Escucha “Waiting”, lo nuevo de TOPS

Melodías pegadizas que evocan al pasado.

Luego de lanzar su sencillo “Party Again” y anunciar una gira por Norteamérica, el grupo TOPS vuelve con más música y nos presenta “Waiting”, su más reciente tema que mezcla tambores animados y riffs de guitarra centelleantes con melodías pegadizas en sus 3:14 de duración.

La composición se centra en un pasado nostálgico que consume nuestro ser y la única luz al final del túnel son los buenos recuerdos. Al igual se centra en los inicios de TOPS en la industria musical y una versión romantizada de aquella época, creando “un espacio para la música pop sofisticada en el mundo indie”.

Soy una persona muy nostálgica y el año pasado solo me hizo más. La nostalgia corta en ambos sentidos, los recuerdos de mi pasado me alimentaron durante ese tiempo, pero se volvieron tan vívidos que comenzaron a filtrarse. Escribí esta canción como un tributo a los primeros días de TOPS y la versión romantizada que tengo de esos tiempos, pero se convirtió en una exploración del efecto del tiempo en general. Cuando pienso en mi vida , ¿Dónde estoy?", indicó la agrupación.

"Waiting" marca la segunda producción discográfica de TOPS en este 2021 y que tocará en sus siguientes espectáculos de la gira Fall North American que comenzó la semana pasada. Durante estos eventos se mostrará la esencia caótica del grupo al tocar en 29 shows para deleitar a sus seguidores.

Si no has escuchado este tema, te lo dejamos a continuación.

Hippo Campus anuncia nuevo álbum y comparte “Boys”

Un retrato fresco que excava en la adultez e identidad.

La banda estadounidense de indie rock, Hippo Campus, anuncia el lanzamiento de su tercer álbum titulado LP3 a través de Grand Jury Music. Junto con el lanzamiento del nuevo disco la agrupación compartió su sencillo “Boys”.

El nuevo tema habla acerca de la naturaleza romántica de recordar y reflexionar sobre lo fugaz que somos en distintos momentos, así como el dejarse llevar por las emociones que sentimos incluso el disfrutar de sentirnos mal. Para celebrar el lanzamiento de su nuevo álbum la banda lanza el video de “Boys”, dirigido y editado por Whistler Allen.

Dale play y disfruta de lo nuevo de Hippo Campus

El punto al que Hippo Campus quería llegar con LP3, era el poder trabajar bajo un proceso creativo más orgánico, trabajando de la forma en la que solían hacerlo en sus primeras canciones.

LP3 es su obra más fuerte y más compleja hasta la fecha, en este álbum la agrupación estadounidense busca retratar temas de identidad personal junto con los procesos de ir creciendo e ir descifrando que es lo que más importa en esta vida.

LP3 estará disponible el 4 de febrero del 2022 a través de Grand Jury Music, la preventa esta disponible aquí.

Hippo Campus__2021

  1. "2 Young 2 Die"
  2. "Blew Its"
  3. "Ashtray"
  4. "Bang Bang"
  5. "Semi Pro"
  6. "Ride Or Die"
  7. "Scorpio"
  8. "Listerine"
  9. "Boys "
  10. "Understand"

Good Morning — Barnyard

La crisis y la intención de improvisar un discurso ameno para todos los habitantes del planeta.

Es una triste realidad mirar afuera y descubrir que estamos destruyendo nuestro hogar, nuestro planeta. Es una pena darse cuenta que es una minoría quienes luchan por el cambio. E incluso, a veces resulta lamentable cuestionar quiénes somos y lo que hacemos. Hablar de temas tan complejos es y seguirá siendo todo un conflicto interno y con la sociedad en general, por eso es que Good Morning pone sobre la mesa aquello que más “ruido” le hace y lo plasma en su nuevo material discográfico, Barnyard que finalmente sale a través de Polyvinyl Record Co.

El lanzamiento de la agrupación de Melbourne, Australia continúa a la publicación de Prize // Reward, su producción de 2018 que entonces presentaba, -en la línea original de la banda-, melodías afines al bedroom pop, sin embargo en esta ocasión la dupla apuesta por algo diferente, algo más folk. ¿Un acierto? Más adelante lo descubriremos. 

