Poliça / s t a r g a z e — Music for the Long Emergency

Una colaboración que nos deleita con un misterioso viaje psicodélico.

El acelerado ritmo al que se mueve el siglo XXI ha ocasionado que los músicos y artistas tengan que adaptarse a este mundo digitalizado. Cada vez es más común que sea menor el tiempo entre el lanzamiento una producción y otra, y gracias a las nuevas plataformas de distribución, el margen para arriesgarse es también cada vez mayor.

Es en parte debido a esta situación, que podemos disfrutar de “locuras” como el disco Music for the Long Emergency (2018), una colaboración algo inesperada entre la banda de indietrónica originaria de Estados Unidos, Poliça, y el colectivo instrumental alemán, s t a r g a z e. Si bien la banda americana se ha caracterizado por no quedarse en su zona de confort, este disco empuja su capacidad creativa y versatilidad que mostraron en United Crushers (2016), ya que para su más reciente producción, s t a r g a z e brinda una nueva capa de profundidad con cierta sofisticación de la estructura de la música clásica contemporánea mezclada con el tono oscuro pero a la vez ligero de Poliça.

Foto Jonathan Weiner

Con apenas siete canciones, este material es casi un EP disfrazado. Aun así, brinda un corto, pero satisfactorio recorrido. Inicia con “Fake Like”, una suave balada con intensos momentos en donde se sobrecarga la armonización, saliendo a relucir el resultado de esta colaboración. Continua “Marrow”, una explosiva canción que transmite furia y enojo, pero que contrasta genial con la calmada voz de la vocalista de Poliça, Channy Leaneagh. Después tenemos “Speaking of Ghost”, posiblemente la mejor obra concebida de esta sinergia, en donde ambas agrupaciones brindan lo mejor de sí: la perfecta ejecución de  s t a r g a z e con el hipnotismo de Poliça.

A continuación vienen dos piezas que hacen un increíble contraste: “Agree” con su ritmo pausado y tierna letra, contra “Cursed”, que es un festín de guitarrazos y distorsiones. La producción cierra de forma un tanto extraña, volándose la barda, con dos tracks de casi diez minutos cada uno: “How is This Happening”, que es una canción “protesta” compuesta a partir de la victoria de Donal Trump en las elecciones del 2018, y “Music For the Long Emergency”, con tintes épicos debido a su melodía que se extiende sin parecer tener fin.

Este es un álbum interesante para todos aquellos fans de Poliça, sin embargo, para aquellos que no conozcan a la banda podrá resultar bastante inhóspito. Se agradece que los músicos busquen de vez en cuando nuevos conceptos, y qué mejor, que con colaboraciones de este tipo.

Forever Alone Fest IV

Los matemáticos del rock.

Ayer, en la colonia Guerrero se vivió una muestra de independencia. El rock & roll vivió una de sus últimas pataletas en el Forever Alone Fest (FAF) 2018. El foro, las bandas, la organización; todo recordó a las viejas tocadas de rock urbano, pero con post y math rock.

Empecemos por el foro. El lugar era una bodega, sin que esto suene a algo negativo. Un lugar en el corazón de la colonia Buenavista, misma donde semana a semana suena el rocanrol. En un mundo donde se respiran marcas y patrocinios esto era un alivio. El sitio puede que sea austero, sin embargo fue adaptado para que cada uno de los asistentes pudieran tener las mejores comodidades. Baños, tacos y cervezas artesanales le daban el toque moderno.

Pero hablemos de música. El FAF se caracteriza por ser el único festival en forma de post y math rock. Esto significa que si vas al festival tienes que estar preparado para largos pasajes instrumentales, gritos desgarradores y guitarras distorsionadas a más no poder.

Esto comenzó con Fiesta Bizarra, banda peruana apegada al screamo. Estos chicos, que apenas alcanzaban los 20 años, demostraron que para el talento no hay edades. Su rock es sucio, pero con intención, necesita serlo, esa es su actitud.

Otra banda que destacó fue Téléviser, desde Nicaragua. A pesar de que el público aún era escaso, los centroamericanos se entregaron por completo, poniendo el ejemplo para el resto de las agrupaciones.

