Elis Paprika estará en el IG Live de Indie Rocks!

No te pierdas a Elis Paprika quien nos contará sobre su proyecto con Denise Gutiérrez. Checa los detalles aquí.

Elis Paprika siempre ha estado pendiente de la música y más con las mujeres de todas las latitudes. En esta ocasión se une a Denise Gutiérrez como directora artística en el concierto virtual #GoMujeres2021Fest. Es por eso que no te puedes perder la charla que tendrá con María Letona este 16 de marzo a las 17:00 H (hora del centro de México)

#GoMujeres2021 se llevará a cabo este próximo 25 de marzo y ya puedes hacer tu registro en el siguiente link. Este año el festival virtual contará con la presencia de talentosas mujeres de la música, influencers y activistas como son Bruses Colectivo, Cuerpo Anónimo, Colectiva Tsunami, Cynthia Hijar, Elisa Miller, Eliza Sonrisas, Flor de Toloache ft. Mon Laferte, Jimena González, La Mala Marquina, Immasoul, Ophelia Pastrana, Renne Goust, Sara Curruchich, Vivir Quintana y Zemmoa.

María Letona estará pendiente de sus comentarios recibidos en el live y se los hará saber a nuestra invitada quien resolverá dudas y también mandará saludos a sus seguidores.

¿Qué tal? No te pierdas esta charla para conocer más detalles y por supuesto estés enterado de los otros proyectos en los que está involucrada Elis. Recuerda en el Instagram de Indie Rocks!

BizBat, la plataforma de música que une a creadores, fans y promotores

La aplicación busca conectarte con la industria musical al crear un espacio virtual en donde podrás encontrar y compartir  oportunidades de trabajo.

BizBat, anteriormente conocida como Sonnar, es una aplicación en la que convergen proyectos emergentes, fans, venues, managers, bookers, así como medios de comunicación. Su objetivo principal es conectar con todos los eslabones de la industria y crear una comunidad digital en la que puedan compartirse propuestas, crear ofertas de música en vivo y contratar a músicos de manera rápida, fácil y segura. La plataforma es de acceso gratuito y tiene presencia en más de 30 países. Además, festivales como Marvin, Zapal, LIFA (Brasil) y recientemente LAMC (Latin Alternative Music Conference) han trabajado con la app.

BizBat_2021

¿Cómo funciona? Bueno, pues una vez que la descargas (disponible para Android o iOS) debes crear tu cuenta dependiendo de tu perfil (fan, músico, agente o venue). Al hacerlo, tienes acceso a todo el contenido publicado con el que podrás interactuar a través de botones de "me encanta", "compartir" y comentarios.

Asimismo, existe la función de encontrar o crear transmisiones de eventos y clases magistrales de diversos temas de interés en cuanto a la música se refiere. Por otra parte, BizBat te ofrece la opción de lanzar tus propias convocatorias de trabajo para eventos públicos o privados disponibles en todo el mundo. Y por si fuera poco, a través de la app puedes adquirir las entradas de tus conciertos o livestreams favoritos.

Si te interesa conocer más sobre la atractiva plataforma, checa el siguiente video promocional. Mientras tanto, te recomendamos quedarte pendiente de Indie Rocks! para próximas novedades.

Evanescence ofreció una conferencia de prensa exclusiva para México

The Bitter Truth, álbum inédito de Evanescence después de 10 años.

La nostalgia nos da un golpe a la cara, si bien no tiene mucho del suceso en que pudimos ver la batería de la banda de Arkansas en llamas sobre el escenario del Knotfest, Evanescence se pone de nuevo en el radar con un disco inédito después de casi 10 años.

Amy Lee líder de este proyecto se mostró alegre y emocionada de presentar The Bitter Truth, si bien ya pudimos conocer sencillos de este álbum como "Use my Voice", "Wasted on You", "The Game is Over" y "Better Without You", el momento de soltar la obra completa ha llegado.

Yo no puedo tomar decisiones sobre sacar un disco, desde el negocio, soy una persona muy creativa y cuando necesito sacar un disco, lo hago”, expresó la vocalista sobre el regreso de la banda en conferencia de prensa exclusiva para México.

Y es que el grupo está renovado y con ganas. “La banda ha pasado momentos difíciles y había una necesidad de contarlo, después de Synthesis Live (último disco que es un compilado en vivo), regresaron las ganas de subirnos al escenario con canciones nuevas, necesitábamos esa renovación", agregó.

