Chips y la gran ciudad, folk chileno que te ayudará a sobrellevar el caos actual

Diego Márquez y sus amigos te invitan a ser parte del realismo mágico, las confesiones y el misterio de su primer EP.

Ese tránsito doloroso que resulta de llegar a la adultez. La sensación de desesperanza que produce el mundo caótico y contradictorio actual. El fascismo de nuestros gobernantes, el sexismo de nuestra sociedad y muchas otras razones para sentirse angustiado, son transformadas por Chips y la gran ciudad, en dulces melodías que nos ayudan a encontrar la confianza y el apoyo en un ambiente adverso.

Originarios de Santiago de Chile, Diego Márquez —o mejor conocido como "Chips"—, Laura Zavala y Blosqui, se decidieron a crear su propio proyecto el año pasado. El resultado fue un EP titulado Ensayo para la angustia, en el cual presentan cuatro canciones con tintes de folk, electro pop y math rock.

De acuerdo con la banda, Ensayo para la angustia fue pensado como una obra en sí misma en donde toma importancia "la mezcla de la sonoridad cotidiana con elementos fantásticos o épicos del relato y su construcción".

De esta forma, "A las nueve", el track que abre el EP, plantea reflexiones muy íntimas que se convierten en cuestiones políticas. Además, el videoclip que Constanza Lobos Arévalo realizó con material de su diario audiovisual —hecho durante la cuarentena— aporta esa esencia de cotidianidad que Chips y la gran ciudad propone.

¡Dale play, aquí!

En el caso de las dos siguientes pistas, “Para la Angustia” y “Ruda”, la sensación de tristeza y nostalgia continúa, sin embargo, dichas sensaciones no pueden durar para siempre, por lo que “Canciones al Revés” es el escaparate perfecto que funciona como catarsis para abrir paso a la pista de baile, pero sin desviarse del concepto inicial.

"Quien iba a pensar que iba a estar tan defraudada a tan corta edad. Tuve cien años con solo 22 y de verdad es difícil mirar y ver que las razones no están..."

Ahora bien, además de ser músico, Diego se dedica a escribir y dar clases de filosofía. Por su parte,  Laura formó parte de la banda Paracaidistas, mientras que Blosqui ha tocado con grupos como Parálisis del Sueño y Las Brumas.

Muy pronto, los tres músicos lanzarán su segundo EP y como adelanto nos comparten “Santiago Está Maldito”, a través de una sesión muy especial grabada desde el patio de su casa.

Se plantea [la sesión] como una instancia para presentarnos por primera vez en vivo, aunque sea en formato cuarentena, porque nunca habíamos tocado juntos, solamente en el estudio”, expresó la banda en un comunicado.

¡Disfrútala, a continuación!

 Chips y la gran ciudad forma parte de nueva onda alternativa chilena, así que te recomendamos escuchar todos sus estrenos en Spotify y YouTube.

¡No te olvides de seguir al proyecto en sus redes sociales!

Chips2021

*Fotos por Ignacia Muñoz y Tomás Marticorena.

Luz y Fuerza del Centro, una explosión de grunge en español

Conoce el proyecto del dúo mexicano que tiene como objetivo hacer música más sincera.

Luz y Fuerza del Centro es un dúo conformado por Pepe Luxbél, quien se encarga de la parte melódica en la guitarra y voz, y Tito TxMx es parte del ritmo en la batería. La agrupación se confirmó en 2019 en la Ciudad de México, sin embargo, se conocieron ambos integrantes en 2015 y fue cuando decidieron unir fuerzas para crear una propuesta de rock en español sincera. Esto se debió a que tenían grandes incomodidades con la proliferación de la música comercial fabricada en serie, por lo que decidieron actuar con nuevas sonoridades y una propuesta independiente.

