RPLK estrena "Televisión" junto a Joheel Rodmar

Esta nueva canción pertenece al primer EP de la cantante, Nostalgia Pop.

No hay duda de que el indie mexicano está renaciendo y que está en buenas manos con proyectos como el de RPLK, "Réplica" por si no lo conocías. El primer EP de esta talentosa artista, Nostalgia Pop está a unas semanas de salir y ya pudimos escuchar "No Soy De Aquí" "Realidad" y recientemente salió el tercer y último adelanto de este material, "Televisión".

 

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Para este tercer sencillo RPLK contó con la participación de Joheel Rodmar, músico y productor originario de Tijuana. "Televisión" es una balada indie con sintetizadores retro y beats contemporáneos tipo lo-fi con un poco de dream pop. Las voces tanto de Joheel como de RPLK se complementan muy bien, si nunca has escuchado algo de estos dos artistas, te dará la impresión de que el proyecto es de los dos por la buena química que se siente en la colaboradores. La letra cuenta una historia que ocurre en un cuarto entre dos personas que están a solas y al no encontrar nada que ver en la televisión deciden iniciar algo más de otra índole (guiño, guiño).

Nostalgia Pop saldrá el próximo 2 de marzo y estará compuesto por siete canciones, ya puedes pre guardar el álbum en este enlace. No dejes de estar pendiente de las novedades de RPLK en IndieRocks! 

Helado Negro comparte visual para  “Hometown Dream”

Sueños y recuerdos para evocar al pasado.

Helado Negro presenta un nuevo videoclip para “Hometown Dream”, extracto de su más reciente álbum de larga duración, Far In, publicado el año pasado. Con este mismo, continúa con su gira internacional y anuncia nuevos actos abridores que lo acompañarán. 

En este visual, dirigido por el mismo Roberto Carlos Lange, se puede observar un sinfín de tomas en doble exposición que enmarcan el primer viaje familiar del músico a Ecuador en 1998 junto a su familia, además de diversos paisajes montañosos y naturales. 

...trata de mi salida de Nueva York después de haber vivido allí tanto tiempo. Nueva York me mostró mi norte en la vida y me enseñó a celebrar la existencia. Mi madre y mi padre se mudaron allí en los años 60. Yo pasé allí mis veinte, mis treinta y mis cuarenta años”, describe el músico. 

La también colaboradora en este disco, Kacy Hill y Karina, acompañarán al artista en más de 35 fechas y localidades que se realizarán de abril a agosto de este año. 

Después de su actuación el pasado fin de semana en el Festival Bahidorá de Tlaltizapán, México, la gira mundial comenzará en Atlanta, Georgia, y terminará con algunas presentaciones en Oporto, Portugal, como parte del NOS Primavera Sound y en el Thing Festival de Port Townsend, WA.

SASAMI — Squeeze

La polifacética SASAMI.

La cantante, productora y compositora Sasami Ashworth, mejor conocida como SASAMI, nos presenta su segundo material de larga duración, Squeeze, a través del sello Domino Recording. Tres años han pasado desde su homónimo debut, el cual dejó tan buenas sensaciones por su mezcla de sonidos alternativos; shoegaze, indie pop y alt rock. Ha sucedido mucho en ese tiempo, el mundo era distinto y cada uno de nosotros también. Por ello, y combinado con su espíritu creativo, SASAMI decide dar un giro de 180° en su nueva producción, yendo al lado opuesto del espectro musical.

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En esta ocasión se arriesga por sonidos duros y pesados, alejándose de los suaves y ligeros que la dieron a conocer, es un cambio de paradigmas y lo deja en claro desde el tema de apertura “Skin A Rat” que comienza con una voz infantil para de inmediato devenir en una acelerada canción de metal emanada de algún club angelino.

Ashworth no quiere ser encerrada en un solo género, grupo o  etiqueta, por eso el cambio radical, una etapa de rebeldía adolescente (por la que todos pasamos), donde tratamos de definirnos intentando ir en contra de la corriente. Compuesto por elementos de trash metal, industrial, noise rock y hasta country. Cuenta, además, con la participación de varios artistas como No Home, Dirk Verbeuren (actual baterista de Megadeth), Jay Bellerose y Ty Segall en la co-producción.

