Tyler, the Creator se pone navideño

Escucha una canción de Tyler, the Creator para el soundtrack de The Grinch.

Pronto se acerca navidad y además llega el estreno de Dr. Seuss’ The Grinch, película animada, de Illumination y Universal Pictures, para la que Tyler, the Creator colaboró con la banda sonora. El pasado 9 de noviembre el rapero dio a conocer "I Am the Grinch", canción que forma parte del soundtrack de la película.

A la par se lanzó el video musical para"I Am the Grinch", en el que se aprecia un Grinch con forma difusa, sin embargo, es fácil reconocerlo por su peculiar color verde. El audiovisual incluye la letra de la canción que explica la temática de la película, "I was in snow/ Ain't need a coat/ Max with the sled/ Off with their head/ I don't like love/ I don't like fun/ When I'm around/ Christmas is done".

Tyler, the Creator logra darle matices a las rimas con su voz para acentuar la personalidad gruñona del ser verde más querido, y lo acompaña con una melodía divertida y ligera que va acorde a la película animada, permitiendo así disfrutar de una canción mágica.

"I Am the Grinch" es la segunda colaboración de Tyler, the Creator para la película, la primera fue "You're A Mean One, Mr. Grinch", en la cual experimento para lograr una nueva versión del clásico que todos conocemos. Estas canciones forman parte de The Grinch (Original Motion Picture Soundtrack)colección que fue lanzada por Columbia Records.

Ximena Sariñana le canta al desamor con "Si tú te vas"

Este nuevo sencillo a lado de "¿Qué tiene?" son un adelanto del próximo álbum de Ximena Sariñana.

Hace unos días la cantante mexicana Ximena Sariñana lanzó el segundo sencillo que formará parte de su siguiente álbum de estudio. El single "Si tú te vas" explora una nueva faceta de la también actriz, quien se ha demostrado como una de las artistas más versátiles de la escena musical mexicana, pues se ha adaptado a diversos géneros y lo deja claro una vez más con esta nueva canción.

Ximena Sariñana regresa para cantarte al desamor, inicia la canción con: "Si tú te vas, si tú me dejas bailando sola, ya encontraré lo que me enamora, la vida es corta para llorar", acompañada de ritmos que te invitan a bailar y dejar atrás las tristezas que una ruptura te puede causar.

Seguir adelante después de terminar una relación en donde diste todo de ti es una de las cosas más difíciles, sin embargo es importante encontrarte y conocerte a ti mismo, y esto es algo que Ximena Sariñana trasmite en su canción, busca dejar  de lado el pasado sin aferrarse a nada ni a nadie. Este tema lo compuso y produjo  con ayuda de Andrés Torres y Mauricio Rengifo, compositores de "Despacito".

También fue lanzado el video oficial de "Si tú te vas", el cual se grabo en la Ciudad de México bajo la dirección de Los Broducers. “Ellos y yo nos conocemos de toda la vida y teníamos muchas ganas de trabajar juntos”, dijo la cantante mexicana en un comunicado. El concepto de este nuevo material busca jugar con los ritmos de la canción, creando una historia que refleja la esencia del sencillo. “Con el video quisimos contar una historia que reflejara la vibra de la canción, creando una estética moderna y oscura a la vez y tomando como inspiración el mundo de la lucha libre underground. Estoy feliz con lo que logramos”comenta Ximena Sariñana.

Este nuevo sencillo a lado de "¿Qué tiene?" son un adelanto del próximo álbum de Ximena Sariñana, del cual no se tiene mucha información, más que su estreno está previsto para 2019, y que contará con su ya característica esencia eléctrica.

División Minúscula estrena video para "Año nuevo"

División Minúscula comparte video de la versión acústica de "Año nuevo".

Hace unos meses División Minúscula lanzó la versión acústica de "Humanos como tú", la cual se desprende de su nuevo material discográfico llamado Fronteras. Ahora comparte "Año nuevo", la cual también sonó en la grabación del show especial que ofreció el pasado 9 de marzo, en el Centro Cultural Roberto Cantoral.

El video de "Año nuevo" viene acompañado por la noticia de que el 30 de noviembre se espera la llegada del disco completo, según la información que compartió Javier Blake en su cuenta oficial de Instagram. Fronteras fue creado para celebrar sus 22 años de carrera, y buscaron reinventar su música pero partiendo desde el origen.

