Iggy Pop narrará el documental sobre el Rey Tutankamón

Adéntrate en la fascinante historia del niño que se convirtió en Rey.

Iggy Pop ha sido elegido para narrar el documental Tutankhamun: The Last Exhibition. La película cuenta la historia del descubrimiento de la tumba del rey egipcio en 1922, así como la preparación de la exhibición conformada por 150 de sus tesoros, hecha en 2019 en Los Ángeles, California. Al respecto, la productora Rosella Gioffré mencionó para la revista Variety: "Estábamos buscando a alguien que pudiera darle un atractivo diferente a la narración de la película. Pensamos en Pop y él aceptó".

El filme, dirigido por Ernesto Pagano, muestra fotografías de los aproximadamente 5400 objetos del Rey Tut, hechas por Sandro Vannini, quien también se desempeña como productor. Sobre la participación de Iggy, el fotógrafo comentó para Variety: "Cuando escuchamos su voz por primera vez, dijimos 'esta es la voz. Esto es lo que necesitamos para esta película'. La voz de Iggy Pop es simplemente increíble. Cuando leyó la historia lo que iba a narrar, inmediatamente tuvo ganas de trabajar con nosotros".

Sandro Vannini también aparece en el documental, cuya producción se llevó a cabo en Italia gracias a Laboratorio Rosso y Nexo Digital. Cabe mencionar que la versión italiana cuenta con la voz de Manuel Agnelli.

Si deseas ver el tráiler de Tutankhamun: The Last Exhibition, dale click al póster de acá abajo.

IggyPop_2021

Foo Fighters estrena video de “You Should Be Dancing”

A tan sólo unos días del estreno de su álbum tributo a los Bee Gees, la banda de Seattle libera un nuevo video que te transportará a una discoteca de los años 70.

Los Dee Gees, el alter ego disco de Foo Fighters, vuelven con el nuevo video de "You Should Be Dancing", un cover del clásico de los Bee Gees que ya había sido interpretado por la banda de Seattle en febrero de este año para BBC Radio 2  y durante su show en el Madison Square Garden el mes pasado.

El video, de estética setentera, nos transporta a una discoteca en donde se puede ver a Dave Grohl y sus compañeros de banda interpretando la pista entre luces neón ¡míralo a continuación!

Hablando sobre por qué eligieron interpretar "You Should Be Dancing" para BBC Radio 2, Grohl explicó: 

“Alguien dijo: 'Oye, ¿has visto ese documental de Bee Gees?' Y yo era como la última persona en la tierra. - ¡la única persona que no lo había visto!- Entonces yo estaba como, '¿Por qué no hacemos una canción de Bee Gees?' Y alguien dijo, 'Está bien ... ¡¿Cómo quieres hacerlo?!' Y yo dije: 'Bueno, hagámoslo como los Bee Gees.' Empezamos a grabar la pista instrumental, y luego pensé: 'Está bien, voy a salir y cantarla ...' y déjame decirte: nunca, nunca en mi vida, había cantado así, pero fue ¡la canción más fácil que he cantado en toda mi vida! "

Hail Satin, el debut de los Dee Gees estará disponible a partir del viernes 17 de julio, en el marco del Record Store Day

No olvides seguir atento a Indie Rocks! para más novedades.

DJ Harvey en la Ciudad de México

Clase magistral de house.

Mientras la vacunación avanza progresivamente, la vida nocturna se reactiva de a poco. Durante las primeras horas del domingo, la Ciudad de México acogió la visita de uno de los DJs de culto en activo más importantes en la escena house internacional: DJ Harvey

Las alteraciones climatológicas derivadas del calentamiento global son cada vez más evidentes. Durante semanas hemos vivido un verano atípico, marcado por torrenciales lluvias; el sábado no fue la excepción. Lo anterior sumado al período vacacional, las medidas impuestas por el semáforo amarillo y la expectativa mediática por el fin de semana futbolero, hicieron que las calles de la megalópolis lucieran vacías. 

En punto de la media noche comenzó el acto abridor. Eric Duncan le dio play a un tema de electrónica instrumental desde una locación secreta en Av. Insurgentes. De entre las calles adyacentes comenzaron a chispear pequeños grupos de amigos. Ríos que desembocan en el mar. La revisión de rutina más las medidas sanitarias a las que nos hemos acostumbrado para ingresar en un lugar público. 