El álbum es una montaña rusa que comienza en el punto más alto, una vertiginosa caída que se va estabilizando a medida que avanza cada canción. Prueba de ello es “The Greatest”, track que se ubica un par de decibeles por debajo del primero y recuerda a las grandes mujeres del rock de los 90’s. “Say It”, tema que sólo podemos definir como pop industrial, es llevado por la melódica voz de SASAMI. “Call Me Home” emotiva, con mayor producción y que a pesar de su discordancia sonora con los demás temas logra encajar y “Sorry Entertainer”, cover que presenta a Daniel Johnston junto a Rob Zombie, son otros de los momentos destacados del álbum.

En conclusión, es un material muy completo, pocas veces se ve en el rock este tipo de exploraciones y combinaciones dado que es un género que tiende a puritano, en cualquiera de sus vertientes, cosa que lo lleva a estancarse durante largos periodos de tiempo. Son artistas como SASAMI quienes lo levantan de su letargo para llevarle a su siguiente etapa; un gesto reivindicatorio y de justicia de poética.

White Lies — As I Try Not To Fall Apart

Con su nuevo álbum, White Lies no da a elegir: bailamos o nos sumimos en una crisis existencial.

Harry McVeigh, Charles Cave y Jack Lawrence-Brown regresaron con su sexto álbum de estudio As I Try Not To Fall Apart. Para la producción de este colaboraron con Ed Buller (The Psychedelic Furs). Así, tan cansados de la realidad, por 47 minutos podemos escapar a los 80s.

White Lies no sale de su zona de comfort, ¿Quién lo haría cuando lograron entregarnos un álbum debut que deleita a los nuevos escuchas? Sin embargo, nos regalan temas que reúnen los mejores sonidos de sus canciones más memorables para ver la luz entre lo poroso del concreto.

La mejorada ejecución de sus instrumentos presentan melodías impecables con sintetizadores brillantes que nos asientan en el contexto de los temas; el piano que llega a nuestras fibras más sensibles; un bajo groove que nos lleva a bailar; coros pegajosos y la guitarra alterna para no olvidarnos de la banda de rock alternativo . La comparación con David Bowie o Suede no debería sorprendernos.

El álbum comienza con 2 singles “Am I Really Going To Die” y “As I Try Not To Fall Apart” donde los sintetizadores nos presentan la dualidad de la incertidumbre; tenebrosa y cósmica. El mundo cambió por completo y ahora cargamos un terrible peso en los hombros, por ello aparece “Breathe” que nos da un baño de quietud para darnos cuenta que mirarnos en el espejo no está mal.

“I Don’t Want To Go To Mars” relata el “sueño” para las grandes corporaciones de llevarnos al planeta rojo entre un chirrido de guitarra, pero la distorsión y el enojo se hacen presentes hasta dejarnos en la incógnita. En “Step Outside” todo parece felicidad con melodías funk, hasta que llegamos al punte, especialidad de la banda, y nos sumergen en la niebla mientras baja nuestro pulso para despertarnos repentinamente con los sintetizadores.

El bajo de Cave toma partida en “Roll December” su distorsión hace juego con una guitarra estridente digna del hard rock ochentero; un tema que parecía frívolo se torna desenfrenado. “Ragworn” no pierde el tiempo retratando nuestra trágica realidad con la frase “si ganan los tiempos oscuros, desearás estar en el infierno”.

“Blue Drift” es un tema agonizante, que podría convertirse en un himno gracias a la potencia de la percusión y la profundidad de los coros. “The End” es fúnebre y lenta manteniéndonos con expectativa. El órgano nos hunde en la inmensidad de lo desconocido visitando planos nunca antes vistos.

Finalmente, “There Is No Cure For It”. ¿Recuerdan los hidden tracks? Este podría ser perfectamente uno de ellos, no nos proporciona respuestas al tema anterior, pero el saxofón nos relaja después de un viaje precipitado. Nos encontramos en la ciudad, bajo la luz de la luna y apantallados por las luces de los autos que aparecen en dirección opuesta hasta encontrarnos con el inesperado final…

Así es la vida. As I Try Not To Fall Apart no pasa desapercibido y nos hace reconocer a una de las bandas más importantes de la década.