Fronteras está compuesto por las canciones que han sido acogidas con más cariño, a lo largo de su carrera, por sus fans. Estas canciones fueron interpretadas en un show privado, pensado especialmente para consentir a su público más fiel, en el corazón de Coyoacán, en el Centro Cultural Roberto Cantoral. Javier, Kiko Blake, Alex Luque, Efrén Barón y Ricci Pérez decidieron buscar en sus orígenes  y transformarlos creando algo nuevo, mágico y nostálgico.

El 30 de noviembre se espera la llegada del CD, y aunque el DVD aún no tiene fecha de estreno los fans están ansiosos por ver como fueron recreadas canciones como “Prestame tu piel”, “Sognare” y “Me tomé una pastilla” con ayuda de una orquesta que inmortalizó esos temas en la memoria de los asistentes. La presentación del disco será el 8 de diciembre en el Teatro Metropólitan.

Mientras este nuevo material llega disfruta de "Año nuevo".

Windhand — Eternal Return

El soundtrack de un camino macabro.

Imaginemos que somos Ghost Rider, el personaje que Marvel ha dejado a un lado de su universo cinematográfico porque no es lo suficientemente atractivo para ser interpretado por alguno de los hermanos Hemsworth. Nuestro cráneo arde como recordatorio de un pacto con el diablo, y que ante el girar de la manivela del acelerador de nuestra poderosa motocicleta comienza a sonar “Halcyon”, primera canción del cuarto disco de Windhand: el riff que inicia nuestro camino, la voz que lo guía, los ecos rotos de una persecución que nos aguarda camino al infierno.

“Grey Garden” y su sucia distorsión, Dorthia Cottrell como fina muestra de la voz de ángel caído para convertirse en Lucifer, dosis de gozo ante la miseria, la melodía que se entreteje entre el pesado andar de dos patas de cabra sobre el fango. El imprevisto cambio de tono, la guitarra en reverb de fondo que nos transporta a una aparente calma, un jardín sonoro ideal entre tanto concreto, y un solo desgarrador para arrastrarnos de nuevo a una realidad difusa pero alentadora: el doom metal vive sus grandes glorias recientes gracias a bandas como Windhand.

“Pilgrim’s Rest” cual canción country y su dejo de oscuridad, un luto en las montañas, un beso de aguardiente casero ante una fogata en espera del amanecer, un lamento a la par de los aullidos de los lobos en Virginia, territorio de pentágonos y también de pentagramas. “First to Die” y su denso andar entre el fango, sacrificios necesarios, elegías sin destinatario específico, la lentitud como perfecta estrategia de propagación en un cuarto vacío, las bocinas que emanan su fuerza sin tender a la veloz rabia, y de nuevo los solos de guitarra que reptan entre la distorsión del bajo y los tiempos perfectos, no como los de dios mediante.

“Light into Dark” cual látigo sintetizado en las cuerdas de la guitarra que da paso al ensamble siempre siniestro y evocador, una suerte instrumental que funciona como preludio a “Red Cloud”, Black Sabbath a la sexta potencia doom, lentitud y hartazgo, esperanza en una voz dinámica, contratiempos ideales, y aunque pueda parecer que cada canción de Windhand tiene una estructura similar, son estos cambios en la forma de la interpretación los que denotan su inventiva. “Eyeshine” como largo recordatorio de que la maldad persiste en la creatividad, ruidos de fondo que dan paso a la distorsión, riffs dantescos que jalan nuestros pies en las orillas del río Estigia, la marcha de la muerte que nos acecha y nuestro ciego andar precavido para evitarla, 11 minutos de una travesía por el inframundo.

“Diablerie” cual enredadera de rosas rojas como ofrenda al maligno, pisar el acelerador como presagio, el camino está por terminar pero no la condición tosca de la mano que controla el aire, que mece la cuna, que alivia y que destroza. “Feather”, el dead end perfecto de la carretera que recorrimos, los campos secos que dejamos atrás, la guitarra cual anunciación de un último sello roto, cual vengadores fantasmas volveremos a nuestro infierno personal mientras nos arrulla la música y la voz nos anuncia lo que vendrá. 13 minutos de destellos doom y el gran final para una pieza ansiada y diferente, trasgresora y trepidante, ruidosa y maléfica.

Entrevista con Exploded View

La música como unión multicultural en el siglo XXI.

