Entrevista con MexFutura

Encuentros pasados, momentos futuros.

En México en hip hop y el rock siempre han encontrado la mejor manera de colaborar. No importa si se trata de bandas haciendo rap o de raperos sampleando rock, ambos géneros siempre han gozado de una buena amistad en nuestro país.

Con esto en mente no sorprende de Denise Gutierrez de Hello Seahorse! y Dr. Zupreeme de La Banda Bastön se hayan unido para crear MexFutura, un proyecto que para nada suena raro pero sí necesario en la escena musical de nuestro país. “Todo empezó el día que grabamos la colaboración en Luces fantasma de La Banda Bastön. La canción fue muy acertada porque era un beat lento”, comentó Denise. “Después nos quedamos en el estudio platicando y creamos las primeras dos canciones de lo que después llegaría a ser MexFutura”, agregó Dr. Zupreeme.

Fue así que el dueto quedó conformado, aunque ellos no lo supieran. La cosa fue simple. “Zupreeme me enseñó unos beats que tenía listos pero que no sabía para qué los iba a usar. Yo también llevaba un cuaderno con letras que no había usado así que todo quedó perfecto. A partir de ese momento empezamos a pensar qué hacer con esas canciones, incluso en algún momento me sugirió Zupreeme que fuera mi disco solista porque en ese momento yo me encontraba en un reposo en Hello Seahorse!. La razón por la que no quise que fuera mi proyecto solista es porque siempre he creído que la música es un arte colaborativo o al menos así me gusta a mí, nunca he querido ser la cara de un proyecto”, explicó Denise.

Algo que llama la atención es que si observas de lejos la carrera de Dr. Zupreeme, no existe nada que nos explique cómo es que ya tenía listos esos tracks que suenan a todo menos a hip hop.

“Esos beats no los hice pensando en algo en específico. Normalmente yo ando siempre creando bases o paquetes de bases sin pensar en algún proyecto en particular. Estas bases son muy musicales y muy distintas a las que hago para el hip hop que requieren ser más planas para darle protagonismo al rapero. En este caso sentí que se iban a acoplar perfectamente con Denise por cómo están hechos”.

“Después empezamos a hacer cosas específicamente para este proyecto. Para mí fue muy distinto a como trabajo normalmente. Por ejemplo, de las 16 canciones que existen de MexFutura, solo en una usé samplers que son muy comunes en el hip hop”, explicó Dr. Zupreeme.

MexFutura se puso como meta lanzar una canción cada tres semanas y al juntar cuatro lanzar un EP de nombre La última selva (uno). Después siguió con otras cuatro rolas y un segundo material titulado La última selva (dos). El plan era seguir así hasta sacar un par de discos más, sin embargo decidieron hacer una pausa temporal para poder promocionar el proyecto además de seguir con sus respectivas bandas.

“Al final no sabemos en qué puede terminar este proyecto. Decidimos que es mejor dejarlo fluir. Si se vuelve grande qué bien sino pues lo que queríamos era crear. Afortunadamente los dos vivimos de otros proyectos”, comentó Denise.

“Si al terminar de sacar todas las canciones el proyecto se acaba, aún así me sentiría contento porque se concretó. En la música por cada cosa que sale hay mil que se queda en veremos”, concluyó Zupreeme.

En este momento MexFutura va a la mitad del proyecto original, ocho canciones que son suficientes para saber que sería una pena que el proyecto no continuara.

Sun Kil Moon — I Also Want to Die in New Orleans

El álbum que nos recuerda que hacer folk no es cosa sencilla.

Más de 01:20 de folk a medias. El nuevo material del artista estadounidense Mark Edward Kozelek, que con el nombre de Sun Kil Moon lanza su décimo álbum de estudio: I Also Want to Die in New Orleans.

