Descansa en paz, Charlie Watts

Pinta el cielo de negro, Charlie.

“No puedo creer que los Rolling Stones den un concierto de más de 2 horas, yo me cansé nada más de caminar del metro para el foro”, mencionó mi señor padre al respecto del accionar en escena de sus Satánicas Majestades en su última visita al Foro Sol en el año 2016. Dos días antes tuve a bien presenciar el show pero en aquella ocasión trabajando, y el mejor recuerdo afirmando el dicho de mi padre, es que tuve la oportunidad de ver a la banda bajar del escenario después del recital para subir a las camionetas que los llevarían a su hotel. Pocas veces he visto tanta frescura, tanta energía, tanta vida en personas de más de 70 años, me cae que sí tienen pacto con el diablo. 

Pero como he referido en anteriores ocasiones, somos la generación destinada a ver a nuestros héroes morir, aquellos que por herencia o adquiridos personalmente nos complementan y nos alimentamos de sus mitos y leyendas, nuestros íconos musicales tendrán que irse algún día, a veces inesperadamente, o en el caso de Charlie Watts, como es la lógica del paso del tiempo, el peso de la edad, el daño de la enfermedad persistente, el inevitable destino. Y por esa razón llevé a mi papá a ver a los Stones, porque en el fondo sabes que puede ser la última vez, y es maravilloso tener el recuerdo tangible de haberlos visto radiantes en escena a la par de todas esas grabaciones que seguirán sonando. 

Hoy se ha ido Charlie, el irremplazable baterista, el jazzero impredecible, la figura que aunque al fondo y discreto, casi escondido como suelen verse los comandantes del ritmo, con los clicks de sus baquetas o el golpeteo a sus tambores daba inicio a la debacle, al desfogue, a la nostalgia. Siempre parco y sobrio, redoblando sutil y reafirmando furioso su accionar, el complemento perfecto para la evolución del blues, el rock n’ roll que ahora es escuela, y las canciones que retumban de la cinta al vinil, del mp3 al servicio de streaming

Influencia innegable de enormes bateristas como Jimmy Chamberlin, quien en un bootleg de Smashing Pumpkins comenzó a marcar el ritmo de “Emotional Rescue” en una suerte de cover fallido. Watts a su vez influenciado por el jazz, hizo de su estilo característico una gran guía para su banda de toda la vida, incluso siendo antepuesto por los frontmans como el verdadero líder. “Yo no soy tu baterista, tú eres mi maldito vocalista”, cuenta la leyenda que esta frase precedió a un golpe en el rostro de Mick Jagger ante una rabieta del cantante por su ausencia en una reunión.   

A Charlie le debemos que “Little Red Rooster” fuera lanzada como sencillo ante la negativa de Andrew Loog Oldham, productor de la banda de 1963 a 1967, cuya oposición radicaba en el hecho de que el tema ya había sido grabado por Howlin' Wolf. Dicho tema en su momento llegó al número uno de los charts del Reino Unido. “Charlie es el motor, no seríamos nada sin el motor”, mencionó Ron Wood en el documental Tip of The Tongue. Ejemplos de este accionar tales como “19th Nervous Breakdown” y su compleja rítmica, el inefable paso de “Honky Tonk Women”, la sutileza de “Stray Cat Blues”, la intempestiva “Gimme Shelter”, la adecuación a la tónica del estilo reggae adaptado por Keith Richards en la guitarra de “Start Me Up”, la dantesca introducción de “Symphathy for the Devil”. “Charlie probablemente tiene el set de batería más pequeño del rock and roll”, mencionó Bill Wyman en una entrevista de radio, siempre creando obras magistrales con los recursos básicos de un instrumento que a veces parece enorme. 

