Twenty One Pilots en el Palacio de los Deportes

Duo de gigantes.

Twenty One Pilots regresó a México, esta vez al Palacio de los Deportes con dos fechas, ya que la primera se agotó en cuestión de horas.

Todas las secciones del recinto estaban inundadas de fans de todas las edades que vestían verde y amarillo, los colores de la era de Trench, el más reciente álbum del dueto originario de Columbus, Ohio.

Las luces se apagaron y una tela negra que cubría el escenario, cayó para revelar al baterista, Josh Dun, cargando una antorcha. Detrás de él un auto en llamas y el vocalista/bajista/pianista Tyler Joseph, y el concierto dio inicio con “Jumpsuit”.

Dos canciones después, para finalizar “Fairly Local”, Tyler se convirtió en un holograma, desapareció del escenario y su versión real apareció entre el público, en la parte más alta del lugar.

Durante “Nico and the Niners”, un puente bajó del techo del recinto y ambos lo cruzaron para llegar a un escenario más pequeño, que estaba situado en medio del Palacio de los Deportes. Ahí, más cerca de los fans que estaban en la parte de atrás, tocaron “Neon Gravestones”, “Bandito” y “Pet Cheetah”, canciones que estuvieron acompañadas de un espectáculo de luces que no paró durante el resto del concierto.

Al regresar al escenario principal, la banda sorprendió con “Holding On To You”, uno de los temas de su álbum Vessel, que fue una de las más coreadas junto con “Truce” y “Trees”, del mismo material discográfico.

En “My Blood”, Tyler pidió que enfocaran las cámaras en los elementos de seguridad, para pedirles que bailaran y enseñar sus mejores movimientos en las pantallas, y así continuar involucrando en el show a todos los que estaban ahí.

Después, mientras “Crowd Control” de Dimitri Vegas & Like Mike sonaba, subieron al escenario los miembros del equipo de producción, con quienes el vocalista bailó –y puso a bailar– a todas las personas que estaban en la pista, brincando rítmicamente de derecha a izquierda.

La parte visual fue fundamental a lo largo del concierto, pues videos temáticos aparecían en la pantalla detrás de ellos, acompañados por efectos que combinaban con las luces que iluminaban todo el lugar. Dentro de los videos, estaba una versión antigua del baterista, quien tuvo una batalla de solos con la versión actual.

Tyler Joseph volvió a la parte de atrás para escalar una estructura que se encontraba junto a la consola de audio, desde donde cantó "Car Radio". Posteriormente, él y Josh Dun se tomaron un descanso y regresaron para las últimas cuatro canciones y cerrar la noche poniendo unos tambores sobre la gente, pidiéndoles los levantaran para que Joseph y Dun los tocaran con su ayuda. Después, papeles amarillos cayeron del techo y la noche llegó a su fin.

La banda encargada de preparar a la gente para Tyler Joseph y Josh Dun fue Saint Motel, de Los Ángeles, California.

Festival Hole Records 2019

Las densas atmósferas del festival Hole Records.

La experiencia Hole Records nos brindó en su segunda edición nuevos sonidos que hasta hace no mucho no contaban con una fiesta o magnitud de tal sistema para lograr un equilibrio en la capital con música experimental y derivados.

Desde los encargados de abrir el festival como lo fueron Pedro Tirado y Osday quienes siempre han manejado un estilo de improvisaciones modulares en temas larguísimos como lo han mostrado en “Decreation” y “Rotting Weeds” y que en su presentación no fue la excepción para seguir por esa línea.

Dando paso Érebo y La Juventud Psíquica que con sus guitarras ha sabido conectar con los asientes ya que la dulzura y melódicas que manejan sus canciones como “El Albedo”, “El tercio de muerte” o “El ensayo visual” les han dado un lugar y ubicación importante, para dar luz verde al space rock de Par Ásito, que con su música entrañable y de viajes interestelares ofreció atmósferas idóneas en “01”, “02”, “03” o “01-A” y “01.B”, temáticas y canciones que le dieron más misticismo a su presentación.

El turno vino después en el escenario para Sei Still que con su toque característico de música basada en patrones repetitivos hizo del momento algo muy vulnerable a través de cada tema que ejecutaban como “Oto” que es una de sus canciones más nuevas y que en parte define la esencia que traen.