Su primer sencillo que salió a la luz fue "Ritmo Fantasmal", en donde el dúo logró mostrar su fuerza sonora y sus influencias en el grunge, stoner rock y blues, además de ver como guías la música de Ghost, Monolord y Royal Blood. Por su parte, el video le dio vida al mostrar una combinación de animación y acción real, incitando a que todos nos pongamos a bailar. Chécalo a continuación:

Luz y Fuerza del Centro continuó con su producción musical, por lo que posteriormente en 2019 lanzó algunos sencillos como "El Fin del Poder", "Solo Esta Vez", "Queman", "Mírame", "Dame Luz", entre otros tracks. Estos temas dieron cuenta de la reinvención musical de la escena nacional, creando una propuesta que busca explorar los sentidos y canalizar emociones.

Para el 29 de noviembre del 2019 los músicos mexicanos lanzaron su primer LP homónimo, juntando algunos de los temas ya mostrados anteriormente y revelando otras nuevas producciones. Dale play aquí abajo:

 

Cabe mencionar que actualmente Pepe y Tito están promocionando su single "Mi Cicatriz", un tema producido por Memo Andrés y que habla sobre la aceptación, la confrontación de una ruptura, y del sentimiento de alegría de haber compartido parte de nuestras vida; donde las memorias y cicatrices quedarán para ayudarnos a crecer y a conocer diferentes facetas de nuestro carácter. Checa el video en el siguiente enlace:

¡No olvides seguir a Luz y Fuerza del Centro en todas sus redes sociales!

Karen O colabora con TRZTN en “Hieroglyphs”

¡Desvanécete como el polvo en el espacio!

El músico y productor Tristan Bechet, mejor conocido en la industria musical como TRZTN, se encuentra a vísperas del lanzamiento de Royal Dagger Ballet, su nuevo álbum de estudio que llegará este 22 de enero vía Octopus Hotdog. Para este material convocó a músicos como Paul Banks (Interpol) y Dani Miller (Surfbort), para que le aportaran un toque dramático a las pistas que lo componen. Karen O también colabora en esta producción en "Hieroglyphs", su último single.

Se genera una sensación de abismo, y posteriormente se presenta una programación en la que suceden muchas cosas. Como una pista de 360º descubres que los objetos pasan, caen y se mantienen flotando, algo que el mismo productor define como "un retrato sónico que se desvanece en el polvo del espacio". La voz de la cantante complementa con su magia este fugaz encuentro.

'Hieroglyphs' consolida el tema del álbum de los viajes transdimensionales y surrealistas. Un lugar a la vez hermoso y violento. Le envié a Karen un boceto que luego grabó. Sus lamentos de sirena y su caprichoso enfoque de cuento de hadas añadieron la dimensión emocional. Sin contenerme, me embarqué en una forma fantasmagórica de producción esculpiendo el sonido más que componiendo convencionalmente. Grabé clangs y ruido blanco digital. Le di nueva forma a su voz y deformé la estructura. La pista se desintegra y se vuelve unir al final. Se asemeja a un extraño y hermoso sueño Lynchiano", expresó TRZTN durante una entrevista para The Fader.

La canción fue lanzada junto a un video musical dirigido por Barnaby Roper quien muestra a la bailarina Victoria Dauberville en un estacionamiento. Al ser contagiada por la música, se desplaza por el lugar expresando todo lo que la pista le hace sentir, hasta que poco a poco evoluciona y se transforma en un personaje digital de color dorado. Da play ahora para disfrutar del trabajo 3D de Pandagunda:

Por su parte, Karen O se unió con Willie Nelson para lanzar una nueva versión de "Under Pressure". Si aún no la escuchas te invitamos a hacerlo.

Deap Vally anuncia 'Digital Dream', un EP colaborativo

En este nuevo EP, la banda nos envuelve en sonidos vintage.

Después de Sistrionix (2013), Femejism (2016) y Deap Lips (2020) —el disco en colaboración con The Flaming Lips—, Lindsey Troy y Julie Edwards de Deap Vally sintieron la necesidad de reinventar su proceso de producción y escritura. De esta manera fue como nació la idea de crear un EP colaborativo orgánico con la ayuda de Peaches, KT Tunstall, Jamie Hince de The Kills y Jenny Lee Lindberg, también conocida como jennylee.

El Digital Dream EP fue una oportunidad increíble para nosotros de eliminar todas las barreras de estilo de nuestra música y colaborar con algunas de nuestras personas y artistas favoritos”, comentó la banda en una entrevista para v2records.