Un álbum al hay que entrar con paciencia pues sus aciertos están ocultos y no será sino con calma y disposición que éstos se revelen para hacernos disfrutar. Una de las características más importantes del folk es reinterpretar viejos temas o formas para entregarlos a las nuevas generaciones; sin embargo, esta máxima que parece una receta no es fácil de elaborar. En ese sentido esta placa lo logra a medias, pues un acierto es que sus siete canciones están construidas a partir de una guitarra dura y una voz que narra sin cesar temas actuales que van desde la política a lo más banal como un paseo por una ciudad. Sin embargo, no hay nada más que reinterprete.

Canciones de 8 minutos o más donde la letra se convierte en una narración que no ocupa el silencio a su favor, sino que echa toda la carne al asador y abarca en absoluto el tiempo musical para ampliar su relato. Hay montañas; perros y casas de madera. Se mencionan el evangelio y un salmo. Hay noticias de “niños muertos, coyotes ahogados y perros abandonados sin comida ni agua en los sótanos” y un tiroteo en una escuela de Florida. Material bien yankee.

La columna vertebral son las bases del folk: guitarra y voz como sacadas de un sótano y una estela de jazz libre serían las costillas de este cuerpo sonoro. El fraseo por momentos se asemeja parece que sin desearlo al del hip hop, como en “I'm Not Laughing at You”.

En “Coyote”, Kozelek nos sorprende con sus juegos de voces, mismos aportes vocales que encontramos en “Day In America” , tema que permite la introducción de un ensamble de cuerdas dinámico y potente que más tarda en llegar que en lo que desaparece detrás de la voz rasposa.

“Cows” es un tesoro dentro de este mundo. Una apología a la dieta que no prescinde de la carne, se integran percusiones y voces de fondo en loop que agregan otras texturas a la composición y los oídos se refrescan. Aquí como en canciones anteriores, utiliza el recurso del jazz, esta ocasión entra para lucirse el saxofón de Donald Paul McCaslin, músico que aportó su versatilidad para el álbum Blackstar de Bowie. Un saxofón que resulta necesario y que se extraña en otras canciones pues aunque Donald nació en Santa Clara, aporta un sax muy de Nueva Orleans, hecho a imagen y semejanza de este álbum.

“Couch Potato”, la canción más flexible. Un tema que comienza con un ritmo alegre y una base que la caracteriza desde el segundo uno. Guitarra y batería se funden con el soliloquio que parece ya cansino a esta altura de la placa pues no se revitaliza en ningún momento. Entendemos que este recurso es clave para el vuelo alto del álbum y que si no se logra, éste va a estrellarse en cualquier momento. Es por esto que no alcanza su punto más álgido y deja una sensación de lo que pudo ser. Este torrente de guitarra y voz desemboca en “Bay of Kotor”, más de lo mismo sin ningún hallazgo.

Así, termina el álbum, que deja la sensación de que hizo falta más versatilidad para mejorarlo.

Technicolor Fabrics en El Plaza Condesa

La CDMX levitó con Technicolor Fabrics.

“Hay algo más allá de tus lamentos, piensas que nadie ha llorado como tú…”, fueron las palabras que Juan Pablo Corcuera cantó para marcar el inicio de la noche del 5 de marzo, “Dale Calma” fue el tema elegido para abrir el regreso de Technicolor Fabrics a El Plaza Condesa, seguido por la canción “Tiernos”.

La banda oriunda de Guadalajara, Jalisco compuesta por Corcuera, Daniel Salazar, Joaquín Negrete, Raúl Cabrera ‘Yogui’ y Abraham López, apareció en el escenario del recinto de la Ciudad de México después de tres años de ausencia en el mismo, para ser recibidos por un Plaza lleno en su totalidad en todas las secciones.

Durante una hora y media, Technicolor Fabrics puso a cantar y bailar a cada uno de los asistentes con su sonido alternativo, ambientando con luces rítmicas de todos los colores. En ningún momento faltó la interacción del quinteto con sus seguidores. La banda mencionó en repetidas ocasiones la emoción que les causaba estar de vuelta frente al público citadino, y los fanáticos respondían con gritos y aplausos.

El invitado especial de la noche fue el compositor mexicano Caloncho, quien subió al escenario para acompañar a la banda durante la canción “Bienvenidos”. La aparición del músico no fue sorpresa, pues se comunicó un día antes del show a través de las redes sociales de la agrupación.