Pero si hay que destacar algo tiene que ser la presentación de No Somos Marineros. Esta banda local se ha convertido en un ícono de la escena nacional. No importa dónde los veas, este cuarteto seguro te sorprenderá. Alguien en el público hizo la siguiente comparación: “Los Marineros son como Seguimos Perdiendo, sin fama pero legendarios”. Esta expresión representa lo que esta banda significa para el público mexicano: leyenda. Su show fue como siempre: enérgico, poderoso y a la altura de las circunstancias.

Otra de las bandas estelares fue la tapatía Wohl. Esta banda tiene apenas 1,700 likes en Facebook, sin embargo su calidad es inversamente proporcional a su fama. Su música no tiene que tener letras para poder expresarse. Sus melodías están llenas de furia, dolor, pero también optimismo. Según su guitarrista, su meta es la perfección musical (a la hora de ejecutar su instrumento) y se nota. Su concentración en el escenario es de envidiar, sin embargo son esos pequeños defectos, esas risas cómplices en el escenario, lo que lo hacen un grupo entrañable. Para ser más específico: se nota que se divierten mientras están en el escenario.

Todo festival necesita de una banda que lo haga diferente, que lo haga resaltar del resto. Para el FAF esta banda fue Lite. Desde Japón, este grupo de math rock, supo corresponder a las expectativas de ser estelares. Su presentación fue un ejemplo de ejecución instrumental. Estos asiáticos más que un concierto dieron una clase musical. Su concentración en el escenario resultó hipnótica, nadie podía quitarle la mirada a estos músicos y el único motivo para perder la concentración era aplaudir al final de cada canción. Sencillamente se trató de unos genios musicales.

El FAF puede no ser el festival más importante, ni el que cuente con el mejor presupuesto, pero su compromiso va más allá. Se trata de presentarle a México propuestas de calidad. De voltear a esos mercados olvidados y despreciados por las grandes productoras. Se trata de escuchar a bandas que nadie más pela, de pasar un buen rato, de ser felices aunque sea un rato y de perderse entre las notas musicales. En este contexto, el FAF, una vez más, fue un éxito.

Elliot Moss en el Foro Indie Rocks!

La espera valió la pena para escuchar la magia de Elliot Moss.

Una vez más, el Foro Indie Rocks! alojó música de gran calidad, esta vez brindada por un joven talentoso de New York cuya carrera podría explotar hacia el estrellato en los próximos años. Los reunidos ayer sabíamos de antemano que sería un fino espectáculo y por algo la espera de casi seis meses, después de que el evento se pospusiera de su fecha inicial del año pasado.

Cerca de las 22 H. Elliot Moss salió al escenario con su banda compuesta por un baterista y un bajista, siendo bien recibidos por la modesta, pero efusiva audiencia. El arranque fue algo lento, con las canciones “Highspeeds” y “Faraday Cage”, ambas pertenecientes a su primer disco: Highspeeds.

Sin embargo, en el momento que se escucharon las primeras notas de “Closedloop” todos fuimos zambullidos a un umbral del que ya no salimos hasta que terminó el concierto. Elliot Moss no sólo compone y produce sus canciones, sino que también tiene una excelente ejecución musical que le permite improvisar, por lo que su presentación es realmente una experiencia controlada de acuerdo a lo que quiere transmitir. Esto hace que su música en vivo sobresalga en millas con respecto a su material grabado.

El avance del performance no aflojó ya que después siguió “Falling Down and Getting Hurt”, con su armonía sincopada y agudos sintetizadores. Cerca del final de esta pieza, Elliot brindó un intenso solo de guitarra que volcó a todos a aplaudir y gritar efusivamente. Continuó “Plastic II” con su coro sumamente pegajoso y tenue armonía que puso a más de uno a bailar.  Después tuvimos un breve interludio conformado por "Even Great Things", una canción minimalista acompañada nada más con una guitarra acústica.

El concierto tuvo pocas interrupciones por parte de la banda, sólo en un par de veces Elliot tomó el micrófono para decir lo emocionado que estaba por venir a México y para agradecer a alguna fan que le gritaba acaloradamente que lo amaba.  Ya hacía el final disfrutamos de “Slip” con un excelente uso de un modulador de voz por parte de Elliot, la alegre “Best Light” con unos sensacionales cambios de ritmos, y la misteriosa “About Time” con unos salvajes riffs que nos envolvían con misticismo.

