TOP: Las portadas más notables de NME

Adiós, NME (impreso).

Esta mañana, una de las revistas más iconicas y más vendidas en el Reino Unido, acaba de anunciar el final de su edición impresa. Esto tras publicar sin falta por 66 años, lo que la hace una de las revistas más importantes en la historia de la música, un proyecto que vio el nacimiento y la caída de cientos de géneros y agrupaciones. Es por esto que te presentamos un top de las mejores portadas de la NME.

10. Viola Beach

En febrero del 2016, el prometedor cuarteto de Cheshire sufrió un accidente en su autobús, durante su gira por Suecia. En el choque, todos sus integrantes y Craig Tarry, el manager de esta banda en ascenso, murieron al instante. El suceso fue una de las tragedias que dejaron a la industria británica en shock, pero también fueron recordados y homenajeados por diferentes artistas y con esta portada de NME.

9. David Bowie

En 2013, unas semanas después de que el fallecido músico británico publicara el disco The Next Day, la revista sacó esta increíble portada que muestra el rostro de Bowie cubierto por una máscara, pero intensificando sus rasgos más característicos, como el cabello café claro oscuro y su pupila dilatada. Sin duda una de las portadas más peculiares y recordadas del cantante.

 

8. The White Stripes

¿Recuerdan cuando el dúo estadounidense declaró que eran hermanos? Bueno, NME con su entrevista exclusiva del 2001 dio a conocer la verdad entre la relación de Meg y Jack White. Esta fue una de las ediciones más polémicas de la revista, ya que en lugar de aclarar la situación de la banda, solo creó más confusión y rumores entre sus seguidores.

 

7. Pulp

En 1994 el grupo de Sheffield lanzó su cuarto álbum de estudio, His n' Hers, por lo que su líder y vocalista Jarvis Cocker apareció en la portada de NME junto a la comediante y actriz Jo Brand. El resultado fue una imagen que hacía alusión a "Do You Remember the First Time?", uno de los sencillos promocionales del disco y tal vez el tema más sobresaliente de ese material.

6. The Libertines

Los londinenses regresaron en 2003 después de que Pete Doherty cumpliera una sentencia de dos meses en la prisión de Wandsworth por robo a casa habitación, cargo que obtuvo por allanar el departamento de Carl Barat. Esta portada no solo anunció el regreso del grupo, sino que mostró una renovada hermandad entre los dos músicos.

5. Joy Division

Tras la muerte de su líder y vocalista Ian Curtis en 1980, la revista NME compartió esta peculiar portada. Lo que hizo tan icónica esta imagen, fue el luto evidente y la esencia que definía el género que los llevó a la fama. También, la mirada de Curtis, así como la pose de sus otros integrantes, tenía un carácter simbolista sorprendente.

4. Elastica, Radiohead y Suede

Esta portada, al igual que la de Pulp, salió en 1994. Este impreso conmemora una edición más de los NME Awards, en el que las agrupaciones britpop, así como la en ese entonces banda en ascenso Radiohead, fueron de los ganadores más sobresalientes. La edición se convirtió en una de las publicaciones más insólitas años después por la fama que logró Thom Yorke y su grupo.


3. The Stone Roses

Para celebrar los 20 años de su magnífico álbum debut, los de Manchester fueron invitados a estar en una de las portadas de la revista, sin saber que se convertiría en una de las más aclamadas de su historia. Lo admirable de esta foto fue la enorme producción que se requirió, así como la impecable representación de lo que fue la banda, su movimiento y los noventa en general.

2. Blur y Oasis

Hay un tono gracioso en esta portada, ya que alude a un clásico afiche de box y con un título que llamaba la disputa de ambas bandas como el campeonato británico de pesos pesados. Pero su historia es lo que le da un puesto tan alto en este top, ya que la revista fue una de las principales culpables y promotoras de la guerra del britpop.

1. Amy Winehouse

En 2011, a la edad de 27 años, perdimos a la atormentada cantante británica. Este fue uno de los sucesos más tristes para la industria de aquel país, no solo por su corta edad, sino por ser el orgullo de la escena pop en el Reino Unido y una de las mejores voces que se han visto en los últimos 20 años. La portada de NME fue sencilla, no había mucho que decir más que recordarla con una mezcla de alegría y tristeza.