La emoción contenida y la expectativa eran evidentes. En cuestión de minutos el recinto alcanzó su aforo permitido. Con una primera hora de música tipo lounge, Duncan fue acomodando a las personas como legos en la pista de baile. Rayando la 1:15 H comenzó a meterle un poco de más de percusiones; a la 1:30 H ya estábamos en algo más funk y, para la 1:45 H las bocinas comenzaron a tronar disco. Rayos láser por encima de la gente. La mesa estaba servida para el plato fuerte. 

A las 2:00 H, DJ Harvey se apoderó de las tornamesas y sobre el tema que estaba corriendo montó una sesión instrumental de mucho saxofón y e instrumentos de viento. Por casi una hora fue pintando diversos paisajes jazz con el pincel de la progresión tipo orquesta.  

Para la comunidad amante de la música electrónica, Harvey es un referente obligado. Al margen de lo que actualmente representan Diplo, Skrillex o Martin Garrix, la revista Rolling Stone (sin ser un medio especializado) lo catalogó como uno de los 25 DJs que “dominan el mundo”. Lo cual habla más de su trascendencia cultural que de su exposición mediática. Es escuela de muchos de los artistas que encabezan carteles en festivales del género.  

Con una experiencia de más de dos décadas, llegó a la CDMX con su característico estilo tipo detective de Miami Vice para poner a bailar a un público que, en su mayoría, no estaba en los planes de sus padres cuando él comenzó a pinchar vinilos. Hacía las 3:30 H su set estaba transitando de lo etéreo a algo más estilo funky town

Legendario por sus largas sesiones que se extienden por horas y horas, transformó la pista de baile en una maquina del tiempo que recorrió múltiples épocas a través de diversos géneros. Todo sin caer en cliché de los hits de radio y sin desangrar la vena del disco.

A las 4:30 el lugar en su configuración tipo antro reventó en jubilo. Todo mundo bailaba sin parar. DJ Harvey posee tal sensibilidad para leer la pista que, el desarrollo de su set se va construyendo conforme percibe la vibra de la gente. Así pues, el resto de su sesión transitó por diversos escenarios en los que se fueron incorporando de forma orgánica, vocales de euro disco, sonidos tribales, dance y, hasta secuencias "bloondiescas".

En México, DJ Harvey ha sido parte del cartel de Trópico, Mutek e incluso hasta de un Corona Capital. Esta vez, las condiciones globales solo permiten un aforo limitado, pero igual se entrega con la misma vitalidad de alguien que sabe que la música es oxígeno. Su participación estaba pensada para durar tres horas y terminar a las 5:00 H, sin embargo pasadas las 6:30 seguía con el mismo entusiasmo del principio. Nosotros tuvimos que retirarnos para volver a la rutina semanal, pero la fiesta continuaba. Si alguna vez tienen la oportunidad de cacharlo en vivo, se los recomendamos ampliamente; solo consideren que no es un acto de hits musicales y que sus sesiones son largas.

Antiguo Autómata Mexicano — 20+ Piano Improvisations

La música al servicio de la tecnología.

A mediados del siglo pasado, Marshall McLuhan sentó las bases del estudio de los fenómenos de comunicación masiva con su conocido axioma: “el medio es el mensaje”. A través de éste, advertía que el contenido de un medio es menos importante que la tecnología por sí misma, la cual altera la forma en la que nos relacionamos con el entorno. Más de cincuenta años después, esta teoría ha alcanzado al mundo del arte con proyectos como Antiguo Autómata Mexicano, quien disuelve las barreras entre ciencia y sensibilidad humana en el álbum 20+ Piano Improvisations, su esperado regreso tras más de un lustro.

El regiomontano Ángel Sánchez Borges, filósofo, periodista de rock y músico, es un artista que no conoce límites ni con las tecnologías de producción ni con la música enfrentada a sí misma. Proyectos de los 90 e inicios de siglo como Alambrista, Slowmotionlove y Seekers Who Are Lovers —el último con un sólido reconocimiento de revistas como Pitchfork— rompieron las barreras entre el rock, el shoegaze, el dreampop y hasta ritmos como la cumbia, en un ejercicio estilístico que incluso precedió la revolución sónica de la Avanzada Regia.

