A 40 años del 'Underneath the Colours' de INXS

Celebramos cuatro décadas del disco que puso en el camino de la grandeza a INXS.

Parece extraño, pero la agrupación de Sidney fue en algún momento un fenómeno equiparable a The Rolling Stones: era la banda más grande, la más popular, la que llenaba estadios y vendía portadas de revistas con escándalo y sexo. Sin embargo, a diferencia de los londinenses, INXS no fue una fórmula instantánea para el éxito. Los ingredientes estaban ahí, pero se necesitó tiempo y tragedia para llegar a la cima de la fantasía rockstar.

Dejemos atrás por un momento la era de Listen Like Thieves (Mercury Records, 1985), Kick (Petrolelectric Pty, 1987) o X (Petrolelectric Pty, 1990); dejemos atrás la historia de Michael Hutchence con Paula Yates y su trágica muerte; también les ruego, y esto de forma permanente, que olviden el decadente reality show que hicieron en 2004 para buscar un nuevo cantante. Para entender a INXS hay que ver la historia desde el inicio, y no hay mejor punto de partida que 1981, el año en que publicaron su segundo álbum de estudio.

Una vez más, les pido que hagamos a un lado otro fragmento del grupo, pero es que el disco debut de la banda es un material todavía muy lejano a su sonido característico y, a decir verdad, fue un lanzamiento torpe y precipitado. Daban sus primeros pasos en el new wave pero maquillando sus pisadas con fuertes elementos de ska y un Michael Hutchence todavía cauteloso.

Fue un año después, empujados por el único tema destacado, “Just Keep Walking”, que INXS abrió la brújula y empezó a andar en la dirección correcta.

El ascenso a la fama.

Tras terminar una gira que le daría miedo hasta a Metallica, con más de 200 shows solo en Australia, el grupo se encontró con una prometedora base de nuevos fans y una oportunidad única. Era hora de tomar executive decisions y así lo hicieron, la primera de ellas, el buscar a un guía con más colmillo. Cambiaron al soñador y multifuncional Duncan McGuire por Richard Clapton, un productor que en verdad podía explotar los nuevos recursos de la banda.

También, las horas en carretera y las nuevas experiencias no sólo atrajeron más fans y más dinero. Algo cambió en los hermanos Farriss y, sobre todo, en Michael Hutchence, pues ya estaba desarrollando ese personaje arrogante, atractivo y provocador.

 

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De pronto, la voz del primer disco pasó de ser un grito transgresor a un gemido sexual; Hutchence cambió la agresividad infantil en sus letras para conducirnos por el tour del sudor, la saliva y el hedonismo total. 

Tal transformación llevó a los demás en INXS a purgarse de las modas de la década pasada y a madurar de manera acelerada. Seguían siendo un grupo en las crecientes trincheras del new wave, pero ya no eran adolescentes groseros amantes del ska.

Fue un giro violento, pero todos tenían claro que se necesitaba un cambio. Debían explotar individualidades y darle paso a su nueva naturaleza para llegar a una audiencia más general, para competir en los charts.

Tampoco era algo que les desagradara, pues Andrew Farriss tuvo la oportunidad de explorar nuevos sonidos, su hermano Jon encontró algo más desafiante en las percusiones y Kirk Pengilly obtuvo mucho más protagonismo, siendo ahora el elemento sorpresa, como la gran mayoría de los saxofonistas durante la década de los 80.

Underneath the Colours, el INXS más puro.

Se ha debatido mucho sobre el inicio de INXS. Algunos creen que  debemos considerar el primer chispazo de "Just Keep Walking", otros creen que hay que ir hasta Shabooh Shoobah (Mercury Records, 1982), el disco en el que vimos su esencia bien definida y que los posicionó en Estados Unidos. Para mí, su fórmula se fue cocinando a fuego lento y Underneath the Colours (Petrolelectric Pty, 1981) es el momento en el que lograron materializar una primera versión, la cual pulieron con el disco siguiente, y el siguiente, y así hasta el inicio del declive con Full Moon, Dirty Hearts (Atlantic Records, 1993). 

El segundo álbum de INXS, al igual que un Ralf und Florian de Kraftwerk, es un lanzamiento que no entra en el favorito de los fans, pero sí es un material para los curiosos, para los que quieren conocer el panorama completo y lo que hubo detrás del producto final.

