Tourspain presenta: Rumbo a Bilbao, BIME 2016

Log 2: la catedral de titanio

Hace más de dos décadas, el arquitecto canadiense Frank Gehry subió al monte Artxanda y contempló la gris ciudad de Bilbao. Desde ahí eligió un espacio de 24,000 metros cuadrados, justo al lado del río, donde construyó el Museo Guggenheim.

Este espacio, landmark indiscutible –comparte título con la torre Iberdrola y el estadio del Athletic)–, es un símbolo de cambio y prosperidad, pilar de la transformación de una ciudad que, hasta hace algunas décadas, era principalmente industrial, con las consecuencias estéticas y sociales que esto supone.

Hoy, el nombre Bilbao vibra en las mentes de los turistas del mundo; gastronomía boyante, calles adoquinadas y arboladas, parques, festivales de música, arquitectura moderna que se funde con los edificios antiguos… Es una ciudad joven, con luz y movimiento, y el Guggenheim es el símbolo perfecto.

El edificio, que alberga obras de nombres importantísimos, está cubierto por paneles de titanio, que resaltan su majestuosidad a lo largo del día, dependiendo de cómo lo impacten los rayos solares; puede percibirse plateado y brillante, o a veces dorado. Luisa, nuestra guía, lo compara con una catedral, pero del arte.

El Museo Guggenheim de Bilbao tiene obras de valor incalculable. Destacan las democráticas piezas al exterior: Jeff Koons, Anish Kapoor y Louise Bourgeois. Dentro, una de las más aclamadas por el público internacional, La Materia del Tiempo, de Richard Serra, una instalación colosal compuesta por planchas de acero patinable que, en su totalidad, pesan 22 toneladas.

Hoy, además de estas insignias, vimos también un Rothko, un Basquiat, una serie de Twombly, un Warhol, la exposición temporal Francis Bacon: de Picasso a Velázquez –que muestra la evolución del pintor inglés a través de quienes lo inspiraron– y una instalación audiovisual, Suspiro, de Sam Taylor-Johnson –que invita a conocer a la orquesta de la BBC sin sus trajes habituales y sin sus instrumentos, solo haciendo mímica de ejecución–.

Este año es uno de record para el Guggenheim de Bilbao, pues romperá su cifra de visitantes: a pocas semanas de que termine 2016, ya supera el millón de personas, y el número crece año con año.

Hace falta sentir su majestuosidad, recorrer sus formas y volúmenes, la arquitectura vanguardista, admirar los 11,000 metros cuadrados destinados para exposición, incluso entender la conexión del edificio con el río que lo rodea.

Al Guggenheim de Bilbao, TIENES que venir.

Para llegar, solo hace falta entrar en iberia.com, y elegir una fecha. El vuelo es directo a Madrid, donde se hace una conexión hacia Bilbao.

Camilo Séptimo en el Foro Indie Rocks!

Camilo Séptimo, entre luces que deslumbran.

Simular que el tiempo nunca se acabara. La ciudad se enciende cuando sales a bailar, te vi danzando entre luces de neón y entre tanta gente te sentí a ti. Nunca creí encontrar alguien como tú.

 “Neón”, Camilo Séptimo.

El reloj marca las 10:00. La gente que esperaba en la explanada corre al interior tras escuchar los primeros acordes de Telebit, quinteto colombiano que se encuentra promocionando su segunda producción discográfica, Dos vientos (2015).

Aprovechando el preludio de Hallowen y Día de muertos algunas personas acuden disfrazadas como catrinas y calaveras. La cerveza y el calor de la gente que abarrotan la pista nos hacen olvidar que estamos a 17°.

11:20, las luces del Foro Indie Rocks! se apagan y desde el escenario comienza a salir humo rosa fosforescente. Manuel Mendoza se para frente al micrófono para dar las gracias a los asistentes a lo que sus enardecidos fanáticos responden “¡Toca ya!”.

El frenesí se intensifica al ritmo de “Te veo en el 27” y tras cantar “Portales” el cuarteto nos sorprende con un nuevo tema, “Ser humano”, que formará parte de su siguiente material discográfico.

El humo rosa fosforescente invade de nuevo el escenario. Manuel dedica “Eres” a su novia. Los gritos hacen estremecer las paredes del Foro. La gente está emocionada no por el acto románico, sino porque es una de las canciones favoritas. La aguda voz del vocalista se pierde entre la de sus fans que cantan, más bien gritan al unísono.

