Wilco anuncia reedición de 'A.M.' y 'Being There'

Los dos primeros discos de la banda serán remasterizados y lanzados en formato vinilo, además de incluir bonus tracks.

Wilco, banda de Chicago nacida en 1994, ha anunciado la reedición de sus dos primeros álbumes de estudio, su debut A.M. de 1995 y el sucesor Being There de 1996. Los materiales contendrán pistas inéditas, versiones alternativas, grabaciones en vivo, entre otras sorpresas. Además, el audio de ambas placas se someterá a remasterización. Wilco nació tras la decisión de Jay Farrar de abandonar el grupo de country Uncle Tupelo.

Los fans de Wilco pueden elegir entre una variedad de formatos: A.M. será lanzado en CD y en un LP doble, y Being There será lanzado como una colección de cinco CDs o un conjunto de cuatro LPs. Los seguidores de la banda también podrán escuchar el streaming digital o adquirir las copias de vinilo en color de edición limitada.

Wilco recientemente homenajeó al recién fallecido Tom Petty covereando "The Waiting". En agosto, lanzaron una nueva canción titulada "All Lives, You Say?" para la benéfica institución Southern Poverty Law Center. El álbum más reciente de la banda es Schmilco y fue lanzado en 2016.

Las reediciones serán lanzadas el 1 de diciembre bajo Rhino Records (Tori Amos, Pet Shop Boys, R.E.M.), pero ya se pueden preordenar a través del sitio oficial de Wilco. Desafortunadamente la banda nunca ha visitado nuestro país, ni tampoco ha agendado un tour por Latinoamérica, pero siempre existe un rayo de esperanza para sus fans esperando pronto den la sorpresa y ofrezcan una fecha en México. Mientras tanto, escucha una versión en vivo de “Passenger Side”, grabada en Troubadour en Los Angeles en el año de 1996:

Nancy Spungen, más que una groupie

A casi 40 años de la muerte de Nancy Spungen, desenvolvemos el mito de la musa nauseabunda.

Casi cualquiera que tenga nociones de historia musical conoce el nombre de esta mujer. Algunos la consideran como la culpable de la caída de Sex Pistols, otros como una de las figuras sexuales más importantes de la industria, e incluso muchos la toman como un símbolo feminista. Pero la única realidad innegable es que no se puede mencionar a Sid sin Nancy, al igual que fue una pieza importante dentro de la banda más grande del Reino Unido en la década de los setenta. Es fácil odiar a la estadounidense, pero logró pasar de ser una groupie a la imagen del punk, por lo menos para las mujeres, casi una virgen, quien surgió en el momento y lugar indicado, o por lo menos a la persona indicada.

Nancy Spungen tenía todas las de perder desde desde el principio, mudándose a New York a la escasa edad de 17 años, la escuela sin acabar y el dinero para solo una noche de hotel. La joven dejó atrás una vida en la tranquila Pennsylvania, donde ya tenía fama de ser agresiva y mentalmente inestable. Pronto, cuando se acabaron sus ingresos, empezó una carrera como stripper, que terminó en prostitución, dealer y finalmente groupie. Su trayecto en este ámbito fue difícil, pues muchas mujeres como Sable Starr le hacían la vida imposible por no representar la vida de una "seguidora", además de que era un ambiente muy competitivo. Según los comentarios de la gente, Nancy no mentía respecto a su vida, no alardeaba ser modelo y bailarina, sin ningún problema aceptaba que era prostituta.

Entre las conquistas de Spungen estuvieron David Johansen y Syl Sylvain de The New York Dolls, los integrantes de Ramones e Iggy Pop, que le dieron gran fama y la posicionaron en los puestos más altos. Su logro más grande en Estados Unidos fue irse de gira con Aerosmith, aunque fue con los miembros The Heartbreakers –primero Johnny Thunders y luego Jerry Nolan– con los que hizo su gran viaje a Inglaterra, siendo después abandonada por la agrupación de Richard Hell.

A pesar de no ser muy comentado, la primera conexión que tuvo Nancy Spungen con los Sex Pistols fue cuando pasó dos noches en la cama del vocalista Johnny Rotten, aunque él solo quería a alguien con quién hacer tonterías en la calle y no precisamente para tener sexo. Cuando Rotten se aburrió la desechó al momento y fue rescatada por Sid Vicious, con quien iniciaría una una polémica relación que acabaría con un trágico final.