Por su parte Error Humano es genio y figura del ambient drone noise moderno, su última placa Vol IX de casi media hora de duración fue en parte de lo que proyectaron, ya para esas alturas la gente era imposible no dejarse inducir a un gran trance hipnótico, a su vez lo mismo con Phermatta Du Enddo Plantae que hizo lo propio.

Todo servido para que Los Kowalski con temas como “Puente a la Luna”, “Antes de que llueva” o “Sónica” hicieran explotar por primera vez el escenario hasta ese momento, y es que los decibeles a todo lo que dan propiciaron un viaje incontrolable y maravilloso.

Después se presentó Gibrana Cervantes + Camille Mandoki, Concepción Huerta + Mabe Fratti, quienes gozan ya de una reputación creciente en el mundo de la experimentación sonora, arquitectónica y visual. Su presentación fue de lo más experimental en la noche y no tan digerible para un cierto porcentaje de los asistentes. Sin embargo la atmósfera vivida nos abrió un panorama del nivel de talentos con los que contamos en México para estos sonidos.

Nada es uno de esos actos musicales en que quizá que su temas como “Trato”, “Razón”, “Ven” y “Plan” están por debajo de los tres minutos pero ahí radica su magia, el bajo y la batería juegan un papel de encanto con la gente.

Llegó el turno de Lorelle Meets The Obsolete que experimentó con sonidos análogos y armonías en temas como “Lux, Lumina”, “Acción-Vaciar”, “Eco Echo”, o el que parece convertirse en uno de sus nuevos clásicos “Líneas en Hojas” de su último disco De Facto, una gran obra magistral de la música nacional que hay en estos momentos, la gente los ama y fueron sin duda los que hicieron el clímax de la noche.

Gaspar Peralta fue a lo suyo, capas de sintetizadores perfectamente sincronizados con los toques de música clásica que lleva estudiando desde hace años y que domina perfectamente.

Uno de los grandes de la nueva no tan nueva corriente psicodélica: Tajak, se encargó de cerrar el festival con su picodelia súper esencial y permanente brillo y conexión con el público, la gente cerraba sus ojos para dejarse llevar por “Blind Inside (El 20 que me debes)”, “Ojos de Agua”, o “El Despertar” temas que ofrecieron un viaje psicotrópico difícil d olvidar y que a la gente le gusta mucho.

Wild Nothing en El Plaza Condesa

Cautivadoramente salvaje.

Cuatro álbumes de estudio y nueve años de espera. Ese fue el tiempo que tuvo que transcurrir para presenciar el primer show estelar de Wild Nothing en territorio mexicano.

Con un nuevo álbum bajo el brazo y después de dos breves participaciones en el festival Corona Capital, el proyecto de Jack Tatum arribó al escenario de El Plaza Condesa para seducirnos a través de la melancolía de sus letras y la distorsión de sus acordes.

El reloj marcaba las 19:30 H. y el interior del recinto apenas mostraba un tercio de su capacidad. Tras hora y media de espera, los huecos en la pista fueron sustituidos por grupos de amigos que, a través de gritos y silbidos, apresuraban la salida de la banda. Fue entonces cuando Wild Nothing apareció sobre la tarima.

Como si se tratara de una invitación para conocernos y entregarnos a través de la noche, los versos de “Nocturne” comenzaron a sonar. Tras aquel flechazo directo al corazón, nuestros oídos se mostraban listos para recibir esa dosis extra que recompensara los años de espera.

Posteriormente llegó el turno para “Wheel of Misfortune”, corte correspondiente a su álbum promocional, Indigo. Apenas un par de temas y los originarios de Brooklyn se transportaban al año 2010, para consentir a la audiencia con uno de los cortes clásicos de su primer EP, “Golden Haze”.

Vistiendo una bomber verde y su infalible gorra, Tatum cedía un momento para interactuar con el público y disculparse por no hablar español. “Gracias por venir. No soy bueno con el español, lo siento”. Ante el lamento de la gente, el músico añadía un toque de humor. “Lo sé, soy estúpido”.

Nada dura para siempre. Tal vez por eso la banda nos invitó a vivir un sueño con “Live In Dreams” y perdernos en la sensualidad del saxofón de “Partners In Motion”. A través de sus instrumentos, el quinteto pronunciaba lenguajes difíciles de resistir en “Summer Holiday” y daba paso a “Whenever I”, único tema del set, perteneciente a su tercer álbum Life of Pause.

No tardaría mucho para que el coro de los asistentes se hiciera presente con “Paradise” y se expandiera a cada rincón a través de “Letting Go”. Como si se tratara de una metáfora, este último tema llegaba para anunciar que el final de la velada estaba cerca.

