Dead Cross estrena visual

El super grupo de hardcore punk, estrenó un videoclip para "Church of the Motherfurckers".

El cuarteto conformado por el guitarrista Mike Crain de Retox, el bajista Justin Pearson de Head Wound City y Retox, la leyenda en la batería Dave Lombardo de Slayer y el mítico vocalista Mike Patton de Faith No More, liberaron un explícito material audiovisual para su sencillo "Church of the Motherfuckers". Dicho extracto proviene de su placa debut Dead Cross lanzado este año bajo Ipepac Recordings, sello independiente fundado por Patton en 1999 y que ha lanzado material para Melvins, Tomahawk y Palms.

El visual, filmado en blanco y negro, muestra a curas católicos en una lucha que nos recuerda por un momento a la película Fight Club, mientras niños vestidos completamente de negro alientan la pelea. En escenas alternas, una monja come ostias para después introducirlas a su cuerpo y un joven camina por un bosque sintiendo un malestar en el estómago, síntoma que termina en una explosión de parte de su cuerpo. El clip fue dirigido y editado por Michael Panduro, quien también ha manufacturado visuales para Job for a Cowboy, Cephalic Carnage y Saint Vitus. Mira el explícito material a continuación:

Desde su creación, Dead Cross se convirtió en uno de los proyectos más potentes de la década. En primera instancia, Gabe Serbian se encargaba de las vocales, pero abandono el barco en 2016 cuando el disco estaba finalizado. Fue durante ese ocaso cuando el legendario Mike Patton se integró al cuarteto, reemplazando a Serbian, y reinventando los tracks que componen el disco, grabando todas las voces en el sótano de su casa en San Francisco.

Dead Cross visitará por primera vez la Ciudad de México en 2018 en el marco del increíble Hell & Heaven Fest, presentando su espectáculo junto a leyendas como Deep Purple, Judas PriestScorpions y Ozzy Osbourne.

 

Sevdaliza estrena el clip de "Hear My Pain Heal"

Disfruta de este metraje lleno de suspenso protagonizado por Sevdaliza.

La cantante originaria de Irán compartió el video musical “Hear My Pain Heal”, tema con el que cierra su álbum debut ISON, el cual fue lanzado a finales de abril a través del sello Twisted Elegance.

El visual fue estrenado a través de The FADER y la dirección estuvo a cargo de Ian Pons Jewell. El resultado es una pieza casi cinematográfica que muestra las cautivadoras expresiones y dotes actorales de Sevdaliza.

sevdaliza

“Es difícil explicar ‘Hear My Pain Heal’ en términos de narrativa, ya que surgió como una experiencia alucinante o de ensueño”, comentaron ambos artistas acerca de la realización de este clip, describiendo esta colaboración como “una extraña relación sincrónica”. Mira este inquietante visual en seguida:

De este primer material discográfico, se han extraído algunos sencillos como “Marilyn Monroe”, “Human”, “Hero” y “Hubris”. Si aún no has escuchado este material de Sevdaliza, te lo dejamos aquí abajo.

MUTEK.MX 2017: A/VISIONS 1

Experiencias audiovisuales en el Domo Digital: A/VISIONS 1.

Las actividades dentro del programa de MUTEK suelen contener propuestas multidisciplinarias, donde el formato y el proceso de la obra apenas pueden definirse dentro del rango "digital". Es importante entender el contexto del artista y del por qué deciden mostrar cierta pieza, y así evitar concluir que las piezas digitales son compuestas con la mera intención de psicodelia aleatoria.