Deap Vally experimentó con la autoproducción de la mano del ingeniero Josiah Mazzaschi, quién ha trabajado con bandas como The Jesus and Mary Chain e Idles. 

Digital Dream será lanzado el próximo 26 de febrero a través de Cooking Vinyl, mientras tanto ya puedes escuchar “Look Away” a continuación:

Te dejamos la portada y la lista de canciones:

deap vally digital dream

01 "Look Away" Ft. jennylee
02 "Digital Dream" Ft. Soko, Zach Dawes
03 "High Horse" Ft.  Katie Tunstall & Peaches

04 "Shock Easy" Ft. Jamie Hince Ft. The Kills

Entrevista con Mogwai

Cambiar sin perder la esencia. 

Antes de convertirse en una banda meramente instrumental, y quizá, una de las más conocidas en dicha etiqueta, subgénero o calificativo hasta la fecha, Mogwai experimentó con letras en sus canciones. “Nos dimos cuenta que no sonaba del todo bien y comenzamos a enfocarnos más en la música, no es que lo discutiéramos como banda, fue una progresión que se dio naturalmente”. 

Tal conexión creativa nos lleva a pensar en ellos como la banda insignia del post rock, y en voz de Barry Burns, la clave de portar esta corona radica en la constancia y el enfoque. “Nunca hemos perdido nuestra esencia, nunca tratamos de cambiar radicalmente lo que hacemos, David Bowie se reinventaba todo el tiempo pero nunca cambió su esencia, Teenage Fanclub cambió un poco pero siguieron siendo buenos, mucho depende de que la gente acepte o no tu evolución musical”.

As the Love Continues enmarca la necesidad creativa de Mogwai y romper el silencio en medio del aislamiento, obligándolos a cambiar por completo su dinámica de composición. “De cierta forma ha sido bueno porque tenemos mucho tiempo libre, compongo canciones en mi propio estudio, en teoría lanzaríamos este álbum hace meses, pero gracias a que pospusimos los planes tuvimos más tiempo de trabajarlo”.  Este nuevo álbum surge como una nueva estrella en el firmamento creativo de la banda que debe su principal fortaleza al lazo fraternal que existe entre cada una de sus partes. “Nos gusta lo que hacemos, siempre hemos sido buenos amigos, y hemos estado acostumbrados a mantenernos ocupados, a pesar de lo que ha pasado no hemos dejado de crear música, y es extraño estar detenidos en este momento”.

Porque a pesar de los evocadores paisajes instrumentales, la experimentación con nuevos ritmos, la melancolía interpretada en acordes y solos y los títulos de las canciones que se han convertido en una característica muy especial de Mogwai, no han perdido ese ímpetu de furia y el ruido que los ha llevado tan lejos. “No hemos perdido la fuerza, aunque es mejor experiencia escucharnos en vivo que en un disco”, cosa que me consta al recordar con Barry su primera visita a México en el Ex-Nafinsa. “Recuerdo que era un viejo banco”, cuya estructura de mármol generó tal estruendo que provocó que la gente tapara sus oídos o se saliera del inmueble. Su risa al recordar aquella experiencia también da sentido a su respuesta cuando pregunté qué canción de Mogwai le gustaría que fuera transmitida al espacio. “'My Father My King', aterraría a la gente...o a los aliens”, más risas ante una dinámica que por un momento se convirtió en una alegre charla informal vía Zoom. 

“No es lo ideal pero es lo que hay”, refirió el músico al respecto de los conciertos vía streaming. “Grabamos un show y fue muy extraño estar solo tocando para los camarógrafos y el staff. He visto algunos shows de esta forma y funciona si tienes unos buenos audífonos o un gran sistema de sonido, pero no es the real thing”. Al preguntar a Barry si tuviera la oportunidad de trabajar como productor de una artista pop cuál sería el resultado de esta colaboración, y después de mucho pensarlo, mencionó el nombre de Lady Gaga. “No sé si haríamos algo muy bombástico o algo lento que rompa con su ánimo alegre, la verdad es que nunca lo había pensado”. 