Entrevista con Circuit Des Yeux

Encontrado la luz en medio de la oscuridad.

No sería sorpresa para nadie, pero la música de Haley Fohr es oscura, de un carácter casi fantástico, melancólico y tan real, que resulta una sorpresa escucharla hablar con tanta soltura y siempre con una sonrisa sobre su nuevo disco  -IO, el primero en la disquera Matador y el tercero en una carrera que va en crecimiento y que prueba que, no importando lo duro o retador de su propuesta, la cantante está aquí para descubrirse en su viaje artístico personal.

Realmente siento que mi voz es un resonador, inicialmente empecé usándola como una forma de terapia, estaba tratando de entenderme a mí misma, y sentía que era casi como un arma, como un megáfono en el que podía solo hablar mi verdad mientras cantaba. Ahora se siente más como un conductor, ahora pienso en mi, pero también en el público, el ambiente y muchas cosas más”.

El disco esta inspirado en el dolor que la cantante atravesaba previo a composición de las canciones, sumado al dolor colectivo provocado por la pandemia y finalmente un atardecer naranja artificial en un viaje a California, una tonalidad que para ella representa una arista diferente de la oscuridad que la gente asocia de otras maneras. Al ser alguien que se relaciona con este universo, ha querido presentarlo de otra manera al público.

La oscuridad puede existir en el color naranja, no necesita ser una persona aterradora usando un sombrero como las brujas, mientras haya oscuridad también habrá luz, cada que sufrimos es un regalo, así que creo que conocer la oscuridad te ayuda a apreciar el gozo por la vida”.

Pese a ser creado de manera solitaria en su hogar en Chicago, la cantante se muestra emocionada por llevarlo al escenario a lo grande, para ello pretende llevar una sección de orquesta de cuerdas con ella y el desafío más grande será lograr que su público lo entienda y adentre a la experiencia sonora en vivo.

“Me gusta mucho cuando las audiencias son silenciosas, que puedas escuchar caer una aguja y que haya esta atención hacia el escenario, y a veces puede ser difícil, especialmente en festivales, pero aun así mi audiencia ha crecido y cambiado durante estos años. En esta ocasión estaremos viajando con un ensamble de cuerdas, con la finalidad de darle al álbum la mayor vida posible, algo que ya logramos desde el proceso de grabación.”

El disco que sale este 22 de octubre cuenta con 10 canciones que juntas forman un concepto que ella denomina “Geografía del dolor” en el que inicialmente la compositora se sumergió con la idea de encontrar respuestas a su propio sentir, hoy siente que al final no tenía que encontrar nada, más bien se trataba de soltar y dejar ir lo que no le servía.

Espero que la gente que lo escucha pueda usarlo de la misma manera, tal vez ellos se puedan sentar y tener un momento de intimidad consigo mismos, los traiga de vuelta algún recuerdo del pasado o algún sentimiento que tengan guardado y sean capaz de sacarlo y dejarlo ir”.

En la búsqueda de estas respuestas Fohr se sumerge en las metáforas relacionadas con la naturaleza, haciendo énfasis en que no es la única persona que en estos momentos de incertidumbre se siente en la necesidad de buscar respuestas en aquello que le dio la vida. Al cuestionarle sobre lo íntimo de sus letras y si hay algún secreto literario que de cuerpo a su mensaje ella se muestra directa y expresa su verdadero sentir como letrista.

Creo que estoy tratando de describir lo indescriptible, mis emociones, así que tal vez no se trate de un evento que me paso a mí, sino de la emoción que sentí en aquel momento, y esas sensaciones pueden ser más largas que la vida misma, más grandes que una película y creo que eso es lo que estoy tratando de lograr con mis letras”.

Si todo sale bien, tras la salida del disco Circuit Des Yeux espera poder salir de gira y eventualmente regresar a nuestro país para dar un concierto. –IO es sólo el comienzo y Fohr espera que quien lo escuche encuentre en el todos los mensajes que ella ha dejado entre líneas y que estos puedan ayudar a los demás.

 

 

 

 

 

Dancer, melodías contagiosas que te inspirarán

Sonidos frescos y alegres en el sencillo “Fears”.