Pero, si acaso Ángel se ha sentido cómodo en un lugar, éste ha sido la música electrónica. Bajo el nombre de Antiguo Autómata Mexicano, el artista ha explorado los límites entre el techno, el glitch, el micro-house y el krautrock para forzar las barreras del software como Reason y, de paso, demostrar la futilidad de las etiquetas musicales en la época actual. Sin embargo, seis años después de su último álbum titulado Microhate (2015), la sociedad y tecnología —el “medio”— han cambiado tanto que el “mensaje” ha exigido una transformación radical. Por ello, 20+ Piano Improvisations llegó para establecerse como la música definitiva de la era contemporánea.

Como el título lo sugiere, 20+ Piano Improvisations es una colección de piezas donde la aleatoriedad precede al academicismo. En lugar de una ejecución virtuosa y razonada del piano, Ángel programa una serie de algoritmos generados por computadora que derivan en sobrios ambientes instrumentales numerados en orden ascendente. Por momentos, éstos rozan el principio minimalista de la repetición; por otros, se dejan arrastrar al caos rítmico sin llegar a la atonalidad.

De esta forma, hay momentos como “Piano Improvisation No. 4” o “No. 17” que evocan los ambientes oníricos de Brian Eno en su Music for Airports, mientras otros más veloces como “No. 5” o “No. 19” hacen un guiño a las obras minimalistas de Terry Riley o Steve Reich. No obstante, piezas como “No. 9”, “No. 10” y “No. 11”, ahogadas en notas y patrones incognoscibles, parecen ser una continuación de Conlon Nancarrow y su legado experimental. Este compositor estadounidense radicado en México se hizo un lugar en la historia de la música por escribir partituras que a simple vista parecían imposibles para cualquier pianista, pero, ejecutadas por máquinas como la pianola, revelaban patrones matemáticos escondidos para el oído promedio. Así que, en momentos como éste, la música de Antiguo Autómata Mexicano no solo se evidencia como no-humana, sino que aprovecha esta condición para realizar un comentario sobre ella misma.

Como todo álbum de ambient, 20+ Piano Improvisations es una obra para escuchar en soledad y apreciar las variaciones armónicas. Pero, más allá de eso, es un claro ejemplo de la relación simbiótica creada entre la omnipresencia de la tecnología digital y las nuevas formas de apreciación artística. Aunque escuchamos retazos de sensibilidad humana, termina por imponerse un programador automático; pero éste no molesta, sino que suma a la experiencia al permitirnos darnos cuenta de nuestra propia aceptación por máquinas haciendo música.

Antiguo Autómata Mexicano ha experimentado con los límites del rock, el shoegaze y el techno. Esta vez, lo hizo con los límites de la creación musical.

A 10 años del 'Skying' de The Horrors

Skying, el descanso oportuno de la banda.

Con un ritmo que va desde el garage-rock hasta el ambient, de influencias e imitaciones a The Cramps, Sonic Youth, Can entre otros, la banda inglesa The Horrors, ha experimentado diversos cambios en la manera de producir su música, y es que en el año 2007 lanzaron su álbum debut Strange House; material donde se demuestra la intensidad musical que ha representado a la agrupación. Con géneros como el garage rock, post punk, psicodelia y más, demostró la intensidad que permeaba a The Horrros. También, es en este álbum donde viene el éxito "Sheena is a Parasite", del cual el experimentado director Chris Cunningham quien a trabajado con Aphex Twin, Björk, Porstishead, entre otros decidió crear un video musical. Es así que esta agrupación inglesa empezó con la energía y creatividad necesaria para posicionarse en el mercado.

Lo que en un inicio comenzó con una mezcla de psicodelia, garage rock y post punk, en su segundo material discográfico Primary Colours se encontraron matices del krautrock y un poco de ambient. Su primer sencillo, "Mirror's Image" comienza como si se tratará de una de las tantas creaciones de Brian Eno que después toma forma de rock alternativo. Este álbum fue producido por Geoff Barrow, quien es otra de las mentes brillantes detrás de muchos proyectos como el de Portishead. Barrow es el productor y multiinstrumentista de esta agrupación y ha tenido participaciones con otras bandas como Massive Attack en su álbum Blue Lines. Con el primer y segundo material, The Horrors tendría que realizar el siguiente álbum con una carga creativa aún más amplia, un disco que continuara dejando impresionado a su público cautivo, ya que anteriormente la banda había sorprendido con la potencia de su música junto con la voz de Faris Badwan así como con participaciones de Geoff Barrow y Chris Cunningham.