A/VISIONS presentó dos proyectos realizados bajo la curaduría de MUTEK Montreal con 30 minutos de duración cada uno: Hyperform y Liquid Architecture. Ambas, realizadas por artistas quebequenses, mezclan composiciones en 2D y 3D respectivamente con musicalización sincronizada con las animaciones. En el caso de Hyperform, el productor británico Max Cooper fue el encargado de distribuir sonidos a lo largo de la pieza, que juega con la perspectiva, distancia y espacio en varios planos con diferentes colores y formas. Cooper es conocido por mezclar armónicamente sonidos contemplativos con otros que te harían bailar, y Hyperform no es la excepción; durante la duración total de la pieza, progresivamente agrega el techno al ambient y, aunque no sincroniza del todo con el trabajo visual de Maotik, la calidad productiva de Cooper confirma su sangre británica.

En el caso de Liquid Architecture, realizado por los artistas Diagraf, Ewerx y Wiklow, donde la duración y el formato audiovisual son los mismos, la pieza es una exaltación de las capacidades gráficas del medio digital. Si viste la película Final Fantasy: The Spirit Within (2001), la estética de Liquid Architecture revivirá tus recuerdos del entonces fracaso taquillero. Conceptualmente, hay una ideología respecto a la materia inmersa dentro de sí, donde las estrellas componen edificios, luego catedrales, luego forman al ser, y ramifican la realidad humana poco a poco. En este caso, la imagen y el sonido empataban casi perfectamente en toda su extensión y en general, fue Liquid Architecture quien generó la mayor cantidad de conversaciones una vez concluida la proyección.

El Domo Digital es ideal para ambas presentaciones, con la capacidad suficiente para unas 40-60 personas. Previo a la presentación de ambos proyectos, Hennessy ofreció sus servicios de barra acompañados de una mini pieza desarrollada por el festival usando la tecnología Kinect. Sin duda, A/VISIONS 1 es apenas un preview de lo que MUTEK tiene listo para sus shows nocturnos.

N.E.R.D presentó la portada de su nueva placa

¡El próximo LP de N.E.R.D. ya tiene fecha de estreno!

Después de muchas especulaciones al fin se ha revelado la fecha de estreno de No_One Ever Really Dies, todos podremos escuchar este material el próximo 15 de diciembre en distintas plataformas musicales.

El nuevo proyecto de Pharrell WilliamsChad Hugo y Shay Haley contará con la participación de Kendrick Lamar, M.I.A., Andre 3000 y Rihanna. Este disco saldrá 7 años después de su último LP Nothing.

Te dejamos la portada que publicó Pharrell en su twitter y el tracklist de este próximo estreno:

 

 

No_One Ever Really Dies:

1. "Deep Down Body Thirst"
2. "Lemon" featuring Rihanna
3. "Voilà" featuring Gucci Mane and Wale
4. "1000" featuring Future
5. "Don't Don't Do It" featuring Kendrick Lamar
6. "Kites" featuring Kendrick Lamar and M.I.A.
7. "ESP"
8. "Lightning Fire Magic Prayer"
9. "Rollinem 7’s" featuring André 3000
10. "Lifting You" featuring Ed Sheeran
11. "Secret Life of Tigers"

El pasado 6 de noviembre N.E.R.D sorprendió a los asistentes del Complex Con en California, ya que tocó en su totalidad su próxima placa. En un escenario con postes de luz y simulando a un barrio —con bailarines y automóviles incluidos— es como se llevó a cabo este show.

"Estamos aquí ahora porque nadie muere realmente. El álbum no saldrá mañana. Te lo estamos dando. Lo tienes antes que nadie más ", declaró Williams durante el acto y como lo mencionó aún no sabemos cuando saldrá a la venta, pero mientras esperamos la confirmación oficial te dejamos algunos extractos de No_One Ever Really Dies:

Alex Ferreira — Canapé

Es tiempo de degustar el Canapé de Alex Ferreira.

En los últimos meses, nuestro país ha sufrido castigos divinos; la tristeza embargó a propios y extraños, incluso a los residentes foráneos que vieron de cerca como la desgracia arrebataba, sin discriminar, aquella cotidianidad que se tenía. Debido al sismo ya tan mencionado del mes de septiembre, la salida de Canapé, el nuevo disco del dominicano Alex Ferreira se retrasó, pues él reside en México y necesitó desconectarse después de tan abrumadora experiencia.