Al tocar el tema de los sencillos y la existencia de la dualidad entra la balada y el sonido más fuerte, comentó.

Estamos en un lugar donde ya tenemos la oportunidad de ver la fotografía desde lejos, la banda no se trata de mí, somos un conjunto, sin embargo tengo esta dualidad y debe estar presente, lo dejamos fluir, no estamos pensando en qué vamos a darle a los fans sino solo sale de esa forma”.

Sobre lo complicado que ha sido el confinamiento y el poder tocar en vivo, Amy dejó claras las ganas de estar frente al público y lo ansioso que está el grupo por que llegué el momento, de igual modo dejó claro su amor por México y la urgencia que tienen por regresar. Así que hay que estar atentos ya que una vez que haya luz verde para los conciertos podremos escuchar música nueva de Evanescence en vivo.

Rob Zombie — The Lunar Injection Kool Aid Eclipse Conspiracy

El Rey de lo bizarro regresa para reclamar su trono.

Regresa a la música uno de los workaholics más famosos del mundo y lo hace con la misma fórmula que ha manejado desde hace más de tres décadas. Para muchas bandas eso podría ser un insulto pero no para Rob Zombie. El hombre con la imagen de un verdadero muerto viviente no pretende cambiar ni evolucionar porque tiene un estilo bien definido y lo reafirma con su séptimo álbum de estudio. Se trata de simple y sencillo rock & roll ejecutado a máximo volumen y plagado de referencias a su pasión por el horror.

Después de aterrorizar las pantallas ahora el originario de Massachusetts busca hacer lo mismo con los oídos. Para conseguirlo compuso 17 temas y cada uno con un título más extenso y rimbombante que el anterior. Aquí la normalidad es ser estrafalario porque todo lo demás es demasiado aburrido.

Para asemejar su faceta cinematográfica el trabajo abre con “Expanding the Head of Zed” que en realidad es una breve introducción de menos de un minuto. Es el equivalente a mostrar los créditos iniciales en una película. Algunos diálogos y unas guitarras se encargan de generar un ambiente de misterio que se rompe con “The Triumph of King Freak (A Crypt of Preservation and Superstition)", pieza que ya había sido presentada como primer sencillo. Con ligeras inclinaciones al sonido industrial ofrece reminiscencias a Ministry y KMFDM. El fundamento es que mientras más ruidoso siempre será mejor

Ahora bien, una pieza que se distingue del resto es “18th Century Cannibals, Excitable Morlocks and a One-Way Ticket on the Ghost Train”. Con un pie en el rock y otro en el country es una muestra clara del amor que el ex cantante de White Zombie tiene por Lynyrd Skynyrd. Aunque al mismo tiempo también destacan las guitarras llenas de azufre que parecen traídas del inframundo. En tanto que otra experimentación sonora que sorprende es “Get Loose” gracias al uso de una cítara al más puro estilo de Ravi Shankar y George Harrison.

Pero aunque de manera obvia Rob Zombie es quien más destaca también se debe reconocer a los músicos que lo rodean. El grupo de soporte incluye a John 5 (guitarra), Piggy D. (bajo) y Ginger Fish (batería). Todos con una extensa trayectoria musical como parte de proyectos como Marilyn Manson, Alice Cooper, Murderdolls y Powerman 5000. Eso implica que además del dominio de sus instrumentos también tienen afinidad por lo tétrico y la ciencia ficción.

Mientras el LP avanza llega el turno de “The Eternal Struggles of the Howling Man”, uno de los cortes más energéticos que haría palidecer el punk del cuarteto neoyorquino Ramones. Además también se distingue por los gritos aulladores que hacen recordar a Screamin’ Jay Hawkins, uno de los precursores de lo que después sería llamado shock rock.

A pesar de que existen algunos pasajes en donde parece que el material quiere despegar hacia otros terrenos al final regresa al camino del rock & roll. Con esto queda claro que si te gusta un álbum de Rob Zombie entonces vas amar todos porque mantienen el mismo estilo. Puedes traicionar a otros pero nunca a ti mismo.

Rostro del Sol — Rostro del Sol

En la revolución sonarán guitarras distorsionadas o no será.

Bandas ajenas a las grandes disqueras, están haciendo cosas increíblemente novedosas y con una gran calidad que te manda al demonio. Todo eso sin seguir los planos e insípidos protocolos que, según las disqueras grandotas, son los que “pegan”, ¡QUE BUENO!