Para terminar, tuvimos “Big Bad Wolf” una canción de rock cargada de energía con pasajes explosivos así como un sobresaliente solo en batería, e inmediatamente siguió la emotiva y pausada “Without the Lights” que nos arropó a todos con suavidad. La banda salió para volver inmediatamente con un excelente encore conformado por “I Can't Swim” con su hermosa melodía y cautivamente, pero dolorosa letra.

La última canción fue la perfecta “VCR Machine”, con la que pudimos apreciar la capacidad de Elliot de “pintar” con su música. Él también es artista visual y en varias ocasiones ha comentado que sus piezas parten de ideas visuales que quiere plasmar en música. Con esta obra pudimos apreciar este cuidado en llevar a cabo una visión y representarla auditivamente, con texturas sedosas y tonos turbios.

Así fue la velada con la primera presentación de Elliot Moss en la Ciudad de México, un músico con una larga carrera por venir y que esperamos volver a apreciar su magia y talento.

Jorge Drexler en el Teatro Metropólitan

Tres horas en el punto ciego de la pena.

Este es uno de esos conciertos a los que asistes dispuesto a permitir que se llenen tus sentidos y tu corazón. Él lo sabe y, apenas entrar al escenario, se entrega de rodillas ante un Teatro Metropólitan lleno hasta las lámparas. No es necesario ponerse de pie, no es necesario distraer ningún esfuerzo para perderse en una canción, en una historia, en un momento que se presume inmune a toda la pena del mundo.

Jorge Drexler tiene algo de teatral sobre el escenario. La música es la protagonista, sin duda, pero todo lo demás suma; los músicos, las luces, su manera de presentar sus canciones y contar sus historias, hace que te gusten desde antes de escucharlas, construye una complicidad y te va permitiendo dejar el mundo fuera y recibir el abrazo, recibir el amor.

Salvavidas de hielo, el nuevo disco que lo trajo a la Ciudad de México, es uno de sus mejores materiales y se nota cuando es difícil diferenciar la reacción del público ante una de esas y ante una de las que ya son favoritas. “Este disco prácticamente fue grabado en esta ciudad y siento que está contento de regresar aquí”, contó sorprendido el uruguayo en medio de la que mencionó como la primera vez en su vida que agotaba entradas en nuestra ciudad.

Drexler ya tenía ganado al público desde antes de comenzar a cantar, pero fueron los invitados quienes redondearon la noche. La primera que sumó al encanto de romance en el que se había sumido el teatro fue Mon Laferte, quien acompañó al compositor en “Asilo”. A media luz, parecía que todos conteníamos la respiración mientras los mirábamos bailar despacito sobre el escenario; él con la guitarra a las espaldas y ella con la cabeza recargada en el hombro de él.

Después vino a quien Drexler llamó el gentlemex, El David Aguilar, el silbador. “Horas”, uno de los clásicos suaves y románticos del uruguayo, se escuchó a dos voces y una guitarra. “No queríamos dormir, nos queríamos comer a besos” y el puente musical silbado por el sinaloense, nos hicieron cerrar los ojos y desear.

La segunda noche de febrero que Drexler presidió en el Teatro Metropólitan fue también un homenaje a los músicos. Leonard Cohen, Tom Petty y Joaquín Sabina fueron todos parte de algún momento en aquél concierto en que las frases más emblemáticas se anunciaban antes de llegar y cada canción parecía que te llevaba a algún lugar, a algún momento o hacia algún recuerdo, hacia alguien.

Para el encore, las más de dos horas y media que habíamos pasado en nuestros asientos dejando viajar a nuestra memoria, no aguantaron más. Vinieron “Bailar en la cueva”, “La luna de Rasquí” y “Todo se transforma”. De un momento a otro, nadie permanecía más en su butaca, se había venido la fiesta, se habían empezado a mover las caderas, a entrelazar las manos y a llenar los pasillos. A mi lado, una mujer joven y bonita abrazaba su vientre de embarazada mientras cerraba los ojos y se movía al ritmo de la música. Todo era baile, cuerpos, sonrisas, amor.

Top 7 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos los mejores siete nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!.

