Myuné estrena “Disfrútalo mientras puedes” y “Sencillez”

No te pierdas el nuevo sencillo doble de la cantautora mexicana.

Amor Amezcua se ha mantenido muy prolífica en el mundo de la música a través de su proyecto Myuné. Dos meses después de haber estrenado el video de “¿Dónde está el verano?” a través de Indie Rocks!, la artista tijuanense vuelve con un sencillo doble que seguro encantará a los amantes del ruido y la experimentación sónica: se trata de “Disfrútalo mientras puedes” y su lado B “Sencillez”.

En “Disfrútalo mientras puedes”, Myuné crea una odisea de sonidos repetitivos que oscilan alrededor de un bajo, los cuales transfieren al sonido la osadía de su título. “Sencillez”, por su parte, es una pieza con un carácter más ambiental, donde Ryu Kurosawa de Kikagaku Moyo colaboró con la interpretación de la citara. Escucha ambos estrenos a continuación.

‘Disfrútalo mientras puedes’ va de la mano con la incapacidad de disfrutar experiencias del presente, del momento. El sentimiento nació de una separación que hizo a Myuné darse cuenta de que no pudo disfrutar sus momentos con una persona”, narra un comunicado de prensa sobre el estreno.

Mira el video, dirigido por Marinthia Gutierrez, a continuación:

Las buenas noticias para Myuné no terminan aquí, pues la artista recientemente anunció que formará parte del festival Freakout 2021, el cual se llevará a cabo en noviembre de este año en la ciudad de Seattle. No te pierdas más información en este enlace.

Bush Tetras comparte versión alternativa de “Mr Love Song”

Esta versión fue descubierta por Dee Pop, su baterista, quien recientemente falleció. 

Desde sus inicios, en 1979 Bush Tetras destacó por ser una banda de post punk integrada en su mayoría por mujeres, lo que para esa época era como una revolución. 42 años después la banda sigue demostrando el poder de las mujeres a través de la música, como en la versión alternativa de “Mr Love Song”, una canción demasiado enérgica.

“Mr Love Song” forma parte de lo que será un box set lleno de canciones inéditas de Bush Tetras, esta canción es un tema muy especial para la agrupación, pues fue encontrada entre los archivos personales de Dee Pop, su baterista quien falleció algunos días atrás. 

Esta versión inédita de “Mr Love Song” fue grabada durante las sesiones del álbum Beauty Lies en 1997, este fue producido por la leyenda del R&B, Nona Hendryx, quién también participó en los coros al lado de Darlene Love

Dale play a continuación:

El box set que incluirá los temas inéditos, entres estos “Mr Love Song”, se titula Rhythm and Paranoia: The Best of Bush Tetras; esta caja incluye 29 canciones divididas en 3 LPs, también se imprimirán en vinilo de 180 gramos y estarán remasterizado por Carl Saff.

Bush Tetras Box Set

Además, también se incluirá un libro de 46 páginas con fotos nunca antes vistas de los ensayos de la banda. Rhythm and Paranoia muestra la fusión única, influyente y conmovedora de rock, punk, funk, reggae, ya puedes pre ordenarlo aquí.

Este es el tracklist completo que incluirá el box set Rhythm and Paranoia: The Best of Bush Tetras.

"Too Many Creeps !"

"Snakes Crawl !"

"You Taste Like the Tropics !"

"Punch Drunk !"

"Cold Turkey [Live in London] !"

"Things That Go Boom in the Night !"

"Das Ah Riot !"

"Cowboys in Africa !"

"Rituals !"

"You Can’t Be Funky !"

"Moonlite !"

"Dum Dum !"

"Stand Up and Fight !"

"Page 18 !"

"Color Green !"

"Mr. Lovesong [Alternate Version]"

"World @

"Motörhead !"

"Pretty Thing !"

"You Don’t Know Me !"

"Heart Attack !"

"Ocean !"