En esos tiempos, Sid Vicious era alguien paranoico debido a las drogas, lo que desmiente el mito de que su novia lo enganchó. El bajista tenía muchas dudas acerca de su sexualidad y fue con Nancy cuando pudo descubrir ese lado. Quitándole ese gran problema, el músico obtuvo más confianza y dio paso a su actitud agresiva y desinteresada, razón por la que es famoso, ya que no tenía idea de cómo tocar un instrumento. Las peleas arriba o fuera del escenario eran algo recurrente, pero siempre que se veía en desventaja numérica Nancy salía a su rescate, a diferencia de sus compañeros que seguían tocando.

Cabe mencionar que Nancy no fue en realidad la culpable de la caída de Sex Pistols, simplemente estaba en el ojo de la tormenta. Sid no era alguien que pudiera tomar decisiones por su cuenta, o seguía a Rotten o a su novia, eso era lo que causaba tensión, una lucha de poder por el showman de la banda. También el fracaso en su gira por Estados Unidos poco tuvo que ver con su pareja, pues la mantenían tan alejada que Sid Vicious se acostó con un transexual por su parecido a ella.

Todo terminó para la groupie más famosa cuando un día como hoy pero de 1978 fue hallada muerta a los 20 años en el enigmático Chelsea Hotel, apuñalada en el baño por la navaja que Dee Dee Ramone le regaló a Sid durante su visita a New York. Pero Spungen ya tenía la fama de Marianne Faithfull o Pamela Des Barres y su asesinato solo la convirtió en una figura con carácter de mito. Bajo sus propios medios Nancy tuvo un ascenso tan enorme enorme como fugaz, algo casi imposible y que no se recomienda repetir.

Carla Morrison en el Teatro Metropólitan

Dualidad suprema en el Metropólitan: Carla Morrison y su evolución.

Si pensamos en cantantes mexicanas actuales, que sean reconocidas y sean vigentes, la lista puede mermarse; una de las más populares es Carla Morrison, una mujer controversial por razones ajenas a la música, que es sin duda, su fuerte. Anoche, la nacida en Tecate, Baja California, abarrotó el Teatro Metropolitan con la promesa de dejar el alma en lo que sería la última fecha del Amor Supremo Tour en México.

La cita comenzó con la amena participación de la rebelde Tessa Ia como un rico tentempié; con su disco Correspondencia prendió a los que aguardaban y no desentonó; con tracks como “Acicálame”, “Elefante”, “Circo” y “Cascabel”, la gente que no la conocía se llevó un buen sabor de boca y lo que ya la conocían, disfrutaron verla adueñarse del escenario.

Llegó el turno de la cantante norteña de salir al escenario y, a las 20:45 H, enfundada en un elegante y cómodo atuendo en blanco y negro, sonó el riff de “No vuelvo jamás” entre globos blancos y su banda en ese mismo color, para atraer buenos pensamientos y paz al recinto. “Me Encanta” fue la siguiente en escucharse y los fans la coreaban a todo pulmón. Carla Morrison estaba notablemente agradecida y se tomó unos minutos, antes de interpretar “Olvidé”, para incitar a seguir los instintos, a olvidarse del bien y el mal, a despegarnos de los teléfonos y reconquistarnos entre nosotros; de paso, un video promocional del documental que, aseguró, veremos el próximo año y que llevará por nombre Todo Pasa: Carla Morrison.

Una de las favoritas de la noche fue “Pan Dulce”, bien conocida por los fans; “Vez Primera” y “Flor Que Nunca Fui” agradaron al público, pero con “Maleza” y “Disfruto”, todos quedaron encantados. Durante las casi dos horas de concierto, Carla expresó su agradecimiento y aseguró estar en un momento bueno en su vida personal y profesional; una dualidad notable que reflejó en su vestimenta, y que se destaca con sus dos álbumes de estudio Déjenme Llorar, una muestra del desamor en su máxima expresión y Amor Supremo, con una Carla Morrison entregada al amor, mucho más feliz y madura.

Durante todo el concierto, la cantante se acompañó de su guitarra acústica como su mano derecha y de manera acertada, se incluyó al violonchelo y a su banda, haciendo un complemento perfecto. Las canciones más emblemáticas de Carla sonaron, con éxitos como “Te Regalo”, “Pajarito Del Amor”, “Un Beso” y, “Todo Pasa”, a la que acuñó todo el sentir del sismo, para los afectados por esa razón pidió paz y resignación para ellos.