Día de duelo y nostalgia, Sir Paul McCartney y su serio semblante ofreciendo sus condolencias, Lars Ulrich agradeciéndole por literalmente inspirar a cada baterista de rock de este planeta, varios músicos compartiendo sus fotografías junto al ícono, poco a poco emergerán más mensajes, playlists, TikToks, todo sea por rendirle honores al genio, a la persona, a la leyenda que tal vez al redoble de sus baquetas está llegando al cielo diciéndole a un ángel: “Hey, you, get off of my cloud”, para después proceder a sentarse en su trono, su paraíso personal, frente a los tambores recreando los ritmos que quedarán en nuestro recuerdo, limpiando su cuerpo de las drogas que nunca dejó que lo dominaran, y del cáncer que lo aquejaba hasta sus últimos días.

Ha rodado la primera piedra al infinito, y duele, y merece reconocimiento y mención, “I sit and watch, as tears go by”, como los cuerpos se extinguen y se convierten en memorias, cenizas y mixtapes, anécdotas y de fondo las sinfonías de Igor Stravinsky que tanto le gustaban, los sonidos de Charlie Parker que tanto le inspiraban, y la voz y presencia de Frank Sinatra que le dará la bienvenida a la trascendencia. Goodbye in a ruby tuesday, still we gonna miss you, pinta el cielo de negro Charlie

 

Porches estrena “Lately”

Escucha el tercer adelanto del nuevo álbum de Porches.

Porches, el proyecto de synth pop liderado por Aaron Maine, está de estreno con “Lately”, un nuevo avance de su quinto álbum de estudio All Day Gentle Hold!, el cual será publicado el próximo 8 de octubre vía Domino Records. Pre ordénalo aquí.

Lately” es el tema de apertura del álbum y llega acompañado por un video dirigido por Nick Harwood, un colaborador frecuente del proyecto. El visual sigue a Maine bailando y cantando en el interior de una casa, mientras su banda toca la canción ¡Dale play a continuación!

El sencillo sigue al lanzamiento de las canciones "Okay" y "I Miss That', lanzadas en junio y octubre, respectivamente. Estos tres temas formarán parte del próximo álbum de Porches, que llegará unos 18 meses después del lanzamiento de su último LP Ricky Music.

All Day Gentle Hold! fue realizado durante la cuarentena, escrito por Aaron Maine cuando se encontraba solo en su habitación durante la cuarentena del año pasado, tratando de aprovechar el distanciamiento social para crear nueva música. El álbum es descrito por el músico como filmar para "los momentos más enérgicos, improvisados, reunidos en las canciones más cautivadoras que [él] pudo hacer ".

Sigue atento a Indie Rocks! para que no te pierdas los próximos lanzamientos de Porches.

Ruido Fest 2021

El poder mexicano llega a Chicago.

Esta vez, la música pudo más que la pandemia. El 20, 21 y 22 de este mes se realizó el Ruido Fest, en el Union Park de Chicago, Illinois. Un evento que recibió artistas latinos, pero cuya prioridad fue México. Desde la venta de comida mexicana, pasando por las peleas de luchadores enmascarados en un cuadrilátero, hasta los headliners, la cultura del país azteca se vislumbró con todo su poder y diversidad bajo el calor que no daba tregua.

Tras la cancelación de Los Fabulosos Cadillacs, el día uno del Ruido Fest le perteneció a una institución de la música latinoamericana: Caifanes. Saúl Hernández y compañía supieron como cubrir la ausencia de los intérpretes de "El Genio Del Dub". La gente coreó, saltó y bailó temas como “La Negra Tomasa”, y “Afuera”, entre muchas otras, donde se pudo apreciar la conexión con el público desde el minuto uno que la banda pisó el escenario.

Así mismo, otro artista que supo ganarse al público y cuyo after show fue sold out, fue el natural de Guerrero, Silverio. Salió de un baño público colocado estratégicamente al lado del escenario, mientras que los asistentes, en una relación amor-odio, lanzaba latas y botellas en respuesta. Él ya lo esperaba. Supo balancear su música con la puesta en escena brindada. Ambas fueron una experiencia buena e inolvidable. Y cuando decimos que entregó todo al público, hablamos en serio. Silverio incluyo el desvestirse hasta quedar desnudo delante de los asistentes, mientras que algunos hombres preferían irse al ver su masculinidad frágil tocada.

