Zoé presenta su nuevo sencillo "Azul"

Posted on marzo 1, 2018 by -

Foto Ana Hop

Escucha el primer corte del próximo proyecto de Zoé.

Luego de casi cinco años sin novedades musicales, Zoé ha compartido un adelanto de lo que será su sexto álbum, mismo que está previsto ser lanzado el 20 de abril. Se trata de "Azul", una rola que nos habla sobre el desamor y lo imposible que es dejar de lado a la persona que tanto se quiso.

La producción de este tema estuvo a cargo de Craig Silvey, quien ha trabajado con agrupaciones como Arcade Fire y Kasabian. Además de la canción, se ha subido a la cuenta oficial de YouTube el videoclip dirigido por León Larregui, que nos cuenta la historia de un robot que se cuestiona sobre la existencia del amor. La trama se desarrolla en tres escenarios: una Ciudad de México bastante futurista, Japón y el Caribe.

Dale play a continuación:

Este video sale a unos días de que Zoé inicié una serie de conciertos que recorrerán países como Chile, Argentina, Colombia, España y algunas regiones de México.

En diciembre pasado la agrupación presentó su "rockumental" titulado Panoramas, en el que recopilan algunos extractos de su última gira y parte de la grabación del nuevo material en Estados Unidos.

Escucha el remix de Run The Jewels a "Supercut" de Lorde

Posted on marzo 1, 2018 by -

En su cuenta de Twitter Run The Jewels compartió la nueva mezcla al sencillo de Lorde.

Hoy comienza la gira por América del Norte de la cantautora neozelandesa para promocionar su álbum Melodrama lanzado en junio del año pasado y llevará como compañeros a Run The Jewels, Tove Styrke y Mitski. Los espectadores están ansiosos de ver a Lorde en el mismo escenario que Run The Jewels y hubiera sido mejor si tuvieran alguna colaboración juntos, pues buenas noticias eso acaba de suceder.

Como anticipación a esta gira RTJ hizo un remix a "Supercut" canción del mismo disco. El tema fue mezclado por El-P, quien redujo el tempo animado a uno lento con toques de su estilo, además se agregaron versos de ambos integrantes de Run The Jewels: El-P y Killer Mike.

RTJ anunció su nueva creación por medio de su cuenta oficial de Twitter.

Lorde por su parte comentó que había amado como había quedado la nueva versión diciendo. "I love it, so much".

La canción se puede descargar gratuitamente desde de la página de Run The Jewels sin necesidad de suscripción o directamentente de aquí en lo que sale disponible en plataformas digitales.

Fred, el delirio de Patti Smith

Posted on marzo 1, 2018 by -

Foto Sue Rynski

Recordamos la vida de Patti Smith y Fred “Sonic”, la pareja que encontró la liberación en lo cotidiano.

“Hasta que la muerte nos separe”, una promesa que la poetisa del punk no ha cumplido desde hace más de dos décadas, ya que ha mantenido su vida ligada a la de su compañero desde que este falleció en 1994. Aún así, muchos de sus seguidores no consideran, e incluso desconocen este hecho. Es por eso que tenemos que hablar de la familia Smith, resultado de una de las parejas más icónicas en la historia de la música.

Estos dos se conocieron a finales de la década de los setenta, cuando el músico y su grupo Sonic's Rendezvous Band le abrieron un show a Patti Smith, y fueron presentados por el guitarrista Lenny Kaye después del concierto. Muchos creen que fue amor a primera vista, pero la realidad es que la cantante, aunque se sintió atraída desde un principio, solo buscaba a alguien que le hiciera olvidar tantas decepciones amorosas.

A pesar de la inclinación de ambos por lo ordinario, no seguían protocolos y se fueron a vivir a un local que Patti había rentado para montar un café, pese a que no tenían dinero para una cafetera. Pasaron meses teniendo una abierta y escandalosa relación, y digo escandalosa no porque la pareja fuera explosiva como unos Sid y Nancy, sino porque hasta los medios punk buscaban ganancias a través de la polémica y muchas veces alteraban los hechos, haciéndolos ver como dos alcohólicos que se entregaban a las palabras de los poetas malditos. La verdad es que dentro de las paredes de ese café ellos se preparaban para la vida común, aprendiendo a cocinar, limpiar y disfrutar de su compañía.