"Nails !#"

"True Blue"

"Red Heavy"

"Out Again"

"There Is a Hum"

"Seven Years"

"Sucker Is Born"

"Run Run Run [Live in San Francisco] "

"Cutting Floor"

Bush Tetras Rythm and Paranoia

 

The Smoggers — Funeral

Gritos, guitarras con fuzz y garage-punk para cavernícolas insatisfechos con la música moderna.

Siempre que una banda publica un nuevo material asegura que es el mejor de su carrera porque muestra una evolución con respecto a los anteriores. Mientras que existen muy pocas agrupaciones como The Smoggers que no les interesa cambiar ni evolucionar. Llevan años con un mismo estilo y lo más probable es que así continúen por siempre. Tal y como afirma AC/DC: “si algo funciona no hay necesidad de repararlo”.

Desde hace tiempo el combo español dejó de ser una promesa del garage-punk para posicionarse en una realidad. Su trabajo constante se divide entre la publicación constante de nuevo material y giras por toda Europa. Ni siquiera la pandemia pudo detener por completo al grupo. Apenas a inicios de este 2021 se editó una compilación para celebrar sus primeros 13 años y ahora llega su nuevo LP a través del sello alemán Soundflat Records.

Un total de 10 piezas conforman el trabajo que es perfecto para los amantes de las guitarras con fuzz y los gritos de lobo aullador. No existe la pretensión de transformar la industria musical ni de cambiar al mundo. Aquí lo único que se busca es hacer que durante 30 minutos te olvides de todo lo que ocurre en el exterior y sacudas el esqueleto.

El material muestra un balance entre canciones cantadas en inglés y español aunque en todas existe una reverencia por la trinidad The Fuzztones, The Cramps y The Cynics. Si alguna de dichas bandas es de tus favoritas entonces no te puedes perder a The Smoggers. Es puro rock & roll crudo como un bistec sin cocinar y sin colorantes artificiales.

La abridora “When You Hold Me” muestra un ambiente lúgubre y tenebroso como visitar un panteón a media noche. El teclado ejecutado por Ana cumple su función de invocar a los fantasmas e iniciar el ritual musical. Mientras que “Gente Fea” se inclina por un estilo cercano al punk rock gracias a su energética batería y una sarcástica letra que podría ser hija (¿o nieta?) del clásico “One Ugly Child” de Downliners Sect.

Al igual que los trabajos previos, en este nuevo LP se incluyen un par de covers tomados de piezas de los sesenta. La primera en aparecer es “Hang Up” de The Wailers aunque ahora se transforma en “Tu Sombra”. Aunque cambia el idioma se mantiene el espíritu y las guitarras sucias que retumban en los oídos.

Mientras que la segunda versión es “99th Floor” de The Moving Sidewalks. No hay muchos cambios con respecto a la original porque cuando algo está bien hecho no es necesario modernizarlo. La carga sexual de la letra es un resumen de cómo era la música hace poco más de medio siglo cuando surgió el rock psicodélico.

Por otra parte, en el resto del material no hay malabares ni virtuosismo sino simplemente música directa acompañada de gritos y sudor. La predilección por los sonidos macabros alcanza su punto más alto en “Dracula Is Alone” y podría convertirse en el nuevo clásico de Halloween.

Para algunos grupos puede ser un insulto afirmar que siempre suenan igual pero para The Smoggers es un halago. Dentro del garage-punk mundial es habitual ver nacer y desaparecer bandas con demasiada facilidad porque ven a este género como una moda pasajera. Mientras que solo las más aferradas logran trascender y aquí estamos ante un claro ejemplo.

A 25 años del ‘Life Is Peachy’ de Korn

El comienzo del reinado del nu metal y la generación del Parental Advisory Explicit Content.

El mismo año que Kurt Cobain mató al grunge de un escopetazo también Korn dio a luz al nu metal con su primer álbum. Aunque no fue un nacimiento fortuito porque antes Faith No More y Rage Against the Machine contribuyeron a la fecundación de este subgénero. Fue el final de la generación de las camisas de leñador y el comienzo de los jóvenes que preferían la ropa deportiva. El punto en común de ambas es que procedían de las crisis aunque de diferente tipo: los primeros de la económica y los segundos de la familiar.