La globalización que hemos vivido en el inicio del siglo XXI, nos ha llevado a la generación de entidades musicales que surgen a partir de la necesidad de colaborar en proyectos que combinen los diferentes estilos musicales de sus integrantes. Exploded View es el claro ejemplo de este tipo de colaboración musical, más que una banda son un ensamble que une diferentes talentos para generar una propuesta musical única. Charlamos con Hugo Quezada para conocer más sobre la banda y el lanzamiento de su segundo LP.

“Nuestro primer acercamiento fue en 2014, cuando Anika se encontraba de gira en México y amigos en común nos presentaron pues en ese momento se necesitaban músicos de soporte para acompañarla en el escenario. Nuestra relación musical fue muy casual y natural, es decir, conectamos musicalmente muy bien desde ese primer encuentro”.

Previo al surgimiento de la banda, Quezada había dedicado su carrera musical a la experimentación de sonidos que lo alejaba de la ortodoxia musical mexicana para centrarlo en otro espectro pocas veces desarrollado en México.

“Comencé mi carrera en los años 90, con una pequeña banda donde surgió mi interés por experimentar con los sonidos y no generar una réplica del sonido que se presentaba dentro de los pequeños foros del país. La música mexicana no se acercó a mi trabajo ni yo me acerqué a ellos”.

El primer LP de la agrupación es el resultado de un proceso creativo donde el jam era parte esencial para ir desarrollando una identidad propia como músicos en la nueva aventura que emprendían, pues todos los integrantes, previo a formar el grupo, ya tenían una carrera sólida.

“Nuestro proceso creativo surge a partir de la experimentación sonora. Cuando nos juntamos ya en forma para crear, notamos que nuestras influencias convergían entre sí y claro, pues a Martin Thulin lo conozco desde hace 15 años y nos hemos desarrollado en la misma burbuja musical. Nuestro objetivo con Exploded View es ser libres, crear música sin ataduras y que nos permita mantener la independencia en todas las actividades de la banda. Básicamente hacemos lo que queremos cuando queremos. Definir nuestro trabajo sería decir que hacemos: experimentación orgánica”.

En 2018 el trío, publicó Obey su segundo disco donde se nota un desarrollo mucho más centrado en las ideas encima de la experimentación sin guía. El disco bien recibido por la crítica los ha consolidado como una propuesta musical diferente en el mundo musical mexicano.

“Nuestro nuevo disco fue una evolución, pero a la inversa, pues no fue hacía afuera, sino que se trató de un desarrollo introspectivo en el cual plasmamos de forma más controladas nuestras ideas, lo cual llevó a reducir nuestra improvisación para darle mayor orden a las ideas y que éstas fuesen la pauta para construir nuestro sonido”.

La escena nacional es un monstruo de mil cabezas, pues la diversificación que se ha tenido durante esta década ha dado muestras de que las nuevas generaciones quieren salir del letargo musical previo para entrar en una nueva lógica que le dé un nuevo sentido a la música nacional.

Exploded View puede considerar una manifestación mexicana de otro lenguaje pues en realidad el decir que somos una banda de México solo es por nacionalidad y no porque exista una verdadera relación con el trabajo que se crea en el país. Preferimos enfocarnos en el contexto global porque es ahí donde encontramos mayor eco a nuestro sonido. Las nuevas generaciones han salido del letargo en el que habían estado y comienzan a crear sonidos que distan mucho de lo que se hizo en la década pasada. Ejemplo de ello es El Shirota, banda con la que he podido colaborar”.

En próximos días, la banda llegará a México para iniciar el cierre de su gira durante este año y tomarse un descanso de su movida agenda musical que los ha llevado a tocar a diferentes latitudes.

“Sentimos mucha emoción por tocar en el Foro Indie Rocks!, es la oportunidad de hacer un cierre de gira impresionante y, así, poder tomar un descanso. Existen propuestas para el próximo año pero se irán concretando poco a poco. Por ahora pensamos en nuestro próximo show en la Ciudad de México”.

La banda se presenta el próximo 15 de noviembre en el Foro Indie Rocks! Si aún no conoces a la banda es un buen momento para darle una oportunidad e ir a uno de los conciertos que seguro dejarán huella dentro de la casona de la calle Zacatecas.

TOP 5: Novedades del Corona Capital 2018

Conoce las propuestas jóvenes más interesantes del Corona Capital 2018.