 

Entrevista con Caifanes

Después de una larga ausencia, Caifanes vuelve con "Sólo Eres Tú".

Si hay una banda mexicana que la gente siempre en su mente no puede ser sino Caifanes, y es por el simple hecho de que son ellos, iconos del rock mexicano, con una larga trayectoria y con un estilo único que los distingue por mucho de otras bandas. 

Todo lo que pasa musicalmente en Caifanes es noticia, por eso en Indie Rocks! no perdimos la oportunidad de platicar con Alfonso André, baterista de esta legendaria agrupación, quien nos dio detalles de Sólo Eres Tú, tema que después de haberse estrenado el pasado diez de febrero ya contaba (en muy pocas horas) con miles de reproducciones en YouTube.

Después de mucho tiempo de estar cada uno en su casa y sin sacar temas nuevos, Caifanes se juntó en el 2021 para tocar y desempolvarse del encierro, "Sólo Eres Tú" es una rola que querían armar desde hace varios años. Su idea: regresar pronto al estudio para grabarla, pero entre la gira, la agenda y la pandemia, no fue posible. Y precisamente fue en esos encuentros del año pasado que comenzaron a tocar algunas rolas que ya tenían ensayadas listas para grabar, junto con material completamente nuevo. 

Como que fluyó muy bien la cosa, las rolas empezaron a tomar su propio camino y decidimos meternos a grabar pronto, surgió la oportunidad en noviembre del año pasado y fuimos a Cuernavaca a un estudio que se llama Soga, grabamos con Eduardo del Águila… grabamos tres temas nuevos, pero tenemos muchos más…”.

A pesar de los años Caifanes suena como Caifanes, ya que cuando la voz y personalidad muy particular de Saúl, Diego y Alfonso se juntan, además de la gran aportación y creatividad de los músicos que los acompañan, Rodrigo Baills y Marco Rentería, da como resultado esas composiciones que por muchos años hemos escuchado: siempre rolas diferentes con sonidos y letras que logran conectar con la gente.

Estamos muy agradecidos con la gente que nos ha regalado la carrera que hemos tenido.”

Para Alfonso lo mejor de grabar en un estudio es el placer enorme que siente al estar trabajando junto a sus compañeros de toda la vida porque todo fluye de mejor manera, sobre todo en los momentos donde los atorones y muros se hacen presentes, y solo el trabajo en equipo les ayuda a crear la sinergia que necesitan. 

Somos como hermanos, son muchos años de trabajar juntos, de viajar, de pasar por todo, de pelearnos, contentarnos. Somos más que la suma de sus partes, esas individualidades juntas hacen que Caifanes realmente florezca…”.

"Sólo Eres Tú" es una rola compuesta por Saúl Hernández con arreglos y cucharadas de toda la banda. Alfonso nos platica que la visión de Saúl en la letra de esta canción es la de vernos al espejo y tratar de dejar a un lado la vida paralela que tenemos a través de los aparatos tecnológicos: el teléfono, internet y las redes sociales, porque si bien son herramientas que se han vuelto algo en muy importante, hay gente que vive de lleno en ellas y se olvidan de esa sensación que es sentir el sol en la piel, platicar con alguien cara a cara, ver a los ojos, sentir y abrazar.

Fue un placer enorme, tenía un rato que no estábamos en el estudio, desde hace tres años que hicimos la canción de Heridos… terminamos tres canciones prácticamente y todo fluyo de manera muy orgánica, estábamos produciendo nosotros mismos también, eso de repente es difícil, estar con los dos sombreros: el de artista y el del productor, pero esto salió de manera muy natural.”

En sus proyectos como solista y durante el encierro del 2021, Alfonso hizo proyectos y colaboraciones con otros músicos, como dos canciones y covers de rolas que lo marcaron en la historia de su vida, un proceso interesante del que aprendió mucho y le sirvió para no “volverse loco” en ese encierro. 