Esta nueva producción discográfica tiene el crowdfunding como la gran particularidad, pues fueron los mismos fans los que auspiciaron este material; Ferreira dice que necesitaba ese respiro, la libertad de trabajar sin presiones ni fechas límite; delante de él tuvo un lienzo en blanco, que transformó en diez amuse bouche, que deleitan los sentidos. El hombre es un romántico por naturaleza, idolatra a las mujeres y repudia el machismo, parece salido de otro tiempo.

Canapé, que tomó el nombre del argentino Luis Alberto Spinetta, es una obra maestra que, en solo diez canciones, expresa romance por la otra persona, lamenta las relaciones fallidas, describe la primera etapa de enamoramiento e insiste en ellas con letras adecuadas. Algunas de estas canciones habían sido reveladas a través de las redes sociales del centroamericano, quien durante este proceso de producción, se mantuvo en contacto cercano con la gente, es un disco muy personal sin duda para él.

El primer track es “Ven que te quiero ver”, una canción con ritmos caribeños que el mismo Alex describe con la palabra urgencia; tiene su video mostrado desde la costa, muy a tono con la melodía tropical; en “Te tengo que meter en mi vida”, el dominicano experimentó con sonidos sintéticos y beats setenteros para sorprender, ya que una versión acústica previa tenía a todos con la duda del producto final. Una de las nuevas es “Corazón de melocotón”, donde se deja escuchar la belleza de su entrañable guitarra acústica y hace uso estratégico de las analogías, para expresar el deseo que tiene porque esa persona especial se quedase a su lado.

La pasión de “Qué extraña tu manera de decir que sí”, deja ver el gusto que tiene el caribeño por los boleros; es una canción simplista que no necesita más que su propia esencia. God have merci… Dios ten piedad, con la sensualidad de la voz de Alex en “An Audience With The Pope”, una canción interpretada de manera magistral en inglés, una de las lenguas que este talentoso músico domina. El mismo Ferreira define “La noche entera” como su presente, no hay mucho más que decir; “Marea” es la osadía, una canción con arreglos ligeros que apuntalan ese rico Canapé. “Maldita mirada” es, en una palabra, una enfermedad, que con una mirada poderosa, al dominicano le movió el piso. Una rola ejecutada con naturalidad y sentimiento fue el hit del verano; la melodía tan pura en “Me la saludan” con el homemade video desde la casa del cantante, hecho por Edwin Erazo, y cuya intención se reversionó a un ritmo tropical.

Una canción que vale mención honorífica es la que cierra este compilado de gran calidad: “Cuando toque suelo” es la muestra ferviente de lo que Alex Ferreira es capaz de entregarnos con solo una guitarra acústica y su melodiosa voz. La lírica es profunda, precisa y está realizada con maestría; es un track que tiene todo para ser un sencillo de Canapé y fue bien descrita por Ferreira como ‘la canción que lleva al fin’, pues habla de esa etapa del amor en la que te sientes en las nubes, en la que en un abrir y cerrar de ojos, te pierdes a ti mismo por la otra persona. Está dedicada a esa mujer audaz que enamora, la que te saca de tu propia realidad. Esa misma mujer, de ojos negros, es la musa de los diez temas de este álbum, aquella misma fémina misteriosa que aparece en la portada del LP, al lado del artista.

HIPNOSIS 2017: Entrevista con Cascabel

Un rayo salvador emerge entre grandes riffs y la distorsión, lleva por nombre Cascabel.

Ian Pascal es la mente detrás de Cascabel. La proyección y gestión artística se da en 2014, cuando compone 10 canciones en solitario y empieza con la búsqueda de músicos amigos para poder aterrizar el primer material de estudio de la banda: Far Out, Man!. En su rastreo se encuentra con Mixo, Desentis y Puy, quienes comparten el amor por el fuzz y los sonidos crudos, integrándose a la agrupación y concibiendo una banda que busca crear rock en el mayor estado de pureza.