En la pista no hay espacio suficiente para bailar por lo que solo nos meneamos en “nuestra zona” al ritmo que nos marcan Erick Vázquez (quitarra), Jonathan Meléndez (teclados) y Marco Alarcón (batería) en “Miénteme”.

“No confíes en mí”, canción con la que se dieron a conocer en 2014, anuncia el ocaso de la noche. De pronto parece que Manuel ya no está cantando, la voz de los fans es mucho más potente, pero eso no importa, la gente se emociona y disfruta.

Camilo se despide del Foro Indie Rocks! y de su gira con “Neón”. Pedimos otra canción, pero las luces del Foro se encienden y los músicos salen del escenario. Nosotros nos queremos quedar ahí siempre, entre luces que deslumbran.

Visita el Facebook de Camilo Séptimo para seguir todas sus noticias.

Aerosmith en la Arena Ciudad de México

¿Tour final de Aerosmith?, Indie Rocks! estuvo ahí.

Los inicios de Aerosmith fueron estruendosos, desde el principio ensuciaron sus guitarras con distorsiones muy estridentes, buscando solos muy libres, pegajosos y sin interés por lo virtuoso, añadieron ropas muy coloridas y llenas de brillitos para conseguir chicas con gusto por lo andrógino, moda de aquellos años. Pasaron a interpretar power ballads y a sembrar hits poperos a su lista para continuar satisfaciendo a sus lindas fanáticas y broders melosamente románticos.

Con un intro de “I’m a Man”, el famoso blues de Bo Diddley, hacen su gloriosa entrada al escenario, los gritos explotan, Steven Tyler, Joe Perry, Tom Hamilton, Joey Kramer y Brad Whitford, reciben todo ese amor mientras se pasean por toda la plataforma construida especialmente por su visita. Aerosmith tiene, en estas tierras, una base de fans muy fiel y escandalosa.

Al terminar de ajustarse sus instrumentos, las primeras vibraciones que nos sacuden son las de “Drawn the Line”, firmada por Perry-Tyler, un poderoso rock & roll de aquellos 1977 donde rock pesado era lo único que tenían en su catálogo. El siguiente paso de este potente recorrido es “Love in an Elevator”, llevan dos rolas y el público ya está vuelto loco, levantando los puños y coreando a volumen insalubre.

Comparten los acordes de “Cryin’” y “Crazy”, todas las chicas se desmoronan de la excitación, bailando, gritando, tomándose fotos, videos, juntando a su grupito de amiguis para la selfie del Instagram, pero cuando suenan, con estruendoso y destructivo poder, “Rats in the Cellar”, “Last Child”, hits del 76 o incluso “Eat the Rich” del 93 que ni sencillo llegó a ser, las sonrisas se apagan, la celebración descansa un poco a pesar de que todas tienen tremendos solos, acordes potentes, melodías pegajosas, la combinación perfecta para un clásico de rock pesado.

De su primer disco interpretan “Walkin’ the Dog”, original del bluesman Rufus Thomas, se escucha por ahí “Rag Doll” y para seguir taladrando nuestros cráneos continúan con “Stop Messin’ Around”, original de Fleetwood Mac, en voz de Perry y Steven en armónica, esto es una fiesta para los que somos más allegados de la era rasposa de Aerosmith, mientras unos sacuden la cabeza, hacen guitarras de aire y mueven los brazos imitando el sonido de la batería, otros parecen preguntarse ¿qué hago yo aquí?

Hubo momentos muy memorables, Steven conviviendo con sus fanáticas de antaño, mujeres finas, de buen vestir, con pelo cano y lindas arrugas dibujadas en sus rostros. Los ceños fruncidos de todo Aerosmith mientras tocaban uno de los sets más ponchados que han presentado en México, quizás son gestos que han hecho durante toda su vida, pero con las arrugas parece que estaban haciendo un esfuerzo supremo por tocar tan poderosas rolas. Obviando un poco el bodrio de “I Don’t Wanna Miss a Thing”, todo el set fue precioso, poderoso y satisfactorio. Por otro lado, esta será la última vez que escucharemos todas estas canciones en vivo, ¿o no?