Caifanes siempre tuvo la necesidad de conectarse con el mundo exterior durante el confinamiento, y ahora que hay más libertad de salir, han aprendido a darle el lugar a cada cosa, y este 2022 con tema nuevo y con varias fechas en puerta para conciertos fuera y dentro del país, es como arrancan este prometedor año.

George Harrison, tan psicodélico como experimental

Pericia.

En el año de 1958, es decir, hace sesenta y cuatro años, mientras una “guitarra llora suavemente”, un hombre nacido en Liverpool rasguea seis cuerdas. Interpreta una melancólica pieza, "In Spite of All the Danger". El guitarrista, nacido el 25 de febrero de 1943, es integrante de una banda que con desmedida pasión interpretan skiffle, remanso musical donde los marginados trabajadores componen las sufridas condiciones que padecen. El grupo al que pertenece tiene el abandonado nombre de, The Quarrymen. Estaría con ellos dos años en los que probó harmoniosas técnicas. El referido liverpuliano tuvo nombre, George; también apellido, Harrison. Pues bien, el músico, a los diecinueve años de edad abandonó la escuela. Posteriormente fue aprendiz de electricista y después, para el inicio de la arrebatadora década de los sesenta del siglo pasado integraría una fundacional banda, The Beatles.    

Desde el primer disco del cuarteto de Liverpool, Please, Please Me, la vibrante rúbrica de Harrison reina en cada una de las catorce pistas que conforman el álbum. A partir de entonces, arpegios, slides, solos y riffs fueron in crescendo. Una buena muestra de ello se exhibe en la primera composición del también llamado, Beatle silencioso, "Don´t Bother Me", incluida en el segundo elepé, With the Beatles. Pieza creada como desafío personal para auto-demostrar suficiencia creativa. En dónde revela señales del camino que luego tomarían sus acordes, es en discos posteriores y en canciones como, "A Hard Day´s Night" y "Everybody´s Trying to Be My Baby". En donde desafía a las tradicionales tonadillas y exhibe el potencial es en, "Ticket To Ride" y "Dizzy Miss Lizzy". El cambio más notorio no solo del Beatle silencioso sino de la banda que integraba es en el álbum lanzado en 1965, Rubber Soul. En la segunda pista del disco, "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", George incluye, como una de las grandes aportaciones en la historia del rock, el sitar, instrumento hindú de cuerda con forma similar al banjo. De este innovador modo muestra el idealizado camino que años después otros andarían sobre lomos de rosados elefantes voladores. En esta misma obra emplearía una guitarra acústica de doce cuerdas mientras que en Lado B del sencillo introducen, como otra de las novedades, el backmasking, técnica sonora que contiene mensajes ocultos, descifrables solo tocados al revésEl séptimo L. P. de los Beatles, Revolver, marca el extravagante destino de la banda que los alejaría para siempre de animosas y convencionales baladas. En la guitarra, así como en las letras se advierten prolongadas dosis de LCD y una compleja experimentación de quién renunció a la escuela un año antes de cumplir los veinte. Otro de los delirantes ensayos de Harrison fue la de modificar guitarras para tocarlas de manera invertida, destreza perceptible en, "Tomorrow Never Knows", pieza de ambientación hindú poseída por quiméricas sustancias que se prolongaron en los discos, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band y en el Magical Mystery Tour. Una más de las contribuciones del guitarrista liverpuliano se hayan en la psique del álbum blanco. Donde a momentos la meditación trascendental, en la que se encontraba inmerso, transmuta y toma forma de mística obra, audible en "Dear Prudence". Para las últimas dos producciones que tendría con los Beatles, George Harrison mostraría la madurez adquirida por los turbulentos años pasados. Una impetuosa muestra es, "I Want You (She´s So Heavy)", del Abbey Road y la efusiva, "I´ve Got A Feeling", del último álbum de los Beatles, el Let it Be.