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Los Amigos Invisibles fue otra banda que merece un gran aplauso; no solo por los éxitos como “Mentiras” y “En cuatro” (con la letra corregida) que pusieron a bailar y preparar al público para la banda principal, sino por perseverar y seguir haciendo música desde Venezuela pese al difícil contexto económico, social y político que el país afronta. La combinación de funk y ska con los sonidos caribeños no faltaron.

El segundo día sorprendió al público con la cancelación del Mexican Institute Of Sound, en su lugar estuvo Kronobox. No obstante, el MIS es una institución con más historia, relevancia musical, influencia, riqueza y herencia. Su ausencia se hizo notar. La lluvia sorprendió en las primeras horas del segundo día del festival. Por ello, se cerraron puertas, generando demora que incomodó al público. Esto pasó rápidamente a segundo plano conforme pasaban las horas. Panteón Rococo fue la cura. Las expectativas eran grandes y estas fueron cumplidas. La gente llegaba con camisetas de Panteón lista para disfrutar del ska, sin embargo, antes se presentó una de las bandas que vale la pena recomendar: Inner Wave.

Esta banda californiana cuenta con el ensamble, voz y composición que les da el potencial para destacar en próximos eventos como este. El público respondía al pedirles una canción tras otra. Son una versión dos punto cero de The Voidz. La conexión estaba. Por su parte, Enjambre no se quedó atrás. La voz de Luis Humberto Navejas traía reminiscencias de la nueva ola, como si esta se combinara con el indie.

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La reina, la diva, la potra, la puertorriqueña Ivy Queen, puso al público a sus pies. La artista interpretó éxitos como “Quiero bailar”, “Quiero saber”, parte de “Yo perreo sola” y jugó con las mujeres del público, a quienes invitó a perrear sobre el escenario, regalándoles su característico abanico. Antes de Karol G o Natti Natasha, Ivy Queen fue la verdadera bichota del reggaetón. Quedó demostrado. Quien también supo liderar a la audiencia fue Alfonso Pichardo, vocalista de Moenia. La banda de synth pop no decepcionó y guardó lo mejor de su repertorio hacia el final de su presentación. Preparó al público para el desborde de energía que venía: la llegada de Panteón Rococó como gran estelar.

Ska y ritmos latinoamericanos convivían en una especie de ritual que la banda liderada por Doctor Shenka desarrolló durante las casi dos horas de presentación. El cariño, la energía y la intensidad que el público vivió con cada canción del setlist fue única.  Inclusive, se formaban rondas de moshpit en diversas zonas del Union Park. Si desean definirlo con una palabra, esta sería increíble.

La tercera y última fecha nos llevamos grandes sorpresas desde las primeras horas del festival. Unas buenas y otras malas. La mala fue que el mexicano Siddhartha no pudo estar presente en el festival. No obstante, las buenas definitivamente era Las Nubes. La banda de Miami nos recordaba a lo hecho por Veruca Salt en los 90 o The Beths actualmente, pero bajo su propio estilo. Al igual que Inner Wave, son bandas por las que vale la pena acudir temprano. Le siguió Margaritas Podridas, que dio lo mejor de sí y demostró que cuenta con talento para repotenciarse como músicos.

La nominada al Grammy por su álbum Miss Colombia, Lido Pimienta, además de interpretar parte de este material que la llevó al reconocimiento mundial, presentó parte de su nueva producción. Así mismo, contó a la prensa en que se distingue de su predecesor y algunas de las colaboraciones que contiene. “La instrumentación será una orquesta. […] Voy a invitar a cantantes espectaculares, no puedo decirlas todas, pero mi comadre Nelly Furtado va a cantar en el álbum y una comadre nueva que se llama María José Yergo de España. […] Sí, Miss Colombia era una carta cínica a mi país, el próximo álbum será una carta de amor a lo que vale la pena vivir”, indicó.