Aunque todos queremos ver a las bandas más legendarias del lineup, siempre hay proyectos pequeños que nos pueden sorprender.

En seguida te dejamos una lista de recomendaciones de novedades que seguro te van a encantar.

K. Flay

Kristine Meredith Flaherty se ha apuntalado como una de las propuestas más interesantes dentro de la escena alternativa en los últimos cuatro años. Aunque se encuentra en activo desde hace 15 años, fue hasta 2014 que lanzó su álbum debut: Life as a Dog. Sus rimas aún conservan la ironía y el desenfado de su adolescencia compleja. En 2016 firmó con una subsidiaria de Interscope Records y tras el lanzamiento de su sencillo "Blood in the Cut" logró la exposición masiva. Este tema apareció en la cuarta temporada de la serie animada BoJack Horseman y la sacó de gira junto a Imagine Dragons.

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Børns

En 2015, el cantante norteamericano Garrett Borns lanzó su álbum debut, Dopamine, reivindicando su sonido y mejor aún, superando el trabajo mostrado en aquel EP de 2012, A Dream Between.

Es precisamente en este trabajo que se deprenden los temas “Past Lives” y “Electric Love”, que seguramente sonarán el próximo 17 de noviembre en el debut frente al público mexicano de Børns, que promete ser uno de los actos más especiales de la noche. Una cita obligada si lo que estás buscando son sonidos frescos, surgidos de una mezcla de juventud y talento.

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Pale Waves

El estilo de Pale Waves ha llevado a sus integrantes a ser considerados como una promesa de la nueva ola inglesa.

Entre sus propuestas más destacadas, podemos encontrar temas como Heavenly, The Tide y Television Romance, incluida en su álbum debut, My Mind Make Noises, estrenado el pasado mes de septiembre.

La banda estará debutando en nuestro país el próximo 17 de noviembre, como parte de la oferta musical del primer día de actividades del Corona Capital. Una buena oportunidad para romper los estereotipos y no juzgar un libro por su portada.

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Superorganism

Desde el lanzamiento de su álbum debut a principio de marzo de este año, esta joven agrupación ha toureado por varias partes del mundo, gran parte de Estados Unidos y Canadá, Europa, Japón y Australia. Dicho material está formado por fragmentos que cada miembro aportó para así formar una especie de collage sonoro. “El tema central del disco son las conexiones entre cada uno de nosotros como una banda, con la sociedad, la tecnología, con la naturaleza, con el universo. Todo es acerca de conexiones”, comentó Harry de Superorganism para Indie Rocks!

Ahora ha llegado el turno de que canciones como “Everybody Wants to Be Famous” y “Something For You M.I.N.D.”.

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The Lemon Twigs

Los hermanos D'Addario conquistaron el año pasado con su álbum Do Hollywood, el cual sacaron a finales del 2016. Durante ese tiempo se convirtieron en uno de los proyectos más interesantes y prometedores en la actualidad. La clave del éxito de The Lemon Twigs es que su sonido, ajeno de las tendencias musicales del momento, tiene autenticidad y un toque personal. Ahora el grupo está de gira con Go to School, álbum conceptual, por lo que será aun más interesante verlos en vivo.

TOP 5: Esenciales del Corona Capital 2018

El Corona Capital 2018 está a unos días de realizarse. Checa los actos esenciales de este año.

La novena edición de Corona Capital está a la vuelta de la esquina y luego de una larga discusión editorial, Indie Rocks! te hace algunas recomendaciones de actos que sin duda no debes perderte y que obviamente deben estar en tu itinerario.

Géneros como la electrónica, new wave, rock, pop, entre otros, serán parte de dos días de uno de los festivales más importantes de Latinoamérica en los que los actos de renombre harán vibrar a cientos de fans que se den cita en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez este 18 y 19 de noviembre.

 

The Chemical Brothers 

A pesar de que el dúo conformado por Tom Rowlands y Ed Simons ya ha visitado México en múltiples ocasiones, su show es algo que no te puedes perder. Los ingleses crean una atmósfera única con imágenes psicodélicas, luces estroboscópicas y láser, además –en ocasiones– en sus presentaciones en vivo nos podemos topar con invitados de lujo. Esta vez, The Chemical Brothers regresa a nuestro país con nueva música (“Free Yourself”) y para presentarse en el Corona Capital junto a bandas como The Jesus and Mary Chain, Nine Inch Nails y New Order ¿Será que escucharemos “Out of Control” en la voz de Bernard Sumner?