El 11 de julio del 2011, salió a la venta el tercer álbum la agrupación, Skying. La banda británica que empezó con una energía musical irrompible, paso a crear el lado opuesto de lo que ya habían cimentado, para entrar al pop-rock y algo más melódico. Skying, es una producción que fue realizada por la propia banda y en la cual su creatividad musical y lírica fue explotada, pese a ser algo totalmente “relajado” y “disperso” a lo que ya se habían acostumbrado, este material tiene muchas “sorpresas” dentro de sus composiciones. En el aniversario número diez del álbum, es importante recordar que Skying, no necesitó de participaciones de personajes importantes dentro de la industria para poder darse a conocer.  Los diez temas dentro del disco crean un contra peso musical dentro de la trayectoria de la banda; lo que iba en picada se mantuvo por un instante de manera lineal.

Comparado a Strange House y Primary Colours, Skying es diferente por su decadencia en la energía musical, pero lo que sí puedo decir es que en este proyecto la creatividad fue dirigida hacia las letras de las canciones. Se puede calificar este material como algo “suave” y como un descanso oportuno tanto para la banda como para su público.

 

A 15 años del ‘The Eraser’, de Thom Yorke

Una etapa llena de música y libertad.

Parece increíble, pero hoy en día, a 15 años de distancia, hay varias personas que no perdonan del todo a Thom Yorke por haber emprendido un camino en solitario, incluso cuando el líder de Radiohead ya ha lanzado tres o cuatro discos firmados solo con su nombre. Fue algo similar a una traición que, con el paso del tiempo, parece agravarse más.

Sin embargo, en defensa de Thom Yorke, todo indica que aquello era necesario para recobrar los ánimos y las fuerzas para volver a trabajar con sus compañeros de banda. En 2006, cuando Radiohead volvía a ser noticia con algunos conciertos, su vocalista trabajó, casi de manera secreta, en las canciones de su debut como solista, The Eraser.

Hail To the Thief, el sexto disco de Radiohead, salió tres años atrás, en 2003, siendo el último material que la banda grabada para EMI/Parlophone. Aquel fue un disco muy guitarrero, furioso, que nos presentaba a cinco integrantes perfectamente cohesionados, dispuestos a regresar a sus raíces más rocanroleras. Un álbum marcado por el conflicto bélico entre Estados Unidos y el Medio Oriente.

Tiempo después, ya sin disquera, pero sí con algunas canciones nuevas, el quinteto de Oxford regresó a los escenarios con una nueva motivación. Ahora sí, no dependían de nadie y esa libertad les cayó muy bien a cada uno de los integrantes de Radiohead, principalmente a Thom Yorke, quien, en medio de las sesiones de grabación de In Rainbows, se puso a trabajar con Nigel Godrich (el sexto miembro de Radiohead) en una nueva colección de canciones.

Hasta ese momento, el futuro del grupo era incierto y el tiempo de espera por un nuevo disco se hacía más largo y, de hecho, culminó hasta el 2007 con la llegada del séptimo trabajo de Radiohead. Pero la historia de The Eraser data de un año antes, cuando parecía no haber muchas esperanzas respecto a la agrupación creadora de “Creep”.

De manera sorpresiva, The Eraser apareció un 10 de julio del 2006 y, de inmediato, los rumores sobre una separación de Radiohead volvían a hacer eco en la prensa y, sobre todo, entre los fans de la banda. Ahora, solo era Thom Yorke quien presentaba un nuevo álbum, el primero en plan solista.

Si bien, lo hecho por Thom Yorke en su ópera prima tuvo, en términos generales, un buen recibimiento por parte de la crítica especializada y por algunos seguidores del cantante, lo cierto es que había un dejo de insatisfacción, una sensación de traición de Thom hacia sus compañeros, pues, aparentemente, nadie sabía lo que su vocalista traía entre manos.

Era claro que Yorke quería marcar una diferencia con la música que podía lanzar con Radiohead; son nueve canciones donde impera la caja de sonidos, la música electrónica y la falta de los instrumentos convencionales, guitarra-bajo-batería. En ese sentido, Kid A y Amnesiac fueron una fuente de inspiración importante a la hora de concebir The Eraser.

Un año después, en octubre del 2007, y luego de cuatro años de espera, Radiohead publicó su muy aclamado In Rainbows, terminando, de tajo, con los rumores sobre su disolución; uno de los mejores trabajos en la trayectoria del quinteto británico.