Musicalmente las influencias de una banda mucho tienen que ver con su propia cultura nativa, y en el caso de Mogwai siendo una de las bandas más conocidas en su natal Escocia, la influencia de los sonidos de su cultura se reflejan en su inventiva. “10 años después de comenzar nos dimos cuenta que nuestra música tiene mucho en común con las escalas pentatónicas que se escuchan en las gaitas tradicionales”. Este tipo de bagaje cultural, así como hurgar en los discos de sus padres, han alimentado a Barry musicalmente. “Escuchaba mucho Bob Dylan, cosa curiosa para alguien que hace música instrumental y no se enfoca en las letras, pero también gracias a mi mamá escuchaba a ABBA, que me dio una idea muy clara de lo que era la armonía. Ya después descubrí a Galaxy 5000, My Bloody Valentine y Dinosaur Jr. gracias a mis amigos, y comencé a tocar gracias a un sintetizador que me regalaron en navidad, siempre me ha gustado presionar botones y jugar con los sonidos”.

2020 será recordado como un año complicado en la que una simple palabra da a entender el sentimiento de Barry al respecto de esta nueva normalidad “Help”, es como nombraría el soundtrack del año que se fue. “Estarás de acuerdo con el título”, dice con una gran sonrisa antes de volver a reír impetuosamente, y como lo que nos tiene acostumbrados Mogwai, seguramente sería un gran álbum. Como última pregunta antes de despedirnos, y refiriendo que siempre hago la misma pregunta a todos los músicos que he tenido oportunidad de entrevistar, Barry ha sido el único que ha respondido con un dejo de alegre ironía al incluso predecir lo que iba a cuestionar. “i knew it”, mencionó después de preguntarle por una canción que le gustaría que sonara en su funeral. “'Dead' de Pixies”, dijo sin dudar, entre más risas que llevaron a una alegre despedida, buenos deseos, y la espera por escuchar 11 nuevos tracks que se sumarán a la incipiente, maravillosa y siempre alentadora obra musical de Mogwai

 

Foo Fighters estrena el video de “Waiting on a War”

La banda liderada por Dave Grohl ha liberado su tercer sencillo promocional de su décimo LP.

Foo Fighters le da seguimiento a la promoción de su próximo álbum Medicine At Midnight, por lo que ahora ha dado a conocer un extracto titulado "Waiting on a War". El material discográfico corresponde al décimo trabajo de estudio de la banda, el cual podremos escuchar en su totalidad el 5 de febrero.

Aunado a la noticia del lanzamiento de la canción, Dave Grohl publicó unas palabras que le dan mayor significado al track, a través de la cuenta de Twitter de la banda, en donde dijo lo siguiente:

Cuando era niño y crecía en los suburbios de Washington DC, siempre le tuve miedo a la guerra. Tuve pesadillas con misiles en el cielo y soldados en mi patio trasero, probablemente provocadas por la tensión política de principios de la década de 1980 y mi proximidad al Capitolio de la Nación. Pasé mi juventud bajo la oscura nube de un futuro sin esperanza."

Puedes leer el hilo completo en el enlace del tweet:

Por su parte, lo que podemos escuchar en esta nueva canción es un giro completo en la interpretación en comparación a los temas mostrados con anterioridad, ("Shame Shame" y "No Son Of Mine") pues se trata de un track acústico impregnado de melancolía. El tópico del single surgió a partir de que la hija de Dave, Harper, le preguntó si habría una guerra, por lo que el músico dijo:

Mi corazón se hundió en mi pecho mientras veía sus inocentes ojos, porque me di cuenta de que ahora ella vivía en la misma oscura nube de un futuro sin esperanzas que sentí yo hace 40 años. Esta canción la escribí para mi hija, Harper, quien merece un futuro, como cualquier otro niño."

El audiovisual que le da vida a la canción fue dirigido por Paola Kudacki y muestra a un conjunto de jóvenes con imágenes en retrospectiva de despreocupación, hasta que algún detonante cambia su vida. Después de ello se muestran imágenes de una ciudad destruida siendo amenazada por adultos que cubren sus cabezas con bolsas de papel.