The War on Drugs

La banda de Philadelphia el año pasado lanzó A Deeper Understanding, placa en la que el realismo se hace presente sin presiones, todo de manera tranquila a diferencia de sus antecesores. Para dar promoción a este material The War on Drugs ha decidido que los fans de México escuchen en directo los mejor de su repertorio en el escenario Doritos Bunker, en el que, sin necesidad de gran producción, pondrán a corear a los asistentes. Esta es tu oportunidad de cantar "Red Eyes", "In Chains" y demás canciones que sin duda han formado parte de la playlist de tu vida.

New Order

Desde su creación, la agrupación británica ha logrado conectar con sus seguidores gracias a su estilo que combina sonidos electrónicos con el rock. Bernard Sumner y compañía volverán a México para hacer vibrar a sus fans con temas clásicos y también para promocionar su más reciente trabajo discográfico Complete Music. Con visuales y un impresionante juego de luces, la agrupación se apoderará del escenario Corona Light el segundo día de actividades del ya consolidado festival.

Mercury Rev

La banda estadounidense es una de las grandes sorpresas del Corona Capital y fue muy bien recibida, ya que es uno de los proyectos más interesantes de las últimas dos décadas. Este es un grupo que ha evolucionado constantemente y que en cada uno de sus trabajos ha empujado sus propios límites. Actualmente Mercury Rev está de gira por el 20 aniversario de su cuarto álbum de estudio, Deserter's Songs, uno de sus discos más aclamados y considerado por diferentes medios como el mejor lanzamiento de 1998, así que está asegurado que viviremos un show único.

Nine Inch Nails

El regreso de NIN a México siempre alborota a toda la fanaticada que ha seguido la carrera de Trent Reznor y compañía desde hace décadas. Fiel a sus principios, la agrupación no cede ante las exigencias de una industria musical contaminada de malos hábitos y no deja de sorprendernos con nueva música. Con su más reciente entrega, Bad Witch la banda emprendió una gira, acompañada de una gran producción de luces e impecable sonido. Uno de los shows más energéticos e imperdibles del rock industrial.

 

Los Espíritus en SALA

El ritual del baile a través del sonido espiritual porteño.

Los integrantes de Los Espíritus salen al escenario con sus guitarras y bajo en la mano, sacan estos instrumentos de los estuches, se conectan, afinan rápidamente, sueltan los dedos, la voz y  comienzan su música que enseguida pone a todos en vuelo. Media hora antes, Felipe el hombre se  presentó con un muestrario rapidísimo de su propuesta, que suena con mucha influencia del indie argentino y chileno. Su tema “Otro día” sorprendió a más de uno en el público, ahí donde varios tuvieron su primer encuentro con la banda hecha en el norte de México.

“La crecida” es el tema de apertura de Los Espíritus, Santi Moraes ya está arriba de energía, baila y busca llevar su voz bien lejos. Se mira con Maxi Prietto pero en verdad hablan con gestos y acordes. Buscan arrimarse al fogón que están creando, para que, desde ahí, sean los chamanes de esa noche. En el cuarto tema, ya bien logrado el calor y el comienzo del ritual, lanzan una canción nueva, como para tentar el recibimiento, que es mucho y es bueno. Una canción de nombre desconocido donde la voz de Moraes se luce junto a las guitarras de Maxi y Miguel Mactas.

Las luces que los acompañan en el escenario son principalmente rojas y anaranjadas, como para recordar la portada de su disco Agua Ardiente, dibujada con estos colores. El uso del hielo seco más de lo habitual, seguramente responde al contexto, pues parece que Los Espíritus vienen de un sueño o de la noche para conducir a su público (durante dos horas) a una atmósfera de paz y alegría. Logran ser chamanes en el escenario, la gente en la quinta canción ya está entregada, guiada por las percusiones, bajo y voces de la banda porteña. Si tomáramos a una persona del público: con sus bailes como en trance, los ojos cerrados, el pelo largo, un jorongo multicolor; y lo pusiéramos en Woodstock, pasaría desapercibido entre todos tus iguales.