Sin embargo, pese al gran éxito de In Rainbows, gracias a The Eraser, Thom Yorke se alejó de la etiqueta de “frontman de Radiohead” y dio paso a una etapa llena de música y libertad, aún cuando no tenga el mismo foco mediático que el grupo de Oxford.

Es por eso que, proyectos como Atoms For Peace o sus recientes trabajos en solitario le sientan muy bien a Thom Yorke, pues ha hecho todo lo que ha querido sin detenerse a pensar en la respuesta de la audiencia, pero, ¿no es esa la esencia de Radiohead?

A 10 años del 'Caballeros del Albedrío' de Austin TV

Rostros cubiertos, autogestión y sonidos instrumentales que llegaron del Foro Alicia hasta el festival de Coachella

La ambición sin pretensión ha sido la característica primordial que ha marcado la trayectoria de Austin TV. El quinteto comenzó desde lo más bajo y de manera paulatina consiguió avanzar hasta posicionarse como un referente dentro del rock independiente mexicano. Los integrantes tuvieron claro que antes de correr hay que aprender a caminar. Aunque al principio no existían grandes apoyos siempre prevaleció la ilusión por trascender.

En el libro Alicia en el Espejo (Edixiones Alicia, 2010) de María Teresa López Flamarique se incluye una entrevista con uno de los guitarristas, Chavo, quien señala que una de las partes más complicadas en la música es la disciplina. "Todos teníamos en común que queríamos vivir de la música y dejamos todo lo demás para hacerlo". Al final lograron superar todas las adversidades y de presentarse frente a 30 personas en el Foro Alicia consiguieron hacerlo ante miles en Coachella. No fue sencillo y tuvieron que transcurrir varios años pero lo consiguieron. Por eso se afirma que la música es una carrera de resistencia y no de velocidad.

Rock mexicano independiente del siglo 21.

El proyecto surgido como una banda paralela a Hule Espuma llegó en el momento justo de la explosión de internet y el nacimiento de medios de comunicación como la estación de radio Reactor 105.7 FM y la propia revista Indie Rocks!. Al comenzar a escarbar en lo más profundo de las alcantarillas descubrieron que existía un importante movimiento de grupos autogestivos que eran ignorados por los demás.

Dentro de la camada de bandas nacidas a inicios del nuevo milenio hubo una que llamó la atención por distintos motivos. No cantaban porque las melodías eran las encargadas de transmitir las emociones pero además tenían una personalidad visual bien definida. Para cuidar su identidad siempre se han cubierto el rostro y utilizado extraños apodos.

Con influencias iniciales de grupos como Don Caballero y Fugazi, muy pronto Austin TV encontró una identidad propia. Aunque el punto más alto de su carrera llegaría también con el álbum que hasta el momento es el último de su discografía.

Entre la furia y la introspección.

El 10 de julio de 2011 fue publicado Caballeros del Albedrío, un álbum doble y conceptual que muestra dos facetas distintas pero que al final se complementan. El primer disco lleva el subtítulo de Séeb y presenta una potente versión del combo más cercana a un conjunto de rock convencional.

Durante esta parte prevalecen los continuos cambios de ritmo marcados por una puntual batería ejecutada con furia. Cada tambor es golpeado sin temor ni miramientos. En "El Hombre Pánico" se consigue una de las composiciones más energéticas del quinteto con una fuerte influencia de Hella y The Dillinger Escape Plan.

Mientras que otro rasgo que los integrantes nunca han escondido es su pasión por el cine de los más diversos géneros. Desde su primer álbum se volvieron emblemáticos los sampleos tomados de Back to the Future y Veneno Para Las Hadas de Carlos Enrique Taboada. Mientras que en esta ocasión se repite la dosis y en "Dick Laurent Está Muerto" no solo se hace referencia a uno de los protagonistas de Lost Highway sino que también se escucha un fragmento del oscuro filme de David Lynch.

En tanto que el segundo CD tiene el apelativo de Hán y está conformado por siete piezas y un interludio que se inclinan hacia la introspección y la experimentación. Para esta parte los integrantes añadieron la participación de Natalia Lafourcade en instrumentos como la mandolina, vibráfono y piano.