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Diamante Eléctrico continuó representando al país tricolor con el rock alternativo que los caracteriza. Tuvieron un invitado especial en la batería, se trató de nada menos que Luis Ledezma Blum, baterista de Café Tacvba. Así mismo, presentaron algunas canciones de su nuevo álbum Mira lo que me hiciste hacer. Por su parte, Little Jesus demostró profesionalismo y buen sonido. El público esperó por indie rock y se lo concedieron con “La magia”, “Químicos” y “Azul”, entre otros temas.

Café Tacvba cerraba una jornada de tres días con las canciones que la consagran como una de las bandas más representativas del México contemporáneo por excelencia. El público los abrazaba con cada aplauso que daban cada vez que una canción terminaba. El aprecio era tan grande que desde el público se le obsequió a Rubén Albarrán un lienzo de gran tamaño donde aparecía su rostro con motivos alusivos a las calaveras del Día de Muertos en México. “Quiero Ver”, “Chica banda”, “El baile y el salón”, “Chilanga banda” y “Las flores” fueron solo algunas de las canciones más coreadas.

Así termina una jornada de tres días llenos de cultura latina y sobre todo mexicana, donde cada uno tiene una historia musical y de vida que contar. Hagan ruido, porque México está EE. UU.

“I AM 100%”, el nuevo sencillo de Jarina de Marco

Trip hop, baile y una canción para el empoderamiento femenino y la autoconfianza.

Latinoamérica y sus ritmos caribeños: manos golpeando los bongos, pies descalzos en la arena y unas trenzas apretadas colgando del cabello. Así es Jarina de Marco. Su trabajo es una mezcla de categorías y fronteras, lo que la convierte en una visionaria creativa que canta en cuatro idiomas. Además, ella encabeza todos los aspectos de su proyecto: composición, producción, diseño visual y dirección de video.

Como defensora abierta de los derechos de las mujeres y la igualdad humana género, la música de Jarina es un mensaje de resistencia, mientras crea un sonido colorido completamente propio. Y en esta ocasión, su nuevo sencillo: "I AM 100%", no fue la excepción.

El 18 de agosto lanzó su último éxito envuelto en ritmos trip hop inspirados en el caribe y voces impulsadas por sintetizadores, encabezando así, el lanzamiento de la campaña BODEQUALITY de la marca Old Navy, protagonizada por la estrella de SNL & Shrill, Aidy Bryant.

Durante el video, Aidy entra a un set de comerciales vacío, y se pregunta si debería estar haciendo algo para llenar el vacío del silencio. Antes de que pueda decir o hacer algo, se le une un grupo de mujeres que han coreografiado una secuencia de baile de "I AM 100%", que la pone en un mood de seguridad y felicidad.

¿Música y ropa? Perfecta combinación para demostrar nuestra identidad, pasos de baile y lucir con estilo la diversidad de nuestros cuerpos.

 

The Polar Dream comparte nuevo videoclip para “YMA”

Un retrato de serenidad cambiante hecha soundscape.

La banda de rock instrumental con sede en Guadalajara ha sorprendido con el estreno de su más reciente material videográfico. Un viaje de lisergia contenida mezclando frames a blanco y negro que evolucionan hacia una paleta de colores sobrios pero vibrantes, todo acompañado por las caleidoscópicas animaciones de Diana Aguiñaga.

“YMA”, extraído del EP homónimo lanzado en febrero de 2020, es el corte elegido por la agrupación para acompañar este nuevo material. The Polar Dream  se arma de atmósferas sonoras, distorsiones esparcidas y las brillantes notas en sintetizador a cargo de Karen Navarro (MUUN), quien también se encargó de dirigir el recién estrenado clip.

La banda se ha caracterizado por llevar los límites de su sonido a nuevos horizontes con cada nueva entrega, el video oficial de “YMA” logra retratar esta constante búsqueda de reexperimentación usando un televisor, que cambia de escenario a escenario, como símbolo de transformación.