Salvador y El Unicornio ofrecerá IG Live desde Indie Rocks!

Este martes 19 de enero, el cantante de Guadalajara estará platicando con sus fanáticos a través de Indie Rocks! No olvides conectarte en punto de las 18:00 H.

A finales de 2019 Salvador y El Unicornio presentó su tan esperado álbum debut Madre Mía, una producción que con la cualidad de su frescura, tuvo la facultad de transportar al escucha a un lugar paradisiaco en el que reinaban los tintes de la psicodelia. Desde entonces, Salvador Sahagún ha continuado trabajando en su proyecto esperando que para este 2021 pueda presentar su segunda larga duración.

Tras liberar "De la Mano" y "Kimono", el músico de Guadalajara, Jalisco está listo para iniciar el año con nuevos éxitos, anunciando que su próximo single "Abril" llegará a plataformas digitales este martes en punto de las 19:00 H. En compañía, el cantante liberará un emotivo y dramático videoclip musical.

Previo al estreno, Salvador y El Unicornio estará platicando con sus fanáticos a través de un IG Live que se transmitirá desde la cuenta de Indie Rocks! La charla estará moderada por María Letona quien tomará las preguntas y comentarios del público para compartírselas al cantante. Si estás interesado en participar en esta dinámica, lo único que tienes que hacer es sintonizar puntual el live este martes 19 de enero en punto de las 18:00 H ¡No te lo pierdas!

Samia — The Baby Reimagined

Reinventando el significado de vivir la juventud.

El año pasado en plena etapa de encierro por la pandemia, Samia llegaba al mundo de la música con un debut lleno de ironía, sarcasmo, fragilidad y temas que reflejaban a una adolescente a medio camino entre la ingenuidad y la madurez; The baby, fue un disco discreto en producción, pero ambicioso en letras y voz, dónde  se  hablaban de los problemas que implica el cambio y el constante paso del tiempo. En una época dónde muchos se ven obligados a “volverse” adultos a temprana edad, ella lo afronta sin temor, cantando acerca de dejar una etapa llena de dudas, algunas de estas sin resolver, pero con la vista puesta en el cambio.

Así que resulta interesante y de primera instancia curioso, que la cantante y compositora se adentre al mundo de los discos remix y reinterprete su trabajo. The Baby Reimagined es una cara traviesa de su debut; Dónde deja el protagonismo para los invitados estelares en cada uno de los tracks, algunos colocan su voz, otros arreglos musicales, pero todos le dan su propia personalidad a la visión de la joven de 24 años. Hayas escuchado o no la versión “oficial”, esta es una puerta que invita a prestar atención a la obra original.

El tracklist del disco aquí es invertido, abriendo con “Is there something in the movies?”, cantando un tono abajo y dándole una perspectiva más oscura a la melancolía esperanzadora de su debut. “Minnesota” que ya brillaba con sus guitarras californianas, aquí termina por ser el tema más accesible y up tempo del disco, con una ligera capa electrónica para la pista de baile y lo más cercano al concepto de remix. Así durante el álbum, se mantiene el aire indie rock del original, pero desde otra arista. Ejemplo de ello son las versiones soft rock en el trio conformado por “Winnebago”, “Waverly”, y “Does Not Heal” convirtiéndolas en temas oscuros y mucho más reflexivos; esto se vuelve en el arma de doble filo de esta producción, pues quien quede encantado con estos temas, podría no entender la ironía, disfrazada de ingenuidad, que su autora planteo en The baby.

Por suerte esto no sucede en todo el disco; Field Medic hace suya “Triptych”, respetando la identidad de la original, pero al mismo tiempo agregando su personalidad con unos discretos, pero efectivos arreglos vocales, que elevan la composición y le dan nueva vida. The Districts crean una armadura que se pega a la voz de su protagonista en la electrónica versión punzante de “Stellate”, que bien podría aparecer en los primeros trabajos de Grimes.