Después de un tiempo estando bajo la mirada de todos, Fred le pidió a Patti Smith que se fuera con él a Detroit, a vivir en la granja de su familia, y ella aceptó sin dudarlo, sin pensar en todo lo que dejaría atrás. Se alejaron del caos y el desorden que era Nueva York y se encargaron de su pequeño espacio de edén, viajando por todo el mundo con el dinero de las regalías. Visitaron su amado París, el Tíbet, la Guyana Francesa y México, específicamente la casa azul de Frida Kahlo.

En los veranos, estos dos residían en un yate de la década de los cincuenta que tenían en la costa de St. Clair, aunque a ninguno le gustaba el agua. Pasaban los días calurosos pescando y escuchando los partidos de los Tigres de Detroit en la radio. Fred era un fanático del baseball, y de hecho entró a las fuerzas básicas de ese equipo como short stopper.

Después de catorce años de matrimonio y haber criado a dos hijos, Fred Smith falleció en 1994 a la edad de 45 por un ataque al corazón, tras varias semanas con un decaimiento en su salud. Con la muerte de su esposo, Patti se hundió en una terrible depresión, que duró casi dos años. Fue hasta que su hijo Jackson cumplió catorce, decidió regresar a Nueva York, para apoyarse en su amigo el poeta Allen Ginsberg y volver a la música, uniéndose a una gira con Bob Dylan.

Durante su matrimonio, se dijo que Fred la reprimía y no le dejaba volver a la música, o que Patti Smith solo se casaba con él para mantener su apellido. Pero con certeza les puedo decir que ese joven de Detroit fue la parte más importante en la vida de la Madrina del punk, ya que le dio lo que nadie hubiera podido, la satisfacción de haber formado una familia y un verdadero hogar, aunque solo fuera por un tiempo.

Otoboke Beaver, grrl power japonés

Posted on marzo 1, 2018 by -

Foto Facebook de la banda.

Punk, noise y avant garde nutren el sonido de Otoboke Beaver, cuarteto de féminas rabiosas que desde Japón alzan la voz en pro de la equidad de género.

Formado por Accorinrin (voz principal y guitarra), Yoyoyoshie (guitarra y voz), Hiro-chan (Bajo y voz) y Pop (Batería y voz); Otoboke Beaver es un proyecto nacido en el verano de 2009 en Kyoto, Japón. En su estructura es posible encontrar rastros de punk, rock, psych, hardcore, pop, garage y avant garde, mismos que se nutren de una ideología en pro de la ruptura de los estereotipos sociales que se ciernen sobre la figura femenina. 

A pesar de que un gran porcentaje de sus influencias se originan en proyectos japoneses de los ochenta como Japoos y Hikasyu, es posible notar en su adn reminiscencias a The Slits, Bikini Kill (sobre todo por sus posturas ideológicas) o incluso Shonen Knife. 

A pesar de que sus composiciones se construyen de arreglos musicalmente complejos, el resultado es una excitante y digerible avalancha de noise que en vivo golpea con furia a los asistentes, invitándolos a una catarsis en donde casi siempre es posible encontrar a Yoshie haciendo body surf al tiempo que toca salvajes riffs de guitarra. 

A la fecha, su catálogo se compone de tres discos 今夜限りなんて絶対ほんとに言わせないっ! ‎(2011); おとぼけビ～バ～* ‎– Present Progressive Form #002 (2012) y おとぼけビ～バ～* ‎– 目撃!ラブミ〜•サイン -Love Me Sign (2013). Hace unos días estrenó un nuevo sencillo titulado “Anata Watashi Daita Ato Yome No Meshi” (Después de hacerme el amor, comes la comida de tu esposa) vía Damnably Records; tema en donde a lo largo de dos caóticos minutos, la voz Accorinrin ruge una metáfora sobre el lado tóxico del amor, misma que cuestiona la falta de equidad que culturalmente existe en con respecto a la figura femenina en las relaciones de pareja.

Otoboke Beaver formará parte del line up de Coachella este año presentándose durante el 14 y 21 de abril. En el inter, hará un mini tour en Reino Unido titulado ATTYUUMA (Blink Of An Eye).