Mucha música se ha estrenado en este 2018, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 7 de los mejores tracks de la semana del 5 al 11 de febrero de 2018. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana. Hay canciones como “Beautiful Thing”, que da nombre al nuevo disco de Alexis Taylor, líder de la banda Hot Chip que estará disponible el 20 de abril a través del sello discográfico Domino Records“Stop Moving To Florida” de Melvins, es una mezcla de dos pistas: Stop, un himno de rock clásico de 1969 de James Gang, y después trasciende a Moving To Florida, la oscura entrega de Butthole Surfers de 1985; “Caught In A Wave”, el regreso de Simian Mobile Disco con su quinta producción discográfica: Murmurations; “Exiliades” de Luisa Almaguer (ex integrante de Lowboy y Acidandali), un tema que habla de la forma en que los transexuales no son aceptados; y mucho más.

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Nicolas Jaar estrenó disco la semana pasada... ¡y nadie lo notó!

Foto del Facebook del artista

El productor chileno americano lanzó un álbum la semana pasada bajo su pseudónimo AAL (Against All Logic).

En 2016, Nicolas Jaar debutó música con uno de sus pseudónimos menos utilizados: A.A.L. (Against All Logic). En una entrevista; el DJ, instrumentista y productor declaró que el proyecto era una continuación de su nombre de pila. "Siempre me resulta gracioso cuando las noticias dicen que algo es 'el primer single de Nicolas Jaar en tres años', ya que he trabajado bajo muchos nombres diferentes", comentó el artista para Crack Magazine.

Y pues al parecer, el chileno radicado en Nueva York estrenó música inédita delante de nuestras narices. El 17 de febrero, el sello Other People propiedad de Nicolas Jaar lanzó un disco de A.A.L. (Against All Logic) llamado 2012 - 2017. La placa discográfica incluye una canción llamada "Such a Bad Way", que muestra fragmentos de "I Am a God" de Kanye West. Aquí puedes escuchar los 11 temas inéditos:

El más reciente álbum de Nicolas Jaar (bajo su nombre de pila) salió en 2016 titulado como Sirens. A finales del año pasado, el músico anunció una reedición especial del material, y agregó una pista inédita titulada "Coin In Nine Heads". Para cualquier artista o proyecto, lanzar un nuevo disco con nula promoción podría sonar impensable, pero para una mente como la de Nicolas Jaar que siempre está creando brechas musicales, tal vez es un día más en el mundo musical.

La visita más reciente del artista fue en la pasada edición de Ceremonia, aunque por la reagendación y logística, poca gente pudo apreciar su increíble acto en vivo. La deuda entre muchos de sus fans está latente, y tal vez es tiempo de que Jaar regrese a México en 2018.

Zola Jesus hizo remix a Alice Glass

"Stillbirth" es la canción de Alice Glass a la que Zola Jesus le dio su toque.

En enero del año en curso Alice Glass lanzó "Cease And Desist", tema que fue escrito por la canadiense en colaboración de Jupiter Keyes y el apoyo de Dreamcrusher. Por otro lado, la cantante y compositora rusa Nika Roza Danilova, mejor conocida bajo su nombre artístico Zola Jesus dio a conocer esta semana el lanzamiento de su nuevo sencillo "Bound" de su siguiente álbum Okovi: Additions, que también fue novedad.

Como sorpresa extra, además de su nuevo material musical, Alice Glass dio a conocer el tour que tendrá junto Zola Jesus por Norteamérica. La gira se llamará SnowBlood Tour, dará inicio el 25 de abril en Los Angeles y concluirá en Nueva York el 17 de mayo. Como demostración de esta unión escénica sacaron a luz un remix "Stillbirth" el sencillo de 2015 de Glass al que Zola le adaptó su marca personal.

El tema de Alice cuenta la historia de una abusiva relación amorosa, de la que utilizó las ganancias para donar el dinero a fundaciones que luchan contra el abuso y ayudan a las víctimas que han pasado por esto. La canción toma más fuerza después de la acusación que hizo la cantante contra su ex compañero de banda Ethan Kath.

Ahora con el remix de Zola Jesus, el sencillo se envuelve en una obra que engloba a dos grandes talentos en un mismo plano.

Escucha de lo que te hablamos aquí:

También te compartimos el cartel de SnowBlood para que lo cheques.

 

The Streets reeditará su álbum debut

Foto Mixmag

Dos de los discos de The Streets serán relanzados en vinilo este año.

