmo y la batería fluye sin problemas hasta terminar con la frase "I carry the weight of the world upon my shoulders". Además, preguntan: "“will you be there till the end?”.

Band of Skulls tiene el año copado de presentaciones, principalmente en el Reino Unido y Europa. Sin embargo, viajarán a Canadá y posteriormente a Estados Unidos para presentarse en el festival Life is Beautiful en Las Vegas, Nevada.

Entrevista con FEWS

¿Qué pasa si combinas sonidos ingleses, suecos y norteamericanos? El resultado tiene 4 letras: Means.

FEWS estrenó hoy su primer álbum de estudio titulado Means y es por eso que platicamos con David Alexander, integrante fundador de la banda.

Son tres diferentes países de los que proviene esta agrupación. ¿Cómo logran coincidir para crear este nuevo proyecto?

"Esa es una pregunta interesante. Frederick Rundqvist, nuestro guitarrista, es de San Francisco, nuestro bajista de Inglaterra y el baterista y yo de Suecia. Originalmente, yo tenía otro proyecto musical y un día Fred me contactó. Nos volvimos muy amigos online y empezamos a compartir gustos musicales, después él se mudó a Europa y formamos la banda. Luego se sumaron más amigos y fue como nos establecimos en Londres. Nuestro bajista tiene un barco, así que prácticamente vivimos ahí", dijo Alexander.

Nombrar a la banda es uno de los primeros pasos y uno de los más complejos, ¿el suyo tiene algún significado especial?

"No en realidad, tan solo pensamos que sonaba padre, pero no significa nada, además decidimos enfocarnos más en nuestra música", compartió el frontman.

Así como el nombre es Fews, el apellido de su música vendría siendo el género. ¿Cuál sería el de su banda?

"Mucha gente dice que sonamos a post punk de los 80, pero no lo sé. Yo escucho mucha música electrónica, también me encanta Ariel Pink. Diría que es algo como post punk pop", explicó.

Estrenar el primer álbum de estudio es el resultado de una compresión de raíces sonoras, decisiones, y sobre todo, horas de dedicación...

"Means es una compilación de 10 tracks que hemos estado trabajando desde hace mucho tiempo. La verdad no nos gusta lanzar sencillos, sino una obra completa. El disco es agresivo pero a la vez melódico, mantiene un mismo tono. Creo que nos define muy bien como banda", dijo David al preguntarle qué encontraremos en él.

Oficialmente, Means sale a luz el día de hoy, pero el mes pasado revelaron el video de “100 Goosebumps”, corte que nos transporta a un lúgubre y frío escenario. David nos contó que alguien de la agencia encontró esa vieja iglesia ubicada en el sureste de Londres. "Al grabar el clip, lo mejor fue la locación: era un lugar muy interesante. Pero creo que es muy difícil hacer videos musicales. Al menos yo no estoy acostumbrado a estar frente a cámara, da un poco de miedo, pero fue genial al final. Lo malo es que hacía muchísimo frío", comentó.

Means es el arranque de Fews. Sin embargo, su proyección va más allá de su próximo tour por Europa. "Nos gustaría poder ir a tocar a México y a Latinoamérica, es nuestro sueño. De hecho la mamá de Fred es de Chile, él escucha mucha música de ahí y creo que eso repercute en nuestro sonido", dijo.

Si pudieras elegir un solo disco para escuchar el resto de tu vida, ¿cuál sería y por qué?

"Sin duda Turn On The Bright Lights de Interpol es un álbum muy triste pero el mejor que he escuchado".

Finalmente, sobre su sonido en vivo, David concluyó: "Yo diría que sonamos aún mejor, escuchen Means, les gustará, pero vernos en vivo lo superará".

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Planeta No estrena videoclip de "El Campo"

Los chilenos de Planeta No presentan nuevo video para "El Campo".

Definitivamente, Chile se ha posicionado en un lugar privilegiado dentro del mundo de la música, y no es para menos, ya que a los andinos les sale talento por los poros: Planeta No es otro claro ejemplo de ello.

Estos jóvenes chilenos son una propuesta con mucha frescura y ritmo. Actualmente, Planeta No se encuentra promocionando su álbum Odio, producido por Sello Azul y Beast Discos (2015). Eligieron "El Campo", para acompañar la canción con material audiovisual que fue dirigido por Felipe Prado y producido por los mismos Planeta No. En el arte de la portada del sencillo podemos admirar una fotografía bastante estética.