Dejar de lado la oscuridad del amor para contar la mirada frustrada de un mundo que se está desmoronando es crucial para esta entrega. Good Morning es experto en traducir todo aquello que nos compete en melodías cortas y en este disco no es la excepción. Este nuevo proyecto abre con “Too Young To Quit”, un tema en acústico que apenas consigue tener un par de arreglos; es muy orgánica. Ahí es cuando la banda indica que el bedroom pop y ese interés por evocar la nostalgia de la década de los 90 quedó en un segundo plano, pero no quedó olvidada. 

Posteriormente en “Depends on what I know” una batería entra y le otorga la energía que necesita esta rola. Se siente la vibra tradicional que Stefan Blair y Liam Parsons han imprimido a lo largo de los años. Los riffs delicados de una guitarra le dan un toque especial para poder hablar con cordura y tranquilamente sobre la paciencia, ansiedad y confianza.

Entre esta experimentación por nuevos sonidos, Good Morning toma la iniciativa para ampliar su áurea sonora entre sensaciones hipnóticas con toques vintages; “Wahlberg” es esa pieza especial que te cautiva al instante. 

“Yng_Shldn” mantiene una esencia muy parecida al primer track de Barnyard y en sí este momento se convierte un momento crucial para la producción porque le dan un bajón al disco volviéndolo pesado. Tanto “Matthew Newton” como “Tree” son rolas en acústico que mantienen una armonía linda y reactiva lo que ya estaban trabajando. 

Good-Morning

Después de un inicio promedio, “I’ve been waiting” suena y se podría decir que finalmente encontramos el clímax de la producción. La melodía empieza a piano, es muy lenta pero luego crece y se transforma. Es una rola que evoluciona e incluso remonta al sonido que comparte Hooveriii.

"It makes no difference at the end of the day"

En la parte final, Good Morning empieza a hablar del existencialismo, la crisis climática y el activismo. “Burning” tiene un ritmo super suave. Suena a soul y tiene una base muy sólida. "La letra de la canción se escribió en medio de la grabación a fines de 2019. También me hizo pensar en cómo intentamos darle sentido al mundo e improvisar el significado en tiempos tan confusos, caóticos y problemáticos. Quería jugar con imágenes de deconstrucción y reconstrucción para explorar cómo los humanos construyen todos estos sistemas, ya sea la política o el entorno construido o nuestra propia cosmovisión personal, pero al final del día todo es tan frágil y se puede desmantelar tan fácilmente”, explicó Liam

La dupla que coincidió en la escuela hoy intenta generar un poco de conciencia. “Big Wig / Small Dog” tiene una atmósfera sombría que cambia poco a poco, mientras que “Never enough” tiene un ritmo muy saturado con la batería y con los sintetizadores. Hasta el momento el disco ofrece algo interesante sin embargo, culmina de una manera complicada y no tan afortunada. “Green Skies” empieza con una guitarra acústica y se pierde, es una balada con mucho más cuerpo pero aún así no logra rescatarla. Todo finaliza con una entrega repleta de posteridad y nostalgia con “Country”. “Por lo general trato de enterrar las palabras en algún nivel de abstracción para que puedan interpretarse de diferentes maneras, pero supongo que la idea general es que solo puedes hacer lo que haces”, explicó Parsons.

El cambio de ritmos posiblemente no le favoreció a Good Morning, sin embargo es agradable la premisa bajo la cual se construyó esta larga duración. Los días son y seguirán siendo difíciles para todos. 

A 40 años del 'Underneath the Colours' de INXS

Celebramos cuatro décadas del disco que puso en el camino de la grandeza a INXS.

Parece extraño, pero la agrupación de Sidney fue en algún momento un fenómeno equiparable a The Rolling Stones: era la banda más grande, la más popular, la que llenaba estadios y vendía portadas de revistas con escándalo y sexo. Sin embargo, a diferencia de los londinenses, INXS no fue una fórmula instantánea para el éxito. Los ingredientes estaban ahí, pero se necesitó tiempo y tragedia para llegar a la cima de la fantasía rockstar.