Tras unos breves minutos de espera, Wild Nothing reapareció en el escenario para ofrecer un último set, conformado por clásicos de sus tres primeras entregas. La inocencia, el baile y la melancolía inundaron El Plaza con “Chinatown”, “A Dancing Shell” y “Shadow”.

Fue entonces cuando la sombra se apoderó del lugar. Tras apagarse las luces, volvimos a ser extraños en la oscuridad.

Liverpool Legends en el Auditorio Nacional

Un viaje en el tiempo a través del universo mágico de The Beatles y su legado inmortal.

No importa si se trata de Grupo Morsa o el conjunto que toca en el metro, las canciones de The Beatles van a seguir prendiendo, sacudiendo y generando múltiples emociones en chicos y grandes por los siglos de los siglos.

Mientras espero en el Auditorio Nacional a que dé inicio el show de Liverpool Legends, banda tributo a The Beatles, es notable la predominancia de gente de edad avanzada. Muchos de ellos vienen acompañados de nietos e hijos, para disfrutar la música inmortal de John, Paul, George y Ringo. Tres llamadas y da inicio el espectáculo con la Orquesta Sinfónica de Minería, la cual nos introduce al mundo del cuarteto de Liverpool con un popurrí de temas como "Yellow Submarine" y "Eleanor Rigby".

liverpool legends

Aparece en las pantallas Louise Harrison, –hermana del difunto George Harrison, quien dio su bendición para este tributo y seleccionó a los músicos– esta nos relata la llegada de los fab four a los Estados Unidos y, como si se tratara de una máquina del tiempo que nos traslada a 1964, de pronto nos encontramos en el show de Ed Sullivan escuchando "Please Please Me", "I Saw Her Standing There" y "All My Loving" a cargo de cuatro músicos que claramente pasaron buena parte de su vida estudiando los movimientos corporales y hasta los acentos de cada Beatle.

Con la más increíble atención al detalle en materia de disfraces, pelucas e instrumentos, el espectáculo nos hace sentir que somos esas adolescentes que gritaban como histéricas en el famoso concierto del Shea Stadium, que volamos por el mundo de colores de Pepperland o que estamos viendo a la mismísima Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band con sus atuendos coloridos interpretar temas que nunca llegaron a tocarse en vivo como "Hello Goodbye", "Penny Lane", "When I’m Sixty Four" o "Lucy in the Sky With Diamonds".

Liverpool Legends hace un recorrido a través de la discografía de The Beatles desde los años del peinado de honguito y los trajes, hasta que descubrieron el ácido, los sonidos orientales y la experimentación con George Martin. De A Hard Day's Night y Help! hasta el ocaso de la banda con el Abbey Road –que por cierto interpretaron casi en su totalidad con motivo de su 50 aniversario–, con todo y un encore compuesto por éxitos solistas de cada Beatle ("My Sweet Lord" de Harrison, "It Don’t Come Easy" de Ringo, "Imagine" de Lennon y el tema Bond de McCartney, "Live and Let Die").

Todos los grandes éxitos sonaron, además de temas más reconocibles por fans de hueso colorado como "I Want You (She’s So Heavy)", "While My Guitar Gently Weeps" o "Maxwell’s Silver Hammer". El espectro de emociones que causa escuchar estas canciones va de la euforia y el baile con "Twist and Shout" a las lágrimas con "In My Life", mención aparte merece el excelso acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de Minería, la cual brindó epicidad y un mayor impacto a temas como "Yesterday" y, por supuesto, "A Day In The Life".

El concierto se extendió por casi tres horas, incluso contó con un intermedio para estirar las piernas, y aun así la agrupación mantuvo a la audiencia cautivada de principio a fin. Cada imitador tuvo su momento para brillar, McCartney con "Yesterday", Harrison tocando su citara con visuales psicodélicos detrás y los temas "Something" y "Here Comes the Sun", Lennon con "Strawberry Fields Forever" y Ringo con "With a Little Help From My Friends", "Yellow Submarine" y "Octopus’ Garden".

Uno no puede evitar preguntarse cómo rayos es que Louise Harrison dio con este cuarteto de músicos que no solo han perfeccionado la caracterización, sino también la voz, los ademanes y movimientos corporales de esta legendaria banda al pie de la letra. No por nada son considerados la banda tributo de The Beatles número uno y, en un mundo lleno de problemas de intolerancia, discriminación y odio, sigue siendo necesario escuchar mensajes como “todo lo que necesitas es amor” y “el amor que tomas es igual al amor que haces”.