Si en la primera versión de “Big Wheel”, con una voz un tanto tímida trata de arreglar las relaciones de su pasado, en esta nueva versión a cargo de Palehound, se escucha dispuesta a encarar sin ningún temor aquellos con los que tuvo conflicto, como si al final del día no fuera la “bebe” que todos creen que es. La adolescencia es una etapa compleja que parece regresar de manera constante a lo largo de nuestras vidas, ya sea para reflexionar o para hacernos ver cualquier situación desde otra perspectiva. The Baby Reimagined  hace eso, una especie de reunión entre amigos: todos hablan del mismo tema, pero cada uno le da su visión, esperando que al final todos puedan aprender algo.

Andrew VanWyngarden (MGMT) estrena single como Gentle Dom

“I Miss Dancing In New York” llegó al mundo para ser bailado 24/7.

Andrew VanWyngarden quien es ½ de MGMT, está estrenando música bajo su alter ego, Gentle Dom. Recordemos que ha trabajado bajo este seudónimo desde hace cinco años y repentinamente lanza alguno que otro single en SoundCloud; el último que liberó fue hace tres meses y recientemente nos sorprendió con “I Miss Dancing In New York”.

Seis minutos con 30 segundos bastan para que este track de house up-tempo se apodere de tu cuerpo, mente y alma y, sin darte cuenta, te pongas a bailar en todos lados y a toda hora. Con una base de música electrónica europea, Gentle Dom se remonta varios años atrás para recordar lo que le hacía mover los pies en sus inicios y logra plasmarlo en el single.

“I Miss Dancing In New York” también se encarga de despejar la mente de VanWyngarden con temas que envuelven al mundo entero, como es el confinamiento a raíz de la crisis sanitaria que todos conocemos. Es por ello que este single se libera, ya que hace alusión al tema.

Gentle Dom lanzó el EP Fante Se el pasado mes de noviembre, en este podemos encontrar más de él con esta faceta un tanto distinta a lo que comúnmente nos muestra y si aún no lo has escuchado puedes hacerlo a continuación, solo debes dar play y disfrutar.

 

Weezer anuncia 'OK Human', su nuevo álbum

Este año la banda lanzará más de un álbum y OK Human es el primero de la lista.

Weezer decide iniciar la semana de la mejor forma posible y a través de redes sociales anuncia el lanzamiento de OK Human, álbum que se posiciona como el siguiente en la lista luego de Weezer (Black Album) (2019) y que está listo para ser liberado más rápido de lo que imaginas. 

"Durante el verano del año pasado tomamos nuestros cubrebocas, nos metimos en el estudio y empezamos a trabajar en lo que ahora se conoce como OK Human. Un álbum hecho por un puñado de seres humanos utilizando únicamente tecnologías analógicas (incluida una orquesta de 38 piezas) para que todos los seres humanos lo consuman", explicó la agrupación en un comunicado de prensa.

Recordemos que la banda ha postergado el estreno de su álbum tributo, Van Weezer y no será hasta el mes de mayo cuando este pueda ser disfrutado por los oyentes. Mientras eso pasa, este cuarteto de Los Ángeles nos sorprende con un regalo de 12 tracks que serán liberados a partir del próximo viernes 29 de enero a través de Crush Music.

"OK Human se hizo en una época en la que los humanos tocando instrumentos eran cosa del pasado. Todo lo que podíamos hacer era mirar atrás, a tiempos antiguos en los que los humanos realmente importaban y en los que la oscura fantasía de la tecnología no existía. Utilizábamos nuestros instrumentos para conectar con los años 60 y 70 y, con la orquesta, con los siglos XVIII y XIX. No teníamos ni loops ni sonidos de alta tecnología. Ni siquiera una guitarra eléctrica", agregó Weezer.

Uno de los temas incluidos en OK Human, es “All My Favorite Songs” una melodía suave que nos transporta a una época en la que consultábamos por primera vez internet y conocíamos a nuestros primeros amigos online. Mira a continuación el video que realizó Colin Read:

Weezer-album-2021

La estética visual que se maneja en este álbum está llena de detalles y colores cálidos que el artista Mattias Adolfsson se encargó de realizar.

Aquí el tracklist que dará vida a OK Human:

Weezer--album-2021