Una versión extraña de “Hasta La Piel” brindó un momento esperado y cerró el repertorio del amor con “Déjenme Llorar” y “Tu Orgullo”, que fue coreada por todo el recinto al unísono. Para interpretar “Azúcar Morena”, explicó que está orgullosa de sus raíces, que prefiere a los hombres de tez morena y que escribió esa dulce canción para uno de ellos.

Las muestras de música agradable estuvieron al día, el poder vocálico tan característico de Carla Morrison quedó de manifiesto y no queda más que esperar el próximo documental, un nuevo tour mexicano y que la inspiración caiga a la tinta de la norteña para un tercer álbum como golpe de autoridad en la consagración de su carrera.

Pearl Jam: Let's Play Two

Dos pasiones, un escenario: Pearl Jam estrena Let's Play Two.

No es la primera vez que una cámara registra un concierto de Pearl Jam, ni tampoco es la primera ocasión que un director filma un documental sobre uno de los cuatro pilares del sonido grunge norteamericano. Pero Let's Play Two no solo hace ambas cosas, sino que lo hace de manera magistral y emotiva.

El largometraje de Danny Clinch (quien previamente había realizado otros trabajos en torno a personalidades y agrupaciones como Bruce Springsteen, Van Morrison y Audioslave) resulta ser un atractivo combo, en donde por una parte, se capta la energía y el sentimiento que Eddie Vedder; Jeff Ament; Matt Cameron; Stone Gossard y Mike McCready derrochan en el escenario, a través de 17 temas representativos abarcando sus 25 años de trayectoria. Así, los fanáticos de la banda podrán disfrutar de canciones emblemáticas como “Lightning Bolt”; “Inside Job”; “Last Exit”; “Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town” y desde luego “Release”; “Alive” y “Jeremy”.

Pero Let's Play Two ofrece algo más: el filme fue grabado en el estadio de Beisbol Wrigley Field de Chicago, Illinois, hogar de los Cubs; los cuales en 2016 ganaron allí la Serie Mundial tras 108 años de no haberlo conseguido. Tan histórico hecho tuvo resonancia a nivel mundial y desde luego, la euforia por el equipo invadió a propios y extraños. Y dado que Eddie Vedder es seguidor incondicional del equipo desde muchos años, el cineasta Clinch decide explotar esa veta, y ofrecer un relato donde homologa la emoción y el punto más climático del concierto, con la temporada de los Cubs del 2016, cuyo triunfo estuvo en suspenso hasta celebrarse el último juego.

Así, el filme gana una emotividad inusitada, al exponer no solo la devoción de Vedder por su equipo, sino lo profundamente significativo que resultó para él tocar allí poco después de la victoria de los Cubs. Y la euforia de los fanáticos y la de los fans de Pearl Jam se fusionan y se vuelve una sola, hermanando la pasión deportiva con la musical, haciendo de este una carta de amor a la ciudad y sus habitantes, al equipo, y a los seguidores leales al grupo durante años.

Este emotivo trabajo es complementado por las apariciones (durante el concierto de la banda) de personalidades como el basquetbolista Dennis Rodman o el beisbolista José Cardenal, legendario integrante de los Cubs por el cual Eddie siente una gran admiración.

Let's Play Two se vuelve así una experiencia única e indispensable para los fans de Pearl Jam (e indirectamente, para los que gustan del béisbol), y no solo ofrece un memorable concierto, sino una acercamiento muy íntimo al grupo y a su inconfundible vocalista y frontman.

El filme se exhibe de forma exclusiva en Cinépolis en una sola fecha: el 12 de octubre.

Y para aquellos que permanecen en la sala de cine hasta el final de los créditos de una película, Let's Play Two les tiene deparada una pequeña recompensa a su paciencia.

Green Day anuncia álbum de hits: 'God’s Favorite Band'

La banda californiana anunció un disco recopilando sus mejores canciones tras 31 años de carrera, además se incluirán dos nuevos temas y se estrenó un visual para "2000 Light Years Away”.