“Cuando salió el disco ya estábamos nosotros como banda, de hecho antes de que saliera tocamos solo una vez en vivo… cuando se lanzó, ya éramos Cascabel”, menciona Desentis, quien también es miembro del poderoso trío psicodélico The Risin’ Sun. La composición no solo dependió de Ian, que aunque tenía las maquetas y la idea en su cabeza de cómo tenía que ser el sonido, al llegar los demás integrantes, intervinieron en arreglos y armonías. “Del primer disco hay como tres rolas que las hicimos entre todos un poco jammeando, y ahí ya se empieza a escuchar más el sonido de Cascabel. Uno de los retos más difíciles fue montar el show en vivo, pues otras bandas tocan mucho antes y después sacan un disco, nosotros fue lo contrario”, comentó Mixo.

Y aunque el frontman aclara que la composición fue libre desde el surgimiento del proyecto, los demás músicos le otorgan los créditos casi por completo del primer disco, pero recalcando la evolución creativa y musical en la transición de su segundo material de estudio próximo a estrenarse: Cobra. “No sabríamos cómo denominar nuestro sonido, es el sonido Cascabel”, afirma Desentis entre risas, tratando de homogenizar una definición de lo que se trata la joven agrupación. “Grabar el primer disco fue un fiestón, son grandes rolas de mi colega (refiriéndose a Ian), el segundo ya fue un sonido más aterrizado, un sonido de banda”.

La definición de Ian es más simple y contundente, pues pareciera que Cascabel lleva inmerso en sus venas desde hace algunos años, delimitando su creación como “puro amor y veneno”. Hablando del nombre y el por qué bautizaron así el proyecto. “Hay muchas razones, la principal es por la percusión”, afirma el frontman. Mientras que Mixo lo compara con el ruido que emerge de una serpiente de cascabel. Además de dar referencias a un son jarocho, afirman es un nombre que surgió de manera natural y sin forzar.

Las influencias podrían estar implícitas en una banda que suena distorsionada y que desde el nombre, te hace pensar en primera instancia en tintes de rock desértico, pero cada uno de sus integrantes suelen escuchar géneros diversos y en ocasiones, adversos. Con influencias que van desde la neopsicodelia de The Brian Jonestown Massacre, el misticismo de Suuns, el progresivo de Tool y el industrial de Marylin Manson, los proyectos podrían ser los usuales, pero los miembros también mencionan la fascinación por Lee Hazlewood, el increíble Pete Drake y el legendario Paul Simon.

De la nueva escena emergente en la Ciudad de México de bandas de garage, rock y psicodelia, nacieron proyectos como Viv & The Sect, Virtual Haze y The Mud Howlers, por mencionar algunos. Cascabel tiene una perspectiva esperanzadora con esta nueva ola.

“Hay más comunidad entres las bandas, siempre ha existido pero más gente le está poniendo atención a ese tipo de sonidos”, menciona Ian. Desentis lo interrumpe. “Eso es súper importante, como la vieja escuela, la generación arriba de nosotros no se apoyaba tanto, al contrario, hemos creado una pequeña comunidad que quien quiera tocar va a ser apoyado, porque si a ti te va bien, a todos nos va bien. Hacemos nuestros shows, nuestros flyers, somos bandas que queremos tocar y ser escuchados y si preguntan cómo o quién es el colectivo, se podría decir que es mucha gente y que todos estamos conectados. Todos vamos hacia el mismo sitio. No nos podemos esperar a que nos inviten a tocar a grandes festivales, las cosas no funcionan así, nosotros sabemos que podemos tocar porque queremos tocar”.

