La Era de Gomes estrena “Taba” ft. Pilar Pascual

Gonzalo Gomes se une a su hermana Pilar Pascual para su más reciente video.

Hace un par de meses, La Era de Gomes abrió una nueva faceta en su carrera con el estreno del sencillo “No te paro de pensar” y, la verdad, es que nos dejó con ganas de más. Por ello, el cantautor argentino-mexicano nos presenta la segunda parte de esta canción: se trata de “Taba”, acompañado nada más y nada menos que de su hermana Pilar Pascual.

“Taba” es una canción que seguro te levantará el ánimo con su estilo RnB y sus bajeos muy funky al estilo de Thundercat. Pilar Pascual aporta a la vibra enérgica de este tema con su voz, que presume de un expertise tomado de su propia carrera como cantante de balada pop. “Fue increíble poder trabajar con mi hermana y prepararles un temón”, comenta Gonzalo Gomes en redes sociales. Dale play al video a continuación.

Por si no fue suficiente de La Era de Gomes, recuerda que tienes una cita con él en el Teatro Lúcido de la Ciudad de México el próximo 25 de septiembre a las 20:00 H. Pero no llegara solo, sino que lo acompañarán Build A Vista, Haus y el DJ set de Hell Hound. El acceso será limitado, así que no lo pienses más y adquiere tus entradas en Boletia.

 

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A 30 años del 'Pretty On The Inside' de Hole

La relevancia de Courtney Love se sostiene hoy.

Quiero hablar del disco debut de Hole sin obviar lo que significa para los fans de Nirvana cualquier atisbo de algo valioso que venga de Courtney Love. Nos encanta asumir que sabemos qué pasó con Kurt, y al mundo le queda perfecto que todo sea siempre culpa de la mujer que él amó y porque precisamente no cumple con el rol que una mujer supuestamente debe cumplir. Ella ya había demostrado su fuerza como compositora mucho antes de estar con él, y eso así nomás no se le reconoce.

Cuando Pretty On The Inside (Caroline Records,1991) se publicó, vendió más copias que los primeros discos de Nirvana hasta que salió Nevermind (DGC Records, 1991). Es un disco que nace del desgarro y de la rabia, cuya naturaleza encuentra hogar en el noise y el punk escupiendo letras sobre sexismo, drogas y violencia. Todo esto producto de la misma rabia de Courtney, pero consolidada por la que aporta Kim Gordon de Sonic Youth, como coproductora.

Hole se formó en 1989 dentro de la escena del grunge, con fuertes influencias del punk y el ruido de la época. Un ejercicio muy interesante para conocer cómo era esa escena es leerse los textos extensivos de Love contando anécdotas de cómo escribía canciones en los baños de sus shows. Desde el inicio, Hole no se mostraba como el tipo de banda atractiva con una mujer cantando, sino que llamó la atención por lo chocante que era verla decir esas letras.

En su momento, Pretty On the Inside fue muy bien calificado por su crudeza, pero hoy para Courtney el disco es ‘inaudible’. Musicalmente, el disco es interesante en sí mismo, claramente, pero lo que termina de volverlo un disco de cabecera son sus letras que revelan la profunda oscuridad de lo que una mujer siente. O al menos eso fue lo que me atrajo a mí, verme reflejada en un disco que me daba poder a la vez de mostrarme la peor decadencia.

“Teenage Whore” es una favorita del disco, por supuesto, pero también lo es la que la sigue en orden, “Babydoll”. Un disco que peca muy poco de momentos repetitivos, pero que compensa con una rendición noise de Clouds de Joni Mitchell.

Te puede caer mal porque crees que debió salvar a Kurt (¿?), porque dice alguna que otra estupidez (unas más preocupantes que otras) o porque acusó de plagio a tu artista favorita. Pero independientemente a las diferencias que existan con respecto a si es agradable o no (por lo general no lo es), este álbum se consagró como la primera evidencia de su capacidad artística, de su alma llena de poesía. Larga vida a Courtney Love.

Entrevista con Él Mató a un Policía Motorizado

El músico argentino deja huella en la pantalla chica.

Uno de los grandes sueños de cualquier músico (o al menos de la mayoría) es sonorizar una gran producción cinematográfica. La razón puede ser indistinta, pero permear en la vida de las personas y en todo aspecto relacionado a este tipo de manifestación artística, es un logro, o al menos para Santiago Motorizado así es. 

A sus 41 años, el ilustrador, diseñador, bajista y voz líder de Él Mató a un Policía Motorizado ha inundado con la espacialidad del rock alternativo a toda Latinoamérica. Con más de ocho producciones discográficas en conjunto, diversas colaboraciones y su actual trabajo en solitario, el oriundo de La Plata, Argentina, hoy es ese hombre de experiencia imprescindible que puede decir “...es un sueño cumplido”. 

Se encienden los motores 

Hace algunos meses Barrionuevo fue contactado por el cineasta Bruno Stagnaro, quien dirigió la famosa miniserie de televisión nacional, Okupas, a finales del siglo veinte; una historia de decadencia social ambientada durante la crisis económica argentina de los años noventa. Centrada en cuatro jóvenes rodeados de delincuencia, drogas e invadidos por un contexto lumpen, el filme desarrolla el profundo significado de la amistad y la lealtad. 

... yo soy muy fan de Okupas de cuando se estrenó en el año 2000. Incluso tuvo unas repeticiones en la televisión que aproveché para grabar en VHS, y eran tesoros preciados que los volvía a mirar y a mirar. Creo que la ví como treinta veces antes de que me convocaran a hacer esto”, compartió el músico con una sonrisa en el rostro. 

21 años más tarde, con un fanatismo desarrollado por la serie, una ambiciosa propuesta llegó a la puerta.

Debido a un tema de derechos de autor, Stagnaro fue forzado a reemplazar de entre el 25 al 30% del soundtrack original de la producción, y de esta manera llamó a la banda para poder realizar una selección de siete canciones extraídas de la extensa discografía de Él Mató e incluirlas en la serie debido a su próxima incursión a la plataforma Netflix; solo con una diferencia muy puntual:

“... Le hicimos la contra propuesta de regrabarlas y darles un segundo aire, respetando la estética original, que por algo Bruno las había elegido así, dándoles una profundidad sonora más acorde a estos tiempos de la banda”, apuntó Santiago

Así llega Unas Vacaciones Raras, este compilado que refresca lo mejor de su trayectoria como grupo y acompaña este trabajo filmográfico en su relanzamiento por el 20 aniversario. Y esto no lo fue todo, pues a parte de esta selección el quinteto optó por incluir un obra inédita que “no estaba en los planes reemplazar” por alguna otra, pero sin duda encajó a la perfección. 

Hacia otra ciudad 

“Después durante el proceso de composición surgió hacer ‘La Otra Ciudad’, que es completamente nueva y exclusivamente hecha para la serie. Yo le propuse (al director) que estaría bueno cerrar el capítulo 7 con esa canción. (...)” y así fue. Justo al borde de una decisión crucial y en la precisión de una encrucijada, Ricardo, el protagonista de la serie, da la pauta a esta melodía espacial y onírica en una posición de suspenso. Finalmente la escena corta y abre paso a los créditos del capítulo.

Este combo tema-escena no lo fue todo, pues con el anuncio de un nuevo álbum, el conjunto publicó un videoclip oficial para dicho acompañamiento. De la mano de su hermano Facundo Barrionuevo, ambos realizaron y dirigieron este visual, el cual contó con la participación especial de un personaje de la serie: 

La verdad es que la pasamos muy bien, nos entendemos muy bien, y desde chicos ya hacíamos cosas juntos (...) Estamos cumpliendo un sueño, se mezclan muchas cosas, entre derrepente estar dirigiendo a Dante Mastropierro, que es un actor tan icónico, protagonista de Okupas, filmar con un grupo técnico increíble que nos acompañó todo el rodaje, (...), trabajar juntos nos divierte y nos llevamos bien”. 

Más allá de la zona

La musicalización de estos episodios tuvo dos etapas: El trabajo en conjunto de EMPM y el trabajo en solitario de Santiago Motorizado. En esta última vertiente el artista se aventuró en un viaje creativo que cruza las barreras de los géneros musicales base, como parte de su trabajo compositivo habitual, y de su zona de confort.  “Voy a usar estas siete canciones de Él Mató, pero aparte tengo 40 canciones más que reemplazar, así que si se te ocurre algo…” asintió el director de la serie, en palabras de Barrionuevo

Así comenzó un trabajo muy extenso en el que se abordaron tracks de salsa, música electrónica, tango y otros cuantos géneros a los que no estaba acostumbrado a ahondar como compositor. Con músicos invitados y la producción, mezcla, y grabación a cargo de Felipe Quintas, se terminó un grupo de temas para sonorizar el momento ideal en cada parte faltante de la cinta. 

Con las dificultades de incursionar en tierras desconocidas, para el músico argentino fue un trabajo “divertido” y repleto “de aprendizaje”. Aunque existió una manera predeterminada y repleta de patrones de composición, el género de estas piezas se estudió y desarrolló de acuerdo a las necesidades de cada escena: 

...la marca de estilo de cada género tiene que desarrollarse y tiene que quedar bien claro, sobre todo porque la serie pedía eso”. 

“Con sus estilos, con sus formas y con sus matices”. “En un punto uno termina de confirmar que la música es toda una (...)”.

Por otra parte, existe una audiencia que si bien encuentra un diferencia sustancial para la interpretación de la serie (con esta nueva selección musical), otra podría dejar pasar un poco desapercibida el tumulto de cambios del relanzamiento. ¿Pero es este un problema? 

En palabras de Barrionuevo, no es así, pues comenta que se realizó una selección con “un cuidado muy especial” por parte del director, e inclusive con la añadidura de temas nuevos, canciones de Ratones Paranoicos, Viejas Locas, Los Minutos, Los Gatos, Lito Nebbia, entre muchos otros. 

“En total hubo cerca de 60-70 reemplazos y yo creo que la gente se dio cuenta que a penas hubo diez, porque los demás pasan muy desapercibidos en el buen sentido. O sea, acompañan también aquella música que reemplaza de aquellas escenas que logran su cometido, que era mantener la esencia intacta”. 

Cumbia y retas de fútbol

Arriesgarse viene con nuevas posibilidades y gracias a su labor en esta incursión de géneros diversos, el frontman realizó el tema “Tonto Corazón”, en compañía de Vicentico. Una cumbia que encajó a la perfección, tanto para la tesitura vocal de Santiago y para el líder de Los Fabulosos Cadillacs; extracto que surgió a raíz de una gran amistad y un encuentro incidental muy peculiar: 

“La verdad fue increíble, Los Fabulosos Cadillacs es una de mis bandas favoritas desde siempre. Sus primeros discos son de los 80’s cuando era mi infancia, y me acompañaron toda la vida. De repente estaba grabando con él en el estudio donde grabamos la banda sonora, y fue un momento mágico e inolvidable”, expresó Motorizado

Nos hicimos amigos durante la pandemia porque nos une la pasión por el fútbol. Nos juntamos a jugar al fútbol todas las semanas. Si, total. Cuando por protocolo se empezaban a abrir todas las actividades deportivas yo me empecé a subir unas stories en Instagram donde estaba volviendo a jugar, el me escribió y me dijo ‘che juntemos, yo también quiero’, salió la posibilidad, nos hicimos muy amigos y eso hizo que todo se hiciera más fluida la colaboración”. 

Nuevo disco 

El “sueño cumplido” rindió frutos y ahora se acompaña de un nuevo disco en solitario titulado Canciones sobre una casa, cuatro amigos y un perro, un álbum de 20 canciones seleccionadas del listado completo del tracklist compuesto por Santiago, mismas que serán presentadas en un concierto especial este 29 de octubre en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, Argentina; y para ello aún se esperan más sorpresas en adhesión a su primer adelanto con Vicentico

Ansioso primero de mostrarlo y de mostrar estas canciones, arranco con la de Vicentico pero después tengo otra más de la que quiero hacer un adelanto. Y para el álbum, la idea es presentarlo durante este mes, a principios del que viene y al final un tour". 

Mientras que para su banda, el cantante espera que los protocolos de sanidad les permitan presentarse “como se debe”: 

“...dentro del contexto de EMPM no está mal tocar en un teatro con butacas, distanciamiento y protocolos, pero para lo que es una celebración de Él Mató en vivo necesitamos que la gente se pueda abrazar”. Y así vivir una experiencia similar a lo que eran los temas festivos pre-pandémicos”, declaró Barrionuevo.

No olvides escuchar Unas Vacaciones Raras y el primer adelanto en solitario de Santiago Motorizado ft. Vicentico, "Tonto Corazón".

The Vaccines — Back In Love City

El choque entre dos mundos que crea el equilibrio perfecto; The Vaccines crea un mundo distópico y trasciende sus sonidos para presentarnos una nueva era.

¿Recuerdan cuando English Graffiti fue un paso arriesgado para una banda de indie/rock? The Vaccines buscaba explorar nuevas sonoridades, pero nadie lograba reconocer ese nuevo giro. La salida del baterista Pete Robertson y nuevos proyectos los regresaron a sus raíces logrando reconectar con su público y obtener la mirada de otros con Combat Sports. 

A una década de su álbum debut, The Vaccines presenta Back In Love City, un álbum que logra reunir los mejores sonidos y momentos de su carrera para dar un respiro a la banda y seguir trascendiendo en nuevos tiempos. Su especialidad continúa; plasmar una época, un espacio o, en este caso, un mundo distópico con tintes de spaghetti western; pero queda en nosotros de qué lado de la moneda queremos encontrarnos. 

Sin mirar atrás, llevando al límite el pop + rock y sobre explotando sus sonidos comienza “Back In Love City” entre luces neón, una voz retadora y los dedos frenéticos de Freddie Cowan en la guitarra; ¿estamos listos? “Alone Star” no baja el ritmo, sobresalen las trompetas que logran posicionarnos en medio de una divertida fiesta en el oeste. “Headphones Baby” es una oda al amor platónico, bailando en la discoteca en medio de una nebulosa. El fantasma de Frankie Avalon nos susurra al oído. 

“Wanderlust” y “Savage” son temas sobrios, que nos remontan al rock con cabello encerado y chamarras de cuero. Destacan las guitarras sucias en conjunto con una voz saturada que nos hace tomar el ritmo esparciendo glamour mientras caminamos por las calles chasqueando los dedos. “Paranormal Romance” llega con una descarga eléctrica y coros vencedores “I wanna feel like Hercules!” La melodía tranquila en “El Paso” nos ilumina con un suave rayo del sol, mientras hacemos un recuento de los últimos años de la vida; ¿estamos bien?

“Jump Of The Top” nos transporta a los inicios de la banda, esa energía sigue estando viva y será difícil olvidarla con un coro pegadizo entre juegos de palabras como la atracción entre dos enamorados. “XTC” tarda en tomar vuelo, pero siempre nos mantiene al ritmo de la guitarra esperando el momento de explotar contra los haters. En “Bandit” destacan sintetizadores y recursos electrónicos combinados con coros tranquilos. 

“People’s Republic of Desire” es un discurso acompañado de instrumentos discretos y poco a poco se convierte en himno con percusiones inesperadas. En “Heartland” nos preguntamos ¿es el lugar o la persona? Aunque The Vaccines dejan en claro su amor por el país norteamericano hacen un recuento de lo icónico entre épocas como las malteadas, papas fritas, figuras públicas y personajes ficticios. Finalmente “Pink Water Pistols” nos regresa a la realidad mientras realizamos una breve pero completa introspección a nuestro ser. Todo fue una simulación, no hay historias de amor; sin embargo, en el futuro, podremos regresar a este material para ver el mundo, ahora desde otra perspectiva.

El álbum más largo y completo de la banda. La alineación típica de 4 instrumentos logra crear una narrativa con más herramientas que nos transportan a un nuevo mundo; lo notamos en la portada. Aunque parece un camino caótico, logran poner en forma los sonidos y la lírica bien lograda de Justin Young. Estamos presenciando la nueva era The Vaccines conquistando viejos y nuevos corazones; a diferencia de sus contemporáneos que se quedaron en el camino. En esta nueva década, apenas es el comienzo. 

El momento de escucharlo es hoy, piérdete un rato y disfruta de Back In Love City

 

Escucha “Carretera Eterna”, sencillo debut de Plantamos

Alejandro Elizondo de Los Mundos junto a su esposa Bianca Villarreal estrenan una nueva faceta musical.

El músico regiomontano Alejandro Elizondo no solo se mantuvo ocupado en la cuarentena con La Fortaleza del Sonido (2021), más reciente álbum de Los Mundos. También, aprovechó para iniciar un nuevo proyecto musical de space folk al lado de su esposa Bianca Villarreal. Éste lleva el nombre de Plantamos y ya puedes escuchar “Carretera Eterna”, su primer estreno.

“Carretera Eterna” es una canción que recupera el sonido psicodélico y pesado de Los Mundos, pero con un toque especial otorgado por las vocales de Bianca. El dueto tomó inspiración de grupos como Beat Happening, The Brian Jonestown Massacre, Yo La Tengo, entre otros. ¿Quieres saber cómo suenan estas influencias a cargo de Plantamos? Entonces dale play al sencillo a continuación.

El estreno de “Carretera Eterna” es el primer adelanto de Razones para vivir, álbum debut de Plantamos que se estrenará pronto en plataformas digitales y vinil de 12 pulgadas vía Aurora Central Records. Este material se compondrá de diez temas y fue grabado y masterizado por el mismo Alejandro Elizondo en Las Dunas Studio de Monterrey, con el apoyo de Larry Crane en la mezcla.

Pronto habrá más información de Razones para vivir y más música de Plantamos. Mientras tanto, sigue al dueto en redes sociales y Bandcamp para que no te pierdas ningún adelanto.

 

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‘Canciones’, el nuevo álbum de Carlos Gasca

Aires de balada retro y el encontronazo del folk pop actual.

Siente el vendaval de sentimientos encontrados con Carlos Gasca y su nuevo álbum de larga duración, Canciones: un disco “contemplativo y personal” que “busca el preciosismo sin afectación”. 

El músico español publica su primer trabajo en ocho años con 10 canciones repletas de pop europeo, ritmos playeros, y elementos musicales como el trombón, sintetizadores, mandolinas, beat electrónicos y  líricas que expresan la perplejidad que sentimos “cuando no estamos del todo mal”. 

...un conjunto de temas contemplativos sin resultar hedonista, un disco sin artificios muy necesario en estos tiempos de prisas constantes'', describe el productor del disco, David Rodríguez

El compositor ahora busca incluir un aire folklórico y ritmos sustanciales del género popular con referencias a las corrientes musicales sesenteras (como el ye-yé), e influencias de bandas como el cuarteto británico, The Kinks

El álbum cuenta con la participación de Javier Carrasco (Betacam) y el antes mencionado D. Rodríguez como productores, además de la presencia de otros colaboradores como Pigmy, Joan Pamies, Francesc Puiggròs, Frank Gàlvez, Andrea Gasca y Guille Mostaza.

Escucha Canciones, el nuevo disco de Carlos Gasca a través de Indie Rocks! 

 

A 25 años del 'Ænima' de Tool

La mente del artista se preocupa más por el producto expresado que por los fondos recaudados.

¡El metal progresivo está de fiesta! Se celebran 25 años del segundo álbum de estudio de Tool. En 1996, aparecería un álbum titulado Ænima, que se volvería en un hito cultural dentro del metal progresivo. No solo por sus místicas y transcendentales melodías, si no también, por su increíble trabajo video gráfico que se lleva perfecto con el gran sonido producido por la banda.

Ænima, posiblemente no haya envejecido de manera justa, sin embargo, es un material que demuestra que las ambiciones de las personas pueden ir más allá de la fama y el dinero, poniendo por delante el arte y las ideas plasmadas. Esta gran producción demuestra un trabajo en equipo y una fusión de elementos en perfecta sincronía, dando como resultado un material que cambió la dirección que llevaba la música en los años 90, o que en realidad buscaba salir del encasillamiento que la industria da a los grupos musicales.

¿Cómo está conformado y cuál es esa fusión de elementos? 

Tool, musicalmente está conformado por el vocalista Maynard James Keenan, el baterista Danny Carey, el guitarrista Adam Jones y el bajista inglés Justin Chancellor. En este segundo material, desarrollaron capacidades aún mas experimentales que se convertirían en la línea de composición de la banda; comenzaron a alargar la duración de las piezas y a jugar más con elementos electrónicos que perpetuaran el misticismo y la espiritualidad, pero siempre manteniendo una dinámica de composición en donde cada eslabón es igual de importante, evitando cualquier tipo de protagonismo. Gracias a esto, Ænima logró alcanzar grandes composiciones, con extendidas partes instrumentales en temas como “Forty six & 2”, “Jimmy”, “Pushit”, o el mismo homónimo del disco.

Por otro lado, Ænima también logró su sonido gracias a las participaciones del productor, David Bottrill, quien trabajó con bandas como King Crimson, Peter Gabriel y David Sylvian. Logrando un sonido obscuro y enigmático. Y es este sonido el que, al ser combinado con la gran originalidad de los videos ideados por el mismo guitarrista de la banda, Adam Jones, haciéndose cargo del arte implementada en la videografía, con increíbles visuales, acompañan de manera perfecta a la música creada por esas cuatro mentes. Así, Tool logra con este disco, no solo ser una gran influencia en el terreno musical, sino también a la hora de generar todo un concepto que involucra arte visual y auditiva.

Los elementos de humor negro que forman el concepto de Ænima

Esta segunda producción de Tool, siendo un proyecto con grandes ambiciones musicales, también contiene elementos humorísticos dentro de la temática del álbum, que a veces se olvidan tras el enigma musical logrado. Ænima, sin embargo, es un tributo específicamente al comediante de stand up, Bill Hicks, con el que lograron una intima relación y un paralelismo de ideas que influenciaron el camino del disco. En el último track, “Third Eye” se samplearon fragmentos de algunos shows de Hicks.

También, el humor de Maynard se ve plasmado en un tema específico del álbum, en donde se escucha un grito alemán que parece ser un interludio nazi, cuando realmente es una receta de repostería, dejando claro el humor negro del vocalista, y el paralelismo con el concepto que desarrollaba Bill Hicks.

Éste como muchos otros, son los elementos que hacen interesantes el Ænima de Tool. Siendo posiblemente el material que los volvió una banda de culto dentro del metal progresivo, y que a pesar de eso lograron masificar su trabajo. Sin duda por las ambiciones musicales que se acompañan de una revolución visual, por la cual se les otorgó un Grammy por mejor corto de video musical.

A 30 años del 'Use Your Illusion' de Guns N' Roses

30 años de uno de los discos más vendidos en la historia del rock.

A principios de la década de los 90, Guns N' Roses habían alcanzado la cima tras solo tres años de su álbum debut. El grupo se había convertido en la imagen de toda la juventud y en el cliché de la vida del rock and roll. La controversia, el descontrol y la música agresiva eran lo que expresaban, llevando su imagen hasta lo más alto, junto a bandas como Metallica o Nirvana.

Su éxito llegó de la noche a la mañana con su Appetite for destruction, un disco que revivió la escena de Los Ángeles que parecía perdida. La clave de este éxito fue el descontrol y la naturalidad que proyectaban, aunado a una gran habilidad e intuición musical con la que lograron grandes composiciones. Guns N' Roses contaba con una de las mejores voces en la historia del rock, con uno de los mejores guitarristas, y con grandes mentes para componer temas que iban desde lo más pesado del rock, hasta las baladas más dulces que se han escuchado.

Así, tras una carrera corta y explosiva que sorprendió al mundo como lo hizo su sonido, en septiembre de 1991 aparecería una compilación extensa de dos discos que significaría, si no su obra maestra, la ambición musical de explorar los terrenos más pesados, oscuros y hasta románticos de la banda. Es bien sabido, que, para estos momentos, las drogas, el exceso y la fama estaban terminando con la era de Guns. Sin embargo, esto no significa más, que la química musical que lograban entre los integrantes, donde a pesar de los problemas y el distanciamiento lograban conectar artísticamente creando su último material en aquella época dorada.

Use your Illusion I y Use your Illusion II, está conformado por 30 temas, juntando aproximadamente dos horas y media de material. Las grabaciones comenzaron con la alineación original, permitiendo al baterista Steven Adler, colaborar en el tema “Civil War”, aunque su salida trajo para grabar el resto del disco, al baterista Matt Sorum, debido a la imposibilidad que Adler tenía para siquiera tocar su instrumento, consecuentes por el abuso y los excesos. Con un gran desorden al interior de la banda, pero con las capacidades musicales de cada uno, lograron compilar esta gran cantidad de temas, en donde parece que los estilos y las direcciones musicales van hacia muchos lados, y aún así logrando grandes éxitos que perdurarán en la historia del rock and roll.

Use your Illusion I

Esta primera parte se conforma de 16 temas, donde encontramos los estilos liricos y musicales que buscaba explorar el vocalista Axel Rose, en temas como: “Bad Obsession”, “Coma” y “Bad Apples”. 

Algo interesante de estos discos, son los covers interpretados por la banda, en el que muchos coinciden, Guns logró hacerlos más famosos incluso que sus artistas originales. En esta primera parte, se encuentra la versión de “Live and Let Die”, superando la original del mismo Paul McCartney.

También en cada uno de los discos, hay una pieza compuesta e interpretada por Izzy Stradlin, guitarrista rítmico de la banda; demostrando su capacidad creativa que después llevaría a sus álbumes como solista, tras finalizar su periodo en Guns.

En cuanto a esta parte I, encontramos grandes éxitos como: “Don't Cry” y “November Rain”, donde la primera sería compuesta por Axel Rose y el guitarrista Izzy, en sus tiempos de juventud en Los Ángeles; ambos temas siendo ahora himnos de la banda.

Use your Illusion II

En este álbum me parece que se concentran las canciones más agresivas del compilado, encontramos riffs y solos con mucha potencia como el caso de “Locomotive”, “Get in the Ring” o "You Could Be Mine”; aunque por otro lado se encuentran baladas tan melódicas como “So Fine”.

Use Your Illusion II, contiene el cover de la pieza de Bob Dylan, “Knocking on Heaven's Door”. La cual posiblemente sea más conocida en esta versión que en la del propio Dylan, ya que se ha vuelto un verdadero clásico de la banda, junto a temas como “Estrangedo “Civil War”.

En conclusión, parece innecesario recalcar la importancia y el ruido que hicieron los Guns N' Roses desde finales de la década de los 80; y ahora los volvemos a ver con giras mundiales, con energía y con las mismas ganas de llenar arenas completas para contagiar y hacer brincar a la fanaticada con sus grandes temas que jamás se irán de la historia de la música.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Ya llegó tu top favorito con las mejores canciones para escuchar hoy, mañana y siempre.

Como cada viernes, el equipo editorial de Indie Rocks! se puso las pilas y eligió los sonidos que mejor le van a caer a tus oídos. Cinco canciones que aparecieron a lo largo de la semana y que están dispuestas a convertirse en tus favoritas de todos los tiempos, están en este listado. ¿Estás listo? Sigue bajando.

Aquí vas a encontrar de todo; desde Películas Geniales colaborando con Lucía Tacchetti en una historia de un extraño amor, hasta Oneohtrix Point Never con su peculiar onda experimental. Recuerda que estos y más buenos estrenos puedes encontrarlos en nuestra playlist de Nuevos Tracks IR!, así que dale clic a este enlace y disfruta en aleatorio de la delicada selección que tenemos para ti.

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A 25 años del ‘Endtroducing.....’ de DJ Shadow

De pepenador musical a creador de sonidos propios.

¿Dentro de la música el sampleo es arte o robo? Se trata de una pregunta para la que no hay una respuesta porque depende de la perspectiva utilizada. Aunque cuando se escucha el trabajo de personas como DJ Shadow se podría elegir la primera opción. A través de los sonidos creados por otros logró concebir algo novedoso que se siente como propio. Y pensar que todo empezó con algo muy simple y añejo como el coleccionismo de vinilos.

Durante los ochenta el joven nacido con el nombre de Josh Davis vivió a plenitud en su natal California. A través de sus padres desarrolló el gusto por la compra de 7” y desde entonces jamás abandonó el hábito. De hecho, conforme pasó el tiempo lo perfeccionó y una de sus actividades predilectas durante la adolescencia fue visitar las tiendas de segunda mano y los flea markets (tianguis en su versión gringa) para comprar material a precios ridículamente baratos.

 

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La colección en aumento constante de un adicto a la música

Por lo anterior, no es de extrañar que muy pronto adquiriera una abundante colección que hace palidecer a cualquiera. En una de las escenas más memorables del documental Scratch (Doug Pray, 2001) aparece a cuadro junto a todos sus discos. Inclusive es necesario hacer un zoom out porque son tantos que no caben en la toma. Tan solo para el 2007 estimaba que tenía al menos 60 mil acetatos en su poder y requería una bodega adicional a su casa para su almacenamiento.

Ahora bien, aunque comprar y acumular LP’s y 7” tiene su chiste no todos pasan de la postura de fanático a crear música con ellos. Para él fue uno de los aprendizajes tomados de la cultura del hip hop y desde su etapa universitaria comenzó con los programas de radio y ser selector en fiestas. Primero por hobbie pero después lo convirtió en un trabajo profesional. La vida es un ciclo como las vueltas de un álbum en reproducción y en su caso se enfocó en replicar lo hecho antes por Afrika Bambaataa, DJ Kool Herc y Grandmaster Flash.

Su pasión por la música lo llevó a concebir su primer álbum ya con el mote de DJ Shadow. Nunca tuvo prisas porque al igual que un caldo el buen sazón toma su tiempo. En este caso la producción requirió un total de 24 meses hasta finalmente tener reunidas 13 piezas con un estilo nunca antes visto hasta ese momento.

Un pepenador musical que recolecta lo hecho por otros

Fue así que el 16 de septiembre de 1996 llegó a las tiendas Endtroducing… y aunque parezca exagerado la música no volvió a ser la misma. Tan solo se debe mencionar que el trabajo tiene el Récord Guinness de ser el primer álbum de la historia creado en su totalidad con sampleos. Un poco antes Beastie Boys con su Paul's Boutique (1989) lo intentaron aunque ellos incrustaron sus voces encima de la producción de los Dust Brothers. Mientras que poco después The Avalanches lo replicaría con Since I Left You (2000).

Ahora bien, lo que define el trabajo de Davis es su variopinta selección. Nunca se ha enfocado en un género en particular sino que ha buscado abarcar todos los que sean posibles. Eso implica tener un gusto tanto por las novedades y clásicos del pasado hasta singles de grupos que jamás alcanzaron el estrellato y permanecen como joyas ocultas.

Además el material se caracteriza porque contiene sampleos de todo tipo y eso incluye desde fragmentos de películas hasta retomar un instrumento de una canción en específica. Todo lo consigue con una precisión quirúrgica para que al final el resultado se escuche como una pieza nueva y original. Es similar a lo hecho en el cine por Quentin Tarantino al basar su obra en el reciclaje hasta obtener un estilo propio.

Por su parte, el ensamblaje de las canciones está tan bien logrado que inclusive se utilizan composiciones de fama mundial y no es fácil reconocerlas a la primera oída. Aunque "The Number Song" es un festivo carnaval de sonidos contiene ocultos fragmentos de la instrumental “Orion” de Metallica.

De igual forma, aunque sin estar demasiado escondidos, en “Mutual Slump" hay pasajes tomados de "Possibly Maybe" de Björk. Al final se consigue una relajante pieza de trip hop que funciona de bálsamo para los oídos. Aunque uno de los puntos más altos llega con "Midnight in a Perfect World" que inclusive se lanzó como primer sencillo. Detrás del scratcheo y tornamesismo se tiene como base la melosa y romántica “Sower Of Seeds” de Baraka. Al comparar la original con la “copia” parece que se trata de trabajos completamente diferentes entre sí.

El impacto del álbum fue tan grande que ni siquiera el propio DJ Shadow ha podido igualar lo hecho en su debut. En tanto que su trascendencia se puede apreciar en la forma en que ha logrado superar la barrera del tiempo. Aunque algunas de las canciones de las que se tomaron los sampleos hoy pueden sonar anticuadas, la forma en que fueron reutilizadas le otorga al resultado final un efecto de Dorian Gray en donde los años no transcurren y siempre se escuchan actuales.