Dándole un toque de frescura al rock, nace una nueva agrupación integrada por cuatro amigos que se conocieron en la costa de Newcastle, Australia; ellos decidieron llamarse Dancer, por lo que su música incita a bailar y vivir la vida. La agrupación lanzó “Fears”, su más reciente sencillo.

Chris, Ben, Bryce y Josh juntaron su talento para, a través de sus canciones crear un sentido de inspiración para quien escuche sus temas, se sienta alegre y capaz de seguir adelante.

“Fears” es el tema más reciente de Dancer, en dónde el vocalista de la banda habla de vencer ese miedo, el cual no nos deja hacer nada. Chris, exploró el miedo desde, cómo es que este se relaciona con el mundo.

 

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El proceso creativo surgió mientras Chris manejaba de camino a casa de un amigo, e imaginaba una pelea entre sus demonios y él mismo, algo así como Scott Pilgrim vs the world de Edgar Wright.

En cuanto a sonido, “Fears” trae una melodía contagiosa llena de coros, que a pesar de ser una canción que habla de un tema no altere, la melodía te pondrá de buenas y te hará bailar.

Escucha “Fears” a continuación:

“Fears” es el sencillo sucesor de “Dreams”, ambos temas serán parte de su primer EP, Fears, el cual está programado para ser lanzado el próximo 3 de diciembre. Antes de esto escucharemos un nuevo tema que llevará por nombre "It Matters".

Aquí te dejamos “Dreams”.

Era de Oro, un carrusel de emociones multicolor

El grupo de matices cromáticos.

Esta es la era del electro pop, pop rock, synth y dance; la Era de Oro. Un quinteto regiomontano que explora sus límites con sonidos, colores y perspectivas de todas las tonalidades.  Compuesta por 5 artistas visuales Fanny Salazar (voz), Víctor Hermosillo (voz y guitarra), Andrea José (bajo), Billy Marín (teclados) y David Talavera (batería), la agrupación es un cúmulo de influencias allegadas al rock, dance y electrónica. 

Con el paso del tiempo, un cambio en el nombre de la banda y su alineación, han transitado por distintas etapas que los llevan hoy a definirse como un pop rock muy particular, “genuino, fluído, orgánico”, de líricas catchy y estética colorida, que busca “transmitir experiencias que se conecten con las personas”, la diversión, el baile, el romanticismo y la melancolía.

Desde el lanzamiento de su primer sencillo “Cipriano Valentino” en 2015, la banda ha sobrevolado distintos géneros y estadíos sonoros que hoy en día desembocan en su primer álbum de larga duración, Mil Razones.  Un LP de ocho canciones que pinta un escenario “donde la esperanza sobrevive a pesar de todas las adversidades”. 

Habla de cuando estás tratando de justificar algo que estás haciendo bien y entrando a una zona de confort. Es el duelo de salir de esa zona, hacer las cosas con valor y con heroísmo”, describe Billy Marín, tecladista. 

Con la producción de Lapas, Chris Abrego, Flip Tamez, y El Zac, este disco se aventura por melodías agradables y secuencias apacibles, que posteriormente se transforman en un sinónimo de versatilidad. Entre sus componentes se encuentran sintetizadores electrizantes, ritmos bailables, coros femeninos, trompetas, secuenciadores, y demás toques psicodélicos, disco, y de baladas pop ochenteras. 

Escucha el nuevo álbum de la Era de Oro, Mil Razones, y descubre más de estos proyectos a través de Indie Rocks! 

deep tan, post punk minimalista a cargo de voces femeninas

Sonidos e imágenes para salir de lo ordinario.

deep tan es un trío de post punk originario del este de Londres, y está integrado por Wafah, Celeste y Lucy; estas tres chicas que hacen que lo que conocemos por post punk, se quede atrás, pues le dan un toque minimalista al género, creando canciones con una visión moderna, como lo es su más reciente lanzamiento, “refugio yiffing de tamu”.

“refugio yiffing de tamu” forma parte de la serie de sencillos lanzados por Speedy Wunderground. Este tema habla de una historia de lujuria “peluda”, es decir, una historia entre animales, lo que podría resultar un poco bizarro.