La carrera como solista es tan vasta como las notas que sobrevuelan el infinito cielo de las entelequias sonoras. "My Sweet Lord", es un harmonioso ejemplo que surca en su primera producción como solista, All Things Must Pass, álbum triple con denodadas canciones. Además de sus aportaciones musicales, hubo una que trascendería al mundo. Organizó el primer concierto benéfico, Concert for Bangladesh, acontecido el 1 de agosto de 1B971 en el neoyorkino Madison Square Garden. Durante la década del setenta lanzaría seis discos de introspectivas piezas donde la guitarra discurre entre serenas composiciones. Algunas de las pistas guardan la imborrable influencia de la banda con la que irrumpió en el mundo. En los ochenta grabaría tres elepés más con similares rasgos sonoros, aunque el Cloude Nine, de 1987, muestra un renovado impulso hacía mucho no expuesto, una radiante demostración es, "Got My Mind Set On You". Mientras grababa el que sería el Lado B del sencillo, "This is Love", congrega para refuerzo de la pieza, "Handle With Care", como curtidos colaboradores, a Bob Dylan, Roy Orbison, Jeff Lynne y Tom Petty. El inequívoco experimento no sería lanzado como sencillo y terminaría como quinteto en 1988, The Traveling Wilburys. Con ellos grabaría dos elepés, el primero en el ya citado periodo, el segundo en 1990. Dos años después sacaría un disco más, el Live in Japan, con grabaciones realizadas durante la gira oriental de 1991, acompañado de Eric Clapton. 

 A mediados de la década de los noventa hizo frente al cáncer de boca y pulmón. Saldría airoso. No así contra una metástasis cerebral que terminó con su vida el 29 de noviembre de 2001. Tenía cincuenta y ocho años. No más al mundo. Pudo cantar en directo, “Really want to see you Lord”. 

 

A 30 años del 'Vulgar Display of Power' de Pantera

Un nuevo nivel de confianza y poder.

 

“Been constantly so frustrated

I've moved mountains with less

When I channel my hate to productive

I don't find it hard to impress”,

"Mouth for War".

“Mouth for War”, recientemente Philip Anselmo alega haber creado el riff de este tema, asunto que resulta inverosímil, ya que conocemos la gran boca de quien fuera la voz de Pantera. A el le damos el crédito por darle título a este segundo álbum que grabó con la banda, y cuya inspiración proviene de una escena de la película El Exorcista: “That's much too vulgar a display of power Karras”, dice Regan MacNeil mensajera del demonio al padre Demian cuando este le pide que use su fuerza diabólica para desatarse de la cama.

“A New Level”, era lo que buscaban los “Cowboys From Hell” que en este mote habían encontrado su gloria e identificación gracias a su anterior álbum con dicho título, el resultado de un cambio radical en sonido y estética que los llevaría de ser músicos amateurs fans de Kiss que visten spandex y usan Aqua Net para convertirse en serpientes de cascabel que te sorprenden con una mordida, playeras de Dark Throne, White Zombie y Charles Manson, bermudas camo y Converse, sureños que saben manipular armas y que beben wisky Crown Royal antes, durante y después de tocar. 

Los 4 cuatreros buscaban oro y ser considerados como la banda más pesada de la historia, llevar su groove texano al extremo, hacer que la gente nunca olvidara sus presentaciones en vivo, que usualmente iniciaban justo con “A New Level”, y que generalmente terminaban con tu nariz sangrando, o con los oídos zumbando, u apestando a sudor, marihuana y cerveza aunque ni siquiera tuvieras la edad establecida para beber.

“Walk” como un poderoso statement contra aquellos que juzgan nuestro camino sin nunca haber estado en nuestros zapatos. El estudio de grabación de los hermanos Darrell Lance y Vinne Paul Abbott en Texas fue el lugar donde comenzaron las grabaciones que se vieron interrumpidas por un hecho que resultaría ser histórico para la banda: la invitación para tocar en el festival Monsters of Rock en Moscú ante medio millón de personas. Me encantaría imaginar la abrumadora vista desde el escenario que tuvo la banda, pero lo que sí se puede atestiguar gracias a YouTube es como Pantera hace que comiencen ciertos disturbios entre el público y los reacios soldados rusos. 