Disfruta el video de "Love Is Short":

Dead Meadow — The Nothing They Need

Posted on marzo 1, 2018 by -

Siempre necesitaremos de nuevos acordes.

“Keep Your Head”, atiende el eco de la voz que retumba en tu cabeza con ese tenue reverb que te dicta qué hacer, más no qué sentir. Todo estará bien, mantente en calma contigo mismo, que las notas de Dead Meadow vuelvan a cautivarte con el candor de una tierna brisa. 20 años de riffs emocionantes y solos para musicalizar viajes introspectivos se coronan desde la primera canción de The Nothing They Need, y es que cuando más necesitamos música que nos haga olvidar la miseria, aparecen estos tres sátiros inflamables para complacernos.

“Here With The Hawk” y esas reminiscencias que tanto nos faltan y que de repente encontramos en polvosos vinilos en huacales en Balderas: te extrañamos The Hollies, pero en tracks como este de repente te volvemos a tener, con más flanger, con esa cadencia que nos hace bailar discretamente cual go-go girl frente al espejo de un probador en Soho, un nuevo look que nos mejora el día, una melodía que nos acompañará en el andar diario.

“I’m So Glad” como soundtrack de un polvoso roadtrip por el desierto rumbo a un lugar mejor que la ciudad, caminos que imaginamos en caminos que necesitamos para llegar a donde finalmente no estamos tan cómodos. Pero la batería nos traza cierto remedio, la guitarra nos pone a pensar en sus extraños movimientos cual tentáculos que nos atraviesan los tímpanos, el bajo que nos mantiene en un buen ritmo cardiaco como en “Nobody Home”, de cierta aceleración a la calma necesaria, el simple ejercicio de dejarnos llevar por lo que dosifican los audífonos, los niveles perfectamente trabajados en la producción, la voz que se corta para darle paso a la atmósfera siempre precisa, a veces no hay que decir nada para expresarlo todo.

Foto por Black Willow

La cierta arritmia de “This Shaky Hand Is Not Mine” para cerrar los ojos y tornear la cabeza a su ritmo, el eco de un bolero con un toque siniestro, los bulbos de un amplificador como vehículo perfecto a la introspección, a cierta calma, a entender que la guitarra sigue siendo hasta nuestros días un objeto de aprecio, una extensión del alma, y ante los rumores de la bancarrota de Gibson, dicho instrumento seguirá trascendiendo eras tecnológicas y generaciones que entenderán que lo sólido y orgánico siempre será mejor que lo que tienes que emular con un software.

“Rest Natural” como sagrado preludio a “The Light”, pieza ideal para comprender que se fueron 20 años pero la esencia no se ha perdido, que este material implica no solo la reunión de todos los integrantes que han pasado por Dead Meadow a través de su historia, sino también la capacidad nunca perdida de invocar al diabólico Black Sabbath, al sagrado Pink Floyd, y para enmarcar el cuadro perfecto, Led Zeppelin como el arcángel blandiendo la espada que media la batalla entre el bien y el mal. “Unsettled Dust” para cerrar un capítulo más en una historia de gran música que ha superado etiquetas, la indiferencia de las masas que se siguen emocionando con Tame Impala, y la esperanza de que esa ansía por crear perdure por muchos años.

25 años del disco debut de The Cranberries

Posted on marzo 1, 2018 by -

Todo mundo comparte música, ¿por qué nosotros no?.

I know I've felt like this before,
but now I'm feeling it even more,
because it came from you
and then I open up and see,
the person falling here is me,
a different way to be, "Dreams".

Para Jessica y Dolores.

Hace 25 años el tráfico de discos compactos en la secundaria era el cuerno de la abundancia para aquellos que en la música comenzábamos a descubrir una salvación, el fácil modo de compartir lo que más apreciabas con temor a que nunca volviera a tus manos. La solución más práctica e inmediata era grabar un cassette y regalarlo, tal vez decorarlo o simplemente etiquetarlo con el nombre de la banda en cuestión.