… hay escenas de hedonismo desenfrenado sin igual, como en los días de las legendarias fiestas de Freddie Mercury en el Fairmont Hotel de Nueva Orleans”, compartió la banda de la canción.

“refugio yiffing de tamu” cuenta con un video oficial codirigido por la banda y Alex Loveless, quienes decidieron seguir con este concepto de fiesta desenfrenada, donde son expulsados de varios lugares y terminan en una fiesta llena de gente desconocida. 

Mira el video de “refugio yiffing de tamu” a continuación:

deep tan cuenta con un EP, creeping speedwells, el cual fue lanzado este año, un material en el que hablan de temas más psicológicos, además, el sonido es un poco más oscuro a comparación de “refugio yiffing de tamu”, sin embargo, no deja de tener ese toque moderno.

Aquí te dejamos creeping speedwells para que lo escuches y conozcas un poco más a deep tan.

“Amok / Hypno”, lo nuevo de Laikamorí

Oscuridad, holgura y melancolía.

Laikamorí, la copla limeña de electrónica experimental, regresa con “Amok” e “Hypno”, dos nuevos sencillos cargados de secuencias oscuras, tonalidades tenebrosas y matices analógicos. Ambos lanzamientos forman parte del primer corte y extracto de su próximo álbum, con la producción de Mario Silvania

“Amok” es un tema ligado al “desahogo” de los tiempos “en los que vivíamos” durante el confinamiento. Una alianza de influencias post punk y dark wave con sintetizadores análogos y digitales, coros ancestrales de agudeza y gravedad compaginable. 

Mientras que “Hypno” es una alteración de voces y atmósferas etéreas “que transmiten un aura de melancolía”, entre reverberación, delay, y ambientalidad. 

En un comunicado, los músicos describen este nuevo LP como un “acertijo que se iba resolviendo”; un compilado que surge de la composición y grabación directa:

El proceso de este nuevo disco ha sido bastante impulsivo y visceral, pero sobre todo personal. Casi todas las canciones fueron compuestas en un periodo corto, en medio del confinamiento y en soledad”, comenta el dúo. 

Previo a este lanzamiento, el proyectó publicó su segundo álbum de estudio, Persona, además de los sencillos “Masken” y “Psi Gamma”. Escúchalos aquí

Laikamorí es una formación de dream pop, shoegaze, electrónica experimental y pop distópico, que mediante túnicas y máscaras, crean un concepto y ritual que enaltece su experiencia en vivo. 

Sigue a este para en sus redes sociales y conoce más de ellos o proyectos similares a través de Indie Rocks! 

Mundo Prestigio y Grande Amore comparten “Nunomanía”

“A nunomanía non parece ter fin!”, se expresa en el tema conjunto.

En abril de 2020 conocimos “Mundo Nuno”, un tema colaborativo entre Mundo Prestigio y Grande Amore compuesto por eufóricos beats y peculiares cajas rítmicas. Ahora, ambas bandas vuelven a unirse con el tema “Nunomanía” para anunciarnos su próximo EP conjunto mediante un video musical.

El recién sencillo fue compuesta en Galicia, donde la voz de Nuno Pico, alias Grande Amore acompaña a la exquisita música de Ju, Brais, Fiz y Fer, los cuatro integrantes de Mundo Prestigio. Es así que el sonido de los beats y sintetizadores crea un precedente con la frase “A nunomanía non parece ter fin” y que enaltece al tema de 3:53 de duración.

El video que acompaña a el estreno, se muestra un recorrido por la ciudad mientras se cuestionan que somos irremplazables en el trabajo que realizamos. La idea visual estuvo a cargo del director Xaime Miranda, quien ganó el premio Mestre Mateo en 2020 en la categoría de “Mejor Videoclip” con “Esquilmates” del grupo Herdeiros da Crus.

“Nunomanía” funciona como primer adelanto del próximo álbum en conjunto de Mundo Prestigio y Grande Amore, el cual estará disponible próximamente en la plataforma de streaming de tu preferencia. Por ahora deléitate con este estreno lleno de introspección.

[FICHA] Live: El Shirota y Keelhauling

Inicia la semana con mucha actitud y sintoniza Vans Channel 66.