Al inicio de todo, sonidos saturados siembran en tu mente una poderosa expectativa de lo que vendrá y para cuando comienzan algo de estructura musical, los jazzísticos riffs de guitarra ya te han atrapado para escuchar una canción de casi 9 minutos, “Effect of Creation” es la pista que abre el disco.

Por tus oídos siguen transitando sonidos ácidos, progresivos y psicodélicos usando como herramientas redobles interminables de batería, olas púrpura en el teclado, bajos pegadizos e incansables, guitarras que no cesan de vibrar sus cuerdas con fuerza y metales finamente bien colocados para acentuar el poder de las rolas. 

Sin darte cuenta has sobrepasado la mitad del disco y suenan unas calmadas guitarras acústicas.

“Tales… I-III” es la calma antes del estruendoso clímax y los integrantes de Rostro de Sol sabían tan bien lo que hacían que hicieron de esta rola un espacio calmo, un lugar lejano de los horrores de la vida real, pero al mismo tiempo con una energía poderosa en su estructura musical.

El debut de Rostros del Sol es sellado por LSDR, disquera independiente que tiene bajo su ruidosa ala a poderosas bandas como Los Mundos, Vinnum Sabbathi, Terror Cósmico, Satánico Pandemonium, Jesus on Dope, El Culto del Ojo Rojo y muchos más. Si te laten los guitarrazos estridentes, date una vuelta por su catálogo.

Los medios que han dedicado algunas letras al debut de Rostro… mencionan una variedad de referencias tipo Miles Davis, Traffic, Frank Zappa, Santana, Soft Machine, Deep Purple o Chicago.

Pero a mí me recuerdan a esas enérgicas, extremadamente ingeniosas y alivianadas bandas mexicanas de los 60 o 70 tipo La Revolución de Emiliano Zapata, Peace & Love, Love Army, La División del Norte, Cosa Nostra, Tinta Blanca, Tarro de Mostaza o Luz y Fuerza.

A mi parecer, el debut de Rostro… continúa el trabajo musical de nuestros ancestros rocanroleros y que la prohibición al rock dejó inconcluso. Además, reivindica a esa generación hippiteca con una finísima calidad en producción, pues los que forjaron el camino del rock nacional sufrieron de producciones de baja calidad.

La primerísima entrega de Rostro del Sol es ultra satisfactoria, sin mentir por convivir, cada riff, groove, solo y figura rítmica irregular es místicamente más poderosa que 56 churros diarios de marihuana o 3 mordidas a un brownie de chocolate con concentrado de THC.

Entrevista con The Go-Go's

Las heroínas del punk están de regreso.

En una industria tan amplia y llena de retos como lo es la música, actualmente aplicaría muy bien la frase “renovarse o morir”, más si eres una banda que se ha encargado de marcar generaciones, que toca punk y que está conformada solo por mujeres, pero, ¿cómo renovarse después de dos décadas de ausencia? Este fue uno de los retos principales de la banda de punkrock californiana The Go Go's, que recientemente estrenó un sencillo titulado “Club Zero” bajo el sello de Universal Music. 

La icónica banda conformada por Charlotte Caffey (guitarra principal y teclado), Belinda Carlisle (vocalista), Gina Schock (batería), Kathy Valentine (bajo), Jane Wiedlin (guitarra) se ausentó durante 20 años tras llevar otros 20 de sólida carrera, pero esto nunca las detuvo para seguir componiendo y creando sonidos.

En entrevista con Charlotte Caffey para Indie Rocks! la guitarrista principal de la banda nos contó cómo fue que se creó “Club Zero” una letra con un mensaje poderoso y enérgica la cual va de la mano con el próximo estreno de un documental que refleja la intimidad de la banda, por todo lo que ha pasado y que llega justo en el momento donde parece que el mundo está colapsando.

No hemos parado de crear, decidimos que para el documental ofreceríamos a nuestros fans una canción nueva, una declaración que fuera acorde a la época que estamos viviendo. No te puedes rendir, te tienes que mantener de pie y seguir”.

Lo que emociona y sorprende mucho al escuchar por primera vez “Club Zero”, es que las chicas han sabido mantener el sonido fresco que la industria musical exige en la actualidad, en un mundo dominado por ritmos electrónicos, pop y de reguetón, The Go Go's han sabido hacer su regreso de manera muy moderna. Una oportunidad también, para llegar a nuevas generaciones.