Todo esto se puede ejemplificar al escuchar las letras de la banda comandada por Jonathan Davis. Son cantadas desde la óptica de niños que fueron víctima de bullying (cuando todavía ni siquiera existía el término) y con enojo por el divorcio de sus padres. Además, no existen aspiraciones por cambiar el mundo ni lograr la paz como los hippies sino tan solo buscan decirle al mundo que está triste y decepcionado. Mientras que el lenguaje utilizado nunca fue del agrado de las autoridades y por eso nació la ahora indiferente etiqueta Parental Advisory Explicit Content.

Korn-Life-Is-Peachy_2021

Relevo generacional.

Con respecto al sonido, prevalece una fusión entre el rock ligero y guiños al rap. Aunque lo más importante es que los representantes de este estilo son las bandas que tomaron el relevo en MTV cuando Nirvana se esfumó como el humo de un cigarro. Ahora se necesitaba de nuevos héroes para los adolescentes de la era Clinton y los elegidos fueron cinco escuálidos de peinados extraños originarios de California.

Aunque el primer álbum de Korn tuvo un recibimiento aceptable no se compara con todo lo que llegaría después. Fue el 15 de octubre de 1996 cuando se publicó su sucesor, Life Is Peachy (Epic Records, 1996) y así comenzaría un reinado que se prolongó por al menos un lustro. Durante ese lapso, el combo fue amo y señor con giras por todo el mundo frente a miles de seguidores y apareció en incontables portadas de revistas.

El primer sablazo es corto como una quincena pero tiene la intensidad de un huracán. El prólogo de la obra es "Twist" y durante escasos segundos solo se oyen gruñidos y bramidos que dejan el micrófono empapado de saliva. Solo un perro a medio morir puede provocar los mismos sonidos que se escuchan en ese tema. Mientras que todo se conecta de forma inmediata con "Chi" y el bajo de cinco cuerdas que le otorga un sonido distintivo a la banda por su ejecución de slap tomada del funk.

Aunque el momento cumbre llega con "A.D.I.D.A.S." que de inmediato se consolidó como uno de los temas emblemáticos de la banda. Durante años fue una canción obligada en cada concierto hasta que el guitarrista original, Brian "Head" Welch, puso como condición no volver a interpretarla para regresar al grupo. Todo fue porque, el ahora cristiano, considera inapropiado que los niños canten una composición cuyas siglas significan All Day I Dream About Sex. Ni hablar, así son las vueltas que da la vida.

Si algo caracterizó al nu metal fue la camaradería entre los músicos. La unión entre todos permitió el florecimiento del Ozz Fest y el Family Values Tour aunque también fue por motivos comerciales, porque con dinero baila el perro. Mientras que otra manera de verlo es a través de las colaboraciones constantes. En este caso, en "Wicked" aparece como invitado especial Chino Moreno de Deftones. Sus rimas son el complemento ideal para las guitarras afiladas como cuchillas... aunque también sería su perdición porque durante los siguientes años trataría de alejarse de este estilo musical por considerar que era una moda pasajera.

La generación de los extremos diferentes pero iguales

El trabajo apareció justo en el momento en el que todo era blanco o negro. Para esa etapa de los noventa solo existían dos opciones: Te gustaba Korn y Limp Bizkit o eras del bando de Back Street Boys y Britney Spears. No había puntos medios y era muy marcada la diferencia entre las dos alternativas aunque al final ambas representaban las dos caras de una misma moneda.

La década de los noventa ahora es vista con nostalgia porque presentó un mundo que hoy parece imposible. Los colores fosforescentes, la ropa holgada y el internet conectado por la línea telefónica, hoy son parte de un pasado que parece lejano pero que sí existió, aunque algunos ya lo hayan olvidado.

Jaialai está de regreso con “Sidewinder”

El grupo de Miami vuelve a dar noticias tras el gran recibimiento de su EP As Sweet As I Was.