La intimidad del videoclip con uno de los integrantes a la cabeza de su realización resuena acorde a la atmósfera que produjo el proyecto durante la grabación del EP, realizado desde un home studio, sumada a la participación de Eric Padget y Lori Goldston.

The Polar Dream - YMA (Banner)

Shannon and The Clams — Year Of The Spider

Experiencia tras experiencia nos transmite Year Of The Spider.

Shannon & The Clams es el cuarteto de Oakland, California, conformado por Shannon Shaw bajista y vocalista, Will Sprott tecladista, Nate Mahan baterista y Cody Blanchard guitarrista de la banda. Conocidos por su gran estilo retro y su composición dentro de la industria musical, Shannon & The Clams acaba de lanzar su sexto material discográfico Year of the Spider, con 13 canciones incluidas, producido por Dan Auerbach vocalista y guitarrista de The Black Keys

Este maravilloso disco nos habla de varias experiencias y pensamientos de cada uno los integrantes y nos damos cuenta desde que escuchamos la primer canción con la que abre este nuevo álbum. “Do I Wanna Stay” llena de toques melancólicos que te hace entrar en un momento de relajación desde el instante donde escuchamos ligeras notas de piano. Dándole continuación a “All Of My Cryin’” que fue el tercer sencillo que lanzaron antes del estreno del disco, el lanzamiento se hizo a través de un video dirigido por Ryan Browne, en el que describe el llanto y los tipos de llantos que podemos llegar a experimentar en algún momento de nuestra vida.

Es hora de una de las versiones más psicodélicas y oscuras del álbum “Midnight Wine”, primer sencillo que la banda lanzó y está inspirado en amigos de los integrantes del cuarteto que murieron por adicciones a las drogas. Sin en cambio, “I Need You Bad” llega a suavizar todo con sus románticas melodías y los tonos menores de voz de Shaw.

Llegamos al segundo sencillo que se lanzó y el que le da nombre al álbum “Year Of The Spider”, a mi parecer, el mejor del álbum, con melodías pegadizas y un gran vibrato de parte de Shannon Shaw. Dejando a un lado los guitarrazos y los vibratos altos, llega “In The Hills, In The Pines” canción en la que podemos percibir los tranquilos acordes de una guitarra acústica. 

“Godstone” está llena de tonos felices y agradables que pondrían a más de uno de buenas, este sencillo nos cuenta una agradable anécdota que tuvo la vocalista y guitarrista en uno de sus viajes a Hawái. Para el tema de “Snakes Crawl”, todos los instrumentos bajan a un todo menor, haciendo la canción más silenciosa y lenta del álbum. Con notas musicales llenas de esperanza tenemos “Mary, Don’t Go” canción que cuenta una mala anécdota de Shaw en la que ella y su amiga se vieron obligadas a mudarse debido a un hombre que las espiaba. 

“Leaves Fall Again” sorprende a todos con el increíble falsete de entrada y cierre que le da el tecladista Will Sprott. “Flowers Will Return” es sin duda la canción más setentera que tiene el álbum que te hace recordar a bandas como The Byrds y The Hollies. El penúltimo tema “Crawl” está escrito por el guitarrista Cody Blanchard y cuenta la anécdota de un viejo amigo, se pueden apreciar tonos vibrantes de parte de Shaw y riffs suaves y delicados. 

Year Of The Spider termina con “Vanishing” un tema lleno de sentimientos ya que fue escrita para el padre de la vocalista Shaw. Sin duda el disco más multifacético y experimental que el cuarteto de Oakland ha realizado a lo largo de su carrera, lleno de misterios y sonidos por descubrir en cada una de sus canciones. 

Craig John Davidson comparte el video de “Best You Ever Had”

Reconfortante sesión electro-acústica para observar la vida con cautela.