 

The Volture estrena sencillo: "Amanecer"

El proyecto liderado por Mauricio Terracina compartió el primer single oficial de su próximo material de larga duración.

Hace unos meses, The Volture compartía “L’antica e vera Saggezza” como un previo de lo que podría ser Metanoia. Pero ahora, el proyecto nacional estrenó el primer sencillo oficial de la producción titulado como "Amanecer". En este segundo corte, la agrupación retoma tintes más poderosos, con un redundante riff en las guitarras y un sintetizador que tiene apariciones repentinas para respaldar el tema.

En esta ocasión Mauricio Terracina canta en español, con una letra que narra la historia de un hombre buscando salvar su amor, en un mundo donde convive con humanos mortales e inmortales. Y con estas dos primeras canciones, se denota que la producción tendrá diversos cambios de ritmo y hasta de género. Explorando en diversas brechas sonoras que consoliden la carrera de The Volture. Escucha a continuación "Amanecer":

Metanoia no tiene una fecha oficial de salida, pero se sabe que será estrenado en el segundo trimestre del año en curso, por lo que pronto podríamos tener otro sencillo en puerta o más noticias oficiales. Según The Volture, el LP es una respuesta para un mundo psicótico y decadente, además de ser una declaración de guerra, una burla a íconos falsos y sueños rancios y abaratados.

The Volture se presentará el día de hoy en Departamento a las 22:00 H.. Aquí el evento de Facebook. Sus estridentes actos en vivo con la nueva alineación, los ha catapultado como uno de las bandas a seguir muy de cerca en este 2018. Además, podría darse que con la salida del nuevo disco, se anuncie una extensa gira promocional y más público tenga la oportunidad de adentrarse en su increíble propuesta.

35 aniversario de "Blue Monday" de New Order

Foto de Kevin Cummins

El día de hoy se conmemoran los 35 años de vida de uno de los más grandes temas de la agrupación británica.

Corría el año de 1983, Depeche Mode lanzaba al mercado Construction Time Againdentro del cual se escucharía por primera vez "Everything Counts"; The Clash estaba a punto del colapso y las peleas entre sus integrantes eran caóticas; Duran Duran se encontraba en la cima del mundo liderando los charts de Estados Unidos y Reino Unido; Tears for Fears estaba en pleno apogeo, y claro, New Order creaba una leyenda: "Blue Monday".

En ocasiones, la historia nos ha enseñado que la grandeza se origina por medio de errores, de fallas en el sistema y de no seguir el camino marcado. Gillian Gilbert ensayaba un nuevo tema con New Order cuando perdió el ritmo de la melodía y su teclado fue a destiempo del redoble de bombo de Stephen Morris. Dicha variación en el tempo creó un himno atemporal, que aún sigue sonando en cualquier bar a las 3:00 AM cuando el ambiente está en su máximo punto de ebullición, y que puede levantar una ola de manos en los festivales más grandes del mundo. Las letras corrieron a cargo de Bernard Sumner, y Peter Hook constituía uno de los bajos más conmemorados de los 80.

La canción (llamada así por el deprimente tercer lunes de enero), es uno de los más grandes temas de New Order, y el preámbulo para después consagrarse como una leyenda. Además, "Blue Monday" se publicó cuando el synth pop daba sus primeros pasos, por lo que la mezcla de esta esencia futurista con las influencias de Joy Division dieron como resultado un single atípico, sin estructura convencional e imposible de escuchar sin que se te contagie su ritmo.

"Blue Monday" no solo es una de las canciones que ilumina cualquier desastroso inicio de semana, sino que son los cimientos de un género, que revolucionó a la industria musical y que originó instituciones sonoras. Cierto, Joy Division tuvo una repercusión gigantesca en el post punk, pero New Order fue la escuela del new wave y synth pop.

How does it feel to treat me like you do?

Nuevo tema de The Messthetics

Foto Antonia Tricaricio

The Messthetics da señales de vida con "Quantum Path", su segundo sencillo.

Hace varias semanas dos de los integrantes de Fugazi anunciaron este nuevo grupo, los pormenores de su primer álbum de estudio y un tema titulado "Serpent Tongue". Como ya era hora de escuchar más del cuarteto, la banda ha compartido su siguiente adelanto, a solo días de que se publique su material debut.