Los tapatíos cumplieron la promesa de llegar a El Plaza Condesa con música nueva para sus fans, y no pudo faltar su más reciente sencillo “Levitando”, el cual estrenó hace un mes con un video animado, que fue dirigido e ilustrados por Daniel Barreto. También, complació al público con otro tema nuevo, titulado “Vente”, mismo que lanzó un día antes del concierto.

Cerca del final del show, Technicolor Fabrics anunció que López, su baterista, emprenderá un camino separado de la banda, pero que seguirán siendo ‘hermanos’, como lo han sido a lo largo de toda su carrera musical.

La agrupación, con ya más de 10 años de trayectoria, finalizó su concierto con el éxito “Globos”, que fue el más pedido por los asistentes a lo largo del show, además del más coreado y bailado de la noche; y los fans de hueso colorado se hicieron notar al sacar globos de colores durante la canción. La banda respondió lanzando papeles plateados, cerrando así una noche de festejo de manera perfecta para todos.

El cuarteto originario de Monterrey, Nuevo León integrado por Alex Alanís, Max Delgado, David Salinas y Armando Silva conocido como DRIMS, fue el encargado de amenizar la noche previo al regreso de Technicolor Fabrics a la Ciudad de México.

Graham Coxon en Galera

Coxon demostró que es más que el guitarrista de Blur.

Galera se sentía como un lugar en comunión, quizá porque todos los asistentes eran fanáticos empedernidos, y tanto el espacio como el evento no se prestaba para hacer un alboroto; no se sentían empujones pero si un calor infernal. Sin mayor esfuerzo logré colocarme justo en el centro de ese pequeño mar de gente. Lo cierto es que todos estábamos expectantes a lo que más tarde sucedería, la primera presentación como solista de una pieza fundamental del britpop. Sin un acto abridor, el momento había llegado; pasadas las 20:00 H. se apagaron las luces y Graham Coxon subió al escenario. No había tiempo que perder, ansioso, el músico tomó su guitarra e inició un recorrido musical que incluyó nostalgia, historias y sudor.

El cantante inició con "R U Lonely?", que se desprende de su primer material de estudio y que se ha vuelto recurrente como tema de apertura en sus presentaciones. Después siguió "Latte", de la cuál mencionó que fue de las primeras canciones que compuso cuando decidió dejar por completo el alcohol.

Al finalizar saludó escuetamente, y el público como de costumbre, se hacía notar con gritos ensordecedores, Coxon se mostraba nervioso, alejado de la personalidad que siempre ha mostrado como uno de los guitarristas que al pisar un escenario se transforman en energía pura. Abrumado por el enorme recibimiento pero contento por estar haciendo lo que más le gusta, el show continuó con "All Over Me""That Someone Ain't You" "Alright". Entre canciones, bebía jugo de manzana mientras bromeaba con el público. Solo necesitó dos guitarras, un pedal de loop y su voz para emocionarnos.

Con "Don't Believe Anything", el sonido y el ambiente le jugaron una mala broma. Al grabar la parte rítmica de la canción, se coló entre las pastillas de la guitarra los gritos de la gente, algo que lejos de molestar al cantante, lo llenaba de curiosidad y se dispuso a explicar por qué había ocurrido este fenómeno. Graham no pretendía llevar un espectáculo impecable y eso se hizo notar, pues a lo largo de su presentación el guitarrista erró algunas notas y su voz desafinó en ocasiones, pero creo que esa fue la magia del concierto.

Lo que él buscaba hacer con esta pequeña serie de presentaciones llamadas, One Man Solo Show, era crear un espacio íntimo donde pudiera tocar por el simple gusto de hacerlo, sin presentar una producción estrafalaria llena de músicos de apoyo. Él sabía que lo único que necesitaba era su talento y un público para el cuál interpretar sus canciones.