Green Day ya tiene un álbum de grandes éxitos titulado International Superhits! lanzado en el 2001. Eso fue antes de que la agrupación lanzara su aclamado American Idiot, lo que significa que cubre el período en que la banda tenía seis placas. Pero ahora, se prepara para lanzar otro material de grandes éxitos, el cual cubrirá toda la carrera de la banda, incluyendo su paso por el sello Lookout!, donde terminarían su contrato por malas gestiones de la casa productora.

La nueva colección se estrenará el próximo mes, y se llama God's Favorite Band. Incluirá 20 canciones que son consideradas éxitos y dos nuevas pistas: "Back In The USA" y una nueva versión de "Ordinary World", una balada del año pasado del álbum Revolution Radio, que contará con la participación de la estrella country Miranda Lambert. Recientemente, la banda publicó un video inédito para “2000 Light Years Away”. El visual, es una compilación de cortos clips de Green Day que interpreta la canción en varios lugares a principios de los 90.

La colección de los éxitos se presenta cronológicamente, comenzando en producciones de 1991 y moviéndose hasta lo más novedoso de su repertorio. Green Day quiere hacer de esto una gigantesca celebración, pues sacará una extensa mercancía conmemorativa como playeras, sudaderas, veladoras, pines y el recopilatorio en formato CD y vinilo. Todo esto será lanzado el 17 de noviembre y ya se puede preordenar.

En el tweet de la banda donde anunciaron el proyecto, también presentaron el lanzamiento de un nuevo video musical, y agradecieron a Stephen Colbert, quien inspiró el título del álbum con un sketch que hizo para presentar a la banda en su programa. Lee la reseña de Corona Capital 2017, evento donde se presentó hace menos de una semana la mítica banda. Aquí puedes ver el tracklist del próximo material:

Otro adelanto de los Yeah Yeah Yeahs

Yeah Yeah Yeahs se prepara para el relanzamiento de Fever To Tell con "Black Tongue".

Hace unas semanas, la agrupación liderada por Karen O anunció la reedición de su álbum debut por su 15 aniversario, aunque lo que causó más revuelo fue que dentro de esta versión de lujo vendrían demos inéditos y ocho B Sides. Este material saldrá en unos cuantos días, por lo que los estadounidenses han revelado otra adelanto de las sorpresas que vendrán.

El reciente estreno de Yeah Yeah Yeahs es una versión alternativa de "Black Tongue", tema que si fue publicado en el disco, a diferencia de sus predecesores: "Phone Jam" y "Shake It". Esta nueva publicación tiene un ritmo más aletargado que la original, así como vocales más enérgicas por parte de Karen O.

Además, hace poco Yeah Yeah Yeahs reveló el trailer de un documental que aborda su gira por el Reino Unido en 2003, justo cuando estaban promocionando su primer álbum de estudio, por lo que las celebraciones de este aniversario serán de los más relevante en los próximos días.

La reedición de Fever To Tell llegará a las tiendas el 2o de octubre a través de los sellos discográficos Interscope y UMe Records. El box set de lujo con disco de vinilo de 180 gramos estará limitado a 2000 copias. De igual manera, los primeros 500 que preordenen el disco tendrán un cassette donde vienen otros demos como "Phone Jam".

Puedes escuchar ambas versiones de "Black Tongue" justo aquí:

 

 

Vaya Futuro con todo para su nuevo disco

A tan solo un día del lanzamiento de Tips para ir de viaje, conoce algunos detalles sobre el disco de Vaya Futuro.

Vaya Futuro, una de las sensaciones norteñas de los últimos años, unió fuerzas con la disquera chilena Quemasucabeza para lanzar su nuevo disco Tips para ir de viaje.

Para este nuevo material, los tijuanences contactaron al productor Justin Douglas (Simple Plan, Celine Dion, Alejandro Sanz, entre otros) con el que lograron consolidar su sonido e incluso llevarlo a un punto más alto, ya que se trata de una banda que maneja muchas atmósferas instrumentales. Como plus, el master fue realizado en los legendarios estudios de Abbey Road, por lo que ya se pueden imaginar el resultado final.

El disco sale el viernes 13 de octubre aunque, si eres de esos que no se pueden esperar, un día antes, hoy (jueves 12), la banda realizará una dinámica a través de sus redes para que los verdaderos fanáticos puedan descargarlo.

También habrá una presentación especial el próximo 23 de noviembre, pero eso ya se los contaremos después.

