Elvis, el hombre de los Cadillacs

¿Por qué cuando pensamos en Elvis también pensamos en Cadillac?

Manejando por la franja de Las Vegas en un Cadillac Fleetwood color rosa, cortando el viento y con las palmeras cubriendo el sol abrasador. Es difícil imaginar esa escena sin Elvis Presley al volante, y es que el auto se ha convertido en una verdadera extensión de El Rey. No se puede hablar del músico sin mencionar a Cadillac, pues además de ser la marca que siempre lo acompañó, también sus automóviles han servido como medida para entender las diferentes etapas de su vida.

Cuando Elvis Presley compró su primer auto a penas despegaba su carrera y tuvo que ir a una agencia de usados. Ahí, se enamoró por completo de un Cadillac rosado con el toldo blanco, y la compra marcaría el inicio de una completa obsesión. Cuenta el cantante que estaba tan fascinado con su automóvil que lo estacionó justo en frente de su cuarto de hotel para poder verlo toda la noche. Pero tal vez fue ese entusiasmo lo que hizo que ignorara el mal estado del auto, el cual se incendió en la carretera unos meses después.

Luego de unas semanas de luto, Elvis compró otro auto y, por supuesto, tenía que ser un Cadillac rosado. Pero ya no era un simple preferencia por el color o una marca, El Rey encontraba en ese auto algo especial, un manifestación de su identidad.

Aunque el innovador diseño en sus modelos era una forma de llamar la atención del mercado, lo que crearon con el Cadillac fue algo mucho más grande. Esa arriesgada imagen le daba a los autos una personalidad que encantó a muchos, incluido el músico más importante de Estados Unidos. La abundancia de cromo, los colores brillantes y las enormes aletas con calaveras de bala, son comparables con los ostentosos atuendos de Elvis Presley. La idea de la pedrería y las solapas en los jumpsuits bien pudo nacer gracias a un Cadillac.

Pero la relación más evidente entre el Cadillac y Elvis Presley surge desde los valores del self made man: un hombre que consigue el éxito a través del trabajo duro y el esfuerzo. Antes de ser El Rey, Presley tuvo que pasar por momentos difíciles debido a la situación económica de su familia. Sin embargo, su humilde origen no fue una adversidad y su empeño lo convirtió en la estrella más importante de su generación. Ese ideal, nacido del sueño de la abundancia, no lo representa nadie mejor que Cadillac. Tal vez por eso, aunque tenía cientos de automóviles, solo uno podía manejar la presencia de Elvis y ese era el Fleetwood rosa.

"Algún día", lo nuevo de Siddhartha

Como parte de su nuevo álbum de estudio, Memoria – Futuro, Siddhartha estrena "Algún día".

Después del estreno de su primer álbum en vivo, Al Aire (2018), Siddhartha está listo para estrenar su quinto material discográfico de estudio. Como un primer adelanto, el músico estrenó "Algún día"; primer capítulo de una serie de 10 canciones que compondrán Memoria – Futuro.

Con una melodía marcada por el ritmo de la batería y un puente donde los sintetizadores marcan el final de la canción, "Algún día" le habla a aquellos que a pesar de una ruptura, mantienen viva la esperanza de volver a coincidir. El audiovisual fue dirigido por el cineasta Cristóbal González Camarena, quien trabajó con Siddhartha para el video de "A la distancia". Sin más, aquí te dejamos de este nuevo sencillo:

Tras varios años de carrera como solista, cuatro discos de estudio y un álbum en vivo, el músico jalisciense nos presenta Memoria – Futuro. Este material le apuesta a algo más conceptual, por lo que será lanzado en dos partes: Memoria en mayo y Futuro en septiembre. Se compondrá de 10 canciones, que el artista define como. "Capítulos que forman parte de una sola historia".

Hace unas semanas, en el XX aniversario del Vive Latino, se dio a conocer que el próximo 6 de octubre ofrecerá un show en el Auditorio Nacional. Aunque aún no hay cartel oficial o información respecto a los precios, este sería un gran paso para la carrera del artista. Y mientras Siddhartha nos lo confirma, sigamos escuchando “Algún día”.