AFI anuncia nuevo disco

La banda AFI anuncia su regreso, da detalles de su nuevo disco, The Blood Album, y revela dos canciones.

Desde hace tiempo los integrantes de AFI se mantienen gracias a los proyectos que tenían fuera del grupo. Especialmente su líder, Davey Havok, quien en este año se unió a algunos miembros de No Doubt para crear un nuevo grupo el cual no incluía a la cantante Gwen Stefani. A pesar de estar negociando un contrato discográfico con su nueva banda, que por cierto aún no tiene nombre oficial, Havok acaba de anunciar el regreso del grupo que lo hizo saltar a la fama.

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AFI anunció su décimo álbum de estudio, el cual se llamará AFI: The Blood Album. Además compartieron dos canciones que se desprenderán de ese disco cuyos títulos son: "White Offerings" y "Snow Cat". La banda originaria de California no había hecho ningún lanzamiento desde 2013 con Burials.

El disco saldrá el 20 de enero del próximo año, fue grabado en el estudio Megawatt en Los Ángeles, además fue producido por Jade Puget en conjunto con Matt Hyde, integrante de Deftones. Este álbum será el primero de la banda en salir a través del sello Concord Records.

Pueden escuchar estos dos temas justo aquí:

Café Tacvba lanza su propio canal en YouTube

La independencia le ha sentado bien a Café Tacvba.

Después de anunciar el separamiento de su disquera pasada, para seguir su camino como banda independiente –tal como en el comienzo–, Café Tacvba también compartió que publicaría nuevo material el próximo año.

Se trata de Un Par de Lugares, álbum en el que nuevamente trabajaron con Gustavo Santaolalla, y del cual publicaron un video recientemente. El clip elegido fue el tema que le da nombre al disco, y en él podemos ver a la campeona oaxaqueña de surf Leila Takeda, abrazar con su tabla, las preciosas olas de los mares mexicanos.

Por si fuera poco, los "tacubos", también se encuentran celebrando que lanzaron su propio canal de YouTube, en el que colgaron el videoclip antes mencionado.

Ayer por la noche y como forma de agradecimiento para todos los fans que los están siguiendo en esta nueva etapa, la banda ofreció un showcase secreto en la Universidad del Claustro de Sor Juana.

No podíamos dejar de asistir para darles la bienvenida a la escena que los vio nacer, y ellos no perdieron oportunidad de expresar sus mensajes políticos e invitar a su público a alzar la voz.

Checa toda la galería capturada por el lente de Jaime Fernández (@jaimefphoto):

Cafe Tacvba 2016

Cafe Tacvba 2016

Cafe Tacvba 2016

Cafe Tacvba 2016

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Cafe Tacvba 2016

Cafe Tacvba 2016

Cafe Tacvba 2016

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Cafe Tacvba 2016

Cafe Tacvba 2016

Sigue a Café Tacvba en sus redes oficiales para más información:

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The Heartbreakers, Blondie y más, juntos por beneficencia

Integrantes de Blondie, MC5, The Heartbreakers y The Replacements, forman agrupación para un concierto benéfico.

Muy pocos recuerdan el disco L.A.M.F. acrónimo de like a motherfucker, lanzado por The Heartbreakers en 1977. Este fue el único álbum de estudio de la banda, cuya formación es muy curiosa, pues fue creada por Richard Hell después de ser expulsado de Television, llevándose consigo a Johnny Thunders y Jerry Nolan, quienes anteriormente habían estado en New York Dolls. Esta agrupación fue ovacionada por la energía que mostraban durante sus presentaciones, así como la actitud destructiva y la fama previa de los músicos.

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Se puede decir que The Heartbreakers fue un súper grupo en su momento, y ahora casi 40 años después del lanzamiento de su álbum y tras la muerte de Thunders y Nolan, una nueva agrupación emerge para que aquel disco vuelva a ser interpretado. Esta banda estará conformada por Wayne Kramer de MC5, Tommy Stintson de The Replacements, Clem Burke de Blondie y Walter Lure, el único que estuvo en la grabación de L.A.M.F.

Esta idea surgió con el fin de recaudar fondos para Stephen Saban, a quien muchos le deben su fama, pues durante los años setenta promovió la escena punk en Nueva York junto a Hilly Kristal, dueño del emblemático club CBGB. El dinero irá directo a la fundación que creó la hija de Saban para costear el tratamiento del periodista, quien tiene cáncer de páncreas.