Cage The Elephant estrena el video de "Night Running" ft. Beck

Tras el reciente lanzamiento de Social Cues, la banda de rock alternativo estrena el video para su sencillo en colaboración con Beck: "Night Running".

Hace unas semanas se estrenó el quinto álbum de estudio de Cage The Elephant. Con un aura más oscura, Social Cues nos presenta 13 canciones que logran capturar nuestra atención desde los primeros segundos. Entre ellas, encontramos una pieza en colaboración con el músico estadounidense Beck.

"Night Running" es un sencillo que combina la potencia de las guitarras eléctricas con la distorsión de los sintetizadores. Todo al ritmo de un beat con tintes soul. El resultado es una canción que además de explorar un sentimiento parecido a la adrenalina, nos deja con una sensación melancólica de fondo.

Sin más, aquí te compartimos el video de esta colaboración entre Cage The Elephant y Beck.

El audiovisual fue dirigido por Jennifer Juniper Stratford, artista multidimensional que ha colaborado en distintas ocasiones con John Maus. Su estilo complementa a la canción y la envuelve en un concepto psicodélico.

La tristeza, la culpa y una profunda introspección emocional se materializa en Social Cues. Disco que, con solo unas semanas desde su lanzamiento, ya ha logrado muy buenas críticas. Recordemos que en 2017, Tell Me I'm Pretty (2015) ganó un Grammy como Mejor Álbum Rock. Así que, quién sabe. Quizás este material pudiera darnos alguna otra sorpresa.

“Black Star Dancing”, el nuevo sencillo de Noel Gallagher

El músico británico compartió un adelanto de lo que será su nuevo material ¡Conoce los detalles a continuación!

Han pasado dos años desde el lanzamiento de Who Built The Moon? (2017). Este 2019, Noel Gallagher's High Flying Birds — proyecto del integrante de Oasis, Noel Gallagher — lanzará un nuevo material. Se trata de un EP que se compone de 5 sencillos influenciados por grandes bandas como Queen, David BowieZZ Top, e INXS.

A propósito, el músico nos presenta “Black Star Dancing"; single que nombra a esta nueva producción discográfica. En esta canción, Gallagher apuesta por algo muy diferente a lo que hemos escuchado. Con una fusión de elementos funk y electrónicos, este track es una canción perfecta para bailar. Sin más, aquí te dejamos con el audiovisual.

El video fue dirigido por parte de Dan Cadan y Jonathan Mowatt. Y nos traslada a una presentación de Noel Gallagher's High Flying Birds. Existe una discrepancia temporal entre las tomas de los músicos y la del público, esto debido a que las últimas son imágenes extraídas del programa británico: The Wheeltappers and Shunters Social Club. Sin embargo, la esencia setentera se hace presente desde con los melódicos coros, el ritmos de la pista y, claro, la voz del reconocido músico.

Noel Gallagher's High Flying Birds se estará presentando en el Festival Mad Cool en España y en Reino Unido; donde los asistentes podrán bailar al ritmo de este tema y otros de sus éxitos. Por su parte, Black Star Dancing será publicado el próximo 14 de junio a través de Sour Mash Records. Además de su versión digital, los interesados podrán adquirir este EP en formato vinilo; les compartimos el link para que lo vayan pre ordenando. Y mientras llega el día, les dejamos el tracklist del material. 

Black Star Dancing

01. “Black Star Dancing”

02. “Rattling Rose”

03. “Sail On”

04. “Black Star Dancing” (12” Mix)

05. “Black Star Dancing” (The Reflex Revision)

 

TOP 5: Discos de la semana

Te compartimos nuestra selección en este top 5 con los mejores discos de la semana.

Esta semana tenemos varios proyectos nuevos y muchos otros que buscan renovarse con sus recientes lanzamientos. Aunque hay mucho por escuchar, nosotros seleccionamos para ti los discos más importantes, únicamente lo mejor de esta semana en nuestro top.

 

Vampire Weekend
Father Of The Bride
Columbia Records
Ariel Rechtshaid
Indie pop

Con su nuevo disco la composición de Koenig y su situación personal toman más importancia. En Father Of The Bride, Ezra enfrenta su búsqueda por la felicidad y la satisfacción en cada aspecto de su vida, con los problemas actuales del mundo las crisis que se avecinan. Vampire Weekend evoluciona, muestra un sonido más maduro y dilemas complejos.