Mira la transmisión en vivo de Coachella

A través de YouTube se transmitirán presentaciones de los dos fines de semana de Coachella.

Si ya comienzas a sentirte triste por no poder asistir a Coachella, tenemos buenas noticias para ti. Este año, YouTube transmitirá en vivo 69 presentaciones y presentará contenido original durante los dos fines de semana del festival. Además de corear tus canciones favoritas desde la comodidad de tu hogar, podrás ver entrevistas, comentarios de los artistas, mini documentales y algunas sorpresas más. Aquí te dejamos el link.

Tras la revelación del line up, nos dimos cuenta de la gran variedad de géneros y artistas que se presentarían en esta edición del festival. Nos guste o no, la apertura a la variedad de estilos musicales hace que más gente anhele asistir y vivir la experiencia de un Coachella. Siguiendo con esta línea, la transmisión tiene como objetivo que todos puedan sentirse dentro del festival.

Durante el livestream, podremos ver las presentaciones de los headliners: Childish Gambino, Ariana Grande y Tame Impala. También de músicos como The 1975, RosalíaMac DeMarco, y hasta de artistas de referente nacional como Mon Laferte, Los Tucanes de Tijuana y Tomasa del Real. Así que no hay pretexto, hay de todo. Y para hacerlo todo más sencillo, podrás crear un horario personalizado con las bandas que quieres ver para que automáticamente la transmisión cambié de presentación en presentación.

¡Más sorpresas!

Además de los shows en vivo, las entrevistas y comentarios de los artistas, durante la transmisión podremos ver la película protagonizada por Childish Gambino y RihannaGuava Island. Aunque la cinta dirigida por Hiro Murai se estrenará unas horas antes, vía Amazon Prime, presentarla como parte del programa Coachella Curated es una gran manera de exponer este thriller tropical.

Te compartimos este fragmento del trailer que un fan pudo capturar en Nueva Zelanda.

Horarios

Y bueno, para que vayas planeando y alistando tu horario, aquí te dejamos los detalles de las presentaciones que se transmitirán.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Plan accordingly

Una publicación compartida por Coachella (@coachella) el

PREMIERE: Chancha Vía Circuito estrena "Barú (El Búho Remix)"

Déjate llevar por el dulce sonido de la remezcla de "Barú".

El año pasado Chancha Vía Circuito estrenó Bienaventuranza, un álbum de estudio que culminó una trayectoria de una década de esfuerzos con la que Pedro Canale y compañía reformaron el panorama musical como lo conocemos; manteniendo el equilibrio entre lo analógico y lo digital, lo nuevo y lo tradicional; apoyándose en nuevas colaboraciones y nueva instrumentación para lograrlo. 

Ofreciendo una nueva versión de este material discográfico, el proyecto argentino lanzará Bienaventuranza Remix; un extended play en el que cuatro artistas de distintas latitudes del mundo reinterpretan el trabajo realizado por los argentinos. 

En exclusiva para Indie Rocks! el proyecto estrena "Barú Remix", en el que interviene el productor inglés El Búho, conocido por integrar sutilmente sonidos de la naturaleza en composiciones electrónicas serenas. Se trata de un track hipnótico, donde se hace presente por completo el británico; transportándonos a lo salvaje mediante sonidos de aves, viento y hasta un sitar combinado con sintetizadores ambientales.

No esperes más, si quieres entrar en trance dale play al remix de "Barú".

En este conjunto de canciones, además de El Búho, participan productores importantes, como Nicola Cruz, Baiuca y el DJ Rafael Aragon. 

Bienaventuranza Remix EP estará disponible a partir del 17 de mayo a través de Wonderwheel Recordings y puedes preordenarlo dando clic aquí. Recuerda que Chancha Vía Circuito se estará presentando este 25 de abril en el Foro Indie Rocks!.