Muse versiona a The Cramps por Halloween

Muse revela "New Kind Of Kick", un regalo de Halloween para todos sus seguidores.

Hace un par de días, Matt Bellamy, líder de la agrupación, subió a su cuenta de Instagram una fotografía de la banda vestidos con chamarras de piel y peinados excéntricos, además de una imagen de la leyenda de las películas de terror clase B, Cassandra Peterson, mejor conocida como Elvira, amante de la obscuridad. Hasta ese momento lo único que sabíamos era que estaban trabajando en algo especial por la festividad de Halloween, pero hoy en la mañana se dio a conocer un video el cual es la sorpresa que todos estábamos esperando.

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La canción “New Kind Of Kick” fue la elegida para el video dirigido por Tom Kirk, el media manager del grupo. Es necesario aclarar que este tema es originalmente de The Cramps, famosos dentro del género del psychobilly, una fusión entre el punk y el rockabilly que cuenta con elementos del horror cinematográfico. En las tomas podemos ver al vocalista de Muse personificando al fallecido Lux Interior, integrante de aquella banda clave en la historia de la música, también vemos al baterista Dom Howard con la nariz cubierta de sangre falsa.

Pueden ver el video justo aquí:

PREMIERE: Marcol revela la canción "Optimista"

Marcol estrena con nosotros "Optimista" segundo sencillo de Receptor, su nuevo EP.

Pronto podremos escuchar lo nuevo de Marcol, un joven músico que se está abriendo paso dentro de la Ciudad de México, por la calidad de sus presentaciones en los foros y escenarios más importantes de la escena independiente de la capital. Además de ganarse las miradas y comentarios positivos de los medios por su estilo, una especie de dreampop melódico con sintetizadores, algunos toques electrónicos y un ritmo fuertemente influenciado por el trip hop. Todos los elementos que componen su música hacen de ella algo hipnótico y atrayente, pues todo se acopla, las letras simples y precisas mantienen la naturalidad del sonido, así como la moderación en la calidad vocal.

marcol tuirer

Ahora el cantante estrena con nosotros el tema “Optimista”, segundo adelanto de Receptor, su próximo EP. Esta canción destaca por la colaboración del compositor y cantante mexicano Juan Manuel Torreblanca. La canción fue grabada en la Ciudad de México y masterizada en Berlín, teniendo un sonido muy superior al de muchos músicos emergentes. Es por eso que el intérprete no se limita con nada y nos entrega audazmente una combinación poco usual entre lo electrónico y lo orgánico, produciendo algo sintetizado pero envolvente.

Sobre esta canción esto fue lo que opinó Marcol: "Creo que este track es un buen hilo conductor entre el sonido de mi primer EP y el sonido del nuevo material que estoy por lanzar, el cual considero más maduro y transgresor. Hubo más trabajo de arreglo en comparación con mis temas anteriores y contar Juan Manuel Torreblanca, a quien aprecio y admiro mucho, es algo que me pone muy contento".

Marcol (Optimista artwork)

Si ya ansían escuchar a Marcol en vivo seguro lo podrán hacer muy pronto, pues es uno de los músicos más solicitados en este momento, aunque por ahora podrán sosegar sus inquietudes con el nuevo tema que decidieron estrenar a través de Indie Rocks!:

PREMIERE: Okills estrena el video "Asesina"

Date un chapuzón con el nuevo video de Okills y adéntrate a una historia de des/amor.

La mayoría de las personas pierden la confianza en alguien cuando son engañadas y traicionadas. Algunos pueden vivir con eso, pero lo correcto sería alejarse de ellas. "No me vengas a llorar, no te voy a perdonar. Tú te portaste mal, mal", es lo que nos dice Okills en su nuevo sencillo titulado "Asesina", mientras que el video es un testimonio visual que le queda como anillo al dedo a la canción.

okills

Es un día soleado en lo que parece ser una casa de verano. Hombres de diferentes edades e incluso una mujer se ven atraídos por una joven que, conforme avanzan los minutos, descubriremos se trata de una asesina de relaciones, siendo su principal arma la belleza y sensualidad que irradia. La dirección de este visual corrió a cargo de Charlie Nelson Moreno Saavedra y realiza un estupendo trabajo, desde la fotografía hasta la paleta de colores seleccionados en la dirección de arte.