EL CAMPO

Según el vocalista Gonzalo García, el video "El Campo" pone sobre el tapete la relación de la persona con sus pares y sus máquinas: "Es una antigua proyección soviética sobre el futuro cercano, incluye pequeños dioses que adoramos sin sentido, canibalismo, rabia y violencia, coreografías absurdas y un extravío en un mundo inventado por la tecnología que creíamos era para nosotros, pero resulta que era para dominarnos. Nada muy distinto a lo que ve cualquiera caminando por el centro de Santiago", declara.

Planeta No está preparando una serie de conciertos que tienen como objetivo reunir fondos para que puedan asistir al festival español Primavera Sound, al cual fueron invitados a participar. Además tienen planeada una gira por España compuesta de ocho fechas.

El primero de estos eventos para recaudar fondos tendrá lugar este sábado 21 de mayo junto a Patio Solar y Diego Lorenzini,  y el último se realizará el 26 de mayo en el Club Chocolate del Barrio Bellavista, junto a  Fármacos.

Si tú eres de los que apoyas a bandas emergentes, escucha el proyecto de Planeta No y ayúdalos para su viaje a España o difundiendo su música para que puedan llegar al marco del Primavera Sound.

Catfish and the Bottlemen estrena "Twice"

Experiencia tras experiencia sin arrepentimientos.

El rock británico de Catfish and the Bottlemen anunció su regreso este año con una producción titulada The Ride, segunda en una carrera que comenzó en 2014 con el álbum The Balcony. En medio de una agenda literalmente atascada, pues el vocalista y líder de la banda Van McCaan dijo a su manager que aceptara todas las ofertas para presentarse en donde fuera, Catfish and the Bottlemen nos ha compartido ya dos sencillos: "Soundcheck" "7", tema que, según el guitarrista Johnny 'Bondy' Bond, ha sido de los más coreados en sus conciertos. "Probablemente ha tenido una mejor recepción que cualquiera de nuestro primer disco", declara.

CatfishandtheBottlemen_twice

Esta vez fue el productor y conductor de radio Zane Lowe quien, en su programa en Beats1 de Apple Music, estrenó el tercer adelanto de The Ride. La canción lleva por título "Twice" y habla sobre ir de experiencia en experiencia sin tiempo para arrepentirse de nada. En cuanto al sonido, sin experimentar mucho siguen fieles a su impronta.

The Ride tiene programado su lanzamiento el próximo 27 de mayo a través del sello Island Records, y para promocionarlo Catfish and the Bottlemen comenzará una gira por Norteamérica que incluirá presentaciones en el festival Governors Ball y Austin City Limits.

Autechre: nuevo proyecto en 5 partes

Autechre, dueto inglés, estrenará próximamente un trabajo dividido en 5 partes.

Pareciera que la música electrónica experimental anda al día. Ayer, la agrupación Raime estrenó "Glassed", segundo sencillo de Tooth, su segunda placa, mientras que Autechre, otra dupla inglesa integrada por  Rob BrownSean Boot, liberaron "feed1" en el programa BBC Radio 6 -puedes escucharlo en la marca 2:02:46-, primer adelanto de un ambicioso proyecto que estará dividido en 5 partes y que constará de 21 temas en total editados por la disquera Warp Records.

elseq 1-5 será el título de esta obra. Cada parte tendrá su propio arte producido por Designers Republic. Recordemos que la última entrega de Autechre se tituló Exai, esfuerzo discográfico que también fue estrenado con un arte bastante peculiar a cargo del mismo despacho de diseño.

autechre

Te dejamos abajo el arte del disco y el tracklist de esto que promete ser una pieza bastante conceptual:

 

autechre

elseq 1:

01 feed1
02 c16 deep tread
03 13xo step
04 pendulu hv moda
05 curvcaten

elseq 2:

01 elyc6 0nset
02 chimer 1-5-1
03 c7b2

elseq 3:

01 estre
02 TBM2
03 mesh cinereaL

    elseq 4:

    01 acdwn2
    02 foldfree casual
    03 latentcall
    04 artov chain
    05 7th slip

    elseq 5:

    01 pendulu casual
    02 spTh
    03 spaces how V
    04 freulaeux
    05 oneum

     

    VA/RH Música experimental y de vanguardia en el Foro Indie Rocks!

    El Foro Indie Rocks! cambió por completo para la primera edición de VA/RH Música experimental y de vanguardia.

