Lanzan cubrebocas estampados con la cara de Lemmy Kilmister

Las nuevas mascarillas protectoras tienen tres gestos diferentes del fallecido frontman de Motörhead.

La pandemia dada por el COVID-19 nos ha obligado a usar de manera inminente cubrebocas o diversas protecciones en el rostro. Y por esta situación, varios artistas han decidido lanzar algunas mascarillas con logos o distintivos de su música. Relacionado a ello, ahora Motörhead ha presentado su nueva gama de máscaras para prevenir el coronavirus con una colección bajo el título de "Faces of Lemmy", que presenta el rostro reconocible de su difunto líder Lemmy Kilmister en tres diseños diferentes.

Por solo $20 USD/$427.50 MXN, los fanáticos pueden comprar las tres versiones de la cara de Lemmy, que incluyen el gesto emblemático con su cigarrillo colgando de su boca, una de él sonriendo y por último otra en donde está en modo serio. Estas mascarillas son únicas y las puedes ordenar a través de este enlace. Mientras tanto, te dejamos con la imagen de los modelos a continuación:

faces of lemmy maskPor otro lado, esta última actualización de la banda se ha dado poco después de que anunciaran planes para conmemorar el 40 aniversario del lanzamiento de Ace of Spades con una reedición especial de lujo del álbum. Originalmente fue lanzado el 8 de noviembre de 1980, y fue liderado por su canción principal, con el mismo título del LP, y que se convertiría en una de las más icónicas de la banda durante su carrera.

The Kills anuncia lanzamiento de su álbum 'Little Bastards'

Revive los inicios de la banda con su nuevo álbum compilatorio.

Previo al lanzamiento de su álbum solista, Sound Wheel (2020), Alison Mosshart explicó durante una entrevista que se avecinaba algo nuevo parte de The Kills. Aunque en su momento no dio muchos detalles al respecto hoy se sabe que la agrupación prepara Little Bastards, su álbum de rarezas, que según explicó Jamie Hince el título hace referencia al equipo de trabajo que utilizaban en ese momento.

Era una Roland 880 la cual estrictamente no es una caja de ritmos, es un secuenciador y una grabadora de ocho pistas con su propia caja de ritmos integrada, y con eso grabábamos todos nuestros beats”, explicó el músico.

Este material incluirá 20 temas que por primera vez llegarán remasterizados a distintos formatos como CD, digital y vinilo. Los singles que encontrarás dentro de esta compilación son trabajos que la banda realizó de 2002 hasta 2009; algunos de ellos son covers de temas como “Forty Four” de Howlin’ Wolf, "I Put A Spell on You” de Screamin’ Jay Hawkins o “I Call It Art”, “Love Is A Deserter”; melodía exclusiva de una sesión de radio en XFM, o un demo de “Raise Me”, para el cual Alison Mosshart y Jamie Hince realizaron un videoclip.

Little Bastards de The Kills estará disponible a partir del próximo 11 de diciembre vía Domino en una edición especial de doble vinilo color amarillo. El álbum tiene un costo de 24 dólares ($515 pesos mexicanos) y puedes ordenarlo directamente en el siguiente enlace.

The Kills - Little Bastard

Tracklist de Little Bastards:

1. "Superpowerless"
2. "Passion is Accurate"
3. "Kiss the Wrong Side"
4. "Raise Me"
5. "Night Train"
6. "Half Of Us"
7. "London Hates You"
8. "I Call It Art"
9. "Fourty Four"
10. "Love is a Deserter"
11. "The Search for Cherry Red"
12. "Magazine"
13. "Blue Moon"
14. "Jewel Thief"
15. "Baby's Eyes"
16. "I Put a Spell On You"
17. "Run Home Slow"
18. "Weed Killer"
19. "The Void"
20. "Sugar Baby"

Monte — Mirla

Así se escucha la naturaleza según Monte.

No es un simple material, es una conexión con la madre tierra y el reflejo del como suena el entorno natural, con el cual Simón Mejía, quién es la mitad de Bomba Estéreo, capturó y fusionó sutilmente con ritmos actuales, bajo el seudónimo de Monte.

Mirla no es cumbia fiestera como lo suele ser Bomba Estéreo, es una exploración sonora que muestra la raíz de un ambiente que solo se puede presenciar en las montañas, bosques y selvas colombianas, aisladas del urbanismo, del progreso y del mundo online, logrando una sensación pacifica y tranquila.

El viaje sonoro de Monte comienza con “Kaka Hykà (Abuela Piedra)”, con las gotas de agua haciendo eco y juntándose al unísono con una serie de voces que buscan unirse con la naturaleza, para luego entrar a un retrato nocturno del ambiente en “Hábitat Sur”, ruidos de insectos y chasquidos acompañados de un loop de guitarra y un beat tranquilo.

En “Mirla”, tema homónimo del disco, los trinos de los pájaros se juntan con un ritmo con sabor colombiano, con tintes andinos y amazónicos, que fue concebida a raíz de los encuentros entre Simón y un pájaro que aparecía en su hogar todas las mañanas.

“Jungla” y “Mar” reflejan esos entornos naturales con el sonido actual, con tendencia al electrónico, que prosigue el mood principal. “Mar” culmina con un mantra de distintos elementos naturales. En “Colibrí” adquieren notoriedad los sonidos de esa ave mística con los ritmos que llegan a asemejarse a los tambores de algún ritual o a los latidos del corazón.

Y para finalizar la exploración de la naturaleza colombiana, un homenaje al astro rey en “Sol amor”, que podría adaptarse al ritual de cada equinoccio de primavera en alguna zona arqueológica de México, en la que se busca hacer recarga de energía.

Con este material, Simón Mejía revalora la riqueza de ese ambiente que brinda una perspectiva del entorno natural de Colombia que quizá no se vuelva a repetir, en la que el ritmo musical moderno se logra adaptar y de paso nos quitan las malas vibras del acontecer diario.

Mirla de Monte es una invitación de los espíritus de la madre tierra para recordarnos que somos afortunados de que nos brinde momentos espectaculares únicos, en este caso, a través del sonido.

A 50 años del Led Zeppelin III de Led Zeppelin

El martillo de los dioses sigue vigente a los 50.

Dicen que 50 años es una excelente edad para una botella de vino, es posible decir lo mismo para un disco de Led Zeppelin. Su tercera producción discográfica, titulada simplemente III, alcanzó los 50 años desde su lanzamiento, un 5 de octubre de 1970.

A solo un año de su formación, la banda estaba exhausta, pero con hambre de cambio, en 1969 realizó sus primeros dos álbumes y recorrió una multitud de países. Su propuesta de hard blues y hard rock sonaron al volumen más alto, durante la extinción de la era hippie y el comienzo de los tiempos del heavy metal.

Para el proceso creativo del que derivó Led Zeppelin III, los británicos se tomaron con calma las cosas, decidieron irse lejos de la ciudad y se instalaron en un sitio pacífico, sin energía eléctrica ni agua corriente.

Ese ambiente influyó en el grupo y es notorio en este disco, donde predominan las guitarras acústicas y se combinan piezas de rock directo con temas suaves de folk.

El disco comienza con un rock épico, “Immigrant Song”; vikingos dando pelea, una línea de bajo galopante, el grito imposible de Plant, y un giro inexplicable, Page no hace un solo de guitarra en el tema.

Este tema fue usado por primera vez en cine en School of Rock, de Richard Linklater, gracias a una estrafalaria petición de Jack Black hacia la banda, que puede observarse en el DVD de la película. Luego fue retomado en Thor: Ragnarok, durante la escena climática del filme de Taika Waititi. Led Zeppelin es uno de los grupos complicados a la hora de ceder su música al cine o a otros medios.

A partir del segundo tema del disco, aparecen los cambios, “Friends”, un tema acústico y con arreglos de cuerdas por John Paul Jones. La canción se enlaza lentamente, pero sin cortes, hacia una figura de guitarra de Page que sirve como templete para “Celebration Day”, otra vuelta al rock puro, sin mayores dificultades, solo el disfrute.

“Since I've been loving you”, es la canción que le sigue, un blues que rebasa los siete minutos, en el cual Page produce magia comandando su Gibson Les Paul y Jones se sienta a tocar un órgano Hammond. Aquí escuchamos a Plant mendigando por un amor indolente.

Con un ritmo imparable a cargo de Bonham en las percusiones, el disco continúa con los amplificadores encendidos con “Out on the Tiles”, canción que fue versionada por Blind Melon en los años 90, con buenos resultados.

Otro remanso aparece en temas como “Gallows Pole”, donde destaca el sonido de una mandolina a cargo de Jones, y, “Tangerine”, una balada acústica que fue usada en la película Almost Famous, de Cameron Crowe.

El álbum cierra con otras tres canciones dominadas por el sonido acústico: “Thats the way”, “Bron-Yr-Aur-Stomp” y “Hats Off to (Roy) Harper”, una tercia de reinas que le gana a cualquier par de cuatros. Así se las gastaba Led Zeppelin hace medio siglo y la música sigue intacta.

Entrevista con Paz Court

Se inspira en Violeta Parra para traernos La Fuerza.

La cantante chilena, Paz Court, lanzó su nueva producción, llamada La Fuerza, el pasado 28 de septiembre. Este, su tercer disco solista, tomó como inspiración la música folclórica sudamericana, principalmente de su mítica compatriota, Violeta Parra.

Violeta Parra es una de las principales influencias. Creo que, a través de ella, aprendí lo que significa una canción profunda, una canción que habla de cosas esenciales. De algún modo me remito a ella para poder hablar, desde mi propio proceso, de cosas humanas, profundas, sociales”.

Respecto a lo que La Fuerza comunica, Court identificó a esta producción como un viaje personal e introspectivo, y un camino de transformación.

Me conecté con emociones muy profundas y muy humanas. He descubierto en este proceso, que este disco habla de la humanidad, de cómo somos resilientes y capaces de resurgir una y otra vez en la vida. Es un disco que conecta mucho con lo que está pasando, como la pandemia a nivel mundial, y el estallido social, particularmente en Chile”.

La fuerza también tiene consigo inspiración mexicana, ya que Court reside en México desde hace un año. “Particularmente para este disco, una de las primeras canciones que hice fue 'La noche oscura', y está inspirada en Chavela Vargas. Entendí (a través de ella) la belleza que hay también en la oscuridad y en el dolor. Fue un punto de partida para sumergirme en mi propio proceso”.

Court considera su enfoque en la música como “360”, como algo audiovisual. En la portada del disco, cuyo trabajo estuvo a cargo de la artista mexicana María Ramirez Echavarría, observamos a la cantante en un paisaje natural cuyo fondo es el volcán Popocatépetl.

Logra describir muy bien a la música en su espíritu. En los volcanes está la resiliencia, lo inevitable; que lo profundo tarde o temprano sale, por eso fuimos ahí (a hacer el arte del disco)”.

En esta producción, Court se hace acompañar por colegas y amigos, también de identidad musical sudamericana, como El David Aguilar, Fernando Milagros, Ampersan, Natisú y Ángel Parra, este último, nieto de Violeta y quien fuera guitarrista de la banda chilena Los Tres, durante 25 años.

Fue uno de los momentos más místicos de este disco (la colaboración con Ángel Parra). Tener como, un poco, su bendición para este trabajo que se inspira en su abuela".

La fuerza no solo es música, Court ya tiene trazado otro camino para este álbum: una representación escénica con el concepto de las canciones que contiene este material.

Este disco viene de la mano con una obra escénica experimental, donde el guión va estar inspirado en las nueve canciones del disco. Yo solamente voy a hacer la intérprete de la música, pero también hay danza, teatro, proyecciones; es un lenguaje contemporáneo”

La obra se estrenará en Chile en 2021 y también se planean algunas fechas para México.

‘Caravana’ de WOS, el disco para escuchar en los veintes

Desde los estadios llenos hasta formar parte del Estallido Social, el disco debut de WOS pasa su primer año, y su consolidación se acompaña de letras y sonidos que necesitamos oír en nuestros veintes.

A casi todos nos han dicho que a partir de los 20 la vida se vuelve difícil, preguntamos por qué y lo único que obtenemos es, que de acá en adelante comienzan los verdaderos problemas. Desigualdad social, económica, problemas amorosos más fuertes que los de la adolescencia y cuestiones existenciales llegan para replantear nuestra vida. 

Por eso mismo, a veces es necesario encontrar en el arte algunas obras que reflejen nuestro contexto y funcionen como bandera para buscar algo mejor. Caravana, el trabajo debut de Valentín Oliva, aka WOS, podría ser una de esas obras enciclopédicas que enmarcan los problemas que viven las personas que transcurren por el segundo piso actualmente. Su reciente nominación al Grammy latino como mejor nuevo artista es apenas uno de los reflejos más pequeños de su impacto.

Es que a tan solo un año de su lanzamiento, Caravana es una obra que tiene una vigencia interesante, esto gracias a la manera en que toma pulso a las situaciones sociales que atraviesa no solo Argentina, sino otros países como Chile, Venezuela, Puerto Rico, México o Colombia. Cada una de estas naciones llenas de descontento, brutalidad policial y problemas económicos que hacen pensar a la gente en salir a protestar.

Wos_caravana_portada

Desde el primer tema, “Canguro”, podemos escuchar toda esta noción, donde el rapero enarbola una batalla de freestyle donde es un gobernante burlándose del pobre por un lado, y por otro es un joven que responde y sale a las calles a pelear. Fue una de las canciones que sonaron en las calles de Santiago con el estallido social que comenzó hace un año.

Esos asuntos que tenemos que entender por la mala, el hecho de que no todos los que quieren pueden y que al final tenemos que hacer algo al respecto es narrado con las rimas de Valentín. Más que ser una palmada en la espalda y un “Todo va a estar bien”, es una incitación para salir a pelear, porque “Sin oportunidades esa mierda no funciona. No, no hace falta gente que labure más, hace falta que con menos se pueda vivir en paz”.

Wos_canguro

“Luz Delito” le sigue la pauta, una canción que samplea el riff de “Luzbelito y Las Sirenas” de Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota, y que llena de rimas poderosas la desesperación que lleva a la incoherencia. Por la que pasan muchas personas en ambientes vulnerables, por barrios que no escucha dios. De hecho, aprovecha en sus letras para contradecir la devoción del personaje Luzbelito de la canción de los 90.

El artista logra mezclar el poder coyuntural del rap con la inmortalidad del rock en Latinoamérica con una voz rasposa y con un beat tenso, lo que ha hecho sus conciertos una experiencia particular.

Wos_luz delito

Llenando dos fechas en el Estadio Luna Park en pocas horas, relativamente, WOS es el ejemplo de un fenómeno que creció gracias al mundo del freestyle hasta transgredir la cultura pop. Sus rimas en batallas de rap tienen un historial de más de siete años, por ello, atraer a jóvenes que disfrutan de estos eventos al consumo de música en formato de discos o festivales es una labor que pocos han conseguido.

Más allá de lo social y comercial, Caravana también fue una punta de lanza para indagar en otros temas. El artista logra abrir su mente y su corazón para invitar a querer de manera responsable aunque sin limitaciones.

“Melón Vino” es un claro ejemplo. El rapero se desnuda como cualquier persona cuando se enfrenta a la soledad. Hace un listado de las cosas buenas que tiene y las paraliza con un contundente “Rompo todo lo que soy”. Tal vez el presente a veces representa poco para una juventud que tiene tantas barreras, entonces el deseo del amor indiscriminado y consciente tiene mucha relevancia en esta actualidad.

“Si el mundo está roto que traigan otro, o mejor nos vamos todos nosotros. No quiero vivir con sabor a poco, no quiero morir sin volverme loco. Cuando miremos y no entendamos nada de todo lo que ahora vemos voy a quedarme con vos al lado cuando todo se nos ponga feo”, encarna WOS con una fidelidad y sobre todo una responsabilidad afectiva muy importante, que culmina poéticamente con “Nuestra mirada es la fuerza más linda de todas”.

Podemos empatar con esta noción “Okupa”, un tema vuelto pop con toda la influencia de la nueva generación de artistas argentinos. Donde podemos escuchar un estilo parecido a Juan Ingaramo o LOUTA. Este asunto del enamoramiento y la pasión que siempre nos dicen que vamos a perder cuando dejemos de ser jóvenes se va por un tubo al escuchar el “Somos inmortales cuando nos miramos fijo”, o tal vez el “Te vi un rato y se me fue lo triste”

Y bien, fuera de exagerar las letras de una canción, hay que hacer hincapié en un futuro no muy lejano, donde podamos superar las barreras tradicionales del amor.

Caravana es una obra que en menos de 20 minutos puede decir muchas cosas distintas. Representa para el artista una serie de fotografías de la manera de ver su vida en Buenos Aires, que finalmente se puede trasladar la experiencia a cualquier ciudad latina.

Wos_melón vino

“Fresco” es una prueba emocionante. En este track WOS viaja a los linderos del jazz y los bajeos funk para declarar “Si esta ciudad parece un congreso de infelices, el cemento caliente ya formó un desierto, el mundo que es un manicomio pero a cielo abierto”. Quizás esa sensación densa la hemos sentido con la falta de actitud que rodea al mundo, esa apatía para darle vuelta al partido.

“Pantano”, en un sentido un poco más personal, también habla de ese vacío, el cual se traslada a esa batalla silenciosa a la que nos enfrentamos a la hora de ver al futuro, cuando buscamos respuestas y no hay nada, solo oscuridad que no te permite acertar y una angustia que te persigue mientras sigues diciendo que todo está bien. Ese desespero a veces parece necesario de afrontar, pero aceptarlo es un buen inicio.

Finaliza esta obra con “No Va a Bajar”, un cierre que te recuerda de manera cruda que la lucha sigue, así como la vida. Que los veinte si son malos, pero solo abriéndote a ti mismo los podrás hacer mejores. “Vomito brea, la oscuridad coimea y se volvió corrupta la luz que hay en mí. Maldita esa sonrisa que va de punta a punta y camufla depresión pa’ que no me hagas preguntas” es el resumen de lo que a veces ocultamos.

“Y antes de endurecerme y joderme por completo, prefiero que la luna haga pomada mi esqueleto” es la última rima, con la que WOS recuerda que pese a sentirse vencido no hay que poner el freno.

Caravana es, entonces, una obra que refleja puntos importantes a tratar. A poco más de un año de su lanzamiento, y pese a todo el tema de la pandemia, las historias saben a lo mismo y al parecer lo sabrán por muchos años. Pero al menos hay, en sus siete canciones, una alternativa para salir a la vida sin perderle el lado positivo. Dale play a continuación.

Asimismo, este disco es la continuación del contexto social que ha narrado en anteriores sencillos, así como una rima que repite constantemente en sus colaboraciones con Perras On The Beach o Ciro y Los Persas: “Por la pinta que tenés es común que te arresten y los que más roban usan traje y tienen ojos celestes. Yo safo por blanquito, siempre tuve comida, eso no evita que la gedan y protesten la vida”

Por su parte, WOS continúa un camino exitoso. Ese artista que apareció de manera sorpresiva interviniendo con rimas en una canción de Mercedes Sosa se ha transformado en un referente, que ahora es respaldado por figuras como el Indio Solari o Andrés Ciro Gómez. Pero lo anterior, además de su triunfo en los premios Gardel y su nominación en los grammy latinos parecen no ser el pico creativo de un joven de 23 años que ha reinventado el mundo del rap en su país.

 

A 25 años del 'Adrenaline' de Deftones

Se cumplen 25 años de Adrenaline de Deftones, un álbum guía indispensable dentro de los sonidos alternativos que marcaron la época de los 90.

Con la finalización de la década que revindicó el lema “sex, drugs & rock n’ roll” con destellantes cabelleras, ropa negra en cuero que resaltaba todos los rasgos corporales y el exuberante maquillaje de colores fuertes: se anunciaba el fin de los 80 y por ende, la llegada de una nueva era que cambiaría absurdamente todos los planos posibles –incluyéndose la música, por supuesto–, ¿cómo iba ser esa nueva onda musical de la década ante una caída irremediable del género del grunge?

En California empezaba a consolidarse unas estructuras rítmicas que agrupaban géneros como el hip hop y el funk, algo totalmente ajeno a lo que muchas bandas de metal habían realizado en las décadas y los años, pero una propuesta que empieza a llenar todos los intereses dentro de las oficinas de las disqueras más importantes. Bandas paralelas como Coal Chamber, System of a Down y Korn empezaban a moverse en esta nueva onda musical.

Sacramento fue la cuna que vio nacer Deftones a finales de los 80 e inicios de los 90: un grupo de jóvenes estudiantes amigos de la secundaria apasionados por la misma horizontalidad musical. Aunque sus inicios tenían similitudes con grandes bandas del heavy metal como Iron Maiden, alrededor del año 94 encontraron su propia fuente y de ahí nació su primer debut el cual llamaron Adrenaline.

Los 90 estaban llenos de diferentes géneros liderados por bandas como Sonic Youth, Cypress Hill y The Smashing Pumpkins: tres grupos que resumen el noise y desorden musical que existía en ese entonces. Era más que cierto que Deftones no lograría encajar y así fue, después de elaborado su debut, la fama para esta banda se veía cada vez más que alejada y solo fue hasta unos años después, en el 1997, donde lograron encabezar los rankings más aclamados en la música: Around the Fur había sido su disco de oro y su puerta a la fama.

Aunque Adrenaline sigue siendo uno de los discos menos aclamados por la crítica como la base de fans de la banda, sin duda despierta varios sentires importantes puesto que gracias a este disco, Deftones es la banda la cual conocemos en la actualidad. Adrenaline era en ese momento el diario del adolescente rebelde que montaba skate, vestía pantalones anchos y acostumbraba a nunca a peinarse; tal vez el reflejo de lo que Terry Date quería reflejar en el mismo.

Canciones como “Bored”, “7 Words”, “Engine No. 9” o “Minus Blindfold”, son algunas de las reliquias que muchos de sus fanáticos seguimos escuchando porque demostraron en ese entonces el potencial detrás de los instrumentos Cunningham, Moreno, Cheng y Carpenter: aquel potencial sonido alternativo y único que sigue vigente hasta en sus últimos días, y el cual le ha dado el crédito total de convertirse en una de las bandas pioneras para el género alternative o nu-metal –como algunos le llaman–.

Dua Lipa presenta “Levitating” junto a DaBaby

Una fiesta espacial llena de brillo es lo que nos presenta Dua Lipa en la nueva versión de "Levitating".

Este 2020 Dua Lipa presentó Future Nostalgia y la versión club de este material que se han ganado la aceptación de la crítica y fans. Para seguir promocionando esta era, la cantante ha presentado un nuevo remix de "Levitating" en esta ocasión junto al rapero DaBaby.

Para esta nueva versión se ha lanzado un video musical dirigido por Warren Fu en el que vemos a Lipa transportarse a un espacio lleno de brillo y ejecutando una coreografía a cargo de Charm La'Donna. Algo interesante es que este video fue hecho con la ayuda de usuarios de la aplicación Tik Tok quienes aportaron ideas en cuanto baile, maquillaje y hasta con su aparición en el videoclip.

Puedes ver el resultado a continuación:

Hace unas semana Dua Lipa se unió a The Blessed Madonna para la creación de Club Future Nostalgia, un material en el que podemos escuchar nuevas versiones a cargo de Yaeji, Mark Ronson, Horse Meat Disco, entre otros. Puedes leer nuestra valoración de este LP dando clic en la portada.

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Mandarina, liberación artística y destino colombo francés

Emocionantes sensaciones desde la bossa nova hasta el jazz son la propuesta del dúo internacional Mandarina y su más reciente producción.

El destino es algo curioso, más cuando se trata de algo tan bello como la música. Algunas veces, nuestros discos o artistas favoritos los encontramos por accidente, siendo algo que tradicionalmente no escucharíamos. Puede ser que así ocurra con las personas, el claro ejemplo es Mandarina, un proyecto fundado desde 2016 gracias al encuentro de Michael y Paola.

El artista francés invitó a Paola para grabar sus maquetas hace cuatro años, y con el tiempo la afinidad de ambos artistas dio como resultado un proyecto artístico sólido, el cual ha comenzado a aparecer en el radar con un par de sencillos, "Miel" y "No Soy de Aquí". Su sonido convive de manera elegante con el jazz, el soul, el blues, la bossa nova e incluso el pop rock, y sus historias llenan de melancolía, sensualidad y pasión tus oídos para hacer introspectiva.

Mandarina_2020

 

Este septiembre de 2020 ha llegado su primer producción de corta duración, la cual es un EP llamado Lui. A través de cuatro canciones, el dúo hace una mezcla de elementos culturales y sonoros, creando una serie de temas sofisticados y coloridos. Cada pista presenta distintos elementos, los cuales brindan una atmósfera misteriosa y suave.

Son cuatro canciones impregnadas de libertad, nostalgia y optimismo, en donde se puede apreciar una influencia de los años 70, ritmos latinos, soul, jazz y sonidos electrónicos", señalan Paola y Michel.

Lui te invita a liberarte, a expresar con pasión cada sentimiento que llegue a tu cabeza. Conviviendo incluso con la música tradicional francesa y con intermedios experimentales, este EP independiente de Mandarina propone 18 minutos llenos de estimulaciones brillantes. Dale play a continuación.

Te invitamos a seguir la pista de Mandarina a través de sus redes sociales y de Indie Rocks!

Cuarto Seis: energía y franqueza desafiante 

Sonidos suaves y vivencias colectivas son cosas que encontrarás con la agrupación mexicana.

En 2015 cuatro chicos, Ricardo Cervantes (voz y teclados), Julio Gaxiola (batería), Rafael Obregón (voz y guitarra) y Eric Suter (bajo), coincidieron en la CDMX y formaron su proyecto musical: Cuarto Seis. Inspirados en los ritmos suaves, seductores e inclinados al romanticismo, es como la banda después de mucho esfuerzo, logró compartir durante el 2019 su primer larga duración Música de Elevador.

Producido por Pablo Cantú (Reyno), y masterizado por Greg Calbi, este material delicado y ameno es perfecto para escucharse en cualquier momento. Si buscas algo que te llene de alegrías y te reconforte el alma, puedes escoger cualquiera de los siete temas que componen al disco. Según indicó el cuarteto, esta producción combina diferentes estilos e influencias sonoras que les atraen como MGMT, Mac Miller, Crumb, Unknown Mortal Orchestra, entre otros.

Las líricas que conforman a Música de Elevador giran entorno a algunas de las vivencias de Cuarto Seis, así también como algunas de sus preocupaciones por temas sociales. La honestidad de sus mensajes es sutil, un ejemplo de ello es "Amateur" un tema en el que suplican un amor verdadero que se aleje de los estereotipos de la belleza.

A lo largo de su trayectoria musical, la banda ha tenido la oportunidad de presentarse en distintos venues de la República Mexicana como Departamento y Bajo Circuito en CDMX, El Escocés en Monterrey, Sala Forum en Puebla, entre otros. Mientras retoman su gira te compartimos a continuación del LP para que lo disfrutes:

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