El resultado es solemne e invita a la reflexión y el pensamiento interno. Al igual que hace más de medio siglo ocurrió con The Beach Boys y Pet Sounds se utiliza al estudio de grabación como un instrumento más para conformar una pequeña orquesta musical. Mientras que Emmanuel del Real de Café Tacvba no solo es el productor de todo el trabajo sino que también participa con la jarana en un par de canciones.

Las composiciones son un bálsamo para los oídos y podrían funcionar para una película imaginaria con paisajes bucólicos y enormes nubes de fondo. La mejor forma de oír esta mitad del trabajo es con los ojos cerrados y la mente abierta. Como cualquier pintura, con cada revisión se aprecian nuevos detalles que pudieron pasar desapercibidos la primera ocasión.

En su momento nadie lo supo pero el tercer LP de Austin TV también fue el punto final de su carrera… al menos hasta el momento. Mientras tanto, el punto más alto de su carrera creativa también se posiciona dentro de los trabajos más ambiciosos que se han creado en la música de nuestro país.

Wild Mamas — Monkey In The Kitchen

Rock actual de coros memorables que parece haber sido creado en el pasado.

Para algunas personas la música es mucho más que la simple unión de melodía, armonía y ritmo. También es acompañante de momentos decisivos en la vida. Es una compañera que está presente en todo momento y tiende a lograr una mejor conexión cuando relata historias. Precisamente eso es lo que busca el quinteto español Wild Mamas con sus composiciones. Para conseguirlo se apoya en el rock & roll en su vertiente más sencilla para que el mensaje sea captado.

Con una trayectoria de poco más de un lustro el combo originario de Barcelona tiene listo su nuevo EP. Se trata de cinco temas propios que se adentran por completo en el powerpop y los sonidos que se crearon a finales de los sesenta y principios de los setenta. Hay guitarras eléctricas que se combinan con una batería potente que nunca pierde el ritmo pero la voz es la verdadera protagonista. En especial los coros son tan pegajosos que desde la primera vez que se escuchan quedan tatuados en el inconsciente.

Como primer sencillo del trabajo se publicó Sueños y de inmediato se entiende la decisión. Es un tema que contiene todos los elementos para ser el próximo himno del verano. Todos los instrumentos se funden en un mismo sonido y junto a la letra transmiten un mensaje de melancolía. De un inicio trepidante se pasa a un momento de relajación y finalmente en el coro se produce una explosión que va directo a los oídos.

Por su parte, para Bad Girl la banda cambia de idioma y ahora utiliza el inglés como medio para transmitir su mensaje. Un bajeo intenso que rememora a The Police marca el comienzo de una canción que trae a la mente a The Rolling Stones en su época del Sticky Fingers. Es un rock intenso con unos riffs de guitarra demasiado sencillo que parece que cualquiera los puede reproducir aunque no siempre es así.

Con Wild Mamas también se aprecia una fuerte influencia tomada de T. Rex y ciertos destellos de The Kinks. Cada instrumento tiene una función específica pero nunca resalta por encima del resto. Es la suma de todas las partes la verdadera protagonista y la que ofrece los resultados satisfactorios. Mientras que se respeta la estructura clásica de una pieza con sus versos y coro.

Por su parte, al trabajo fue mezclado y masterizado por Jorge Explosión de Dr. Explosión en su estudio de grabación analógico Circo Perrotti. Eso permitió obtener un ambiente en el que el presente suena a pasado. En ocasiones no se necesita un Delorean para viajar en el tiempo sino simplemente escuchar una canción.

Escucha “Soñándote”, lo nuevo de Viajante Sur

Christian Jean apadrina a la banda de rock psicodélico en su nuevo sencillo.

Viajante Sur, la banda yucateca conformada por Carlos Hurtado (voz y guitarra), Gerardo Corzo (bajo), Juan Manuel R. de León (teclado) y Andrés Teyer (guitarra) en el 2018, anda estrenando un nuevo sencillo titulado “Soñándote”, una balada psicodélica que cuenta con la participación de Christian Jean de Reyno, en la batería y en la producción del tema.

La letra habla de una ilusión, tú estás consciente de que es falsa pero te mantiene tranquilo así que no quieres salir de ese sueño. La canción habla sobre quedarte en una situación sabiendo que aunque es falsa te hace sentir bien,” explica el vocalista Carlos Hurtado en un comunicado de prensa.