FIDLAR en SALA

Es la vieja camaradería lo que mantiene unida a una escena.

Hace algunos años, en uno de esos videos que circulan por la red, encontré el de unos muchachos que entre cervezas, parecían cantar con una alegría que desbordaba. Eran de Canadá, pero igual podían ser de Europa, de África o de Tailandia. En una de esas muchas entrevistas, aquel muchacho que cantaba decía que FIDLAR era como el niño que siempre hacía reír a las personas en la preparatoria, pero que, muy en el fondo, también lloraba por dentro.

Nunca he sabido si los integrantes de FIDLAR se sientan parecido, pero siempre he pensado que han sabido conectar muy en lo profundo con sus seguidores. Hay pocas bandas que, con tan poco, transmiten tanto. Quizá hay quienes se comuniquen con una vocalización, los que a través de una frase conecten con su público de toda la vida, o quienes, sin decir nada y a través de la actitud, quieras conocer de toda tu vida. FIDLAR es una banda que radica en ese último selecto grupo de artistas. Quizá nunca nos enteremos que, en lo que parece otra vida, alguna persona se perdió para nunca volver en la búsqueda de algún estupefaciente, quizá nunca nos enteremos de las vicisitudes que tenga una persona para cumplir con el deber que es entretener, pero lo que queda claro, entre tantas personas, es que existen algunos seres humanos con la virtud de conectar vidas.

Ayer, en SALA, muchos estábamos con ese vínculo inefable. Cuando algún vocalista te pide silencio, muchas veces contestas con lo contrario, con abucheos. Cuando algún artista te pide una pose, igual. Alboroto. Ayer, quizá por la espontaneidad, quizá por la algarabía que representaba tener a una de esas bandas que crees nunca ver en vivo en México, la gente logró conectarse en un mismo eje de mentalidad. Las mismas sonrisas. Las mismas vivencias. FIDLAR es una vorágine de pasiones contenidas. Son una de esas bandas que no te pueden dejar con la sensación de indiferencia. Pueden haber unas canciones que ames, pueden haber unas canciones que tildes de sosas, pero en su presentación en vivo, esa que tuvimos la suerte algunos de vivir el día de ayer, ninguno salió con una cara estoica.

Además de la presentación que habíamos visto, los viejos amigos circulaban por doquier. Era como la fiesta de la preparatoria a la que nadie podía faltar, a pesar de que ya nadie estaba en preparatoria y, más bien, todos, por nuestro bien, debíamos evitar. Es la vieja camaradería lo que mantiene unida a una escena, un leitmotiv, tal vez solo seamos algunos necios que queremos escuchar historias de cuando la vida parecía ser más controlada, tener menos trabas, y estar crudo durante cinco noches seguidas no cobraba factura por las próximas tres semanas. Al menos sabemos que con FIDLAR, tendremos eso por largo rato.

Yeasayer revela 'Erotic Reruns', su nuevo álbum

La agrupación neoyorquina está lista para estrenar su quinta placa de estudio.

Yeasayer es una de las bandas independientes que despuntaron a finales de la década pasada, gracias a su fascinante sonido de electropop experimental. Tras tres años de silencio y después de Amen & Goodbye, la banda está preparada para estrenar Erotic Reruns, un nuevo material discográfico que constará de nueve canciones completamente originales.

Con este anuncio, los oriundos de Brooklyn dieron a conocer el primer corte promocional llamado "I’ll Kiss You Tonight", un tema que combina el pop puro con las típicas texturas sonoras que maneja Yeasayer, algo que da como resultado un perfecto indie pop. Para complementarlo lanzaron un audiovisual animado, dirigido por el artista visual Theodore Sefcik. No esperes más y checa el increíble video por aquí.

Además del sencillo líder, el trío formado por Chris Keating, Ira Wolf Tuton y Anand Wilder ha revelado dos tracks más, en las que vuelven a resumir su particular sonido de pop electrónico y a la vez orgánico. Por un lado, "Let Me Listen in on You" es similar al primer avance, aunque se siente influenciada por el gran Marvin Gaye; mientras que "Fluttering in the Floodlights" emplea un ritmo completamente disco y tiene toda la pinta para ser un hit.