El grupo liderado por el músico Mike Skinner compartió hace unos meses tres temas, con los que terminaron con seis años de silencio; ya que publicaron su quinto y último álbum de estudio, Computers and Blues, salió en el lejano 2011. Ahora, siguiendo las celebraciones de su regreso, los británicos han anunciado reediciones en vinilo de sus dos primeros discos.

Los álbumes que sacará The Streets son Original Pirate Material A Grand Don't Come for Freeambos publicados a principios de la década de los 2000. Ambas placas destacaron en su momento por sus letras que retrataban la vida común, así como por un característico sonido que mezclaba el trip hop con el uk garage.

Estas ediciones especiales llegarán a las tiendas el próximo 30 de marzo a través de Rhino Records, sello discográfico fundado en 1973 que se especializa en reediciones y bandas sonoras.

Cabe mencionar que el álbum debut de The StreetsOriginal Pirate Materialcumplió 15 años el 2017, razón por la que  la agrupación anunció las fechas de una gira de greatest hits por las ciudades más importantes del Reino Unido a finales del año pasado.

Puedes escuchar ambos discos justo aquí:

Vagabon debuta canción en vivo

Foto de Ebru Yildiz

La artista radicada en Nueva York, compartió una canción inédita en una sesión de NPR.

Laetitia Tamko es una cantante y multiinstrumentista nacida en Camerún que lanzó el año pasado su disco debut. La placa nombrada Infinite Worlds, fue firmada por su pseudónimo por el cual es conocida en el sector musical: Vagabon. Medios especializados la agregaron en sus listas de mejores álbumes debut de 2017 –Indie Rocks! incluido–. Ahora, la artista con residencia en Nueva York, tocó algunas de sus canciones en la serie de eventos denominados Tiny Desk Concerts de NPR, donde estrenó un tema en directo titulado "Full Moon In Gemini".

En la presentación, Vagabon tocó con solo un bajista como acompañamiento, mientras ella alternaba entre el teclado y la guitarra, además de darle su voz a las melodiosas letras. "Fear & Force" y "Cold Apartment", incluidas en Infinite Worlds, fueron ejecutadas con sutileza mientras una atmósfera de silencio se creaba entre los partícipes de la sesión. Entre los dos temas, "Full Moon In Gemini" sonó por primera vez, todo mientras la cantante camerunés advertía que el single era un eclipse lunar total. Mira el registro:

No se sabe si la melodía synth pop será incluida en una nueva producción de Vagabon, pero escuchar el sútil sencillo fue bastante emocionante. La cantante, tiene fechas confirmadas para gran parte de los Estados Unidos, donde acompañará en sus shows a Julie Byrne y Courtney Barnett. Además, se une a la inmensa lista de proyectos que han tocado en Tiny Desk Concerts, donde destacan presentaciones de St. Vincent, The xx, Ibeyi, Phoenix y Wilco. Aquí puedes ver los videos de cada sesión.

Wavves se une a Culture Abuse

Foto Neon Reverb

"Big Cloud" es el resultado de la unión entre Wavves y Culture Abuse.

La banda californiana publicó su sexto álbum de estudio y primer lanzamiento a través de su sello discográfico, You're Welcome, a principios del 2017. Ahora, que el grupo ha finalizado su gira promocional, están de regreso de la mano de Culture Abuse.

Wavves vuelve a ser noticia, ya que acaba de compartir un sencillo titulado "Big Cloud", el cual cuenta con un sonido de los más peculiar gracias a la participación de la ascendente banda de punk. Aunque este tema no suena a ninguna de las dos agrupaciones, se inclina más a lo que está haciendo Culture Abuse con su álbum debut.

La colaboración de estas dos bandas es el producto de la gira Norteamericana que hicieron con Joyce Manor y que ya había dado como resultado el tema "Up and Down".

Recientemente Wavves compartió la canción "The Lung" como parte del Adult Swim Singles Program, espacio de la cadena de televisión donde se publica un tema nuevo cada semana por todo un año. Por su parte, Culture Abuse se prepara para el lanzamiento de su primer disco, Peach, que saldrá saldrá el próximo 8 de abril a través del sello discográfico 6131 Records.

Puedes escuchar "Big Cloud" justo aquí: