Escucha 'Multitud', el nuevo disco de Todo el Verano

El nuevo material de Todo el Verano invita a la reflexión de los tiempos modernos.

La banda argentina de los hermanos Ignacio, Tomás y Matías Lamastra, Todo el Verano, lanzó su segundo LP bajo el título de Multitud (Tropel Discos, 2021). Este álbum fue producido por ellos mismos, con la ayuda del por el músico y productor Tweety González, quien trabajó en algún momento con Soda Stereo, Superlitio y con Fito Páez, entre otros.

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El disco está compuesto por ocho tracks que van de lo melódico en la música, a lo reflexivo en las letras. Los sintetizadores y los efectos de las guitarras crean un loop en la canciones que envuelven al escucha y los convierte en potenciales éxitos del indie argentino en conjunto con las letras que hablan acerca del sentir de Todo el Verano con respecto a los tiempos modernos y su andar a través de la época de la pandemia que ha azotado al mundo desde diciembre del 2019.

Los dos sencillos que anticiparon la llegada de Multitud fueron "Humo" y "Tropical" que engloban muy bien el concepto musical y lírico del disco, además de que contaron con videos oficiales. Canción tras canción las situaciones, que muchas personas hemos atravesado a lo largo de esta crisis sanitaria, salen a flote. Los días que parecen todos iguales, la desesperación por no poder regresar a las actividades que anteriormente se podían realizar sin restricciones, las relaciones interpersonales.

Pero estás vivencias no están abordadas desde un punto de vista pesimista, al contrario, cada corte de Multitud busca dar a entender que siempre hay opciones y que cada ser humano puede tener un avatar diferente para afrontar de distintas maneras todas la situaciones a las que se enfrenta día con día. Incluso el disco parece estar estructurado para ser escuchado on repeat ya que la última canción, "Vamos", crea una elipsis entre la letra de esta y la de la primera del álbum, "Humo".

La banda ha pasado por constantes cambios en el sonido pero con el plus que significó tener a Tweety González coproduciendo el disco, se afianzó como una de las propuestas emergentes a seguir en los próximos años.

Dale play a continuación:

Escucha el remix de “Ganbare” de Lujo Asiático

Funkadelia electrónica a cargo de Martín Rucci y Santiago Martínez.

Tan sólo unos meses después del lanzamiento de su segundo álbum de estudio,"Ganbare", el trío argentino de electrónica 'tocada', Lujo Asiático, ha comenzado a presentar una serie de remixes, revisiones y reconstrucciones que varios productores del circuito de música electrónica han realizado de sus nuevas canciones.

Como primer adelanto de esta colección llega el remix de "Ganbare" realizado por el DJ y productor de Buenos Aires, Martín Rucci, en colaboración con el músico argentino Santiago Martínez, uno de los referentes de la hipnodelia global. El remix se mueve entre el territorio del acid house, el electro minimalista, la jazztrónica y el dance psicodélico.

Escucha el remix de "Ganbare" a cargo de Martín Rucci y Santiago Martínez a continuación.

Ganbare fue publicado el 17 de junio de el año en curso, bajo el sello discográfico Casa del Puente. Escúchalo en tu plataforma de streaming favorita.

 

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Te invitamos a seguir a Lujo Asiático, Martín Rucci y Santiago Martínez en sus redes sociales y escuchar su música en plataformas digitales.

No olvides estar atento a Indie Rocks! para más novedades sobre esta propuesta musical.

Molinette Cinema en el Foro Indie Rocks!

Candor y proyección energética.

La película que creaste en tu cabeza ya tiene banda sonora, y no nos referimos a cualquier playlist o lista de reproducción, sino a Molinette Cinema; El cuarteto que imprime melancolía y ganas de bailar sobre imágenes de ensueño. 

Entre decenas de asistentes y un inesperado sold out de última hora, la agrupación oriunda de la Ciudad de México acrecentó los ánimos a tan solo unos cuantos minutos de empezar uno de los shows "más especiales" que han tenido hasta la fecha.

Una larga fila a las afueras del foro auguraba el calor humano y el roce corporal generado por el movimiento; entre un tumulto de fans, playeras de la banda y un mar de cubrebocas, las luces se encendieron y el espectáculo comenzó. 

Con gritos y aclamaciones el concierto inició de la mano de Vera Pedro, quien se encargó de calentar los motores con su pop rock setentero de líricas sinceras, y una mezcla de vivacidad que hizo mover la cabeza de más de uno sin control alguno. En secuencia a sus guitarras apasionadas y temas para revivir sentimientos perdidos, el cantante llenó el espacio entre picos altos y bajos con el poderío de algunos de sus éxitos, tales como “Cliché”, “Háblame de Tí” y “Siento”, además de acaudalados solos de teclado y acompañamientos de guitarra y voz para tambalearse de un lado al otro.  Es así como el cantautor presentó su primer concierto full band en el escenario del Foro Indie Rocks!

“Si no gritan no salen”, fueron las palabras de Pedro quién se despidió después de enardecer las ansias del público. Ya con un ambiente más acrecentado, el turno del cuarteto protagonista llegó y la velada inició a tope con un clamor desbordante. Las ganas de cantar de un recinto abarrotado explotaron con el tema de apertura “Cuando Regreses a Mí”, y apenas pasados unos cuantos segundos e iniciada la letra, un himno caótico hizo retozar con fervor a los asistentes. El pasaje discográfico comenzó. 

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Aparte de musicalizar la vibra impuesta por aquellos fans de hueso colorado, Molinette adornó la escena completa con una serie de visuales que aluden a su esencia cinematográfica; Animaciones y extractos de cintas asiáticas como El Viaje de Chihiro o El increíble castillo vagabundo, para acompañar cada track junto a un mar de colores y dimensiones casi sinestésicas.    

Las mezcla del dance, el synth pop, y alguna que otra rapsodia, se enaltecieron por los power riffs de Rodro Díaz, las secuencias y baterías de Luis Alex Aguirre y el estruendoso bajo de Xavier Canno, los cuales escoltaron la poderosa voz de Raul Torres, quien con cierta enjundia inundó la estancia de lágrimas con “Me Fuí”, “Fantasma” y otros temas estrella como "Tiempo", "Mariana" y "Ansiedad"

A través de una extensa lista de dieciocho canciones que alcanzaron un pico psicodélico y onírico, la banda realizó un recorrido por gran parte de sus producciones discográficas, entre ellas La Era del Vacío, Papalote y El Futuro

Si bien los cubrebocas no inhibieron al público de cantar sus canciones favoritas, Molinette Cinema tampoco se limitó a entregar gran parte de su energía y llenar las expectativas de su audiencia. El conjunto demostró que, aún con siete años de trayectoria, siguen destilando espíritu y formando parte del soundtrack de vida de sus escuchas como desde un inicio.  El concierto culminó con sentimiento de satisfacción y la sensación de una primera vez. 

No te pierdas el IG Live de Cancamusa en Indie Rocks!

La cantautora chilena compartirá sus impresiones sobre su nueva música y su gira por México.

El nombre de Cancamusa es uno de los más sonados en la escena indie latinoamericana de hoy, debido a su trabajo solista y a sus colaboraciones con Lanza Internacional, Paz Court y más. Por ello, la cantautora chilena radicada en México complacerá a sus fans con una charla a través de IG Live donde nos compartirá más sobre su nueva música y su camino artístico.

Si el año pasado también te enamoraste de Cisne: Lado Negro (2020), álbum debut de Cancamusa, entonces prepárate para conocer más de las ideas detrás de canciones como “Huracán de Fuego”, “Venus” y “Cisne”, así como de los más recientes sencillos “Sin Condiciones” y “Sin Miedo a la Profundidad”.

 

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Además, los seguidores de la cantautora también conocerán más detalles de lo que sucedió en la mini-gira que realizó por México, la cual comenzó el 20 de agosto en Puebla, continuó el 28 de agosto en Guadalajara y aterrizó el 3 de septiembre en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México.

Conéctate a la cuenta en Instagram de Indie Rocks! este 8 de septiembre a las 13:00 H para el IG Live con Cancamusa. ¡No te lo pierdas!

Hannah Georgas anuncia EP 'All That Emotion (Acoustic)'

Escucha la versión acústica de "Change".