Puedes escuchar parte de este material a continuación.

Erotic Reruns estará disponible a partir del 7 de junio a través de su propio sello discográfico Yeasayer Records. Te dejamos con el tracklist del álbum.

1. "People I Loved"
2. "Ecstatic Baby"
3. "Crack a Smile"
4. "Blue Skies Dandelions"
5. "Let Me Listen in on You"
6. "I’ll Kiss You Tonight"
7. "24-Hour Hateful Live!"
8. "Ohm Death"
9. "Fluttering in the Floodlights"

 

Entrevista con Jonathan Bree

Un bastión neozelandés incansable.

Hace algunos años, a principios de los 80 en Nueva Zelanda, un grupo de jóvenes en el auge del post punk, querían dejar un vestigio de lo que estaban creando musicalmente. Originalmente se iban a enfocar tan solo en los artistas de Christchurch, en la región de Canterbury. Pronto se dieron cuenta de que el talento estaba por doquier. Así pues, a partir de 1981 y gracias a Flying Nun Records, en el continente de Oceanía se gestaría algo que a la postre sería conocido como el sonido de Dunedin.

Jonathan Bree es neozelandés por lo que lo primero que se me vino a la mente, fue preguntarle cómo es que Nueva Zelanda había desarrollado tan particular nómina de músicos. "El aislamiento geográfico tal vez jugó un papel importante. En vez de seguir un patrón específico para acomodarse a las tendencias globales, los artistas realmente seguían su pasión". Parece ser una afirmación cierta, porque si revisamos el catálogo de las islas, podemos encontrar cosas tan dispares como las guitarras prístinas de The Clean o la experimentación distorsionada de The Skeptics.

Cuando le pregunto la diferencia entre las más sofisticadas melodías que hacía con The Brunettes, y el pop sombrío y acaso más minimalista que ha desarrollado sobre todo en Sleepwalking, su más reciente producción en solitario, dice que no ha sido algo premeditado, que simplemente es una progresión natural. Para todos aquellos que se han sumergido en el concepto del álbum, es de notar la ausencia de rostros. Para muchos, Jonathan Bree es la figura que parece un maniquí y tiene una voz profunda. Acerca de esto, Jonathan señala. "La ausencia de rostros, quizá, hace que el espectador pueda proyectar lo que quiere ver o sentir. También creo que, posiblemente, concentre más la atención en las composiciones". A algunos puede parecerles ominoso, los rostros brindan familiaridad, calma, acostumbramiento, pero también, si el elemento falta, los sentidos apuntan a otros aspectos, detallando y exaltando cosas que, quizá, con una faz pasarían desapercibidas.

Durante años, Jonathan Bree estuvo detrás de una consola. Muchas veces es complicado decidir entre actividades que nos apasionan, él comenta lo siguiente. "Las dos facetas van de la mano si lo vemos en un plano general. Ser productor puede resultar más arduo algunas veces… tratar de que algunas frecuencias brillen en una determinada mezcla, esa clase de cosas consumen mucho tiempo algunas veces, contrario a concebir una idea para una canción. Pero al final, las dos brindan satisfacciones".

Antes de su presentación en el Foro Indie Rocks!, Jonathan Bree dijo que sabía que la Ciudad de México tenía muchos habitantes, que la comida era magnífica, y que teníamos una saludable fijación por el horror y las máscaras también. La conexión tenía que ser como fue: esplendorosa.

A pesar de que Sleepwalking, es un álbum reciente, Jonathan dice que cualquier momento libre pasa a convertirse en un momento para escribir y para grabar. Actualmente está puliendo el álbum número cuatro en su carrera en solitario y dice que para este 2019 tendremos uno o dos nuevos sencillos.