Así llegaron a mis manos por aquellos días Happy Nation de Ace Of Base, Pablo Honey de Radiohead y Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?, el debut de The Cranberries gracias a mi amiga Jessica. Ella recién había recibido por su cumpleaños un estéreo, una batería y era fan de Santa Sabina, por lo cual congeniábamos de inmediato en cada charla en el pasillo de la escuela entre clases, siempre, hablando de música, lo que descubríamos entre estaciones de radio en cintas que intercambiábamos y lo que nos habían heredado nuestros padres: Yes, Chicago, Procol Harum, largo etcétera.

Fue por eso que “I Still Do” a primera instancia nos recordaba a The Cure en un ánimo más feliz, “Dreams” sonaba casi en todos lados y era nuestro segundo acercamiento a la música que se hacía en Irlanda, obviamente la primera referencia era U2, pero también comprendíamos que Europa iba más allá de Inglaterra, es por eso que “Sunday” nos encantaba: era el siguiente paso que siempre debías dar para apreciar un disco más allá del sencillo que escucharías hasta el cansancio. Dejar correr la cinta en la grabadora después de terminar una maqueta, tomar un respiro después de elaborar el plan para una compleja práctica de laboratorio de biología, tratar de comprender las letras a modo de práctica que serviría para la clase de inglés.

“Pretty” que tiempo después nos evocaría a Fleetwood Mac ya que la ansiedad por consumir música era más que necesaria, “Waltzing Back” mientras ella practicaba sus primeros golpes y redobles en una flamante batería Tama negra, “Linger” como el himno de aquellos amores infantiles injustos e irrealizables, de esas canciones que dedicaste a alguien que tal vez no la haya apreciado como tu, pero que después de años recordará a esa persona que existió en su vida, aunque sea por un inerte lapso entre el olvido, el polvo del tiempo que nos sacudimos de los hombros. “Still Can’t…” y su lidiar furioso que aumentaría con “Zombie” tiempo después ya que estábamos totalmente enganchados a la banda y las primeras visitas a El Chopo que eran para intercambiar esos discos que te regalaba tus familiares y que no te gustaban.

25 años después Jessica, mi gran compañera musical de aquellos días, y Dolores O’Riordan, la voz que nos dijo tanto, partieron un día inesperada y dolorosamente dejando una huella imborrable, pero tenemos la música para recordar que somos vida que se llena de nostalgia, los acordes son memorias, los coros dedicados a nosotros mismos, el lenguaje inmortal que persiste aunque las cintas magnéticas ahora sean obsoletas.

Dar play nos devolverá por un instante a aquellos que hemos perdido, pero que nos dejaron tanto, es por eso que debemos seguir escuchando, apreciando, yendo más allá del sencillo de moda, desempolvar nuestros discos para reencontrarnos con nosotros mismos, entender los mensajes de inmortalidad que tal vez se hicieron por casualidad pero que nos alientan a no soltar lo que aún nos queda.

The Soft Moon — Criminal

Posted on febrero 28, 2018 by -

Un disco que marca un paso hacia adelante.

A casi 3 años de la salida de Deeper, dejando atrás a Captured Tracks y marcando su debut con Sacred Bones, Luis Vasquez presenta Criminal, el cuarto álbum de estudio de The Soft Moon. Tal vez el más significativo y atormentado de su carrera hasta el momento.

Si bien lo largo de su discografía la voz se ha hecho presente de manera gradual, es hasta ahora que toma un rol protagónico. Ya no son solo susurros en el fondo, sino que acaparan la atención gracias a sus letras, que son lo suficientemente abstractas para poder darles un significado propio, pero sin dejar de lado las historias personales de Vasquez.

El cambio en su sonido es claro, así como su transformación personal. Lo que comenzó como el proyecto de una persona tímida para poder expresar sus emociones dio un vuelco de 180º con vocales claras que incluso se convierten en gritos, acompañadas por melodías agresivas que se acercan más al industrial que a su inicial post punk.

Aunque no se trata de un disco conceptual, cada uno de los 10 cortes que componen Criminal juega un papel específico en su storytelling. Comienza fuerte desde “Burn” y jamás tiene un punto bajo. Es un álbum sólido, que demuestra madurez y en el que se percibe a un Luis Vasquez más seguro de sí mismo.