Luego de un rato empezaron a sonar los temas originales que Graham compuso para la popular serie de Netflix, The End Of The F***ing World. Con "Angry Me""Saturday Night", "She Left The Light On" y "Roaming Star" nos hizo sentir dentro de aquella caótica historia de amor adolescente, mostrándonos que su trabajo logró sobresalir al nivel de los protagonistas.

Algo que inevitablemente tenía que pasar era que sonara algo de Blur. A su estilo, Coxon hizo una versión de "Miss America", incluido en el aclamado Modern Life is Rubbish; uno de los tracks menos valorados de su carrera. En él hizo un experimento, al conectar aquella guitarra electroacústica con el flanger, efecto que forma parte esencial de su sonido pero que en un formato acústico suena fuera de lo común. Al concluir, el músico se dispuso a contar una divertida anécdota sobre la inspiración de esta canción, que involucraba un viaje en carretera junto a su compañero de banda, Damon Albarn; robándose los aplausos y risas de los asistentes.

Conforme fue avanzando la presentación, Graham se sentía más relajado, escuchando a todos aquellos que le pedían a gritos canciones de su extenso repertorio y algunos otros que intentaban de la misma manera llamar su atención y demostrar el afecto que sienten por el intérprete. El clímax llegó cuando sonaron los primeros acordes de "Walking All Day". Fue en este momento cuando todos en el lugar comenzaron a cantar eufóricamente, acompañando con palmas mientras él hacía una demostración del magistral dominio que tiene con la técnica slide.

Tras una breve pausa para afinar su guitarra, volvió para interpretar un cover. De manera seria preguntó; "¿Conocen a Blind Faith?y empezó a entonar las notas de "Can't Find My Way Home", que serviría para indicar que nos acercábamos a la recta final. Uno de los temas más esperados era "You're So Great", la cuál le dio la confianza en los ya distantes años 90 de seguir componiendo a la par que lidiaba con la presión mediática que representaba para él estar en Blur. El público cantó a todo pulmón cada palabra sin falla, haciéndole ver a Coxon que su trabajo es valorado más allá de estar en una banda.

La sorpresa llegaría de la mano de "Song 2", aquel clásico lleno de guitarras sórdidas que popularizó junto a Albarn, James y Rowntree; con el que puso a brincar y gritar a todo Galera con el característico ¡Woo-hoo!. Para concluir, bajó las revoluciones con dos de las canciones que han marcado su carrera solista, "See A Better Day", “Freakin’ Out” "Sorrow's Army", las cuáles nos hicieron recordar la naturaleza de su presentación, íntima y relajada; no había mejor manera para terminar esta velada.

Graham Coxon nos regaló una noche espectacular, en casi dos horas nos llenó de momentos únicos, donde demostró que más allá de ser miembro de Blur es un guitarrista virtuoso, quizá el mejor de su generación, un compositor creativo; una persona relajada y divertida. Pero sobre todas esas aseveraciones hay algo que nos confirmó a cada minuto y con cada acorde, él es alguien que ama la música.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos este top con los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!.

Mucha música se ha estrenado en este 2019, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 1 al 7 de abril de 2019. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana. Hay canciones como “Loner” de The Drums, una canción en la que, con una melodía en la que destaca el sonido de la guitarra y el compás marcado por la batería, Jonathan Pierce le canta a una desafortunada relación que no pudo ser por el autosabotaje; “Hydrocodone” de Cuco, la primera publicación que el cantante hace con Interscope Records; y mucho más.

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TOP 5: Discos de la semana

Te compartimos nuestra selección en este top 5 con los mejores discos de la semana.

Esta semana tuvimos que elegir entre una considerable cantidad de publicaciones y la competencia fue difícil. Sin embargo, elegimos para ti varios proyectos nuevos y los materiales muy esperados. Cada vez es más complicado limitarnos a cinco discos por semana, pero puedes apostar a que en nuestra lista siempre encontrarás los mejores lanzamientos.

The Drums
Brutalism
Arts & Crafts México
Jonathan Pierce
Indie rock/indie pop

Un disco que puede parecer disperso, caótico e incoherente, pero esa es una acertada representación de la naturaleza humana. The Drums se mantiene en el indie pop, pero también explora con nuevos elementos y se acerca al sonido de algunos grandes como The Strokes.