Para terminar la entrevista, pedimos a Jonathan Bree que nos recomendara algún artista “perdido” y lo que actualmente está escuchando. "Eddy Arnold, en particular su trabajo de los 50 y 60. Cantaba canciones desde un punto de vista menos macho, una víctima de dolor de amores y un corazón roto. Eddy era tan hombre como para abrazar el cantar sobre estar destruido y dolido, lo cual no era un estereotipo recurrente en los crooners de la época. El disco de Susanne Sundfør, Music for People in Trouble, llegó a mis oídos el año pasado y es muy especial. La canción “Undercover” me conquistó desde la primera vez que la escuché en el carro".

Jonathan Bree es un bastión neozelandés incansable, detrás de una consola o sobre el escenario, es un personaje que necesita estar creando y para nuestro deleite, parece no detener esa vorágine de canciones que llegan hasta lo más profundo. Eso es de agradecerse.

TR/ST — The Destroyer — 1

El bicéfalo del synth pop oscuro completa su transformación, es una bestia negra.

Para The Destroyer — 1, el tercer álbum de TR/ST, el ruido es enigma y frenesí. Él es un bicéfalo con dos ideas opuestas, romance y oscuridad, que convergen en algunas canciones hasta lograr una fusión que resulta complicado descifrar. Inicia con un breve zumbido, asciende de lo profundo hasta desvanecerse y transformarse en una pulsación ¿Lo escuchan? Agudicen bien el oído, se acerca, es “Colossal”. Un punteo electrónico está suspendido sobre una neblina musical que forma un dance viscoso. “Nada está bien y nada está mal”. El protagonista la llama canción de cuna. Su advenimiento está fuera de duda. Si en el debut TR/ST brota como un misterio, una fuerza, acaso oscura y sexual, escondida tras una máscara que dificulta saber quién está tras ella y, sobre todo, comprender qué trata de decir con sus letras ambiguas, en su segundo álbum, Joyland, el acid pop y el industrial muestran esa potencia en caos; ya sea en “Rescue, Mister” y sus sintetizadores violentos contrastando con maullidos en los coros o en un tema caótico como “Peer Pressure”. En su nueva empresa, el canadiense Robert Alfons, único miembro oficial de la banda, pone en cauce esa energía dual a través de la dicotomía del sonido.

The Destroyer es un proyecto un ambicioso, un álbum doble de 16 temas que se fragmenta en dos entregas, la primera estrena este 19 de abril, mientras que la segunda será publicada en la recta final del año. En la parte uno TR/ST sale de la caverna después de cinco años de un silencio interrumpido brevemente por algunos sencillos como “Slug” o “Bicep” –este último rescatado para The Destroyer — 1–, así que es mejor apagar la luz y esperar la llegada inevitable de esta fuerza desconocida que durmió por un lustro. El rostro del proyecto se conserva oculto, pero mantiene una intensidad decidida. Una voluntad.

A lo largo de ocho temas el álbum va por el sonido electrónico de fauces oscuras, manteniendo congruencia estética en relación con lo que había publicado anteriormente, canciones con carácter dance pop, pero corruptas por una cabeza del bicéfalo que las guía por lo industrial, por la saturación de sonidos, el atasque, lo bestial, la desmesura. La personalidad del canadiense Robert Alfons así es, misteriosa y un poco perversa, pareciera que oculta algo, que guarda apariencias, pero cuando platicas con él o lo escuchas hablar te deja otra impresión, la de alguien dulce. Este el mejor punto de su trabajo, cuando logra impregnar su música de una auténtica vibra oscura a la par de inyectar una dosis de ternura pop, cuando se deja llevar por lo animal y experimental o cuando se asume como la bestia que es, se transforma y deja que la cabeza salvaje tome el control tal cual lo hace en “Bicep”.