“Siento que los humanos necesitamos música e inspiración siempre, somos quienes somos y si nos has seguido desde hace años también amarás nuestra nueva música. La música es muy importante sin importar el género, puede ser clásica, pop, rock, etc. Yo creo que les va a gustar mucho”.

The Go Go's, el documental dirigido por Alison Ellwood que tuvo su premiere en enero del año pasado en el Festival de Cine de Sundance, se estrenará muy pronto por el canal Showtime. Pero, teniendo tantos éxitos como “Head Over Heels”, “Our Lips Are Sealed”, “We Got the Beat”, ¿por qué fue elegida “Club Zero” como canción principal del documental?, Charlotte nos cuenta:

Hay un sentimiento muy especial que no se puede describir, cuando tocamos 'Club Zero' por primera vez mientras se grababa el documental, sin audiencia, solo nosotras tocándola ahí por primera vez en un escenario, Belinda me volteó a ver con cara de 'esta es LA canción' y me puse muy feliz porque yo también pude sentir lo mismo. Llevamos tanto tiempo juntas que ya sabemos lo que suena bien y lo que se siente bien”.

Y es que cuarenta años han pasado desde el nacimiento de The Go Go's como banda, los tiempos han cambiado y con esto la tecnología las alcanzó, algunas formaron sus propias familias y se mudaron de país, pero por medio de mails es que han podido componer aún a la distancia y poder llegar a una nueva etapa en su carrera.

“Somos afortunadas al poder seguir creando y poder tocar música virtualmente gracias a la tecnología, pero como sabemos, no hay nada como estar en un estadio, en alguna sala de conciertos y sentir la energía de todos. Tenemos la esperanza de tocar muy pronto en vivo y estoy segura que nuestros amigos músicos también. Nos encanta ver al público cantando y bailando con nosotros, porque sabemos que al final del show, nuestra energía y espíritu se eleva. La gente sale muy motivada del show y comparte esa alegría con otros. El mundo ahora está un poco oscuro y lo que necesita es eso.  Nosotras queremos contribuir un poco llevando alegría con nuestras canciones”

“Nuestra increíble directora Alison Ellwood nos compartió una copia de la película que aún no estaba terminada y tengo que decir que me sentí un poco aturdida por ver todo lo que viví, pero al mismo tiempo se sentía como si estuviera viendo la vida de alguien más, viendo una increíble historia que nuestra directora supo contar muy bien pero cuando la presentamos por primera vez en Sundance, entramos al teatro donde la proyectaron y todos se pararon a aplaudirnos, fue impresionante. Fuimos 100% reales, no importaba cuál fuera la pregunta, fuimos totalmente nosotras y contamos muchas cosas que la gente no sabe. Significa mucho para nosotros. Estamos muy felices con el resultado y queremos que ya lo vean todos”.

The Go-Go's_Filme

La banda creada en 1978 ha destacado por ser la única banda femenina que escribe sus propias canciones, lo cual las hizo acreedoras a diferentes reconocimientos y liderar listas Billboard durante semanas, vendiendo más de 7 millones de discos alrededor del mundo, pero, ¿cuál es el secreto para mantenerse unidas durante todos estos años?.

“Hemos estado juntas por cuarenta años, hemos pasado por muchas cosas, hemos tenido nuestras diferencias, pero la realidad es que nos amamos mucho. La hermandad que tenemos, nuestro sentido del humor y todo eso es muy fuerte. Claro, también hemos tenido desacuerdos, pero es algo difícil de describir, es algo muy de nosotras, disfrutamos estar juntas, creo que el secreto es el sentido de humor que tiene cada una que siempre está alineado entre sí”.

Con nueva música, girlpower y contando su verdadera historia, The Go Go's pretende llegar a lo más profundo de los corazones de sus fans y ganarse nuevos, “Club Zero” es perfecta para que lo logren.

A 25 años del lanzamiento de 'Milk & Kisses' de Cocteau Twins

A 25 años de su última creación.

Han pasado 25 años desde que Cocteau Twins nos dio un disco de estudio. Si bien no sabían que sería el último, es un álbum que evidencia el peak creativo al que llegaron en casi 20 años de formación. Milk & Kisses es un álbum que concentra las atmósferas más etéreas pero también las más pop con las que el grupo escocés nos ha agraciado. Tal vez, si no nos hubiesen dejado cuando estaban preparando un nuevo álbum, los habríamos visto publicar el pop más ruidoso que ahora se espera de artistas mucho más mainstream. Cocteau Twins ha provisto de bases sonoras a más de una generación de creadores pop, desde el más experimental ruidismo hasta el pop más bailable, como se puede escuchar en la música de Bad Bunny y Kali Uchis (para referencia, escuchar “Trellas” y “Loner”, respectivamente). Son las atmósferas creadas por la voz de Elizabeth Fraser las que proveyeron de una particularidad innegable a esta banda que pudo tenerlo todo.