“Fucking Hostile”, cada riff de Dimebag Darrell parece superar al anterior, cada lírica de Phil Anselmo hace que quieras gritar hasta dislocarte la garganta, el frenesí de la batería de Vinnie Paul como aliciente perfecto para destruir todo a tu alrededor, el bajo de Rex Brown estrellándose en la televisión de tu cuarto. “This Love” para comprender la influencia de Black Sabbath en cuanto a esa tónica siniestra, pero también la necesidad de establecer un estilo propio que después de la muerte de los hermanos Abbott jamás se podrá igualar. 

Hace 30 años Pantera y Vulgar Display of Power fijaron un nuevo estandard para el metal, como el álbum homónimo de Black Sabbath fundando un género, como lo fuera Leprosy de Death iniciando la llama del sub-género death metal, como fue Master of Puppets para Metallica, banda que en aquel 1992 estaba en la estratósfera y como especie de “estandarte” del género, pero que poco después sucumbiría creativamente ante el encanto de Alice In Chains, cuyo album Dirt se editaría ese mismo año, y mientras Iron Maiden entregaba Fear of the Dark, un disco más de su tal vez desgastado concepto para aquella época de la ya no tan nueva era del heavy metal británico. Mismo año que el mundo atestiguara el nacimiento de Rage Against The Machine

Vinnie Paul solía contar una historia sobre la portada del álbum acerca de que le pagaron 10 dólares a un tipo para que se dejara golpear, tuvieron la toma que querían después de 30 puñetazos en la cara. La realidad es que todo fue realizado en un estudio fotográfico con un par de modelos y la aparente víctima del despliegue de poder no sufrió ningún daño.. 

Vulgar Display of Power es un nombre tan perfecto, inolvidable y adecuado, más cuando prefieres crear antes que destruir, pero que te da ese extraño catalizador de furia, ese power up que necesitas al momento de levantar las pesas, ese push para correr un poco más rápido, ese frenético headbanging mientras estás atascado en el tráfico del Viaducto en viernes de quincena, esa inspiración que necesitas para salir al campo y cortar trayectorias de pase, el potente air guitar que en eso se quedará porque nunca, ni volviendo a nacer, y aunque Eddie Van Halen sea tu maestro, podrías ser la mitad de bueno que era el supremo Dimebag Darrell con la guitarra. 

Hay una generación que no alcanzó a ver a Pantera en vivo debido a que problemas internos como la drogadicción y aparentes problemas de salud de Phil Anselmo los alejaron, y el fallecimiento de los hermanos Abbott, la trágica muerte de Dimebag en el escenario y la inesperada muerte de Vinnie Paul, los disolvieron por completo, pero sus discos nos quedan como sólido testimonio de que en su momento, eran la mejor banda de metal, aquella que tal vez no salía tanto en MTV pero que vino a México a abrirle a Kiss, luego con Anthrax como teloneros, después abriendo a Metallica, y finalmente acompañados por Type O Negative. Aquella banda que ya nunca podremos volver a ver, pero que nunca dejaremos de escuchar. 

 

Top 10: Los mejores videos de febrero

Un masajito visual con los videos destacados que llegaron a lo largo del mes.

Antes de que inicie la primavera y sientas que te derrites 24/7, date un respiro, toma asiento, relájate y abre bien los ojos porque Indie Rocks! trae para ti los mejores 10 videos que acompañaron de forma estética y visual a canciones que seguramente ya te sabes a la perfección.

Por otra parte, si no has estado muy actualizado musicalmente estos días, este es el momento perfecto para hacerlo con la ayuda de este top. Aquí vas a poder gozar desde Sofi Tukker y su forma única de siempre ponernos a bailar, hasta Father John Misty y la burbuja de misterio en la que siempre hace que flotemos.

Recuerda que tenemos una playlist donde podrás encontrar los mejores estrenos de los últimos meses y obviamente las canciones que están abajo también forman parte de la lista. Síguela, escúchala en aleatorio y descubre buenas rolas para cualquier mood.

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Kehlani estrena el sencillo, “Little Story”

La suavidad de una voz ya consolidada en el mundo del rhythm and blues.