    Para VA/RH se olvidó el escenario y se montaron todos los instrumentos en el centro de la pista, lo que permitió un ambiente más íntimo donde todos los espectadores rodeaban a los músicos, dejando a su elección permanecer de pie o sentarse y así tener el mejor ángulo para observarlos.

    Camille Mandoki, acompañada de la chelista Maria Lipkau, llenó el lugar de un ambient líquido que fluía con los efectos vocales de Mandoki, a la par que tocaba algunos acordes en el teclado y Lipkau dejaba el sentimiento en cada nota. Sin despuntes sonoros, manteniendo la linealidad en el ritmo, ambas crearon un universo delicado para todos los que gustan de este género.

    El conectar tantas máquinas requiere de tiempo. Cada dos presentaciones se realizaba un descanso de 15 minutos para reacomodar, tiempo que era utilizado para que los asistentes se relacionaran entre sí y comentaran cada show. Crujidos provenientes del alma de las máquinas sonaban con Vegan Cannibal y Eduardo Jiménez. Sonidos punzantes, sin refinar y saturados, llenaron todo el Foro y despertaron los sentidos con un sentimiento industrial, provocando el movimiento exhaustivo de un par de personas en el público.

    Relajando las pulsaciones y endulzando al oído, Aimée Theriot y Arthur Henry Fork, demostraron que los instrumentos acústicos, modificados en su ejecución, pueden fundar un nuevo alfabeto sonoro. Una mezcla de elegancia y experimentación que parecía nadar a través de las ondas sonoras, manteniendo la atención de todos aquellos que gustan por descubrir nuevos sonidos. La expectativa de ver un par de figuras se rompió por completo al escuchar los metales alborotadores y rabiosos gritos de (SIC). Un sentimiento de terror recorrió los cuerpos, la sincronía de ambos se manifestaba entre la estridencia y el silencio. La voz iracunda, acompañada de las percusiones, crearon una ecuación sonora donde el caos se disfrutaba.

    Carmina Escobar se escondía entre las sombras de la luz estática, volviendo a su cuerpo parte de la presentación. Armada con una bocina, a través de la fuerza de su boca reprodujo un infinito feedback para dar paso a los últimos dos actos.

    Timbres inconcebibles salían de las mesas llenas de sintetizadores y cajas de ritmos que tenían Heraldos Negros y Juan José Rivas, creando una caldera atmosférica de clics y beats. Sin dejar de lado el noise, por un momento Rivas musicalizó el ambiente con algunos viniles para después mezclar discos de diferentes tamaños y sonidos en la tornamesa. Para cerrar Le Trash, de la mano de Gabriel Lauber, mostraron una agresión sonora parecida a la de un concierto de metal en su inicio, al golpear poderosamente la batería, continuando con un burdel creativo lleno de matices intolerantes y explosivos.

    Alex Anwandter estrena video

    El músico chileno estrena un visual con aires de distopía.

    Alex Anwandter acaba de estrenar Amiga, 4 años después de Rebeldes, su placa debut. Amiga contiene un mensaje evidente de crítica social que no deja a un lado la esencia del pop: el álbum está lleno de cortes bailables y pegajosos, extendiendo lo que el compositor chileno inició en Odisea, su primer esfuerzo discográfico.

    Hoy que es viernes y que muchos ya llevamos la semana a cuestas, Alex Anwandter presenta el primer video para "Siempre Es Viernes En Mi Corazón", una alegoría con tintes distópicos sobre la enajenación laboral. El material audiovisual, presentado por Nacional Records -misma casa productora que estuvo a cargo de Amiga- estuvo dirigido por el mismo Anwandter y cuenta con la presencia de Ale Sergi y Juliana Gatts, miembros de Miranda!

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    "Siempre Es Viernes En Mi Corazón" cuenta una historia un poco siniestra sobre un trabajador de una fábrica que todos los días va a trabajar. La audiencia no sabrá si sus aspiraciones revolucionarias son un sueño o si sí fueron llevadas a cabo. Este clip no es la primera incursión de Alex Anwandter en la dirección. Próximamente, estrenará Nunca vas a estar solo, película que toma como antecedente el caso de Daniel Zamudio, sujeto de un crimen de odio que conmocionó a Chile y el mundo. La película, según declaraciones del artista, influyó Amiga, su nuevo disco.

    Te dejamos este oscuro video para que inicies tu fin de semana, además de una entrevista sobre lo que será su opera prima.