Milk & Kisses es un disco que tuvieron que hacer casi como una obligación, ya que estaba en su contrato con el sello Fontana Records. Un álbum en el que retornan a las capas de guitarras distorsionadas y a las letras cantadas nuevamente bajo ese idioma creado por Elizabeth, a diferencia de Four-Calendar Café, donde había dejado esta técnica un poco de lado. Los singles escogidos fueron “Violaine”, una canción que demuestra su apertura hacia el pop más radiable de la época; y “Tishbite”, un tema que contiene el blueprint, toda la energía y personalidad alternativa y dulce de la banda.

El álbum también incluye “Rilkean Heart”, un homenaje al por entonces nuevo amor de Elizabeth, Jeff Buckley, ávido lector del poeta Rainer Maria Rilke. Una producción de 10 canciones que, sin saberlo, sería el gran resumen del sonido que Cocteau Twins nos entregó desde el inicio: etéreo, guitarrero y ruidoso, atmosférico, de baterías cadenciosas, lleno de melodías dulces y letras muchas veces inentendibles, pero que calan hasta lo más profundo del alma. Una producción que condensa todo lo conocemos de la agrupación, que casi se reúne en el 2005 para un show en Coachella, que al final no se dio.

A veces, como fans, esperamos que nuestras bandas favoritas sigan haciendo música para siempre. Pero hay algo que tenemos que entender, y que al parecer no es tan obvio. Las personas detrás de las bandas forman relaciones entre ellas, y lo más común es que esas relaciones terminen para siempre, tanto que ni siquiera una relación de trabajo puede ser viable. Pertenecer a una banda que tiene éxito no puede amarrarte por el resto de tu vida a ella si tu bienestar está de por medio. Desde aquí, un abrazo eterno a Elizabeth Fraser, a su liberación y a la felicidad que consiguió.

Descansa en paz, Sax

Buen viaje, gracias por la música.

 

“Y en la pista una pareja se vuelve a enamorar…”

¿Escuchaste eso en tu cabeza? Sí, era el sax de Sax. Lamentablemente decimos era porque hoy 14 de marzo le tocó partir de este plano por complicaciones derivadas de la Covid-19.

Yo sí lo conocí, vivía en la vecindad… Eulalio Cervantes Galarza, posiblemente su nombre no te diga mucho, pero su mote equivalía a su instrumento, Sax. Creo que pocos músicos podrían nombrarse así, era un virtuoso que consiguió desde muy joven tener un sonido que lo diferenciara a él y a su banda.

Nació en San Luis Potosí, en su biografía en el sitio del SACM destacan que desde muy temprana edad brilló por su talento tocando con orquestas y en concursos infantiles y de eso no nos queda duda.

Es imposible pensar en Maldita Vecindad sin él, sin esa esencia que retumba en canciones como “Solín”, “Un gran circo” e incluso “Kumbala” que tiene un interludio que es icónico como la canción misma. Fue cofundador, compositor de letras y música, coproductor y ejecutante de saxofón, clarinete, trompeta, trombón, flautas, batería, bajo, guitarra, piano, acordeón y más de cuarenta instrumentos de viento árabes (retomado del sitio de la SACM).

No sólo su sonido era icónico, su estilo lo era, su larga cabellera que a veces le ocultaba un poco el rostro, su sombrero negro, gafas oscuras, era como el Slash de los metales mexicanos.

Ojalá este texto hubiera sido escrito mientras él vivía, además, a pesar de haber tenido problemas de salud recientes se mantenía creativo, recientemente sacó una canción en compañía de Salvador Moreno titulada “Otros nosotros”.

Fue productor de bandas como Tijuana No!, colaboró con otras como Café Tacvba y La Castañeda. Compartió escenario con muchas de las bandas más importantes de Latinoamérica e incluso tenía un récord de respiración circular con el saxofón en una sola nota musical.

Sax, colgó el sombrero y decidió partir, el sax, seguramente se lo llevó con él, eran inseparables y seguramente estará creando en otro plano.