Con cada disco, desde su debut en 2010, The Soft Moon ha mantenido una constante evolución. Y a pesar de que por momentos puede llegar a sonar similar a su antecesor, tal vez debido a que compartieron productor, es innegable que Criminal marca un paso hacia adelante.

Está claro que aún queda mucho camino por recorrer, pero con este tipo de entregas, tan honestas, crudas y directas, The Soft Moon nos deja claro que aún no ha dado con la fórmula perfecta, pero cada vez está más cerca de encontrarla.

La Habitación Roja estrena "Berlín"

Posted on febrero 28, 2018 by -

Como parte de su nuevo proyecto, la agrupación valenciana presenta un nuevo corte.

Buenas noticias para los fans de La Habitación Roja ya que se dio a conocer su nuevo sencillo "Berlín", mismo que formará parte de su LP Memoria, disponible a partir de 16 de marzo. El resultado, un tema de corte indie pop que nos habla sobre la depresión y cómo darle la vuelta haciendo cosas buenas.

"Surgió a raíz de un idílico viaje a la capital alemana para ver a The Last Shadow Puppets. Durante unos días de agosto aproveché para pedalear por la ciudad y disfrutar de momentos inolvidables. En Berlín, ciudad mítica y crisol cultural, surgió la semilla de esta canción que en realidad habla de la depresión y de la imposibilidad de poder hacer lo que yo fui a hacer allí: Disfrutar de las cosas buenas de la vida.  Una canción muy especial para nosotros y esperemos que para toda la gente que nos sigue", declaró Jorge Martí, líder de la banda en comunicado de prensa.

Escúchala a continuación:

Este material será el sucesor de Sagrado Corazón y contará con la producción de Paco Loco. De este proyecto se han compartido otros tracks: "Nuevos Románticos" y "La Última Noche".

35 años del 'War' de U2

Posted on febrero 28, 2018 by -

War: 35 aniversario del álbum que mantiene a U2 dando guerra.

Mi primer contacto con War, fue a la edad de 16 años.  Aún viviendo en casa de mi madre, aprovechaba cualquier oportunidad para estar solo y poner a todo volumen este disco que mi hermano me regaló de cumpleaños. Alucinaba al oír la potencia y ritmo de la batería en "Sunday Bloody Sunday", trataba de imitar con mi teclado personal, las notas de "New Year’s Day", y cantaba a todo pulmón "Drowning Man". War se ha convertido en mi disco favorito y sin duda es una joya que siempre estará vigente.

“I Can’t Believe the News Today”, esa frase que hemos cantado cientos de veces es el inicio del tercer álbum de la banda más importante de Irlanda. "Sunday Bloody Sunday" es un reclamo social a las luchas internas que aún siguen vigentes en esas tierras. Nombrada como aquel fatídico 30 de enero de 1972 en Irlanda del Norte, donde 14 personas murieron por un ataque cobarde del ejército británico. Siempre polémica, "Sunday Bloody Sunday" es el mejor inicio que un disco de U2 pudiera tener.

"Seconds", el segundo track del álbum, es la presentación vocal de The Edge en la carrera musical de U2. Sigue estando repleta de mensajes políticos, aunque más tranquila que la canción anterior, "Seconds" nos advierte de la posibilidad de que surja un caos a nivel global y de la proliferación de bombas atómicas.

Muchos creen que "New Year’s Day" habla de la relación amorosa entre Bono y Alison Stewart, pero fue precisamente en 1982, que Lech Walesa se encontraba preso por los movimientos sociales y laborales que había logrado en Polonia, y esto fue la principal inspiración de Bono para componer esta canción. Además, la narrativa describe un hipotético encuentro entre Walesa y su esposa Danuta Golos.

"Like a Song...", otra canción de protesta, que de manera lamentable ha sido ejecutada una sola vez en vivo.  Un comienzo igualmente potente, rítmico, que confirma que War es un disco altamente influenciado por el punk.

En "Drowning Man", Bono canta con sentimiento vivo, acompañado de una instrumentalización casi atmosférica que incluye un violín eléctrico. La canción perfecta para dedicar al amor de tu vida. "The Refugee" es un intento de contrastar la experiencia de los inmigrantes irlandeses-estadounidenses con los afroamericanos. Bill Whelan es reconocido como el productor, pero Steve Lillywhite –quien produjo sus primeros dos álbumes– también trabajó en él. Whelan continuaría produciendo Riverdance. U2 nunca tocó esta canción en vivo.