Weyes Blood
Titanic Rising
Sub Pop Records
Jonathan Rado
Psychedelic pop

Uno de los lanzamientos destacados de este año para la escena alternativa y tal vez el mejor trabajo de la cantante Natalie Mering. Es un disco donde Weyes Blood se apoya de sus más grandes influencias como The Beatles, The Zombies, Radiohead y David Bowie. Pero hace suyo todos los sonidos con arreglos y otros detalles. Además aprovecha al máximo sus cualidades vocales.

Priests
The Seduction Of Kansas
Sister Polygon Records
John Congleton
Post punk

Primer disco sin el bajista Taylor Muntiz, pero la salida no pareció afectar el sonido de la agrupación. Priests nos entrega un álbum muy dinámico, con letras que se aprovechan de lo absurdo bajo un contexto actual. Uno de los estrenos que refrescan al género post punk.

Girl Unit
Song Feel
Night Slugs
Phil Gamble
R&B

El productor Phil Gamble se hace de increíbles colaboradores: Kelela, Taliwhoah, Brook Bailia, Thast y otros más. Aunque su sonido es una mezcla de R&B y dance, también se nota una fuerte influencia por la música de los 80 y el hip hop.

W. H. Lung
Incidental Music
Melodic Records
W.H. Lung
Synthpop

El álbum debut de la agrupación nace completamente de la era dorada del synthpop: percusiones que te enganchan, sintetizadores que destellan y una voz intoxicante. La combinación tiene una esencia obscura pero que te invita a bailar.

"Colossal", lo nuevo de TR/ST

A unos días del lanzamiento de The Destroyer - 1, TR/ST estrena un nuevo sencillo: "Colossal".

Estamos a unos días de poder escuchar la primera parte de The Destroyer, el nuevo material discográfico de TR/ST. Hasta el momento hemos podido escuchar tres de las ocho canciones que conformarán al álbum; sin embargo, Robert Alfons hoy nos presenta un adelanto más: "Colossal". Aquí puedes escucharlo:

"Colossal" es un viaje de vuelta al dark house, con sintetizadores futuristas y vibra ochentera, que tanto gustó de Trst (2012). ¡Y no es coincidencia! Este nuevo sencillo fue la pieza que reavivó la relación entre Robert Alfons y Maya Postepski. Quien (por si no estaban enterados), además de formar parte de TR/ST, co escribió y produjo el primer álbum de estudio del proyecto.

En general, la reconocida baterista colaboró en seis canciones para esta nueva producción. Y hace unos meses, en entrevista con Indie Rocks!, Robert comentó que pese a que Maya no lo acompañará en la gira, pasaron buenos momentos juntos, y este disco les dio la oportunidad de conectar de nuevo.

The Destroyer - 1 estará disponible a partir del 19 de abril, tanto en formato físico como en digital. Además, en los próximos meses recorrerá algunas ciudades de Europa y Estados Unidos como parte de su gira promocional. Y para no hacer tan larga la espera, puedes leer la entrevista que hace unos meses tuvimos con Robert acerca de este, su tercer álbum de estudio.

“Can't Buy Happiness”, lo nuevo de Tash Sultana

Tash Sultana regresa con una nueva propuesta musical.

Tras la publicación de su exitoso álbum debut Flow State y su habilidad para mezclar ritmos, la cantante australiana se convirtió en una de las artistas emergentes más queridas alrededor del mundo.

Ahora Tash Sultana nos sorprende con nueva música, se trata de “Can't Buy Happiness” una canción escrita y producida por la misma cantante. Con este single, la interpreta de "Free Mind" demuestra que tiene en mente un proyecto diferente. "Estoy en un lugar donde me siento muy bien con todo lo que está pasando. Hubo un momento en el que no me sentía digna de donde había llegado, o donde estoy llegando", explicó.