El reciente estreno de The Messthetics se llama "Quantum Path", una canción que al igual que su predecesora, muestra un sonido experimental con algunos atisbos de punk y fuertemente influenciado por el hard rock de la década de los setenta. Además, volvemos a ver las impresionantes capacidades del guitarrista Anthony Pirog, quien ha sobresalido en ambos sencillos. Cabe mencionar que con este track, el grupo se aleja cada vez más de la sombra de Fugazi, aunque se mantienen en géneros parecidos.

Este tema ya no contó con la participación del baterista de The Smashing Punpkins, Jimmy Chamberlin, quien se está preparando para salir de gira con la banda de Chicago y probablemente esté trabajando en el nuevo material de la banda, del cual aún no se han confirmado detalles.

El disco de The Messthetics estará disponible a partir del próximo 23 de marzo, a través del sello discográfico Dischord Records.

Puedes escuchar "Quantum Path" justo aquí:

 

Beach House lanza nuevo tema y da detalles de su disco

"Dive" es el nombre del segundo sencillo de Beach House para su próximo álbum.

Después de que "Lemon Glow" saliera y que revelaran la llegada de una siguiente producción discográfica, hemos estado esperando el estreno de ese prometido LP, sin embargo, solamente se sabía que el lanzamiento sería durante la primavera, hasta hoy que ya se conocen los detalles.

"Dive" será el segundo single de 7el nombre que llevará su esperado disco, se conformará de 11 canciones y estará disponible para el 11 de mayo vía Bella Union en Europa, Milestone, Australia y Nueva Zelanda, y  a través de Sub Pop en el resto del mundo.

El tema comienza con los clásicos sintetizadores que caracterizan a Beach House, así como su esencia oscura con tintes psicodélicos. El sonido de los tambores y los acordes de la guitarra se unen a mitad del camino para darle más potencia.

lleva ese título en referencia a la cantidad de LPs que han grabado pues sería el séptimo, después de sacar en 2015 Depression Cherry y Thank Your Lucky Stars.

Esta será la portada de 7 y los temas que lo compondrán:

 

tracklist:

  1.  "Dark Spring"
  2.  "Pay No Mind"
  3.  "Lemon Glow"
  4.  "L’Inconnue"
  5.  "Drunk in LA"
  6.  "Dive"
  7.  "Black Car"
  8.  "Lose Your Smile"
  9.  "Woo"
  10.  "Girl of the Year"
  11.  "Last Ride​"

Beach House tendrá una gira mundial y pasará por México.

Vince Clarke remezcla a Ladytron

Foto Facebook del artista

La mitad creativa de Erasure y cofundador de Depeche Mode, realizó un remix al más reciente single del proyecto de Liverpool.

Ladytron tomó una pausa hace algunos años persiguiendo otros proyectos, colaboraciones y emprendimientos creativos, antes de finalmente decidir en 2016 comenzar a trabajar juntos en nueva música. "The Animals" es el primer fruto de este nuevo capítulo para el grupo, que conmemora su regreso así como otro larga duración en puerta. Ahora, un icónico artista del synth pop los remezcla para llevar dicho sencillo a las pistas de baile.

Nos referimos a Vince Clarke, que junto Andy Bell conforma Erasure, y quien estuvo con Depeche Mode en sus inicios, a quien se le atribuye ser autor del clásico tema "Just Can't Get Enough". El pionero del synth pop agrega una nueva dimensión con su remix. Apertura con una línea de bajo potente y digna de cualquier club de baile, despojando a los teclados suaves del original para un sonido más amenazante y totalmente extrovertido. Escucha el resultado:

El nuevo disco de Ladytron estará listo este año, y se espera que sea uno de los regresos más grandes que se puedan presenciar. Por otra parte, Vince Clarke visitará próximamente México, una fecha en solitario con Erasure en el Pepsi Center WTC, y la otra con el mismo proyecto en el marco del Festival Roxy Guadalajara, donde hace poco se confirmó la participación de Peter Murphy conmemorando los 40 años de Bauhaus junto a David J.

Sin duda, el legado y carrera de Vince Clarke es inmenso, y por fin podremos apreciar uno de los mejores actos de synth pop de la historia. Imperdible el par de presentaciones en nuestro país de este año. Además, existe la esperanza del show de Peter Murphy en la capital, esperemos así sea.