Para finales de este año el intérprete escocés, Craig John Davidson, prevé presentar su nuevo material discográfico a través del cual se enfrenta a un puñado de dudas sobre sí mismo. Sin embargo, aunque los temas son hasta cierto punto "complejos", el cantante hace todo lo posible para amenizar cualquier situación y manifestarla a través de cálidos riffs atemporales. Previo a la publicación del disco presenta su sencillo "Best You Ever Had".

Grabado en el estudio casero del músico, el tema se construye por la finura de una guitarra acústica que trabaja bien a la par de la voz del intérprete. El tema suena tan delicado y suave que ameniza cualquier situación, para efectivamente recordar, todo lo mejor que has tenido. El cierre de esta pista culmina con un erizante solo de guitarra eléctrica.

El tema de la canción se basa en encontrarte en una posición en la vida que deberías poder abrazar y agradecer, pero una batalla con las dudas te lo impide. Parecía tener un sonido más pop rock, así que pensé que si Pete (Klett) se encargaba de las mezclas, le haría justicia. También toca un solo de guitarra en la canción, así que fue estupendo conseguir su sonido característico en una de mis canciones", expresó Craig en un comunicado de prensa.

Te compartimos a continuación el video de "Best You Ever Had", un montaje sencillo en el que se muestra al intérprete cantando mientras es empapado por las olas del mar.

Con más de 20 años de trayectoria, Craig John Davidson se ha consolidado como una de las grandes promesas del folk blues de Escocia, logrando un sonido único e inspiracional para las generaciones venideras. Por el momento se sabe que el LP llegará de la mano del sello Kiss My Kunst Records. Te invitamos a mantenerte al pendiente para más novedades al respecto.

 

Hierbanegra — Hierbanegra I

Mientras el mundo se cae a pedazos, Hierbanegra nos invita a un trip rumbero para hacer conciencia sobre la muerte y nuestro lugar en la historia.

Existen muchas palabras que sufren una metamorfosis en su significado y esto deriva gracias a la interpretación que les presta la gente. Al final, y más allá de lo que puedan creer los rudimentarios académicos, el lenguaje lo hace y adapta la comunidad. Un ejemplo claro es la palabra "rumba", que tiene orígenes en la mezcla de sonidos africanos y cubanos durante la época de la colonia española. Años más tarde, la rumba ha sido sinónimo de la fiesta, la alegría y ese momento inerte de energía y baile, ahí podemos ubicar a Hierbanegra.

Con un andar aproximado a los tres años, la agrupación de la Ciudad de México ha consolidado de a poco su sonido en la escena local. El resultado es una genuina mezcla entre el blues, la psicodelia, los ritmos latinos y algunos espacios donde se revive la mítica rumba afrocubana. El sentido festivo, tropical y selvático, aunque melancólico y de algún modo oscuro da una vibra con mucha presencia, que también se relaciona con los efectos de la hierba cannábica.

Ahora ha salido a la luz su álbum debut, mismo que fue producido de forma independiente y que es un gran ejemplo de la madurez que ha adquirido el proyecto desde el último año que comenzaron a salir los sencillos promocionales. Hierbanegra I es en esencia una recopilación de la evolución del cuarteto, así como una placa que registra sin mucha justicia el potencial de cada uno de los integrantes, pese a ello, el enorme esfuerzo por materializar un sonido único y composiciones brillantes es notorio.

Hierbanegra_

Música entre humo y ambientes poderosos.

La producción musical de Hierbanegra I no le hace justicia al trabajo musical de la banda. Las baterías con exceso de ataque en tarolas y platillos que revientan el tímpano, las guitarras distorsionadas que por momentos se pierden y las letras difíciles de identificar son una constante. Más que nada, este álbum puede abrir un poco el panorama de lo que representa la agrupación en vivo: experimentación, jammings, clímax ilustrados con solos de guitarra y espacios instrumentales espontáneos que dejan un grato sabor de boca.