Okills es una agrupación oriunda de Caracas que en 2015 decidió emprender el vuelo y aterrizar en la Ciudad de México para comenzar su aventura. Desde su llegada los venezolanos han pisado fuerte presentándose en diferentes festivales del país. Actualmente se encuentran gira por Latinoamérica promocionando su álbum América Supersónica y muy pronto los podremos ver en el Lunario del Auditorio Nacional.

Encuentra una entrevista con Okills en nuestro impreso #95

Kaiser Chiefs – Stay Together

Los Kaiser Chiefs juntos y demasiado revueltos.

Mucho se ha dicho acerca de este quinteto de Leeds, Inglaterra y de su no tan diverso devenir musical. Que si son herederos tardíos de The Jam, que si son los nuevos Blur para que nos recuerden a las épocas del glorioso Parklife, que si son de las pocas bandas de estadio que realmente arman un escándalo (no por nada tienen un tema que alude a esa misma palabra). Lo cierto es que han tenido una trayectoria consistente con un estilo, que los ha visto transformarse de mods bien vestidos y un poco irreverentes a cinco chavales más relajados pero con el mismo estilo glam/jangle que nos traen de vuelta a los 60 y de regreso a la época de pantallas touch y ciberataques. Bueno, hasta que su vocalista, Ricky Wilson, entró a The Voice UK.

Quizás esta sea la razón primordial por la cual Stay Together, su sexto álbum de estudio, suene tan encaminado tanto para los participantes de dicho reality show como para los que lo ven. O quizás sea otro intento más de una banda tratando de acoplarse a estos tiempos, donde el concepto de ensamble clásico de rock no tiene lugar frente a sintetizadores, beats animados o artistas invitados de dudosa procedencia. Bloc Party lo sabe; Tame Impala lo sabe; Coldplay lo sabe; Mumford & Sons lo sabe. Quizás todo se trate de un error y un experimento loco. Esperemos que sí.

El disco abre con una especie de intercambio de bandera en “We Stay Together”, despidiéndose un poco de su estilo guitarrero y abriendo paso al synthpop que dominará gran parte del álbum. Desafortunadamente, no nos tocarán temas con ideas y combinaciones interesantes (a falta de una mejor palabra) durante el resto del disco. Los temas que escogieron para ser sencillos, “Parachute,” y “Hole in My Soul” bien podrían ser temas para “El Show de Ricky,” una especie de promesa/profecía para que Wilson pronto se lance como solista y se olvide de que alguna vez hiciera temas para sonorizar buenos tiempos en un pub como “Everything is Average Nowadays” o “Ruby”. El resto de la banda no tiene mucho que hacer aquí, olvidando los infravalorados talentos de Andrew White como guitarrista furioso, de Simon Rix como bajista sutil o del nuevo baterista, Vijay Mistry, como digno nuevo miembro. Sólo “Peanut” Baines sale un poco mejor librado porque, bueno, no puedes tener synth pop sin los synths.

La lista sigue. “Good Clean Fun” e “Indoor Firework” suenan como fondo de cuanto te andas probando nuevos outfits en tu boutique hip de cabecera. “Why Do You Do It To Me?” tiene mejor suerte, porque aprovecha la agilidad innata de los Kaisers por hacer coros desesperados y memorables a la vieja usanza, aún si la voz de Wilson se pierde entre reverbs, filtros y demás artificios del siglo XXI. Al final, “High Society” y “Sunday Morning” son un premio de consolación para los fans de hueso colorado, (o para quienes se hayan quedado al final), ofreciendo destellos de su característico sonido en medio de toda esta fiesta sin mucho sentido.

La diferencia con grupos como los ya mencionados Tame Impala o Coldplay, es que hicieron esa transición no olvidándose de su sonido o sus capacidades, ya sea canalizando la psicodelia o la melancolía de estadio con ayuda de estos nuevos elementos. Los Kaisers se pierden un poco en el camino y arriesgan el perder su identidad como muchachos desenfadados que traen las burlas y consternaciones de los Kinks a este siglo, cosa que los ha hecho vitales. Aquí ni siquiera parece que hacen el esfuerzo y suenan demasiado dispersos, como músicos y autores, pese a que el título del disco insiste en que “siguen juntos.”

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