Guitarrista de Warpaint se lanza en solitario

Foto Caroline International

Theresa Wayman de Warpaint, comparte todos los detalles de su proyecto como solista.

Hace dos años, el grupo de Los Ángeles, California, publicó su tercer álbum de estudio. Un disco tan exitoso que le ha permitido a este grupo seguir de gira después de tanto tiempo. Aún así, una de sus integrantes, Theresa Wayman, acaba de sorprender a todos con el anuncio de su carrera en solitario.

El proyecto de la estadounidense se llama TT y ya tiene un disco en puerta. El material debut de la cantante llevará el nombre de LoveLaws y saldrá el próximo 18 de mayo a través de Caroline International y LoveLeaks, este último es el sello discográfico que acaba de fundar la artista de Oregon.

El disco tendrá apariciones de sus compañeras de Warpaint, Jenny Lee Lindberg y Stella Mozgawa. Además, Theresa tuvo ayuda en la producción de parte de Dan Carey, quien ha colaborado con Bat For Lashes y Hot Chip, así como de Money Mark, conocido por su trabajo con la extinta agrupación Beastie Boys.

También, la guitarrista de Warpaint, compartió el primer adelanto de su disco con "Love Leaks", nombre que comparte con su nuevo sello discográfico. Wayman describió el sonido del álbum como pausado, bastante sexy y algo emocional; algo que logra plasmar en su primer sencillo promocional.

Puedes escuchar "Love Leaks" justo aquí:

Tracklist de LoveLaws:
01 “Mykki”
02 “I’ve Been Fine”
03 “Love Leaks”
04 “The Dream”
05 “Tutorial”
06 “Dram”
07 “Safe”
08 “Sassafras Interlude”
09 “Take One”
10 “Too Sweet”

Disfruta lo nuevo de Rey Pila

Foto YouTube

La agrupación mexa ha compartido su versión de uno de los temas más importantes de Siouxsie & The Banshees.

Rey Pila a lo largo de su carrera se ha caracterizado por ser una agrupación que la ha armado, en toda la extensión de la palabra. Tener un material producido por Julian Casablancas y ser los próximos teloneros de Depeche Mode dicen bastante.

En esta ocasión la banda ha compartido su nuevo single "Israel", una canción de la banda Siouxsie & The Banshees que fue incluida en el LP Nocturne de 1983.

Con mayor uso de sintetizadores, sonido fresco y sin perder la esencia gótica, los oriundos de la CDMX presentaron el videoclip, mismo que se grabó en el interior de El Plaza Condesa.

"'Israel' es probablemente nuestra canción favorita de Siouxsie... Lo escuchamos mucho cuando estábamos grabando nuestro último LP en Nueva York con el productor Chris Coady, quien nos tocó la canción en el estudio. El año pasado decidimos hacer nuestra propia versión de 'Israel' en nuestro estudio casero de Ciudad de México, y se lo enviamos a Coady para que se mezclara como una sorpresa. Esta semana abriremos los espectáculos de Depeche Mode en México, y pensamos que era un buen momento para compartir nuestra interpretación de Siouxsie con el mundo...", declaró la agrupación a la revista Clash.

Dale play a continuación:

PREMIERE: Cesar Saez estrena visual: "Niña"

Foto cortesía del artista

En exclusiva para Indie Rocks!, el cantante y guitarrista mexicano con residencia en Los Angeles, comparte un material audiovisual inédito de su más reciente sencillo.

Hace un par de años Cesar Saez debutó su carrera con un EP titulado Perdido. El material grabado en Sound Factory en la ciudad de Los Angeles, lo llevó a abrir conciertos en California para Javiera Mena, The ChamanasEl Mató a un Policía Motorizado y Gaby Moreno. Además, la influencia folk y música de los 60 lo convirtió de forma casi instantánea en una de las promesas en la música alternativa.

Su sonido autodenominado como indie bolero, se comprende de guitarras suaves, sintetizadores armoniosos que lindan en las estructuras de un órgano, y bajos suaves que sirven como soporte de los temas. Cesar Saez otorga la voz en este intuitivo proyecto que raya en más de una ocasión en la nostalgia, dejando entrever letras profundas, y al mismo tiempo, muy simples y con un alto grado de intimidad.