A inicios de este año, Jaialai deleitó al público del rock con su EP As Sweet As I Was, el cual tardó poco en integrarse a las playlists de quienes gustan del sonido “psicodélico con tintes latinos”. Ahora, el grupo de Miami está de regreso con un nuevo sencillo que continúa su universo sonoro donde lo dejó el anterior material: se trata de “Sidewinder”, canción que ya puedes escuchar en tu plataforma favorita de streaming.

Jaialai describe “Sidewinder” como “un seguimiento nostálgico y optimista” de su EP lanzado en marzo de este año. En este nuevo sencillo, el grupo recupera sus influencias que van desde Radiohead hasta Unknown Mortal Orchestra para crear un tema con “una sensación hipnótica característica de la música de esta banda culturalmente diversa”, como dice un comunicado del estreno. A continuación, dale play al tema que llegó acompañado de visuales 3D de Alex Jerome.

En los últimos meses, Jaialai ha gozado de una buena racha dentro de la escena independiente de Miami y Latinoamérica. Recientemente fue reconocido como Mejor Acto Musical 2021 por el diario Miami New Times. Asimismo, fue invitado a formar parte de la próxima edición del festival III Points, junto a Khruangbin, Devendra Banhart, entre otros actos. No te pierdas más noticias de Jaialai en Indie Rocks!

Entrevista con Remi Wolf

La cantante y compositora Remi Wolf se prepara para su gran debut, mientras continua en la búsqueda personal de su propio universo.

Parece que, con la velocidad actual de la vida (con o sin pandemia), y lo fácil que es pasar de un contenido a otro la gente da por hecho que maduramos a la misma velocidad que las cosas materiales. Remi Wolf lleva algún tiempo en la escena musical, primero con un EP autoeditado y luego con uno a cargo de una transnacional, más tarde alabada por Beck, Little Dragon y músicos de la escena indie; Hoy, a punto de mostrar al mundo su primer disco JUNO, y para ella, el camino apenas comienza, eso sí con mucha más esperanza que otros días

Me siento comprendida, en algunos niveles sí, aún soy muy joven y estoy tratando de entenderme a mí misma. Pero creo que mi música y arte han sido aceptados y bien recibidos por mucha gente, estos son parte de mí, entonces en ese sentido creo que estoy siendo entendida”.

Para alguien que constantemente salta de un ritmo a otro y navega entre voces e historias, esto es un gran logro. Su debut o bebe cómo ella lo llama, tiene referencias de electrónica, funk y pop; bajo las cuales la artista, recrea escenarios inconexos en la vida real, pero que en el universo que ella propone, son más que divertidos, interesantes y sobre todo honestos.

Mis composiciones están llenas de abstracciones, y mierda muy loca que se me va ocurriendo en la cabeza (risas) y que no tiene ninguna base en la vida real, pero que habla de un sentimiento. Creo que mi vulnerabilidad se muestra porque al excavar en esas situaciones y dejar que mi mente las plasme en papel, es ahí cuando puedo convertirlas en una canción”.

Para estas canciones que ante todo invitan a la pista de baile, hay temáticas usuales de amor, pero también de inestabilidad mental como se aprecia en “Quiet on Set” dónde las letras y la música reflejan desesperación y ansiedad, o como en “Grumpy Old Man” en dónde reflexiona de diversas cosas de la vida fútil a través de la amargura. Una de los primeros temas que salieron a la luz es “Liquor Store” canción inspirada en los ahora casi dos años que lleva la cantante sobria, un ejercicio que la hizo regresar a la realidad y que la ayudo a ver la vida de otra forma.

“Estar sobria básicamente te obliga a estar en contacto contigo misma e indagar sobre ello. El año pasado tuve la oportunidad de enfrentarme a esto, y creo que pude ver la vida cómo realmente es: muy difícil, y darme cuenta de ello fue algo muy importante para mí. Pero al mismo tiempo pasar por todas estas cosas y hacerlo sobria fue muy empoderador para mí y me siento muy bien viviendo de esta manera”.

Este nuevo despertar se refleja en las ganas de apostarlo todo a la vida, o al menos esa es la percepción de este disco que busca que la gente asista a esta extraña y peculiar fiesta, aun si no entienden el mensaje de su anfitriona, tengan garantizado que la pista de baile los está esperando:

Creo que, en este disco, quería que cada una de las canciones fueran temazos, quiero que las canciones se queden en tu cabeza y que todos puedan bailar con ellas. Pero a nivel personal quería que este trabajo fuera honesto, estoy muy feliz de cuan vulnerable me muestro y es algo que pienso continuar mostrando mientras me sea posible”.

Aunque la cantante y compositora no deja de trabajar en nuevo material, tiene claro que el capitulo en su vida que inspiro Juno esta completamente cerrado. Además de continuar creando, espera en algún futuro poder presentarlo en vivo y usar la mejor herramienta que tiene para expresarse su voz.

Uso mi voz de muchas maneras, es muy versátil y me encanta que con ello puedo crear estos peculiares personajes, con la finalidad de sacar distintos rasgos de mi personalidad. Lo que quiero probar con mi voz es que además de que hay muchas partes de mi como persona, es algo que también puede aplicarse para todos los demás. Hay tantas formas de expresarnos que no debemos estar atados a una sola”.

 

Vollam debuta con el EP ‘Mirror’

Conoce la música ambiental e introspectiva de este cuarteto texano.

Si te gusta el shoegaze, el post rock y similares, así como el cine de culto, entonces seguro encontrarás magia en la música de Vollam. Este cuarteto de Texas recupera el sonido denso de grupos como Slowdive, pero lo lleva a un plano contemporáneo y renovado. Como primer paso de su carrera, el grupo acaba de estrenar su EP debut titulado Mirror vía Somewherecold, el cual ya puedes escuchar en tu plataforma favorita de streaming.

Mirror es un EP de cinco canciones, llenas de pasajes atmosféricos a cargo de Sinem, Greg, Casey y Sam. La inspiración detrás de estos temas se encuentra en el cine y películas de menor popularidad que guardan mensajes más profundos. Como ejemplo, mira a continuación el video del primer sencillo titulado “Follow”, creado a partir de imágenes distorsionadas de la cinta Mirror (1975) de Andrei Tarkovsky.

Enraizado en la ética DIY e inspirado en grandes cineastas y músicos de las décadas pasadas, Mirror es el resultado de la búsqueda de Vollam por un balance entre pop y ambient, energía y ternura, emoción e introspección”, narra un comunicado de prensa sobre el grupo.

El EP Mirror es apenas la primera piedra de un grupo que promete una carrera sólida. Escucha el material completo a continuación y sigue al sello Somewherecold en redes sociales para que no te pierdas más actualizaciones.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos esta selección de las mejores cinco canciones que aparecieron esta semana en Indie Rocks!

Ya estamos a mitad de octubre, el tiempo no se detiene y los estrenos musicales tampoco. Quienes nos presentaron nuevos sonidos esta semana fueron Band Of Horses, Kills BirdsShamirSunflower Bean, Francisco, el Hombre, Aurora, Damon Albarn y muchos más, pero de entre todos ellos destacaron cinco artistas y bandas que con sus nuevos temas harán que tus oídos agradezcan tu buen gusto musical.

Si quieres saber de quienes se trata sigue leyendo, pero antes recuerda que tenemos Facebook, Twitter e Instagram y ahí te compartimos día con día las mejores noticias para que siempre te mantengas bien informado. No dudes en dejarnos en los comentarios cuál fue tu canción favorita de este top y cuál habrías incluido.

También tenemos una playlist en constante actualización donde podrás encontrar los mejores estrenos de los últimos meses. Síguela y escúchala en aleatorio, ¡no te vas a arrepentir!

Nuevos Tracks IR!

40 años de Metallica

Los cuatro jinetes del apocalipsis.

The horsemen are drawing nearer
On the leather steeds they ride
They have come to take your life
On through the dead of night
With the four horsemen ride
Or choose your fate and die”,

"The Four Horsemen".

“Hit the Lights”, imagina que eres un adolescente en Sunset Boulevard que camina por la noche buscando pelea, que ofende a los fans de Poison que se confunden con las prostitutas a las cuales no les puedes pagar, que bebes cerveza recargado en un Pontiac estacionado afuera de The Troubadour esperando entrar para ver a Metallica en concierto, esa banda que escuchaste en un compilado de MegaForce Records, que vas a ver por primera vez a esos dos sujetos que se encontraron en un fanzine y que coincidieron en sus gustos por las bandas de The New Wave of British Heavy Metal, y que las luces se apagan y sientes un golpe, como nunca antes, ese madrazo que solo el thrash metal te puede evocar, con sabor a sangre en la boca.

“Creeping Death”, porque todo lo que brilla un día se tiene que apagar, porque hasta los caballerangos que parecen inmortales un día tienen que desvanecerse, Ron McGovney no soportó la electrocución, Dave Mustaine no supo comportarse, acechaba la fama y las responsabilidades, los bloqueos creativos y las disputas. Kirk Hammett el salvador, el éxodo necesario, el sicario faltante, y la alineación al fin perfecta, en espera de la fama, el exceso y los grandes escenarios.

“The Thing That Should Not Be”, el juego de cartas que definió un destino, el azar de lo fatídico, el peligroso camino a Copenhague que se convirtió en un memorial. Cliff Burton, absolución y mártir, la historia que ya nunca sabremos, porque a pesar de la pena persistente, los jinetes volvieron a cabalgar y a reclutar, porque las sagradas escrituras dictan que deben ser cuatro.

“...And Justice For All”, menos para Jason Newsted, el chivo expiatorio, el punching bag de los ebrios, frustrados y “vendidos”, que a la par de lidiar con la muerte de su amigo, luchaban contra la presión, se acostumbraban a las multitudes, y desarrollaban una mística musical aún más poderosa, compleja, intrincada…y sin bajo. Porque también en las bandas existe el bullying, y en las grandes historias el arrepentimiento. El video de “One” como alta traición a para aquellos fans primigenios que no entienden que ellos también tienen que madurar, no toda la vida serán ese enojado adolescente de Sunset.

“Nothing Else Matters”, tú no eres lo que aparentas ni niegas lo que te conmueve: “Forever trusting who we are”, del luto al redescubrimiento, a la estratósfera de las listas de popularidad, a clavarse en el inconsciente colectivo, a convertirse en la banda insignia de un género. Porque “Enter Sandman” sonaba en las estaciones de radio que tocaban rock y también antes de abrir pista en una tardeada en la discoteca Mecano en la Zona Rosa. Coca-Cola presenta a Metallica en el Palacio de los Deportes, porque de otra forma no pudo haber sucedido, cinco noches que se atascaron y que convirtieron al cuarteto en nuestra familia.

“Ain’t My Bitch”, primera fila en el MTV Unplugged de Alice In Chains, un mensaje por parte de Mike Inez escrito en su bajo: “Friends don’t let friends get haircuts”, de nuevo la traición, el nuevo look, la profecía de Sansón, y un par de discos para los cuales tal vez en ese momento no estábamos preparados. Se perdió aquella banda de las largas canciones y los solos de guitarra imposibles, ahora querían compartir festivales con Soundgarden, experimentar a su modo como lo hizo Radiohead, no quedarse en el mismo sonido de siempre como Def Leppard, la era incomprendida.

Some Kind of Monster, la película, o un gran WTF hecho documental, el drama de Lars Ulrich, los problemas de James Hetfield, Kirk Hammet entre la espada y la pared. ¿Y si Les Claypool no hubiera sido tan bueno, y Twiggy Ramirez tan malo, y si hubiese existido mejor química con Pepper Keenan, si Robert Trujillo hubiera rechazado aquel millón de dólares para asegurar su lugar en la banda?