Dejemos atrás por un momento la era de Listen Like Thieves (Mercury Records, 1985), Kick (Petrolelectric Pty, 1987) o X (Petrolelectric Pty, 1990); dejemos atrás la historia de Michael Hutchence con Paula Yates y su trágica muerte; también les ruego, y esto de forma permanente, que olviden el decadente reality show que hicieron en 2004 para buscar un nuevo cantante. Para entender a INXS hay que ver la historia desde el inicio, y no hay mejor punto de partida que 1981, el año en que publicaron su segundo álbum de estudio.

Una vez más, les pido que hagamos a un lado otro fragmento del grupo, pero es que el disco debut de la banda es un material todavía muy lejano a su sonido característico y, a decir verdad, fue un lanzamiento torpe y precipitado. Daban sus primeros pasos en el new wave pero maquillando sus pisadas con fuertes elementos de ska y un Michael Hutchence todavía cauteloso.

Fue un año después, empujados por el único tema destacado, “Just Keep Walking”, que INXS abrió la brújula y empezó a andar en la dirección correcta.

El ascenso a la fama.

Tras terminar una gira que le daría miedo hasta a Metallica, con más de 200 shows solo en Australia, el grupo se encontró con una prometedora base de nuevos fans y una oportunidad única. Era hora de tomar executive decisions y así lo hicieron, la primera de ellas, el buscar a un guía con más colmillo. Cambiaron al soñador y multifuncional Duncan McGuire por Richard Clapton, un productor que en verdad podía explotar los nuevos recursos de la banda.

También, las horas en carretera y las nuevas experiencias no sólo atrajeron más fans y más dinero. Algo cambió en los hermanos Farriss y, sobre todo, en Michael Hutchence, pues ya estaba desarrollando ese personaje arrogante, atractivo y provocador.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de INXS (@officialinxs)

De pronto, la voz del primer disco pasó de ser un grito transgresor a un gemido sexual; Hutchence cambió la agresividad infantil en sus letras para conducirnos por el tour del sudor, la saliva y el hedonismo total. 

Tal transformación llevó a los demás en INXS a purgarse de las modas de la década pasada y a madurar de manera acelerada. Seguían siendo un grupo en las crecientes trincheras del new wave, pero ya no eran adolescentes groseros amantes del ska.

Fue un giro violento, pero todos tenían claro que se necesitaba un cambio. Debían explotar individualidades y darle paso a su nueva naturaleza para llegar a una audiencia más general, para competir en los charts.

Tampoco era algo que les desagradara, pues Andrew Farriss tuvo la oportunidad de explorar nuevos sonidos, su hermano Jon encontró algo más desafiante en las percusiones y Kirk Pengilly obtuvo mucho más protagonismo, siendo ahora el elemento sorpresa, como la gran mayoría de los saxofonistas durante la década de los 80.

Underneath the Colours, el INXS más puro.

Se ha debatido mucho sobre el inicio de INXS. Algunos creen que  debemos considerar el primer chispazo de "Just Keep Walking", otros creen que hay que ir hasta Shabooh Shoobah (Mercury Records, 1982), el disco en el que vimos su esencia bien definida y que los posicionó en Estados Unidos. Para mí, su fórmula se fue cocinando a fuego lento y Underneath the Colours (Petrolelectric Pty, 1981) es el momento en el que lograron materializar una primera versión, la cual pulieron con el disco siguiente, y el siguiente, y así hasta el inicio del declive con Full Moon, Dirty Hearts (Atlantic Records, 1993). 

El segundo álbum de INXS, al igual que un Ralf und Florian de Kraftwerk, es un lanzamiento que no entra en el favorito de los fans, pero sí es un material para los curiosos, para los que quieren conocer el panorama completo y lo que hubo detrás del producto final.

Entrevista con Circuit Des Yeux

Encontrado la luz en medio de la oscuridad.