Previo a su presentación en el HIPNOSIS junto a Black Rebel Motorcycle Club, The Black Angels y Ty Segall. “Yo lo que pienso del festival, saltando lo obvio y chingón como los headliners, es que nos da gusto que nos apoyen y que no dejen pasar el talento que existe aquí”, refleja Mixo. Ian comenta que el mexicano tiene que dejar de estigmatizar. “Muchos dicen que no estamos a la par de lo que pasa alrededor del mundo, pero al final es más allá, estamos al nivel internacional, y que exista un festival como HIPNOSIS que te traiga a grandes exponentes del género es un plus, pero si te sorprende la banda mexicana que abrió un escenario y sepas que hay buen producto nacional, es ganancia. Lo que curaron el festival se dieron cuenta de ello, y están metiendo bandas que si suenan a una línea en específico”.

Cascabel es eso, una banda de amigos que quieren alzar la voz y gritar que en México existen buenas agrupaciones. Germinando un proyecto que suena a stoner, blues, garage y psicodelia, el cuarteto busca romper prejuicios sobre a que debe sonar la escena nacional. Hilando sueños y con un gran disco en camino, la potencia se abre paso. Y sí, el rock emerge crudo y puro, no todo está perdido.

Cascabel lanzará su nuevo álbum Cobra, el próximo viernes 1 de diciembre a través de Lolipop Records (Mystic Braves, Froth, The Creation Factory, Mr Elevator & The Brain Hotel, Billy Changer).

PREMIERE: Mira el videoclip de Gepe para "Hoy"

El músico y multiinstrumentista de origen chileno, nos comparte el nuevo material visual para su sencillo "Hoy".

Daniel Alejandro Riveros Sepúlveda mejor conocido como Gepe, nos trae un nuevo videoclip. En la suave melodía, la guitarra acústica y las cuerdas del contrabajo es lo más resaltante. En palabras del propio artista. "La melodía es muy sencilla, pero tiene una crecía en el coro que tiene que ver con la búsqueda de una emoción que colinda entre el pop rock y el pop balada".

En el trabajo visual, Gepe interpreta la canción con su guitarra en un jardín con varias estatuas y una fuente de color blanco. Además, mujeres vestidas completamente de blanco, escuchan y acompañan al músico. Consiguiente a esto, las tres mujeres se unen al chileno en diversos instrumentos para ejecutar el tema en un cuarto hecho de grandes vitrales. "La sencillez y la inspiración de la canción... es lo que se buscaba en el video, una cierta atmósfera de sueño o más allá del romanticismo como una cosa de contemplación y espiritualidad noventera". El trabajo fue realizado en el Museo Casa de la Bola, localizado en el barrio de Tacubaya de la Ciudad de México. Mira el visual a continuación:

Gepe es un amante de México, donde el video filmado en la capital y la exitosa presentación el pasado mes de octubre en el Teatro Metropólitan lo avala. "Hoy", fue la primera canción del artista grabada en su totalidad en nuestro país. El sencillo es extracto del más reciente material de larga duración: Ciencia Exacta, en donde el músico chileno mostró su faceta más íntima con tracks de tintes melancólicos imprimiendo cierta nostalgia a su producción. Dicha placa fue lanzada bajo el sello independiente Quemasucabeza, casa discográfica que también ha firmado discos de Pedropiedra, Ases Falsos y Vaya Futuro.

 

 

 

BADBADNOTGOOD estrena video colaborativo

Conceptualizado y dirigido por el artista multifacético Flockey Ocscor, el músico de origen africano colaboró con el proyecto canadiense para la manufactura de un videoclip.

BADBADNOTGOOD compartió un video en colaboración con Flockey Ocscor, artista y bailarín congoleño residente en Alemania. En el clip, el interprete africano utilizó el tema "Cashmere" como fondo para dar paso a rimas. Dicho track, es extracto de IV, albúm lanzado en 2016 por el cuarteto proveniente de Toronto.