“The Day That Never Comes”, siete minutos 56 segundos que de cierta forma nos regresaron a los tiempos de gloria, a ir al Mix-Up a comprar una copia del disco, a formarnos a las taquillas para la preventa de un par de shows en el Foro Sol. Metallica y la influencia de Kiss de querer venderlo todo: loncheras, esferas de navidad, colaboraciones con Vans, ropa para bebé, videojuegos para llamar a las nuevas generaciones a tomar la guitarra.

“Atlas, Rise!”, demuéstrale a tus detractores que a pesar de los años sigues en los charts, que a pesar de renegar de Napster los servicios de stream te siguen acercando a las nuevas generaciones, esas mismas que so pretexto del aniversario del Black Album ahora le piden a sus padres que lo reproduzcan desde el teléfono porque el reproductor de CDs de la camioneta familiar ya no funciona. Cuatro décadas después hay gente que sigue aferrada a ese Metallica que ya no volverá, pero que en el presente sigue buscando las formas de subsistir, de inventar, de ser ícono y materia obligada.

Porque tu tío seguirá renegando que antes tocaban más chido y considera traición que J Balvin les haga un cover, porque los puristas del metal ya los consideran “el U2 del género”, pero que de no haber sido por ellos, la curiosidad no llevaría a las nuevas generaciones a buscar a Misfits, Hirax o Nargaroth en Google. Porque aunque no sepas ni una canción puedes portar la playera que compraste en H&M, porque la música persistirá más que tus prejuicios.

“The Ecstasy of Gold”, ya en un plano muy personal y de fan, no hay nada como la ansiedad que provoca escuchar esta sinfonía de Ennio Morricone en espera a que Metallica salga al escenario, tenía 12 años la primera vez que presencié aquello, y desde esa noche los conciertos se  convirtieron en mi droga predilecta, en la que más gasté y en lo que pude trabajar después. Aquel niño nunca imaginó después perder a su novia mientras llovían las sillas de plástico en el Foro Sol, perderse una entrevista con Kirk Hammett por tener que estar en el backstage del concierto desde temprano, pero ahí mismo chocar el puño con James Hetfield después del meet n' greet.

A Metallica le debo mi devoción por los conciertos, y hay demasiada gente que inspirada por su música los sigue alabando, pero también odiando, de cualquier forma evocan un sentimiento. 40 años después la marcha de los jinetes sigue su curso: la conquista de tronos que otros sueñan, el hambre de inmortalidad, la guerra y catarsis sonora y la muerte de nuestros tímpanos.

HINO estrena junto a Renee Mooi su single “Pulsa”

Entre rituales y cosmovisiones nace la necesidad de hablar con el universo, todo en finas y armónicas sintonías.

Durante la pandemia seguro malgastaste el tiempo. Normal. No había "mucho qué hacer". No obstante, a veces es bueno intervenir en el día a día y darle un giro quizá inesperado. Los hermanos HINO aprovecharon el permanecer en casa para capturar nuevos sonidos, pero esta vez lo hicieron con el objetivo de generar una producción orgánica y de gran introspección; así nació NI, su nuevo material discográfico.

Estar en una situación vulnerable no impidió que la dupla se involucrara con más artistas, como el caso de Renee Mooi quien otorga un afecto casi indescriptible a "Pulsa", el primer adelanto del nuevo proyecto. Lo que se aprecia en la pista es como un ritual cargado de energía femenina que consigue electrizar a quienes lo escuchan a través de este jam casi improvisado.

Creemos que todas las ideas son buenas, que todas tienen potencial y su manera de brillar”, explicó HINO en un comunicado de prensa.

Da play ahora para poder escuchar la canción:

Lo nuevo de HINO llegará próximamente a través de Ruto y contará con la participación especial de David Velasco (Porter), Valsian, Marcol y Adryanna Cauduro. Su audacia por manifestar la magia entre energías sonoras se descifrará en este material. Descubre lo trascendental de la música a través de NI.

¡Mantente al pendiente de Indie Rocks! para futuras novedades de HINO!