Mientras tanto te dejamos con la canción que le da nombre al disco: "Tips para ir de viaje".

“Esta canción marca un gran cambio en el sonido de la banda pero el disco completo, como cualquier viaje, guarda muchas sorpresas”, comenta Vaya Futuro.

 

Belle & Sebastian lanzará 'How to Solve Our Human Problems'

La banda escocesa Belle & Sebastian anuncia la salida de How to Solve Our Human Problems, trilogía de EPs lista para ver la luz en los próximos meses.

Formados en 1996 y con casi una decena de álbumes editados, Belle & Sebastian ha logrado ocupar un lugar especial en la música independiente. Más allá de su larga trayectoria, su sonido único –amasijo de agridulce y nostálgica alegría–, ha sido el compañero perfecto de aquellos weirdos que más de alguna vez nos hemos sentido perdidos en la dinámica de los tiempos modernos.

Siguiendo la ruta que tomaron en 1997 al editar los EPs Dog on Wheels, Lazy Line Painter Jane, 3.. 6.. 9 Seconds of Light; el día de ayer se anunció el lanzamiento de una nueva trilogía bajo el nombre de How to Solve Our Human Problems.

En este nuevo material, la agrupación oriunda de Glasgow optó por cambiar la dinámica utilizada en sus últimos discos, alejándose de la rigidez creativa que implica entrar a un estudio de grabación por pocas semanas, para ir construyendo los temas que lo compondrían con la libertad y el tiempo que cada uno requiriera. Así fue como año y medio después, –tras visitar seis estudios distintos e innumerables horas de trabajo en casa– nacieron los 15 temas los integran.

How to Solve Our Human Problems toma su nombre de un libro escrito por el monje budista Gueshe Kelsang Gyatso, mismo que inspiró la lírica del cantante y compositor Stuart Murdoch para indagar más profundamente en la emoción y la espiritualidad humana.

El primer EP de esta trilogía  (de la cual hace no mucho se estrenó el tema "We Were Beautiful") está programado para salir el 8 de diciembre; el 9 de enero habrá una segunda entrega, y el 17 de febrero saldrá la última parte. El lanzamiento de los EPs culminará con un CD recopilatorio y un box set en vinilo que contendrá todos materiales.

Un segundo sencillo llamado "I’ll be Your Pilot" acompaña el anuncio de este nuevo material. En el, Murdoch echa mano del imaginario del clásico libro infantil El principito para escribir a su primogénito aquellas reflexiones que rondan la mente de un reciente padre.

 

 

The Sherlocks — Live For The Moment

Live For The Moment: Un debut inmejorable.

La banda británica pasó un buen tiempo abriéndose camino entre la escena independiente de Europa, teloneando giras para Richard Ashcroft e incluso The Buzzcocks. Además, dieron mucho de qué hablar al ser el primer grupo sin disquera ni un álbum publicado en lograr un sold out con una gira por el Reino Unido.

El disco inicia con “Will You Be There?”. Con esto los ingleses van por lo seguro, ya que es un tema potente, perfecto para abrir este material, además de que llegó al número uno en las listas de sencillos en su país.

Le sigue el tema que le da nombre al álbum, uno de los mejores en realidad. Se puede notar la influencia de los Arctic Monkeys y otras agrupaciones británicas de principios del año dos mil como Bloc Party e incluso Razorlight, por los elementos que van entre el garage y el post punk, además de contar con una melodía que a mi parecer tiene un estilo cercano al new wave. Esto se repite con "Escapade", aunque esta me recuerda más a bandas como Interpol y Editors.

Después de que la banda nos presentara todos sus éxitos, en los que el dominio del tiempo se hizo presente, logran su verdadero sonido, algo único y que no depende de nadie. "Chasing Shadows" nos muestra un lado nuevo de The Sherlocks pero también un estilo fresco, nada que hubiéramos escuchado este año.

Con "Blue" la cadencia se mantiene, aunque se adquiere un tono más suave por parte de las guitarras y la batería. Lo que más destaca de este tema es la letra, pues plasma todo el camino que pasó el grupo en busca del éxito, pero se puede adaptar a cualquier situación.