Kehlani, artista nominada 2 veces al premio Grammy y gran exponente del R&B, regresa para presentar “Little Story” el segundo sencillo de su tercer álbum Blue Water Roads presentado por Warner Music Australia, que muestra tintes de quiet storm (subgénero del R&B) al ser más suave y melódico. Este álbum llega después del gran éxito obtenido en el año 2020 con su material It Was Good Until It Wasn’t, álbum que la hizo pasar de promesa a estrella del género.

Para la realización de este track, Kehlani colaboró con el productor Pop Wansel y juntos crearon una pieza romántica, muy suave y con un ritmo pausado que permite escuchar la melodiosa voz de la artista y el desarrollo del sencillo en sí. Con una guitarra acústica de base, y unos acordes repetitivos, pero hipotónicos, de una guitarra eléctrica, Kehlani nos cuenta la historia de un amor que no se consolidó, pero que marcó su vida y que explota con violines en cada nota sostenida de la artista.

El single llega acompañado de un material cinematográfico, el cual podemos describir como un visual increíble y sencillo. Con una cinematografía cuidada, y clásica por el uso de cinta en lugar de formato digital, la producción nos permite vivir la historia de manera más cercana y simbólica. Este material nos recuerda al trabajo del fotógrafo Philippe Halsman, por el manejo de los encuadres y del blanco y negro, mientras se alude a la belleza de las mujeres afroamericanas.

Mira el video dirigido por la propia Kehlani y el director Alexandra Thurmond:

El estreno de Blue Water Road, se encuentra próximo y, en Indie Rocks!, estamos emocionados por escuchar todo lo que Kehlani tenga para nosotros en este 2022.

Niall Mutter; el soulpop como única resolución

El músico nos prepara para su EP debut a base de dulzura dance.

Canadá es uno de esos territorios reconocidos mundialmente por sus imponentes paisajes naturales, dejando a la vista recorrer desde la espesura de los bosques hasta los cuerpos ultramasivos de agua dulce, rompiendo la caída de cascadas y atajando las laderas de picos que rasgan con hielo la claridad del cielo sobre nuestras cabezas. Los habitantes se mimetizan con cada accidente geográfico haciéndole parte de su día a día, sintiendo como suyos los colores del paisaje y viéndose desnudos ante el cambio drástico que significó el confinamiento. La música de Niall Mutter nace de este corte en seco de aislamiento, cambiando el aire fresco de lo natural por la inestabilidad y crisis interna vuelta sonido.

Nial Mutter (02)

Mutter, nacido en Ontario pero radicado en Montreal, se encontró apartado de todo cuanto conocía durante los últimos dos años. Pasando de arboledas veraniegas y escapadas de montaña durante el invierno a la intensidad de la escena musical en la ciudad canadiense, llevando al borde su universo interior al pasar las noches de pandemia entre sofá y sofá de amigos. La música parecía la única respuesta.

Fue entonces cuando los primeros esfuerzos del multiinstrumentista empezaron a ver la luz, entregando “You” a inicios de 2021 como primer adelanto de cara a su EP debut. El nuevo corte nos mostraba un sonido suave pero con la suficiente claridad dance al alma, valiéndose de sonidos orgánicos y synths ultramelódicos para encontrar el balance adecuado entre ambas perspectivas.

Esperaríamos poco menos de un año para volver a ver señales sonoras del solista con “I Wonder”, seguida de cerca por “Maybe” al mes siguiente, expandiendo el abanico sonoro y marcando la línea armónica para este primer material. Los chispazos de soul, pop, indie y calidez parecen guiar esta primera incursión del canadiense, recordando a actos como Miles Kane o Arlo Parks.

Pass Me By llegará al oído público el próximo 11 de marzo vía Nice Guys, dejándonos dilucidar el contraste de lo natural y el desborde de sensaciones estridentes resueltas por Mutter de la manera más sensata posible; buena música y sinceridad soulpop.

Nial Mutter - EP (Art)

1.- “Maybe”

2.- “A Love That Fits”

3.- “I Wonder”

4.- “You”

5.- “Pass Me By”