Los Espiritus

Aquí las luces pasan al azul y blanco, pues anuncian otra etapa del trance. “El pibe mira al hombre y le aguanta la mirada” suena “La mirada” que une a todos en un canto que quita el estrés de los días. Aquí, el chamán es Maxi. La banda se luce con largos pasajes instrumentales, algunos de ellos quizá improvisados pero siempre logrados a la perfección. Las percusiones son clave, la unión del sonido del cuero y la madera con las texturas eléctricas de las guitarras se fusionan para abrir otro mundo desde el escenario, al que todos, sin excepción entran bailando.

Llega el turno de “Perdida en el fuego”, una canción con guitarras muy profundas, que despiertan animales, despiertan besos, bailes tranquilos y extiende el ritual. Las luces van al techo, buscan dejar escenario y público en total oscuridad, un dato no menor, una acción que responde a la búsqueda de ese ritual que se logra.

Hacia el último bloque una conjunción de temas viejos como “Negro chico”, de su disco Gratitud, levantan las energías de los seguidores hacia un final que llega muy arriba, como para que la noche se extienda, el trance no termine y la gente siga bailando

Molotov unplugged en el Teatro Metropólitan

Fotos Cortesía OCESA

La bomba se apagó.

Nunca se había visto a Molotov así. Un teatro en silencio, los cuatro sentados sobre el escenario, los miles de asistentes también, atentos y expectantes como quien observa una presentación de ballet, pero en realidad viendo a una de las bandas de rock más icónicas de México escupirles “Amateur”… en acústico.

Cuando las luces se encendieron, la banda y los músicos ya estaban sentados en los bancos de los que casi no se levantarían durante hora y media; y así como ponerle play a un disco, sin decir más, echaron “Here We Kum”. El público no se terminaba de acomodar, y el juego de luces del escenario y la gente que se levantaba para ir a buscar más cerveza era lo único que se movía en el recinto.

Ver a los asistentes levantar el puño y corear el “Oh oh oh” de “Amateur” desde sus asientos, fue la sensación más extraña, pero escuchar “Dance and dense denso” en el lugar con menos empujones del planeta fue casi ridículo. “Gimme the Power” levantó el ambiente un poco, o por lo menos Ayala dejó su asiento durante media canción.

Los miembros de Molotov son rockstars y lo saben. En este concierto reposaron sus bebidas en una mesa con mantelito y cantaron los himnos de la resistencia recargados en un sillón, con los pies sobre la mesa de centro, como viendo un partido de fútbol en domingo.

Tocaron El desconecte completo y prácticamente en orden. Hay canciones que funcionan muy bien en este formato como “Hit me”, incluso mejor que en cualquier otra versión; mientras otros arreglos exóticos como las gaitas en “Mátate Teté” confunden y cortan el ritmo del público. En ocasiones la energía de los músicos de apoyo vibra más fuerte que la de cualquier miembro de la banda.

Hacia el final tocaron “Frijolero”. El concierto empezó de verdad. El público dejó sus butacas en una oleada que vino de adelante hacia atrás.  La fuerza que despegó los traseros de los asientos provino del chirrido del acordeón y el sentimiento de mexicanidad que no se pudo ignorar, de las luces que se encendieron en verde, blanco y rojo, y de los tiempos que siempre le han jugado tan bien a Molotov; que se ha ganado todo por saber cómo transformar la furia que se siente en la boca del estómago, la impotencia, la injusticia y la agresión, y convertirlos en una canción.

Se siguieron con “Voto latino”, “Cerdo”, “Marciano” y la sabrosa “Rastamandita”. Ya se les había olvidado el unplugged. En “Puto” lograron hacer a la gente brincar, era la última canción. Se fueron entre coros e insultos por no regresar a tocar una más. El desconcete suena bien como para ponerlo en una reunión de adultos contemporáneos con cubitas y cacahuates, pero… ¿funciona en vivo?

Carlos Sadness en el Teatro Metropólitan

Fotos Cortesía OCESA

Hasta las estatuas del Metropólitan bailaron al ritmo de Carlos Sadness.

Después de dos años de su primera visita a México, llenando el Lunario del Auditorio Nacional, posteriormente presentándose en el Vive Latino, el festival Catrina y logrando sold out, en tan solo unas horas, en El Plaza Condesa, el cantante español Carlos Sadness abarrotó el Teatro Metropólitan con su Insólito Espectáculo de DesilusionismoPehuenche y Pedrina fueron los encargados de abrir el show, preparando los ánimos de los asistentes para el tan esperado encuentro con Diferentes tipos de luz.