Hierbanegra I abre precisamente con "Mito de Origen", una entrada instrumental que por momentos coquetea con los sonidos industriales, esto gracias a sus largos ambientes y al juego de percusiones, que junto a su riff contundente señalan una atmósfera oscura y densa. Otra pista que se le asemeja es "Son de la Hierba", el penúltimo track del álbum, aunque en este caso somos testigos de una sensual trama donde el bajo toma el poder, mientras las baterías y las guitarras acompañan con elegancia. Aquí claramente podemos percibir los acercamientos de la banda con el son y la rumba, y sobre el final se añade un sample del poema "A Francisco" de Leopoldo María Panero, siendo un pasional desenlace.

Hierbanegra_2020

Avanza el álbum y la exposición de colores y sonidos por parte de Hierbanegra va mostrando sus facetas. "Indio Diablero", "Nena" y "Depredadores" sacan a relucir un potente blues que en el camino se mezcla con referencias de psicodelia y de rock and roll de mediados del siglo XX. Solos de guitarra inteligentes, así como cambios de ritmo donde destacan las baterías protagonizan estas canciones que son para reventar la pista y elevar la intensidad.

Otras pistas de Hierbanegra I como "Caléndula" y "Descanso" apuestan por llevar el sonido a un umbral aún más experimental, y vaya que es notoria aquí la influencia de la banda por los sonidos progresivos y al mismo tiempo por esos espacios donde queda solo el ritmo, que todo va con calma y lo único importante es dejarse llevar por la vibra que puede generar un híbrido con tanta personalidad.

Probablemente el punto más interesante de todo el álbum tenga peso en "La Muerte", "Peces" y "Como un Coco". La primera es una pista demasiado densa, aunque tan bien ordenada que roza lo sublime, la segunda por otra parte apuesta por un groove repetitivo que al mismo tiempo deja bien guardado en la memoria el juego de guitarras, mismo que se complementa por la dinámica de voces donde el protagonista tira un verso y una multitud responden a contraparte, un recurso bien usado por la banda.

El caso de "Como un Coco" es particular, una canción instrumental que se divide en dos partes: en una primera instancia apuesta por una base de blues y soul bastante sensual, misma que es acompañada por teclados atmosféricos interesantes y un bajo preciso y atinado. A la mitad, y de una forma difícil de explicar aparece una transición que despierta nuevamente el ritmo rumbero, aunque ahora se mezclan ritmos latinos como la cumbia y el reggaetón en un cierre definitivamente divertido.

Cierra el álbum con "Juan Hierbanegra", un tema que es sin duda el mejor reflejo de todo lo que representa la banda en el aspecto musical, con grandes pasajes y honestidad en cada instrumento.

Fumarolas de conciencia e introspección.

Hierbanegra I tiene historias muy variadas que contar. Estas siempre logran meterse en lo introspectivo al señalar situaciones donde converge la soledad, la muerte, el conformismo, la falta de conciencia ambiental y de consumo y lo importante que pueden ser los amigos y los seres queridos.

"La muerte" es demasiado profunda, la forma en que se puede llegar a hablar de la importancia de vivir el ritual que representa, junto a las flores y el dolor que le acompaña es de gran valía. Por otra parte, temas como "Descanso", "Nena" y "Peces" tienen una connotación más social, que hacen una crítica importante todos esos temas que ignoramos, en algunos casos porque creemos que así dejan de existir, pero por otra parte dan pie a la importancia de verlos y afrontarlos.

Finalmente, pistas como "Indio Diablero" y "Juan Hierbanegra" hablan de aquellos personajes que nos encontramos en la vida. Icónicos, acompañantes y sobre todo que nos invitan a profundizar sobre la importancia de no descartar a nadie, que cada uno tiene su historia y es un mundo propio.

Hierbanegra I es una colección de la visión que puede afrontar una juventud llena de cuestionamientos. De igual manera representa la búsqueda de nuevos sonidos y de llevar la experiencia musical a un viaje, acompañado de amigos, placer y rumba, mucha rumba. Ojalá sea el inicio de un sonido que se pueda consolidar de mejor forma en un futuro en materia de producción. Disfruta del álbum debut de Hierbanegra en plataformas de streaming a partir del 25 de agosto y conoce todas sus novedades en Indie Rocks! y en sus redes sociales.