Sabemos que los lunes probablemente no son tu día favorito, pero tenemos la solución perfecta para que este 18 de octubre se convierta en el inicio de una poderosísima semana. ¿Quieres saber cómo? No dejes de leer.

Como bien sabes, nuestros amigos de Vans la andan rompiendo con Vans Channel 66. Ahí, de lunes a viernes tienen un montón de programas para todos los gustos, colores y sabores, así que seguramente más de uno queda contigo y muy probablemente el de hoy sea uno de ellos, ya que en punto de las 14:00 H vas a poder disfrutar completamente gratis un live con El Shirota Keelhauling, dos bandotas 100% mexas que al escucharlas te vuelan la cabeza si o sí.

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Ambos llevan varios años entre los sonidos favoritos que llegan a tus oídos con canciones como "Más de una vez", "Volver a Este Lugar""Carretera Furacão" y "El Tiempo Se Acaba", pero esta es tu oportunidad para disfrutarlos desde la comodidad de tu casa, trabajo o cualquier lugar en el que estés, completamente en vivo y lo único que tienes que hacer es conectarte a Internet, subir el volumen y disfrutar.

Recuerda que todos los días hay shows distintos en Vans Channel 66 y aquí en Indie Rocks! te compartimos cada lunes la programación semanal; todos son una joya pero nosotros constantemente te recomendamos nuestros favoritos para que les eches un ojo.

Da clic aquí para disfrutar el live

Till Lindemann y Richard Kruspe estrenan “Always On My Mind”

Lindemann se une al proyecto paralelo de Kruspe, Emigrate.

Emigrate es un proyecto alterno del guitarrista de Rammstein, Richard Kruspe, quien se está preparando para lanzar su cuarta producción titulada The Persistence Of Memory, previo a este lanzamiento la banda estrenó una nueva versión de la canción "Always On My Mind", en compañía de Till Lindemann, vocalista de Rammstein.

Esta nueva versión es una propuesta interesante ya que tiene un ritmo más pesado en comparación a las versiones pasadas, con toda la esencia característica de la voz de Lindemann, el rock impulsado por Emigrate y los arreglos de violines en el fondo, hacen de esta canción una versión más emotiva. "Always On My Mind" es el tercer sencillo que se desprende del álbum The Persistence Of Memory.

Si aún no has escuchado esta nueva versión te la dejamos a continuación.

"Always On My Mind" fue grabada por primera vez por la cantante Gwen McCrae en 1972, y con versiones posteriores de Elvis Presley, Willie Nelson y Pet Shop Boys, entre otros. El cuarto álbum de Emigrate, The Persistence of Memory se estrenará el próximo 5 de noviembre y puedes adquirirlo aquí.

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1. "Rage"

2. "Always on my mind (feat. Till Lindemann)"

3. "Freeze my mind"

4. "Yeah Yeah Yeah"

5. "Come over"

6. "You can't run away"

7. "Hypothetical"

8. "Blood stained wedding"

9. "I will let you go"

Andrea Franz presenta su nuevo sencillo “Future Friends”

La amistad como primer plano en el colorido tema de Franz.

Si algo caracteriza a Andrea Franz es su particular sonido de por rock moderno con influencias musicales de los 60 y 70. Ahora con el nuevo sencillo “Future Friends”, la cantante nos demostró que su esencia sigue intacta y, como muestra de ello, la plasmó en su recién colorido tema.

Está canción la escribí para pedirle al universo exactamente lo que deseaba. Un grupo de amigxs con quien podría lograr metas. En México he encontrado justo eso. Mi comunidad de música”, comentó Andrea Franz en un comunicado de prensa.

Bajo el sello discográfico Discos Panoram, la canción “Future Friends” evoca a las amistades verdaderas que te acompañan durante el trayecto de vida. Es así que en su video musical se visualiza a Andrea Franz de pequeña disfrutando de su infancia y de las personas que la acompañan.

La artista visual mexicoamericana del Sur de California compartió este tema en inglés como un adelanto de su siguiente álbum debut, mismo que está siendo producido por Sergio Acosta, guitarrista de Zoé y que muy pronto saldrá a la luz. Por ahora no ha dado una fecha exacta, solo este octavo sencillo que podrás escuchar a continuación.