Ahí viene Toño, su trompeta suena en toda la ciudad, hoy más que nunca, Sax, te vamos a extrañar.

Franc Moody: funk hipnótico para navegar

Escapa de la frívola realidad con una fusión de funk electrónico londinense.

Franc Moody lleva cerca de cinco años moviéndose dentro de la industria musical con su característico estilo que posiciona al proyecto como uno de los ideales para disfrutar durante un atardecer en la playa. Su sonido, influenciado por Daft Punk y Jamiroquai, entrega un juego de sonidos, texturas y energías que se podrían definir como funk electrónico para alejarse de la realidad. A lo largo de su trayectoria, la banda ha presentado distintas producciones discográficas que ilustran su sentir hacia el mundo online y la dependencia hacia las tecnologías; puntualizando que no intentan criticar la situación, sino más bien evadir los sucesos a través de su música.

Bajo una premisa similar, el colectivo presentará su EP House of FM, vía Juicebox Recordings. La fecha de estreno aún no está definida, lo que sí, es el primer adelanto de este material. Se trata de "Losing Touch", un hipnótico track con mucha electrónica y beats pegajosos que penetrarán tu mente al instante.

Después de este año totalmente extraño, estamos muy emocionados de compartir la primera pista de un nuevo EP, House of FM. ’Losing Touch' se armó muy rápido en el estudio, combinando la mezcla habitual de todos los sonidos característicos de la banda. La canción intenta capturar la euforia que sientes cuando eres capaz de perder el contacto, desconectarte, vivir realmente el momento y escapar de una realidad a veces mundana y repetitiva", expresó Franc Moody en un comunicado de prensa.

Te compartimos a continuación "Losing Touch" ¡Disfrútala!

El año pasado, la agrupación londinense compartió su álbum Dream in Color (2020), una producción repleta de sonidos frescos que se apoderan del ambiente. Con este material se tenía previsto iniciar una gira, misma que se ha tenido que posponer por la pandemia.

No olvides seguir a Franc Moody en sus redes sociales.

Bible For Robots estrena “La Cena de las Hormigas”

Desde la ciudad de los ángeles, este trío llegó para hacerse un lugar en la escena nacional.

El punk rock no es una forma de autodestrucción, es un lugar para pensar mejor. Con esta línea, Bible For Robots demuestra su convicción en que aquel género musical está más vivo que nunca. Este grupo viene directo desde Puebla, México, para apropiarse de un espacio dentro de la escena del punk y derivados nacionales, que en los últimos años se ha alimentado de actos como De Nalgas, Chingadazo de Kung Fu, entre otros. Bible For Robots dará un giro a este sonido con sus letras paródicas y auto reflexivas.

Pano Contreras (batería y voz), Miky Valentino (guitarra y voz) y Uriel García (voz y guitarra) comenzaron Bible For Robots en 2013, año en que estrenaron su primer maqueta titulada Poseur, la cual recupera toda la estética DIY del underground, aunado a un sonido crudo y veloz con letras anglosajonas.

Fue en 2015 cuando el grupo decidió abrazar el idioma español mexicano para su álbum Diego. A través de una influencia más notoria de bandas nacionales como Finde, Allison o hasta los primeros Panda, Bible For Robots utiliza este material para despotricar contra la religión, el trabajo precarizado, el amor fallido y demás temas habituales en el punk, con el inconfundible toque de humor que comienza a ser característico de la agrupación.

Seis años después, Bible For Robots se alista para lanzar su álbum más maduro y trabajado hasta la fecha, titulado MEXTINCIÓN, el cual se compondrá de 14 cortes y fue producido por Manuel Rubio Mendoza (Finde, Dolores de Huevos)

Como adelanto, Blible For Robots nos comparte “La Cena de las Hormigas”, una canción donde es notorio el crecimiento del grupo pero que no renuncia a la gracia de sus letras. El tema, que versa sobre la soltería y la soledad, cuenta con un video dirigido por Jesús “Xux” Tapia. Velo a continuación.

‘La cena de las hormigas’ habla acerca de la experiencia simultánea del sufrimiento y la celebración de la soledad. Al mismo tiempo, su video busca transmitir la desesperación, cansancio y claustrofobia que pueden invadirnos al llevar una vida solitaria”, comenta el grupo.

Ya falta menos para escuchar el nuevo álbum de Bible For Robots. Mientras tanto, conoce a la banda en su Facebook, Instagram y Spotify. ¡Que se abra el mosh!