Portada Hierbanegra I

Escucha el pop lúdico y surrealista de Magio

La manifestación del género en su máxima potencialidad.

Magio es un proyecto de pop alternativo con guiños al electro pop que transforma la oscuridad en brillo. Un coctel de variaciones lúdicas que matizan con todo el espectro de colores que puedas imaginarte. Oriundo de Argentina, este compositor y artista ha colaborado en distintos proyectos con los que ha desembocado en esta sopa de emociones alegres y jugueteo sónico que parece no tener fin.  

Después de una larga trayectoria con Magio Lalala y Los Cuerpos Celestes, edificó una esencia innegable que se asimila a la de un soundtrack de caricatura animada dosmilera, temas de apertura que rondan entre las estructuras más comunes del género, pero con pegatinas de diamantes, colores pastel y aproximaciones no tan lejanas al hyper pop. Este sonido aunado a líricas sin sentido, pero con toda la energía necesaria para no dudar de ni una sola palabra.   

No fue hasta finales de 2014 que Magio registra su primer tema colaborativo con este recorte en su nombre y presenta “+pop” ft. Keity Moon y Rorro, una canción que rinde homenaje a lo más pop del pop. Sin dejar de lado las exageraciones, este single podría compararse a esa secuencias del género de la década de los 90, como algunos grupos mexicanos del momento, tales como Jeans u OV7, e inclusive de la ola sudamericana dosmilera con Miranda! (pero aún más recargada). 

Actualmente cuenta con tres sencillos más recientes, el primero titulado “Hijos del Sol” (2019) donde podemos encontrar sintetizadores salvajes y beats programados que se compaginan con arpegiadores y melodías un poco más oscuras que de costumbre; “Hey Buena Onda Brother!” (2021) de donde provienen las referencias de opening de programa animado (relacionadas al videoclip oficial del tema); y su último lanzamiento “3000” ft. Dani Umpi y Kobra Kei.

Magio es el resultado de un pop surrealista que eleva sus límites y los explota hasta devenir en ternura, danza y euforia. 

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Sigue a Magio en sus redes sociales y descubre más como estos proyectos aquí en Indie Rocks! 

‘Bossa Buenos Aires’, el nuevo álbum de Coghlan

Pop conceptual para dejarnos morir al baile. 

Tras irrumpir en 2017 dentro de la escena musical alternativa con el larga duración Bolero Midi, el músico, productor y performer argentino, Coghlan, vuelve los reflectores hacia sí con el lanzamiento de su segundo material de estudio, presentando un despliegue de pop experimental de la mano de Yolanda Discos.

Bossa Buenos Aires, coproducido, mezclado y masterizdo por Guido Moretti, consta de 10 tracks en los que el artista nos lleva a los límites de la nostalgia y las visiones de un futuro no tan lejano, mezclando estética ochentera con claras referencias al neo vaporwave en la serie de videos que acompañan buena parte de los cortes. Coghlan logra dictar un manifiesto de contraposición ente el pasado vivido y lo que sea que el futuro nos tenga preparado.

La instrumentación va desde sintetizadores y cajas de ritmos a bajos orgánicos y guitarras, formando una amalgama de sonidos que sólo podemos alcanzar a definir como pop conceptual de alta energía, jugando con el R&B, hip hop, house y una psicodelia tan sintética como estridente.

Acá el tracklist de Bossa Buenos Aires, ya disponible en todas las plataformas de streaming.

Coghlan - Bossa Buenos Aire (Art)

  1. “En Pinamar”
  2. “El Último Baile”
  3. “UFO Point”
  4. “Joven Guarda” ft. Juan Wauters
  5. “Santa Lucía”
  6. “Las Flores DM” ft. Panchito Villa
  7. “Después de los Bailes”
  8. “Montecarlo”
  9. “9PM”
  10. “Nueva Alianza”