Además, “Can't Buy Happiness” llegó junto con un video dirigido por la fotógrafa Dara Munnis, donde se muestra a la cantante tocar en unos baños que explotan con mucha fuerza al mismo tiempo que la canción. El metraje es una recreación de un momento que vivió la artista cuando interpretó la canción por primera vez en el baño deportivo de Thunderbird Arena de Vancouver. "Era sombrío, pero la acústica era muy buena”, comentó la cantante en un comunicado de prensa.

Dale play a “Can't Buy Happiness” a continuación:

 

In Flames — I, The Mask

I, The Mask: Una visión actual que plantea una incógnita al futuro.

In Flames es una de esas bandas que, por así decirlo, en el nombre lleva la penitencia. Es un tanto complicado abordar cualquiera de sus trabajos sin la nostalgia que representa el estar frente a uno de los grandes pilares del death metal melódico.

Siendo sinceros, el panorama para la banda no ha sido bueno en los últimos 10 años. Primero, la salida de Jesper Strömblad y después, un tropiezo que se traduce en dos álbumes de estudio (Siren Charms Battles). Este 2019 llega I, The Mask, un disco que si bien es un merecido momento de estabilidad, se aleja por mucho de ser un paso hacia adelante.

Escuchar el reciente material es un ejercicio que requiere tener en cuenta que la banda ha tomado un camino distinto, un sonido más inclinado al metal alternativo que al death metal melódico.

“Voices” es la encargada de abrir el álbum, un acertado inicio, un juego de guitarra y batería que nos remonta en ciertos momentos a Come Clarity, dinamismo que continua con el sencillo “I, The Mask” y posteriormente “Call My Name”. En estas primeras canciones podemos notar que el estilo característico de In Flames está presente pero ahora con sutiles "guiños" al metalcore y post hardcore actual.

El sencillo “I Am Above” es una de las piezas claves del álbum. Un coro pegajoso sobre una base rítmica versátil que resalta las cualidades vocales de Anders Fridén, lo cual se agradece en estos momentos de su carrera.

Llega la primera balada, “Follow Me”, simple pero oportuna después de una buena sesión de riffs. A una segunda escucha, este es el momento del disco en el que sientes que ya escuchaste todo, se va apagando la magia, las demás canciones siguen fluyendo bajo la misma fórmula de las anteriores, pero con una sensación especial de apatía en la ejecución.

Ocho canciones quedan por escuchar, de las que apenas destacan “Burn” “Deep Inside”, con un riff “árabe” que nos recuerda al trabajo de bandas como Kamelot Xandria en el terreno del metal sinfónico (Evidentemente mejor realizado, por aquello de la instrumentación).

“Stay With Me” es una balada simple e innecesaria que anticipa el final del disco.

Ciertamente, I, The Mask, contiene elementos que llaman la atención y tal vez sean estos detalles los que salvan a todo el disco de ser un fracaso más. Los coros son buenos, en ocasiones sobreexplotados, pero aun así representan un intento bien logrado de la banda por demostrar su vigencia en la industria musical. Podría decirse que In Flames pensó este material para que fuera un gran momento en vivo, aun así nos queda la esperanza de revivir algunos de sus grandes éxitos con su probable visita a México durante este año.

Entrevista con Modeselektor

Música electrónica innovadora en la pista de baile.

Sebastian Szary y Gernot Bronsert, comenzaron su camino en la música electrónica con una misión bien planteada “Buscar sonidos o ritmos que no se hayan creado antes” y lo lograron. Con Modeselektor se separaron de los beats que siguen el ritmo del corazón y llenaron sus oídos berlineses, de influencias electrónicas poco exploradas de países de occidente.

Con un nuevo disco bajo el brazo, este par está listo para regresar a nuestro país a hacer bailar los cuerpos y las neuronas de todos los asistentes del festival Ceremonia 2019. “Nos encanta México y salir a tocar, en Alemania la palabra para decir vacaciones es “Urlaub”, así que cuando estamos de tour nosotros decimos que nos vamos de  “ToUrlaub”, comentaron.