The Dream Syndicate
These Times
Anti- Records
J Dilla
Neo Psychedelia

En la actualidad, pocos regresos logran convencer, pero estas leyendas del Paisley Underground fueron capaces de retomar todos sus elementos y actualizarlos. The Dream Syndicate, a pesar de los años, no se oxida y mantiene la misma calidad de siempre, como si nunca se hubieran ido.

Flamingods
Levitation
Moshi Moshi Records
Dan Carey
Psych funk

Es la primera vez que los miembros de la banda residen en el mismo lugar y eso se nota, pues este material tiene un sonido más solido y presenta ideas más concretas que en otros discos. Flamingods puede concretar sus ideas más ambiciosas y llevarnos en un viaje psicodélico lleno de imágenes poéticas y melodías perdurables.

Kedr Livanskiy
Your Need
2MR
Yara Kedrina
Electronic

Con su tercer álbum de estudio la cantante deja claro que la esencia de este proyecto es la libertad artística. Kedr Livanskiy no se limita ni juega bajo las reglas de nadie, no repite formulas y siempre está buscando evolucionar.

Tacocat
This Mess Is A Place
Sub Pop Records
Erik Blood
Garage rock

La agrupación de Seattle se ha endurecido con el tiempo, pero aunque sus letras tengan más astucia y ya no se dejan llevar por la naturaleza adolescente, eso no afecta la agresividad de sus riffs y melodías pegadizas. Es el Tacocat de siempre y que aman sus fans, pero un mensaje más claro y desenvuelto.

TOP 10: Los mejores videos de abril

Cuco, The Drums, The National, Metric y más en los mejores videos de abril.

El mes de abril culminó y a pesar de que el año apenas empieza, hubo muchos estrenos: sencillos, discos y sobretodo videos. Es por eso que, después de una larga discusión editorial con el equipo de Indie Rocks!, te compartimos una selección especial en nuestro #TopIR con los 10 mejores videos del mes.

Aquí verás videos como “From Chaos To Harmony” de Ian Brown, uno de los temas más destacados del disco y parte de los sencillos promocionales del mismo; “Light Years” de  The National, el track que cierra su siguiente material; “Between the Lines” de Robyn y mucho más.

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BETA — Segunda Piel

Segunda Piel: el rock mexicano no ha muerto.

Hoy en día, pocas bandas mexicanas pueden ser consideradas exponentes del rock alternativo. Me refiero al verdadero género en el que predominan los riffs llamativos y las baterías potentes que se puede escuchar en bandas como Apolo, Serbia, División Minúscula y Bengala, no del pop disfrazado de rock que desde hace tiempo es un éxito en grupos como Zoé, Costera, Reyno y Camilo Séptimo.

En esa lista del rock alternativo entra BETA, proyecto integrado por Blas Cernicchiaro (guitarra y voz), Álvaro Contreras (guitarra), Arturo González (bajo) y Julián André (batería), que el pasado 26 de abril estrenó Segunda Piel, su tercer material de larga duración, producido por el argentino Camilo Froideval, mezclado por el mexicano Herman Nunes y grabado en Topetitud Estudio por el también argentino Ricardo Acasuso, quien ha trabajado con bandas como Grouplove y Rey Pila.

En esta nueva producción discográfica se nota una madurez musical en lo melódico, armonioso, vocal y lírico. Atractivos guitarrazos, vibrantes bajos, intensas baterías y soberbias vocales imperan en un álbum cuyo nombre nace por la idea de Blas de que el prójimo es tu segunda piel y la importancia de ayudar a los demás al ponerse en su lugar.

En Segunda Piel, el cuarteto poblano aborda temas como lo efímero de los momentos, resistir y salir avante ante lo adversidad, reconocer y aceptarse a uno mismo y sobre todo, darse cuenta que, aunque suene trillado, la unión hace la fuerza.

Dicho esto, el disco abre con “Yo Fugaz”, enérgico sencillo lanzado en 2018 y se basa en lo que dejaron los sismos de septiembre 2017: meterse en la piel del otro para ayudarlo en la tragedia y entender que de un instante a otro todo puede acabar. “Decidir resistir, soy temporal y estaré bien. Decidimos resistirnos, espontáneo, singular, ¡soy... fugaz!”.