Hace un año Hannah Georgas lanzó su LP All That Emotion, producido por Aaron Dessner (The National, Big Red Machine), bajo el sello Brassland del músico y el incondicional Arts & Crafts de Toronto, convirtiéndose en el álbum más aclamado de la carrera de Georgas. Tras este lanzamiento, la cantautora canadiense publicó un un EP con versiones alternativas de las canciones del álbum, con contribuciones de amigos y colaboradores como Bartees Strange, Owen Pallett, Matt Berninger de The National y Kate Stables (líder del aclamado grupo británico This Is The Kit), pero hoy Georgas regresa con una mini versión acústica de su LP, titulada All That Emotion (Acoustic).

El anuncio del nuevo EP llega acompañado por una versión acústica de su tema "Change". Escúchala a continuación.

El piano y la voz de Georgas se grabaron con Graham Walsh en Palace Sound en Toronto, pero estas nuevas iteraciones no son actuaciones en solitario, ya que Georgas está acompañado de forma remota por la guitarrista Christine Bougie y el violonchelista Ben Whiteley, quienes tocaron en el reciente LP de Georgas. Sobre este nuevo proyecto, Georgas comentó:

Desde que lancé All That Emotion el año pasado, he trabajado en música con amigos de formas que nunca esperé. Las restricciones locales me empujaron a acercarme a mis compañeros y colaborar desde la comodidad de mi estudio en casa, una experiencia que encontré sorprendentemente agradable. Esa distancia y aislamiento me inspiraron a trabajar en estas grabaciones. Es agradable capturar cómo he sido interpretando las canciones durante el año pasado cuando no pude reunirme con mi banda. Estas versiones documentan un sentimiento y un momento muy específicos, y es especial poder compartirlos ".

Hannah Georgas_2021

All That Emotion (Acoustic) Tracklist:

  1. "Change"
    2. "Someone I Don't Know"
    3. "Punching Bag"
    4. "Habits"
    5. "Easy"
    6. "That Emotion"

All That Emotion (Acoustic) saldrá el 17 de septiembre a través de Arts & Crafts/Brassland. Está disponible para pre ordenar aquí.

Massive Attack publica investigación sobre el cambio climático

El informe busca ayudar a crear una industria de la música más amigable con el medio ambiente.

El colectivo de Bristol, Massive Attack, encargó un informe al gobierno sobre las emisiones de carbono en el negocio de la música y criticó a los ministros por no hacer lo suficiente. El fundador de la banda, Robert Del Naja, también conocido como 3D, dijo:

La industria de la música en vivo, especialmente después del Brexit, es muy importante para la identidad nacional y la autoestima. Es una de las pocas áreas que podría describir como genuinamente de clase mundial y tiene un gran valor social y económico, como bien se informa, genera más de £ 4.6 mil millones para la economía cada año y emplea a miles de personas dedicadas. Pero, ¿Dónde planea el gobierno apoyar la tasa de adaptación que vamos a necesitar para lograr la compatibilidad con [el acuerdo de París]? No parece existir. Los datos [del informe] no son sorprendentes, es la estrategia la que falta aquí ".

Si bien el informe de la Universidad de Manchester recomienda que los músicos deben asumir cierta responsabilidad, como deshacerse de los aviones privados y reducir la cantidad de equipo que traen de gira, Massive Attack ha ido más lejos, uniendo fuerzas con Tyndall Center. for Climate Change Research para publicar Super-Low Carbon Live Music:a roadmap for the UK live music sector to play, un reporte de las medidas que la banda adoptó durante sus giras desde 2019 para reducir el impacto ecológico que estas podrían producir. El informe incluye algunas recomendaciones como viajar en tren siempre que sea posible, construir conjuntos más fácilmente transportables, utilizar proveedores locales, fomentar el uso de energía verde, entre otras.

La profesora Carly McLachlan, quien dirigió la investigación y modeló las formas en que la industria podría trabajar para alcanzar los objetivos de carbono, dijo que el informe trataba de "reunir un sentido de la escala y la urgencia" del trabajo que se necesitaba hacer y tratar de establecer una nueva industria de la música.

Nos han recibido con mucho entusiasmo en el sector y muchos [artistas] ya lo están haciendo. Cuando la gente hace muchas de esas adaptaciones, comienza a convertirse en una práctica normal, por ejemplo, pensar en enrutar un recorrido desde el punto de vista del carbono ".

Conoce más detalles sobre esta iniciativa en la página web oficial de Massive Attack.

Luz y Fuerza del Centro está de estreno con “Sigue al Humo”

Y tú sabes ¿qué hay al final de tanto humo?

Tras la publicación de su álbum debut homónimo en 2019, Tito Txmx y Pepe Luxbel han continuado escribiendo nuevas rolas que pronto podrás escuchar en Grimorio Negro, su nuevo álbum que prevé llegar a finales de este 2021. Mientras eso sucede Luz y Fuerza del Centro comparte un desgarrador track que te va a erizar la piel en el primer segundo en el que lo escuches.

Se trata de “Sigue al Humo”, una rola casi instrumental de más de cuatro minutos que se caracteriza por un sonido estridente y unos riffs potentes que se complementan con esta caótica y reflexiva lírica que se centra en el cuestionamiento de ese humo que habita en nuestra cabeza. A veces es difícil lograr que se dispersen tantas cuestiones, toma su tiempo, pero todo es posible. Es momento de que pases a disfrutar el video dirigido, producido, animado y editado por Pepe Luxbél / El Frilancer:

"Sigue Al Humo" continúa a la publicación de “Quiero Morir”, “La Bestia” y "Mi Cicatriz", temas que también formarán parte de esta nueva larga duración que promete mantener esta simbología cósmica que tanto define a la banda con sus particulares vivencias y desdichas que simpatizan con su público escucha.

No olvides estar al pendiente de los detalles referentes a lo más nuevo de Luz y Fuerza del Centro a través de Indie Rocks!

Kanye West — Donda

Kanye West y la última batalla por el culto a la personalidad.

A principios de 2021 y bajo la coyuntura del espectáculo de medio tiempo del Super Bowl a cargo de The Weeknd, la organización de medios de comunicación NPR MUSIC coordinó un estudio que pretendía analizar hábitos de consumo de adolescentes y jóvenes entre los 12 y los 20 años. El diseño del experimento fue el siguiente: tomar el número de reproducciones generadas por la audiencia casual (o sea, personas que no pertenecen a la industria musical ni a algún fandom en particular) y contrastarlas con sus búsquedas en Internet relacionadas con la música; el resultado fue, en palabras de Bob Boilen –titular del espacio All Songs Considered en NPR- sorprendente: el grupo seleccionado mostró poco interés por conocer datos sobre la identidad y la vida personal de los artistas que interpretan sus canciones favoritas; por lo que concentran su atención en la experiencia despersonalizada de la escucha; es decir: no importa quién la canta o cuál es la historia detrás de ella, solo importa que la puedan escuchar con sus amigos. 

Por otro lado, en 2020, el proyecto Hip Hop By The Numbers, especializado en el análisis estadístico de todo lo que tenga relación con dicho género, lanzó una encuesta para preguntar a sus seguidores por el número de veces que habían escuchado de principio a fin el álbum My Beautiful Twisted Dark Fantasy. El resultado de este ejercicio también fue sorprendente: un 42% de su audiencia entre los 15 y los 25 años aceptó jamás haber escuchado el disco en su orden canónico. La elección no fue aleatoria: además de ser una de las producciones que recibió mayor reconocimiento por la prensa especializada durante la última década, también es el tema que más interacciones les genera en sus redes sociales. 

¿Cuál es el vínculo entre esos dos experimentos aparentemente aislados?

Kanye West. Y no sólo por la manera en que su ente mediático contradice una tendencia de consumo, sino también por lo que representa esa ruptura para la opinión pública: tratándose de Ye, su figura como artista, diseñador o socialité está totalmente rebasada por la discusión que genera. Lo que digamos de su persona –sea bueno o malo- es más grande que él mismo. 

Al ser lecturas tan regionales y sesgadas, podemos intuir que ni NPR ni Hip Hop By The Numbers arrojaron verdades irrefutables; sin embargo, sí pueden darnos un panorama de lo que puede significar un nuevo disco de Kanye West en 2021: el último bastión masivo del culto a la personalidad. 

 Y así llegó DONDA, su décimo álbum de estudio: después de una campaña maratónica que incluyó listening parties multitudinarias en estadios Atlanta y Chicago, sus típicas promesas incumplidas, mercancía diseñada por el director creativo de Balenciaga, apariciones polémicas de personajes sumamente cuestionables y a él –literalmente- en llamas.

Heaven & Hell

DONDA encuentra a Kanye en un momento muy similar al que vivía cuando lanzó My Beautiful Twisted Dark Fantasy: en aquella época, cancelado por el acto de machismo que ejerció contra Taylor Swift en ese deplorable episodio de los VMA’s; ahora, cancelado por sus posturas ideológicas y políticas. En ese momento, devastado por la muerte de su madre; ahora, golpeado por la disolución de su matrimonio con Kim Kardashian. Bajo tal premisa, MBTDF y DONDA son paralelos en sus intenciones: ambos son esfuerzos de reivindicación… Proyectos donde el autor busca encontrarle razón de ser a una visión creativa tergiversada por su estilo de vida; la diferencia radica en que, diez años después, tiene hijos, su fortuna se quintuplicó, su salud mental está deteriorada, su círculo social es otro, halló nuevos intereses y por lo tanto, somos conscientes de los alcances que tiene. 

DONDA se construye a partir de cuatro líneas temáticas principales: la nostalgia que siente por su madre, su vínculo con Dios, el arrepentimiento por los errores que cometió dentro de su matrimonio y el hartazgo de su personaje farandulero.

Así como en su placa anterior, en este material recurre constantemente al pasaje bíblico en el que Jesucristo le dice a sus apóstoles que ‘’deben sufrir para poder purificarse’’ (1 Pedro 4:12-16). Y es en este contexto en el que se abre para sincerarse y clamar que necesita un nuevo comienzo. Ya lo de decía Kim en el capítulo número once de la última temporada de Keeping Up With The Kardashians:’Una de sus motivos para querer el divorcio es porque dice que se dio cuenta que tiene todo, excepto una vida normal… Y una vida normal es lo que más desea en este momento’’. 

Entre su egomanía y la necesidad de desprenderse del título de rey del jetset, la participación de DaBaby, Marilyn Manson y Chris Brown en DONDA cobran sentido como una provocación: el llamado a que se le cancele definitivamente para acceder a una libertad que perdió hace mucho.

Keep My Spirit Alive

Por primera vez en la historia de su discografía, este material no se produjo desde ceros; de hecho podríamos definirlo como una especie de recopilación de ideas, maquetas y demos  extraídos de obras jamás publicadas (Yeezus 2 y Yandhi) y de otras en las que no superaron el corte final (The Life Of Pablo, Ye, Kids See Ghost y Jesus Is King). Es por eso que el extenuante tracklist de DONDA parece una revisión integral de la segunda etapa de su trayectoria, misma en la que se empecinó en desarrollar una identidad sonora minimalista, influenciada por arreglos industriales y armonías góspel. 

En cierta medida también trata de homologar Dark Fantasy en el modo de nutrir a DONDA de fuerza colectiva: cerca de 66 colaboradores entre productores, ingenieros de audio, asesores artísticos y sobre todo, muchos raperos de la nueva generación… Tantos que su participación se vuelve redundante con el paso de las canciones, lejos de los matices que podrían aportarle desde la trinchera del pop. 

Por encontrarle un referente contemporáneo con cual equipararlo, podríamos decir que es el untitled, unmastered de Ye.  Aquí es donde el número de canciones le juega en contra: dentro de la hora y cuarenta y ocho minutos que dura, la distancia entre sus highlights y el resto de tracks es abrumadora. La falta de cohesión es evidente y deja la sensación de que no existió rigor para pulir lo que pudo ser un buen disco de once canciones.

Tanto así que, "Believe What I Said’’ - la que probablemente es la mejor canción del disco- se siente fuera de lugar ante el tono y la energía que dominan la placa, con todo y que su tópico encaja con el rompecabezas discursivo de DONDA.  Algo así como "Paranoid’’ en 808’s & Heartbreak.  Eso sí: a través de su sampleo a Lauryn Hill nos da pistas de lo que puede ser la  hipotética etapa post-religiosa de Kanye: la era afro-house que ha augurado desde Graduation.

Come To Life

Aunque su legado serán varias canciones memorables dentro de su repertorio ("Hurricane’’, "Jail’’, "Come To Life’’ y "Moon’’ -por ejemplo-), al final parece que DONDA funciona mejor como show, donde se robustece de los simbolismos que plantea Demna Gvasalia y donde Playboy Carti, Lil’ Yatchy, Travis Scott y Young Thug se ven dominantes; sin pasar por alto que, tras este proceso, es muy notorio que su postura mesiánica y el método de trabajo por el que ha apostado desde 2016 son insostenibles. 

De facto, nuestras expectativas han devorado por completo cualquier movimiento en el tablero que haga Kanye. No compite contra él mismo sino contra lo que nosotros queremos de él; y entonces  acepta una carrera que está condenado a perder porque, como dice Villoro sobre Maradona: "no puede vivir sin el ego que no lo deja vivir".

Más allá de los récords que acumuló en sus primeros días en plataformas digitales, el intercambio pasional que genera entre sus amantes y detractores ponen evidencia que todos los involucrados en la discusión necesitan de Kanye: unos para validar un gusto que constantemente busca codearse con eso que llaman alta cultura; otros para expiar sus culpas a través de los pecados que él comete; y los medios para conseguir vistas, incluso si nuestros titulares van sobrados de razones para borrarlo del mapa definitivamente. 

Podemos concluir que Kanye tenía razón cuando hace once años dijo que ningún hombre debería tener tanto poder; y ahora le hemos concedido uno que ya ni siquiera él es capaz de controlar. 

Chvrches — Screen Violence

Una noche de horror, sangre y gritos con Chvrches.

Para su cuarto álbum de estudio, el trío escocés de synth pop Chvrches se inspiró en los sanguinarios y oscuros largometrajes de pasado y presente para entregarnos su trabajo temática y sónicamente más oscuro y consistente a la fecha. Screen Violence es una oda al terror a la vez que se mantiene fiel a los sintetizadores brillantes y ritmos bombásticos que dieron un nuevo aire al synth pop en 2013 con su álbum debut, el cual les ganó un amplio número de seguidores -los cuales continúan aumentando a pesar de la confusa pronunciación de su nombre-.

El disco anterior del grupo recibió críticas mixtas, sobre todo por la ruta más mainstream tomada por la banda. La mano del productor Greg Kurstin fue más que notable y, a pesar de que esto no descarriló a Chvrches, -incluso compusieron el tema “Death Stranding” para el videojuego del mismo nombre y tuvieron varios hits y colaboraciones significativas en ese lapso- sí puso en duda la futura dirección del grupo. 

En esta ocasión, como su vocalista Lauren Mayberry nos contó el año pasado en medio de la pandemia, sus integrantes se encargaron de producir y escribir las canciones de este nuevo disco por ellos mismos y sin intervención de productores de renombre que puedan potencialmente inflar su reputación dentro del mundo del pop. El resultado es lo más reminiscente a su sonido original en mucho tiempo y, a la vez, algo completamente nuevo para la banda.

CHVRCHES - screen violence

Inspiración en la fría distancia

Las restricciones derivadas de la pandemia causaron que Lauren y sus compañeros de banda, Iain Cook y Martin Doherty tuvieran que trabajar en su siguiente disco a la distancia y comunicándose a través del internet para compartir ideas. El aislamiento generó las condiciones propicias para un álbum más “casero” como su debut, la destreza y experiencia en producción de Cook y Doherty ayudaron a crear una colección de canciones que se sienten masivas e impecables a pesar de haber prescindido de Kurstin o de algún otro creador de hits.

Más que nunca antes, Chvrches nos entregó un álbum que se siente más conceptual y con un hilo conductor. Las letras personales sobre relaciones y corazones rotos que han caracterizado muchas de sus canciones siguen ahí, solo hay que escuchar “He Said She Said”, el primer sencillo del álbum, para encontrar letras sobre desamor, angustia, relaciones turbulentas y varios hábitos musicales de la agrupación escocesa. 

La diferencia radica en las metáforas e imágenes sobre horror y brutalidad que ilustran los sentimientos de ira, miedo y vulnerabilidad plasmados en las letras, además de una que otra referencia fílmica entre canciones, por ejemplo, Poltergeist en “California”. Aquella pantalla a la que hace alusión el título del disco representa la inspiración macabra de las canciones, pero también se siente apropiada dada la interacción que tuvieron Lauren, Iain y Martin para su concepción a través de plataformas como Zoom.

Cuando escuchamos los pasajes sonoros de temas como “Nightmares” o “Final Girl” vienen a la mente las bandas sonoras de John Carpenter para películas sobre asesinos seriales. Por si la portada del disco y la promoción que lo rodeó no hicieron evidente esta influencia, el mismo Carpenter realizó un remix del tema “Good Girls”, el cual es incluso superior a la versión del sencillo.

Un camino ascendente de sorpresa y tormento

“Asking For a Friend” arranca a manera de pendiente de una montaña rusa que vislumbra un explosivo clímax que, efectivamente, llega para hacer brincar a las masas en concierto. Así como “Clearest Blue” de su segundo disco es esa canción de Chvrches del gran crescendo, esta emotiva canción es digna rival y una impactante introducción que deja al escucha esperando algo enorme desde el inicio.

Las guitarras que se ausentaron en su álbum anterior, Love Is Dead, tienen un regreso y participación prominente en Screen Violence. “California” nos recuerda los momentos triunfales de su debut con toques shoegaze, “How Not To Drown” y “Final Girl” tienen esa tan identificable guitarra ahogada en reverberación y efecto chorus de The Cure y en “Good Girls” encontramos la rara instancia de un solo de guitarra en una canción de Chvrches

“How Not To Drown” merece mención aparte, a pesar de que en el pasado los escoceses han hecho mancuerna con artistas como Hayley Williams, Matt Berninger y Marshmello, definitivamente su colaboración más grande y perfectamente ad hoc al concepto halloweenesco de Screen Violence llega con el legendario Robert Smith. Fuera de sentirse desperdiciado como en el último álbum de Gorillaz, aquí conforma la mezcla perfecta de ambos mundos, Chvrches en parte rinde tributo a The Cure y a la vez hace de Smith uno más del equipo. Con un experto en interpretaciones vocales desgarradoras, este tema sobre desear escapar de la fama y sentirse sofocado por la presión del mundo no podía ser otra cosa que una obra maestra en melancolía, de lejos su colaboración superior y quizás su mejor canción en general.

“How Not To Drown”  se encuentra apropiadamente emparedada en esta lista de canciones entre las tétricas “Violent Delights” y “Final Girl” para conformar la perfecta trilogía del terror de Chvrches. Ambas son nocturnas, con una carga de paranoia, desesperación y ansiedad. La primera es más industrial, donde Mayberry parece competir en intensidad contra una tempestad de sintetizadores, la segunda es más evocadora a Depeche Mode y su título es una clara alusión a un cliché del cine slasher.

El comentario social más profundo del álbum llega quizás con “Good Girls” que por la superficie parece ser una canción más de empoderamiento femenino, pero trae a la mesa cuestiones como la doble moral a la que están sujetas las celebridades del sexo femenino con respecto a sus contrapartes masculinas, lo que implica “matar a tus ídolos” -en palabras de la banda- cuando son malas personas y critica cuando sus seguidores escogen seguir consumiendo sus productos sin importar lo que hayan hecho.

Con dos tercios del álbum que no paran de sacudir al escucha, los últimos tres temas gradualmente lo llevan de vuelta a la calma. “Nightmares” destaca como la canción de ruptura y de superación en el disco y su mensaje la convierte en una digna secuela de “Leave a Trace” del Every Open Eye“Better If You Don’t” cierra con broche de oro entre arpegios calmos de guitarra, la voz de Mayberry se percibe más liviana, pero melancólica y nostálgica. En lugar de finalizar con un gran estruendo, optan por salir de la tormenta y recibir el nuevo día con una nota esperanzadora mientras se desvanece la instrumentación en el fondo y quedan solo las últimas notas de la delicada voz de Mayberry.

Definitivamente Screen Violence es testamento del potencial de permanencia de Chvrches y del synth pop en el panorama musical por mucho tiempo más. Es la culminación del talento en composición y ejecución musical del trío escocés a casi una década de su formación. Es un tributo a sus héroes e inspiraciones -con uno de ellos incluido en la lista de canciones-, una postal de las emociones humanas más intensas y oscuras, así como su material más emocionante a la fecha.

Entrevista con Camila Moreno

Un viaje sonoro de expresión.

Con el lanzamiento de su cuarto material de larga duración, Camila Moreno ha encontrado un sinfín de nuevas experiencias que han aportado en su trayectoria musical tras 12 años de carrera. Así como vastas variables rítmicas y líricas, por supuesto, sin olvidar su esencia misma a través de su música. La cantautora chilena compartió en entrevista a Indie Rocks! mucho de lo que ha aprendido durante este tiempo y como su música ha desarrollado fuertes lazos consigo misma y en sus relaciones interpersonales, así como sus futuros planes en el ámbito musical y su nuevo álbum titulado Rey.

A lo largo del álbum, Camila presentará una serie de sonidos conceptuales que nos transportan de un lugar a otro. Es un álbum lleno de conceptos como el amor, desamor, la muerte e incluso la maternidad, la revolución y el manifiesto Cyborg. La compositora describe a Rey como un álbum electrónico e introspección a medida que este avanza. 

Es un disco que busca o que quiere mover los límites de lo posible, y en ese sentido busca mover los límites entre la ficción y la realidad."

Rey es un material bastante complejo, como lo expresó la cantautora, exploró más allá de un solo sentimiento e inquietud, plasmando en los 12 temas que conforman el LP.  Mientras que, su forma sonora contiene influencias  pop y electrónicos, con matices de folklore latino definiéndolo así, como un disco ecléctico. 

Cada disco que yo saco viene a romper la idea de lo que había hecho en el anterior, sin perder la identidad. Ya puedo mirar hacia atrás y ver un retrato conductor, porque soy yo." 

Para el single "Déjame", Camila trabajó con la cantautora nacional Ximena Sariñana y Lido Pimienta, con quiénes ha establecido una relación amistosa desde hace varios años, y para Camila son amistades especiales ya que para ella algo más que la música las une de forma íntima: la maternidad. 

Les pedí a ellas que cantaran la canción entera y yo tenía una idea de cuál sería la parte de cada una, pero finalmente tenía que ver con cómo se podían apropiar ellas de cada uno de los momentos de la canción y cuales les eran más propios."

La intérprete hizo toda una exploración de sonidos y acompañamientos para el tema, llenándolo así, de colores y altas vibraciones rítmicas. 

Rey, la flor que nació previo a la tormenta.

El proceso de grabación de Rey inicia en el año 2019, Camila hizo de este álbum toda una experiencia maravillosa, ya que se grabó en diferentes etapas históricas, comenzando en un mundo pre pandemia, el estallido social chileno y buenas compañías en Estudios Triana.

"Es Real" fue el primer pétalo de la flor que eclosionó aquel día de 2019 en compañía de su mano derecha y guitarrista Iván González y el productor ejecutivo del álbum Cristian Heineken.

La primera etapa del disco fue muy colectiva, después vino el estallido social, después fue mucho más político ese encuentro en el estudio. Nos juntábamos a reflexionar y a organizar cosas; cuándo comenzó la pandemia fue un tiempo de pausa, donde teníamos el disco a la mitad y comenzamos a trabajar remoto con otros productores."

Ha sido un álbum bastante familiar y muy lindo de hacer, define Camila, en dónde buscó que fuera lo más perfecto posible.

Cambiando con el viento...

12 años de trayectoria no son fáciles, un sinfín de aprendizajes y experiencias que quedan en el baúl de los recuerdos y momentos que nos hace apreciar lo bello de la vida. Camila Moreno se siente orgullosa e infinitamente agradecida con las personas que la han apoyado a lo largo de los años.

Justo en este álbum he podido mirar atrás y jugar con lo imaginario que hay dando vueltas, lo que he hecho. Hay un juego de comunicación con ese pasado que quizás no está tan en el pasado, también hay un rollo donde juego con los tiempos, donde el tiempo no es lineal y donde juego con los cruces dimensionales que hay con los otros discos, a nivel estético y también letra."

Ha sido un largo camino a través de la música, más no el final de la trayectoria, pues la cantautora chilena asegura que aún siente que le queda un gran camino por recorrer, sino, sería muy aburrido, mencionó.

Poco antes de finalizar, Camila Moreno agregó que tiene bastantes sorpresas preparadas, para compartir en vivo este nuevo material, en Chile y en México, ya que aseguró que es como su segundo hogar, además de que ha recibido un inmenso apoyo del público mexicano. Más allá de una entrevista, Camila fue un libro abierto con nosotros, creando una plática amena, llena de anécdotas personales que dan inspiración a la música que ha creado desde sus inicios hasta el día de hoy.