Ocscor contactó a BADBADNOTGOOD para la realización del video, tema que había ejecutado en vivo anteriormente. El grupo estuvo de acuerdo inmediatamente y el visual resultante es un retrato conmovedor de una historia de amor interrumpida por la violencia y la confusión política que ha definido a la República Democrática del Congo desde que estalló la guerra civil.

Su versión cuenta la historia de un romance colegial intercalado con las rimas del intérprete apareciendo sentado en una habitación, asistiendo a la iglesia, caminando por el campo y cortejando a una mujer. Sin embargo, esta serenidad es efímera, ya que la segunda mitad del video cambia a escenas de soldados rebeldes que atacan y golpean a civiles. "Nací y crecí en Alemania, pero mis padres escaparon de la guerra civil en aquel entonces. Eso fue hace unos 30 años y todavía está sucediendo", menciona Ocscor en una entrevista para Playboy previo al lanzamiento del material. Mira el clip:

La pista es una pieza de calidad, que con la fina música de la agrupación y la expresión política de Flockey, dan por resultado una de las mejores colaboraciones de este año. "Es una actuación muy cruda y emocional, que es totalmente cautivadora", menciona el bajista de BADBADNOTGOOD, Chester Hansen. "Ver la canción cambiar completamente los contextos cuando se usa de esa manera fue muy inspirador para nosotros".

BADBADNOTGOOD no es ajeno a las colaboraciones, pues desde sus inicios ha trabajado con artistas como Tyler, the Creator, Ghostface Killah y hasta el mismo Snoop Dogg. Además, para su placa IV incluyeron invitados como el vocalista de Future Islands, Samuel T. Herring, el productor de Montreal Kaytranada y el vanguardista saxofonista Colin Stetson.

 

El Búho — Balance

Balance: El equilibrio entre la música y la naturaleza.

Al escuchar la música de El Búho, cualquiera pensaría que se trata de un músico latinoamericano fascinado por la cumbia, la instrumentación andina y sobre todo, por los sonidos de la naturaleza, como el trinar de las aves o el crujir de las hojas. Pero la realidad es otra. La identidad detrás de El Búho responde al nombre de Robin Perkins, un productor inglés de música electrónica con espíritu y corazón latinoamericano.

El Búho cuenta con seis EPs: A Guide to The Birds of South America (2011), Y (2012), History of Colour (2014), Cenotes (2015), Tamoanchan (2017), Chinampa (2017) y un EP de remixes llamado Cumbias de Oro (2015). Ahora, el originario del norte de Inglaterra presenta Balance, su primer material de larga duración, un álbum con una gran aportación multicultural, pues cuenta con la colaboración de diez artistas de diferentes partes del mundo.

Balance abre de la mejor manera con “Coro del Amanecer”, cuya sensación es la de despertar por la mañana, abrir la ventana y escuchar el canto de las aves y pasos humanos, con el sello de la música electrónica de El Búho y la calidad de la arpista Verónica Valerio.

Le sigue “Corazón de Rubí”, en compañía de Minük, un dueto sueco-colombiano integrado por el guitarrista Marcus Berg y la cuatrista Alejandra Ortíz. En la canción, ambos unen sus voces para cantar “Corazones rubí, nido de amor y encanto”.

En “Juku”, los ritmos andinos aparecen gracias a la participación del multiinstrumentista argentino Facundo Salgado, a.k.a. Rumbo Tumba, con lo cautivante de su charango y su flauta andina (zampoña). “Complete” es una unión entre sonidos característicos de América Latina y ritmos africanos en donde la voz de Dina El Wedidi, del Cairo, Egipto, se complementa con un acordeón.

La siguiente en el setlist es “Xica Xica”, que mezcla cumbia con música andina. La pieza cuenta con la colaboración de dos productores argentinos de música electrónica: Uji (Luis Maurette) y Barrio Lindo (Agustín Rivaldo), con quien tiene una disquera llamada Shika Shika.