Ahora, el cantante y guitarrista mexicano estrena "Niña", nuevo sencillo que se constituye de rasgueos sútiles en las cuerdas de una guitarra eléctrica, creando una fuerte balada. El single que llegó con un videoclip, es protagonizado por Cesar Saez y –aunque parezca extraño–, una muñeca de tela que lo acompaña en momentos que podría experimentar cualquier pareja romántica. Mira a continuación este video dirigido por Sandrita Cardenas de Girly and Messy.

Cesar Saez visitará la Ciudad de México este mes. En su agenda, tiene confirmado abrir el show de Adan Jodorowsky en El Plaza Condesa, una presentación en el Salón Pata Negra junto Silva de Alegría, así como un espectáculo junto al chileno Gepe en el Foro Indie Rocks!. Aquí te dejamos su Facebook para ver más detalles. Sin duda, una propuesta que no puedes dejar pasar.

Superchunk — What A Time To Be Alive

What A Time To Be Alive: su declaración sobre la actualidad.

Esta historia comienza con dos muchachos que se conocieron en una pizzería ya olvidada en Chapel Hill, Carolina del Norte. Unas cuántas risas, palabras intercambiadas, y él decidiría enseñarle a tocar el bajo a pesar de las tímidas negativas. Vinieron las fiestas para tocar frente a adolescentes que no se acordarán de nada al día siguiente. El nombre de la banda: Chunk. Y las malas noticias: ya había otra banda llamada así. Las sugerencias de las madres siempre vienen bien: ¿por qué no agregarle el Super? Y así nació Superchunk.

Mac McCaughan y Laura Ballance decidieron formar juntos una banda y una disquera: Merge Records. La historia de Merge es vasta y da para otro artículo, pero a estos dos hay que agradecerles que tengamos el 69 Love Songs de The Magnetic Fields, el In the Aeroplane Over the Sea de Neutral Milk Hotel o el Funeral de Arcade Fire.

Desde siempre y hasta el 2018, hay algo en el sonido de Superchunk que nos sitúa en una perpetua habitación adolescente, con pósters de Hüsker Du, The Damned o Black Flag y latas vacías de cerveza, colillas escondidas y ropa tirada en el suelo. Pero ninguno de los integrantes encaja en este perfil. Por un lado, llevan una compañía discográfica que representa y exige una responsabilidad impecable, y por el otro lado, se suben en los amplificadores empuñando sus instrumentos, mientras Mac sigue cantando con esa voz que parece distorsionada para hacerla sonar lo más chillona posible, inclusive con este nuevo material: What a Time To Be Alive.

Grabado entre los meses finales del 2016 y principios del 2017, el disco de Superchunk contiene canciones como “I Got Cut” en las que se hable de las decisiones que afectan la salud pública de mujeres, tomadas por ancianos de traje a los que les importan las vidas humanas menos que poco. O de bandas de punk como Reagan Youth que sirven como catalizadores en momentos de crisis y que, muchas veces, guían a las juventudes que necesitan moldear su personalidad y que recurren a la música como uno de tantos factores.

Según el propio Mac, el disco trata sobre la ansiedad que se siente cuando hay un autoritarismo recalcitrante. Y justo son las palabras y no los acordes, las que constituyen el punto fuerte de What a Time To Be Alive. Están las mismas guitarras de siempre con Superchunk, los coros pegadizos y canciones rápidas. Después de todo, Superchunk siempre fue un vehículo de indie rock que coqueteaba con el punk. Nada innovador, pero tampoco tedioso, quizá por ello, es el disco de los de Carolina con más colaboraciones, entre las que destacan Stephin Merritt de Magnetic Fields y Waxahatchee en “Erasure”), con coros que no figuran tanto, pero sirven para apoyar la voz de Mac.

What a Time To Be Alive (con un dejo de ironía desde el título) es un disco de “protesta política” sin caer en lo burdo, o en la protesta en sí. De hecho se le podrían dar muchas contextualizaciones, pero ya que estamos en estos turbulentos años, todo encaja a la perfección. Por infinidad de razones (ecológicas, políticas, sociales, económicas, introspectivas) podríamos estar mejor. No obstante, no son letras que pretendan adoctrinar, son sutiles guiños a prácticas que vemos repetidas en muchas latitudes —no solo en EEUU—, por muchas bocas asiduas a lanzar dardos a diestra y siniestra.

Nada mal para lo que gestaron ese par de muchachos al calor de los hornos de pizza.