En piezas como la que abre el álbum, “Colossal”, o como la que lo cierra, “Wake With”, Robert Alfons, al lado de Maya Postepski, expone la potencia de su composición, de su autenticidad, de su genio para bifurcar un tema, para crear momentos que sobreviven a su propio tiempo; en canciones como “Poorly Coward” se arriesga hacia lo agresivo; en tanto que en “Control Me” o en “Grouch” no logra romper con los límites de su pasado y resultar un poco arcaico para sí mismo por lo frágil de la canción, por lo simple. No obstante hay que remarcar que la voz es un prodigio, un hechizo que aleja su música de alguna etiqueta con cada pirueta que hace. A veces gutural, a veces aguda, a veces gruesa, el personaje de cada tema relata estados de ánimo inciertos llevando al escucha a una caída libre como la portada del álbum. Grabado en Los Ángeles y en Ontario, The Destroyer — 1, se queda corto y deja la incertidumbre de saber si haberlo dividido era la mejor decisión artística. La idea se queda diluida por falta de químicos. Y vuelve la pregunta, ¿hacia adónde nos dirigimos?¿Qué nos quiere decir Alfons? ¿Quién es en realidad? Apaguemos la luz, tal vez lo descubriremos.

 

Amyl and The Sniffers estrena “Got You”

Más punk que el punk.

Mullets, abuso de sustancias y más actitud de la que Malcolm McLaren pudo haber manejado reemplazan a los estoperoles y mohicanas en Amyl and The Sniffers, una banda a la que no nos queda más que clasificar como “más punk que el punk”.

El cuarteto pareciera la consecuencia directa de que Gran Bretaña haya exiliado a sus convictos en Australia por allá del Siglo XVIII, un aislado caldo de cultivo que por años ardió en rebeldía y terminó engendrando a estos muchachos que más que músicos, parecen extras en un trailer park arrasado por los vicios y la mala vida.

Después de un puñado de EPs, hoy nos presentan “Got You”, un adelanto a su primer larga duración que espera arrancarte la tranquilidad el 24 de mayo de este año a través de Rough Trade Records.

“Got You” narra una historia de amor oscura y enfermiza, del tipo que uno esperaría tener con Amy Taylor, vocalista que en esta pieza trata a sus bandmates como lo que todos sus fans somos: sus perros.

La presencia en escenario de la fiera vocal, garantiza una euforia total para aquella alma que tenga la fortuna de cruzarse con alguna de sus fechas en vivo. La banda ya ha toureado toda Oceanía, Europa y el próximo verano estará de gira por Estados Unidos, ¿será que algún promotor se arriesgará a traer a esos demonios de Tasmania a México?

Amyl and the Sniffers tracklist:

"Starfire 500"
"Gacked On Anger"
"Cup Of Destiny"
"GFY"
"Angel"
"Monsoon Rock"
"Control"
"Got You"
"Punisha"
"Shake Ya"
"Some Mutts (Can’t Be Muzzled)"

Silverio estrena el video de "La bestia"

Desde Guerrero, Su Majestad Imperial nos presenta el video de "La bestia", sencillo que forma parte de su reciente material discográfico.

Responsable de canciones como "Perro", "Yepa Yepa Yepa" y la normalización de sus conciertos en calzones, Silverio estrena el video de "La bestia". Este audiovisual forma parte del díptico Fuga/ La Bestia, donde visualmente se narra un recorrido que lleva a Su Majestad Imperial a debatirse entre la vida y el limbo. Aquí puedes disfrutar de esta canción llena de oscuridad.

A finales del año pasado, Silverio estrenó un disco homónimo con siete tracks que como él describe están. "(...) llenos de destrucción y oscuridad con toques de locura". Y para muestra de ello, el audiovisual de "La bestia", el cual fue dirigido por Miguel Calderón y producido por Cine Buró.

Y a propósito de Silverio (2018), el próximo 13 de abril se llevará a cabo el Record Store Day. Por ello, Su Majestad Imperial lanzará su último álbum en formato vinilo y en cassette. Lo interesante es que ambos formatos tendrán canciones extras: el vinilo una; y el cassette, además de la que vendrá en el vinilo, otra. En fin, eso significa que próximamente podremos escuchar algo nuevo de Silverio. ¡Estén pendientes y bailen con "La bestia"!