Más adelante se encuentra “Papan”, tema que une dos talentos, el del músico mexicano Pablo Emiliano, especializado en la jarana y miembro de Semilla, un grupo de son jarocho y el de la poeta mexicana Citlaly Malpica, quien recita tres veces una décima, una composición poética que cuenta con diez versos octosílabos que riman el primero con el cuarto y el quinto, el segundo con el tercero, el sexto con el séptimo y el último, y el octavo con el noveno.

“Ynglingtal” remite al sonido de un río, combinado con un beat de fondo encantador cortesía del productor colombiano Jhon Montoya. Cerrando el álbum aparece “Madre Tierra” con la cantante indígena Luzmila Carpio, cuyo canto versa sobre respetar y cuidar a Pacha Mama, es decir, Madre Tierra. La cantante de origen boliviano se caracteriza por gorjear en sus canciones y aunque eso puede no ser tan atractivo para todos los oídos, con el sello electrónico de El Búho el resultado es interesante.

La apoteosis la marca “Ceiba”, con la compositora argentina Heidi Lewandowski, a.k.a. Kaleema, quien canta sobre el mundo de la selva: “Sobre las hojas camino, no tengo apuro en llegar. Desde el verde de la selva me arrulla la libertad. Seres que rondan las copas, sus siluetas puedo ver”.

Al disco lo complementan “Tlacotlan”, en la cual abunda el trinar de las aves, el graznido de los cuervos y la percusión de bombo; “Chucum”, cuya combinación entre la electrónica y sonidos selváticos crean una atmósfera que invita a bailar y “Brigantes”, una pieza enérgica con sonidos urbanos, andinos y electrónicos.

Balance es la prueba de que El Búho supo darle un sentido a tres cosas muy presentes en el álbum: el amor por la música latinoamericana, la música electrónica y la naturaleza. Pero más que un sentido, un equilibrio. Así que si quieres salirte un poco de la rutina musical a la que estás acostumbrado, este disco es un viaje auditivo en el que vale la pena dejarse llevar.

PREMIERE: Chingadazo de Kung Fu estrena videoclip

Mira el visual para el más reciente sencillo de Chingadazo de Kung Fu"Asunto pendiente (Mi playera, tu pijama)".

El trío de punk rock formado en 2014, liberó un nuevo material audiovisual para el primer sencillo de su próxima placa: Me Pongo Hasta la Madre Porque Estoy Hasta la Madre. En el video de "Asunto pendiente (Mi playera, tu pijama)", se aprecia a Chingadazo de Kung Fu prepararse previo a salir a escena, para después mostrar todo el poder que los ha catapultado a ser una de las mejores propuestas en la industria nacional.

El clip, fue dirigido por Santiago Fábregas, quien ha trabajado con proyectos como División Minúscula, Agrupación Cariño y Hello Seahorse!. Además, el visual del single fue grabado completamente en vivo en una presentación de la banda en El Plaza Condesa, show donde también se presentó Thermo, Dromedarios Mágicos y Ultra P a principios de noviembre. La canción fue producida por Erik Canales, quien además es líder de la banda mexicana Allison. Mira el trabajo a continuación:

Desde sus inicios, Chigadazo de Kung Fu se ha caracterizado por ser una banda enérgica y poderosa, con sonidos e influencias que nos recuerdan a los míticos Ramones. Su material Orinando Contra el Viento, nos recordó que con tracks de corta duración y muchos riffs crudos, el punk rock seguía más vivo que nunca en nuestro país.

Chingadazo de Kung Fu ofrecerá un show el próximo 17 de diciembre en el Foro Indie Rocks!, donde presentará su nuevo trabajo de estudio Me Pongo Hasta La Madre Porque Estoy Hasta La Madre. La frenética presentación será acompañada por bandas como: Blue Jays, Ultra P, Pandilleros, Ticking Time Bomb, Días Difíciles y Viva El Cesar. Sin duda, un poderoso live act que será digno para cerrar el 2017 como merece.