Las frases “Es la unión que salva/Si resistes, persistes” y “De cada espacio de mi ser tú formas parte, tú ya eres parte de mí” en “Fantasma” y en “Memoria Muscular”, respectivamente, son la prueba de que la unión y el apoyo entre las personas es vital. En “Salvador”, una envolvente batería y un seductor rasgueo de guitarra marcan el inicio de una pieza que trata sobre dejar ir en una relación (de cualquier tipo) enfermiza. Lo opuesto se escucha en la serena “Colores”, que habla sobre los errores, pero deja en claro que a pesar de ellos, los aciertos y los buenos ratos pesan más.

Los primeros segundos de “Celestiales” evocan en todo sentido a las bandas Death From Above 1979 y Royal Blood. Sin duda, el tema con mayor ímpetu en el material. En “Firmamento”, las partes “No somos eternos, lo saben mis huesos" y “Sólo somos momentos, ten tus ojos abiertos” ejemplifican de forma puntual aquello de lo pasajero de las cosas.

Las canciones restantes pueden concebirse como una sola al mantener la misma línea discursiva, pues en ellas, los espejos juegan un papel muy importante. La suave “Frágil” (“Mi vida es frágil, pero brilla al verme”) hace alusión a la fragilidad de la vida y cómo al verse por dentro, uno puede encontrar la fuerza para brillar. La cadenciosa “Segunda Piel” (“Viendo espejos no hay culpables, mantente fiel, sabes que lo que eres tú soy yo”) y la frenética “Ven a Buscarme” (“Cámbiame por espejos, quiero ver los reflejos de mi piel y saber quién soy”) se centran en la autoexploración y autoaceptación sin sentir culpa.

Segunda Piel supera, aunque no por mucho, a su antecesor (Medusa, 2016). Lo que es un hecho es que este disco no solo se trata del más maduro en la carrera de BETA, sino que además, es la prueba fehaciente de que el rock mexicano no ha muerto.

Local Natives — Violet Street

Lo mejor de 3 álbumes en 1.

Los 10 años de carrera de Local Natives son el ejemplo perfecto de aprendizaje y del consejo mundialmente conocido de tomar lo mejor de cada experiencia. La tranquilidad reflejada en su primer disco Gorilla Manor, la oscuridad que transmite Hummingbird y la positividad cargada en Sunlit Youth se unen para formar el álbum más cohesivo y armónico de Local Natives: Violet Street.

Desde el primer acorde relajante de “Vogue” se siente la confianza y seguridad de la banda. Le siguen sus sencillos, “When Am I Gonna Lose You” y “Café Amarillo”, que se contraponen de la mejor manera posible. La primera muestra, con voces fuertes y un ritmo incluso pegajoso, el miedo e inseguridad de perder a un nuevo amor antes de que se solidifique una relación; mientras que la segunda habla de la seguridad, no solo de un lugar sino de una persona: de cómo un lugar puede traer paz y de cómo las personas también son lugares.

“Munich II”, una introducción instrumental que se conecta perfectamente con “Megaton Mile”: una invitación a enfrentar de la mejor manera el fin del mundo. Baila y ríe cuando estás feliz; baila y ríe cuando todo va mal.

Por otro lado, “Someday Now” usa el mismo ritmo base que su predecesora para mostrar un lado más agridulce del amor: la inestabilidad de una relación. “How long could I ask you to wait? Wait for someday. You already waited so long. You want someday to be now”. En teoría, una relación es acompañarse en los retos de ambos sin jerarquías. Sin embargo, ¿cómo priorizar el potencial de cada uno? ¿cómo manejar el ascenso y evolución de cada uno?

La misma perspectiva de incertidumbre se presenta en “Garden of Elysian”, que explora el cliché del hubiera. ¿Cómo nuestras decisiones con el amor afectan nuestro rumbo y qué hubiera pasado si se hubiera hecho algo diferente? Todos nos lo hemos preguntado, pero no con una melodía tan dulce y sencilla.

Finalmente, Local Natives cierra este camino de introspección y análisis existencial con la joya del disco y una de las mejores canciones en su haber: “Tap Dancer”. Cuerdas orgánicas, voces corales inesperadas y grabaciones de fondo acompañan el deseo de magia en cada día, la melancolía que causan los pasados buenos momentos, y el reto que representan algunas cosas que para otros son nimiedades.

Las texturas sinfónicas, el sentimiento de calma, así como las cuerdas y piano en acordes transparentes junto a brillantes beats destacan lo mejor de Local Natives. Definitivamente, una excelente decantación de la esencia de una banda.