Para "Two Hearts Beat as One", Bono se sintió inspirado durante su luna de miel y escribió sobre dos personas que se unen. Caso contrario es la canción "Red Light", que habla de las zonas de tolerancia en Ámsterdam y su fuerte contraste con la conservadora Irlanda. En esta canción participa el coro femenino The Coconuts –que también colabora en "Surrender", la penúltima canción del disco– y el trompetista Kenny Fradley.

Y para finalizar la canción más espiritual del disco o inclusive de toda la historia de U2: "40". Inspirada en el Salmo del mismo número, la banda necesitaba urgentemente finalizar la grabación del álbum, y Bono abrió una Biblia, comenzó a leer el salmo y finalmente lo musicalizaron. La canción invoca la frase "How Long to Sing This Song" de "Sunday Bloody Sunday".

Sigo conservando ese disco –ya desgastado, inclusive transparente–, y obviamente lo he sustituido por ediciones más recientes para su uso cotidiano que es realmente excesivo. Aunque War explora algunos de los sonidos vidriosos que The Edge perfeccionó más tarde, estaban cerca de su madurez musical. War llevó a U2 al estrellato, War catapultó a U2 dentro de mi corazón.

 

Créditos:

Bono: voz principal, guitarra adicional.
The Edge: guitarra, piano, lap steel, coros, voz en “Seconds”, bajo y guitarra en “40”.
Adam Clayton: bajo excepto en “40”.
Larry Mullen, Jr.: batería.
Kenny Fradley: trompeta en “Red Light”.
Steve Wickham: violín eléctrico en “Sunday Bloody Sunday” y “Drowning Man”.
The Coconuts (Cheryl Poirier, Adriana Kaegi, Taryn Hagey, Jessica Felton): coros en “Like A Song…”, “Red Light” y “Surrender”.

Tracyanne Campbell de Camera Obscura anuncia LP

Posted on febrero 28, 2018 by -

Foto de Anna Isola Crolla

El líder de la agrupación escocesa anunció un nuevo proyecto junto a Danny Coughlan que nombraron Tracyanne & Danny.

Tracyanne & Danny es la nueva banda que encamina Tracyanne Campbell, voz y guitarra de Camera Obscura. Apenas el día de ayer se anunció su formación con un pequeño teaser, y el día de hoy ya tenemos un sencillo líder y la noticia de un disco debut. La placa homónima saldrá a la luz el próximo 25 de mayo vía Merge Records (Arcade Fire, Spoon, Caribou), y ya es posible preordenar.

"Home & Dry", nombre del single promocional, está compuesto por un armonioso sintetizador, trompetas que crean una elegante atmósfera y la voz al unísono de los dos artistas principales que conforman esta nueva agrupación. Escucha a continuación:

Camera Obscura no ha tenido mucha actividad desde el trágico y prematuro fallecimiento debido al cáncer del miembro fundador Carey Lander en 2015. El álbum más reciente de la banda fue Desire Lines de 2013. El proyecto nace porque fueron presentados por amigos en 2013, y a Campbell le gustó su música como Crybaby (pseudónimo artístico de Danny) y le pidieron que abriera un show para la agrupación escocesa.

Trabajaron juntos en canciones, pero el proyecto se archivó para que Campbell se centrara en Desire Lines. Después de que Camera Obscura entrara en receso, el dúo retomo su camino y grabó el álbum en Clashnarrow, el estudio de Edwyn Collins en Scottish Highlands. Collins coprodujo el álbum junto con el ingeniero y multiinstrumentista Sean Read (Dexys Midnight Runners), utilizando el equipo vintage de Collins. Un comunicado de prensa dice que las influencias mutuas en Tracyanne y Danny incluyen Lou Reed y The Flamingos.

Tracyanne & Danny Tracklist:

"Home & Dry"
"It Can't Be Love Unless It Hurts"
"Deep In The Night"
"Alabama"
"Jacqueline"
"2006"
"The Honeymooners"
"Anybody Else"
"Cellophane Girl"
"O'Keeffe"