Soñándote” es un adelanto del EP debut de la banda y sigue al sencillo "Heridas" publicado en abril y que también fue producido por el líder de Reyno

En las rolas está muy plasmado ese toque que tiene al hacer una canción, se escucha y se siente. Fue una experiencia muy bonita, si se da la oportunidad probablemente regresaremos con él porque se formó una relación más allá de trabajo. Está muy pendiente de nosotros y no nos ha querido soltar en el proceso y eso nos incita y nos motiva a seguir trabajando”, comparte la banda.

El EP debut de Viajante Sur estará disponible a finales de este año, mientras esperas a su estreno te invitamos a disfrutar de “Soñándote” en todas las plataformas digitales.

Conoce al supergrupo Central Heat Exchange (C.H.E.)

El proyecto propone el regreso a los heroicos inicios del indie.

De las cosas buenas que trajo la pandemia es que se formó un nuevo supergrupo de indie pop, se trata de Central Heat Exchange (C.H.E.) , proyecto colaborativo conformado principalmente por Adam Soloway de Living Hour, Santiago RD de Daphne Tunes y Jacob y Paul Stoltz de Varsity y Pool Holograph.

Los miembros de C.H.E. han manteniendo una buena amistad durante años pero no fue hasta la primavera de 2020, después de estar encerrados durante tres meses, que comenzaron a trabajar juntos en una canción escrita y grabada desde casa por Jacob Stoltz. Dicha colaboración se dio en cadena comenzando con Stoltz enviando un fragmento de su canción a Santiago RD quien agregó algunas melodías vocales, las cuales luego se pasaron a Adam y Paul para engrosar el tema con teclas, bajos y guitarras.

Los músicos repitieron este proceso diez veces más, con diferentes pistas que fueron grabadas de manera remota con cualquier equipo que estuviera a la mano.

Fue una experiencia refrescante construir canciones como instrumentales primero, adoptando un enfoque de textura avanzada para la composición de canciones antes de imaginar dónde iría el contenido lírico. Cada archivo de pista en blanco se sintió como un lugar nuevo y refrescante al que escapar creativamente", compartió Santiago RD en un comunicado de prensa.

Este tipo de comunicación a distancia continuó por varios meses y poco a poco se fue configurando el álbum debut (homónimo) del proyecto, con la participación de una amplia red de colaboradores que incluyen a miembros de Broken Social Scene, Lala Lala, Fran, The Weakerthans, Sun June, Do Make Say Think y muchos más. El material de larga duración verá la luz el 10 de septiembre a través de Birthday Cake/Citrus City/Sunroom Records y la banda ya ha compartido el primer adelanto titulado "Directly Down" con Stephanie Smith de Varsity como voz principal y Abby de Lala Lala en la batería.

"'Directly Down' comenzó como una demostración para otro proyecto, Discus"- comentó Paul Stoltz- "Inicialmente se rastreó en marzo al comienzo de la cuarentena mientras Jake y yo planeábamos grabar el segundo disco LP. Como se hizo evidente, no íbamos a poder grabar en persona durante bastante tiempo (todavía no ), así que agregué esta canción a la mezcla de C.H.E "

La canción es descrita como "una vibración en espiral tambaleante" que habla sobre humanos que destruyen la tierra. Escúchala a continuación y disfruta del visual creado por Hector Carlos Ramirez.

El debut de C.H.E. es "un pastiche de recuerdos de ensueño" que se remonta a los sonidos de los héroes del indie como Stereolab, Yo La Tengo, Broken Social Scene y Neutral Milk Hotel. Es un álbum que reconstruye el sentido de lo comunitario en una época en la que la idea misma de comunidad, especialmente en la música, fue dislocada, arrancada y despojada de los espacios en los que se practicaba, como tantas otras cosas durante esta pandemia, siendo precisamente esta situación la que marca la esencia de Central Heat Exchange: un grupo amigos cercanos pero lejanos que hacen música a la distancia.

Ya puedes pre ordenar el álbum aquí y no te olvides de seguir a la banda en sus redes sociales.

Central Heat Exchange LP_2021

Central Heat Exchange Tracklist:
1."Fortnight"
2. "Tulips At My Bedside (feat. Living Hour)"
3. "Almost To You"
4. "You Showed Up"
5. "Directly Down (feat. Varsity)"
6. "Cold"
7. "Help Me Understand"
8. "Dusty Glass (ft. Fran)"
9. "Horsey Cop"
10. "Tomatoes (Breath of God)"
11. "Drumless"