Carlos Sadness pisó el escenario puntualmente y –al igual que sus músicos– portaba un traje y pelucas haciendo alusión a su canción "Sebastian Bach". Con los primeros acordes el público enloquece, y cantan en una sola voz. "Parece que hayas nacido en el siglo XVI, que nunca hayas salido de Versailles. Me cogías de la mano para llevarme a ver la república independiente de tus lunares".

"Perseide" logró que los pocos que aún continuaban sentados, se levantaran y comenzarán a bailar. Pero, sin duda un momento que sorprendió gratamente fue escuchar "Poli", de la banda mexicana Zoé, en la voz del español, ya con la emoción a flor de piel, llegó "Volcanes dormidos" seguido de "El gran momento".

Uno de los invitados más esperados fue Caloncho, quien cantó "Amor papaya", canción que obtuvo gran éxito desde su lanzamiento. Cuando vieron salir al mexicano detrás de bambalinas los gritos inundaron el recinto, las voces de los asistentes retumbaron cuando coreaban "eres mi fruta favorita, te rompes en mi boca, me llenas de pepitas"Caloncho salió, pero para darle paso a Pedrina y su original interpretación de "Semitransparente", la cantante colombiana logró transformar la canción introduciendo su propio estilo, y danzando al son de las melodías de Carlos Sadness.

Justo a mitad del show, cuando la gente más cantaba, cuando los invitados comenzaban a hacer gala de su presencia, sonaron los acordes de "Miss Honolulu", el ambiente estaba más prendido que nunca, el cantautor saltaba por todo el escenario con sus músicos, el público bailaba frenético cuando escuchaba "y si al final te vas, veremos tus hombritos a través de una postal de Hawaii", pero los ánimos llegaron al máximo con la transición a "Celeste".

Días antes del concierto, a través de redes sociales, algunos fanáticos le pidieron que tocara "El día que hizo más viento que nunca", pues es una canción que casi no interpreta en vivo, Sadness sabía que en esta importante fecha debía complacerlos, así que, detrás de él, se proyectó la imagen de la portada de Ciencias Celestes, algunos no podían creerlo y gritaban "gracias por volver a tocar esta canción, te amo".

Cuando "Longitud de onda" estaba a punto de saltar de su boca al vació, para ser rescatada por la voz de los seguidores, Sadness dijo "ustedes al principio odiaban esta canción porque pensaban que era reggaetón, arrepiéntanse; aunque en el estribillo sí que tiene un poco de perreo".

Haciendo honor a su nombre, el momento sad de la noche llegó en voz de Melissa Robles, "Quiero que conozcas la verdad sobre los días impares. Tus pequeñas dudas, podrían volverse gigantes, menos mal que existes y no tengo que imaginarte", entonó al lado del español; pero sin lugar a dudas "Pompeia" hizo llorar a más de uno, la historia de amor de dos personas que están destinas a estar juntas, pero no pueden y se encontraran así sea en otra vida, "Intenta encontrarme cuando ya no esté aquí. Yo te buscaré, pase lo que pase".

El último invitado que faltaba era Siddhartha, todos se encontraban expectantes pues los escuchaban juntos por primera vez, "Hale Bopp" fue la elegida para acompañarlos y no pudieron escoger mejor, escuchar "los testigos oculares de tu órbita saben el día exacto en el que volverás, lo llevo calculando desde el 96. Te espero en la ventana veinte años después", en voz del tapatío fue una experiencia casi mágica y el mejor momento de la noche.

Después de un cambio rápido de vestuario, Sadness regresó para interpretar "Chihuahua" seguido por su propia versión de "Llorona", dar una muestra de que aún conserva su don para rapear y culminar la gran noche con tres consentidas por el público mexicano "Hoy es el día", "Qué electricidad", la que nunca puede faltar, y "Monteperdido".

Indudablemente el Insólito Espectáculo de Desilusionismo será un recuerdo que Carlos Sadness  atesorará, pues fue la primera vez que le cantó a las estatuas que resguardan el Teatro Metropólitan, junto con sus fieles seguidores, que hicieron de la noche algo mágico, logrando que Diferentes tipos de luz vibrara en el recinto y sus corazones.