Modeselektor es la mezcla de dos mundos de forma equilibrada, la muestra clara es Szary, quien viaja por el mundo trabajando durante la noche, tocando para miles de personas y al mismo tiempo disfruta el ser padre. “Como músicos nuestra vida no ha cambiado tanto, el mayor cambio que hemos hecho es en nuestros horarios, ahora la mayoría de las veces trabajamos muy temprano en la mañana en el estudio”.

Who Else, su nuevo disco tiene bastantes años de desaparición con Monkeytown (2011), durante el cual hubo un crecimiento y desarrollo musical paralelo con su proyecto Moderat. Tiempo que les ayudó para aprender a tomar decisiones rápidas, para que su carrera avanzara, conservado la esencia de hacer sentir emociones a sus escuchas.

“La forma en que producimos no varía mucho entre este nuevo disco y los anteriores, aunque hay casi ocho años de separación, lo que sí hicimos fue cambiar nuestro DAW, pasamos de Logic a Ableton. Compramos una mixer de estudio de los años 80 y armamos nuestro primer estudio con monitores perfectos de nuestra carrera, fue algo muy simple, el chico que colocó nuestra mixer nos dijo 'Hey, también puedo construir monitores para su estudio' y el resto es historia”.

La música electrónica ha impactado en gran parte del mundo. Cuando decidieron grabar el documental We Are Modeselektor mostraron un lado más íntimo de la banda, sin llegar a la sobre explotación de la imagen como muchas veces pasa últimamente por las redes sociales, donde ustedes no se muestran tan activos. ¿Cómo es su relación con las redes sociales?

“El impacto de las redes sociales a veces es demasiado: hemos reducido las actividades en algunas plataformas. Reconocemos su importancia como herramienta para comunicarse con la audiencia, pero aún así preferimos la interacción cuando estamos en el escenario”.

Dentro de Modeselektor el arte es tan importante como el sonido, y siempre buscan nuevos recursos gráficos que los inspiren en los lugares que visitan, por lo que cada que pueden entran a museos para encontrar objetos e imágenes que los impacten.

“La exposición Todo de Maurizio Cattelan en el Guggenheim de Nueva York. El año pasado en Sao Paulo, Brasil, visitamos el Museo MASP, donde hubo una exposición de pinturas de los últimos 600 años y una sobre personas de África durante los tiempos de esclavitud en Brasil. Muy impactante y mucho para pensar después de la visualización”.

Modeselektor fundó su propio sello discográfico, Monkeytown en 2009 para poder tener una libertad total dentro de sus producciones, hacer una diferencia dentro del clásico esquema de los negocios de la música y ayudar a nuevos talentos que se pueden o no dirigir a la pista de baile. Y claro, que dentro de sus filas cuentan con exponentes nacionales y siguen a algunos otros.

“Cuando tenemos a un artista en la mira, le pediremos trabajar juntos. En Modeselektion Vol. 02 tenemos una canción de Frikstailers, quien es originario de Argentina pero vivió mucho tiempo en la Ciudad de México. Truncate otro artista tiene raíces mexicanas y actualmente vive en Los Ángeles. Hay una gran comunidad de artistas mexicanos interesantes”.

Si bien la música electrónica nació con una gran carga masculina, rápidamente se diluyó, y como olvidar que las primeras colaboraciones de este dúo fueron con la gran DJ y productora Ellen Allien, quien representa una fuerza femenina sobre los escenarios, impulsando a muchas mujeres que hoy estudian ingeniería en audio y producción musical. La industria ha comenzado a equilibrarse y para Modeselektor hacer una diferenciación es algo que debe quedar en el pasado.

“Personalmente nos sorprende que aún se haga la división sobre las mujeres en la música electrónica. Nuestro proyecto está repleto de mujeres, crecimos rodeados de ellas e incluso en nuestro sello Monkeytown hay más mujeres trabajando en todo lo relacionado a la música que hombres”.

Si están ansiosos de saber qué presentará Modeselektor en este festival, me adelantaron que su show se acercará a un montaje teatral, ya que presentará un nuevo espectáculo audiovisual realizado por sus amigos del colectivo Pfadfinderei y no, siguen sin estar interesados en el twerk.