A diferencia de su antecesora, "Nobody Knows" inicia con fuertes riffs, que hacen una pausa cuando entran las vocales. En poco más de seis minutos se nos presentan diferentes texturas, pero en general podemos decir que todo va en acenso para que sobresalga el coro. Pasa algo parecido con "Was It Really Worth It?", pues tiene un intro muy interesante, aunque aquí la sutileza de los elementos lo hacen una canción olvidable, pero cabe mencionar el buen trabajo de la batería y la letra.

Baja la energía con "Turn The Clock" y –a pesar de que ya habíamos dejado las influencias de Arctic Monkeys muy atrás– este recuerda mucho al álbum solista de Alex Turner, debido al ritmo acompasado acompañado por la guitarra acústica y algunos toques instrumentales, incluso el tono de voz se asemeja.

La calma termina con "Last Night", pues desde el primer segundo suena una fuerte batería. Con este tema, al igual que con "Heart Of Gold" volvemos al estilo que nos mostraron al inicio del disco.

"Motions" es la última sorpresa de The Sherlocks, pues empieza con una grabación tipo lo fi donde se puede escuchar solo una guitarra acústica y al vocalista. Sin embargo, a los pocos segundos explota, evolucionando en una especie de indie folk. Para el final, los británicos buscan cerrar con algo emotivo y "Candlelight", que cumple con esto y resume todos los sonidos que abordó la banda.

Con este disco, The Sherlocks confirma que es una banda a la que hay que seguir de cerca, no es un álbum que los catapulte a la fama, pues ya se están comiendo al Reino Unido y empiezan a crecer en Latinoamérica. Pero sin duda crecerán a pasos agigantados y pronto tendrán un lugar importante en festivales como el Glastonbury o el Lollapalooza, así como en las listas de ventas.

 

Filthy Friends — Invitation

La intención rebelde de Filthy Friends.

Músicos multifacéticos con carreras consolidadas como Peter Buck (R.E.M.) y Corin Tucker (Sleater-Kinney), fueron la base para crear Filthy Friends, un proyecto que se complementó con Bill Rieflin (King Crimson), Scott McCaughey y Kurt Blorch (The Minus), quienes fueron el punto de encuentro para completar lo que ahora es una superbanda, proyecto que ya tenían planeado desde hace algunos años y con este álbum retoman en serio, confirmando su participación en algunos festivales.

Invitation, es su primer material de larga duración de la agrupación, un álbum que comienza con “Despierta”, tema que, a pesar de las influencias musicales de cada uno de sus miembros, consigue expresar de alguna manera la personalidad de la banda en una esencia de protesta, que logra ser el soundtrack inolvidable para lo que fue la polémica temporada electoral de los Estados Unidos.

Continuando con “Windmill y “Faded Afternoon, caracterizadas por la influencia clave de Peter Buck y su experiencia con R.E.M. al adaptar parte de su estilo con su distintiva manera de componer, demostrando que, a pesar de ser un nuevo comienzo, siempre es bueno mirar hacia atrás.

Por otra parte “Any Kind of Crownd, pieza que, comienza con la ligera velocidad de la parte instrumental, continúa con la combinación entre la ágil voz, distinguida por sus coros, mismos que se van perdiendo con el resto de la canción, consiguiendo un sonido que se acerca lo retro.

Con “Second Life, “Come Back Shelley y “Brother, temas que, por cortos lapsos caen en la monotonía, son caracterizados por la serie de estructuradas combinaciones, entre la provocativa mezcla de los instrumentos y la inquietante voz de Corin Tucker.

Al contrario de estas canciones esta "Invitation", con la que manifiestan los nuevos sonidos que experimentó la agrupación, teniendo un resultado más delicado musicalmente y que pone a prueba la adaptación de la banda a su nuevo sonido.

Young and Your King, refleja parte de la tranquilidad del disco, con coros relajados y decididos, seguidos por sencillas guitarras y suaves cambios en la batería. “Makers, es la parte en la que reinventan lo clásico para darle un efecto más consistente, enmarcado por sonidos más agresivos y una voz con mayor fuerza que en canciones anteriores.

Particularmente, “The Arrival y “Non Forgotten Son, se convierten en la dualidad perfecta que refleja el espíritu de la sonoridad de la banda, que enfundada por los proyectos de sus integrantes, ha demostrado su lado más libre, que nos permite dar una vuelta por el pasado y el presente, de la una etapa que ha marcado la carrera musical de cada uno de los miembros de la agrupación.