No sería sorpresa para nadie, pero la música de Haley Fohr es oscura, de un carácter casi fantástico, melancólico y tan real, que resulta una sorpresa escucharla hablar con tanta soltura y siempre con una sonrisa sobre su nuevo disco  -IO, el primero en la disquera Matador y el tercero en una carrera que va en crecimiento y que prueba que, no importando lo duro o retador de su propuesta, la cantante está aquí para descubrirse en su viaje artístico personal.

Realmente siento que mi voz es un resonador, inicialmente empecé usándola como una forma de terapia, estaba tratando de entenderme a mí misma, y sentía que era casi como un arma, como un megáfono en el que podía solo hablar mi verdad mientras cantaba. Ahora se siente más como un conductor, ahora pienso en mi, pero también en el público, el ambiente y muchas cosas más”.

El disco esta inspirado en el dolor que la cantante atravesaba previo a composición de las canciones, sumado al dolor colectivo provocado por la pandemia y finalmente un atardecer naranja artificial en un viaje a California, una tonalidad que para ella representa una arista diferente de la oscuridad que la gente asocia de otras maneras. Al ser alguien que se relaciona con este universo, ha querido presentarlo de otra manera al público.

La oscuridad puede existir en el color naranja, no necesita ser una persona aterradora usando un sombrero como las brujas, mientras haya oscuridad también habrá luz, cada que sufrimos es un regalo, así que creo que conocer la oscuridad te ayuda a apreciar el gozo por la vida”.

Pese a ser creado de manera solitaria en su hogar en Chicago, la cantante se muestra emocionada por llevarlo al escenario a lo grande, para ello pretende llevar una sección de orquesta de cuerdas con ella y el desafío más grande será lograr que su público lo entienda y adentre a la experiencia sonora en vivo.

“Me gusta mucho cuando las audiencias son silenciosas, que puedas escuchar caer una aguja y que haya esta atención hacia el escenario, y a veces puede ser difícil, especialmente en festivales, pero aun así mi audiencia ha crecido y cambiado durante estos años. En esta ocasión estaremos viajando con un ensamble de cuerdas, con la finalidad de darle al álbum la mayor vida posible, algo que ya logramos desde el proceso de grabación.”

El disco que sale este 22 de octubre cuenta con 10 canciones que juntas forman un concepto que ella denomina “Geografía del dolor” en el que inicialmente la compositora se sumergió con la idea de encontrar respuestas a su propio sentir, hoy siente que al final no tenía que encontrar nada, más bien se trataba de soltar y dejar ir lo que no le servía.

Espero que la gente que lo escucha pueda usarlo de la misma manera, tal vez ellos se puedan sentar y tener un momento de intimidad consigo mismos, los traiga de vuelta algún recuerdo del pasado o algún sentimiento que tengan guardado y sean capaz de sacarlo y dejarlo ir”.

En la búsqueda de estas respuestas Fohr se sumerge en las metáforas relacionadas con la naturaleza, haciendo énfasis en que no es la única persona que en estos momentos de incertidumbre se siente en la necesidad de buscar respuestas en aquello que le dio la vida. Al cuestionarle sobre lo íntimo de sus letras y si hay algún secreto literario que de cuerpo a su mensaje ella se muestra directa y expresa su verdadero sentir como letrista.

Creo que estoy tratando de describir lo indescriptible, mis emociones, así que tal vez no se trate de un evento que me paso a mí, sino de la emoción que sentí en aquel momento, y esas sensaciones pueden ser más largas que la vida misma, más grandes que una película y creo que eso es lo que estoy tratando de lograr con mis letras”.

Si todo sale bien, tras la salida del disco Circuit Des Yeux espera poder salir de gira y eventualmente regresar a nuestro país para dar un concierto. –IO es sólo el comienzo y Fohr espera que quien lo escuche encuentre en el todos los mensajes que ella ha dejado entre líneas y que estos puedan ayudar a los demás.

 

 

 

 

 

Dancer, melodías contagiosas que te inspirarán

Sonidos frescos y alegres en el sencillo “Fears”.

Dándole un toque de frescura al rock, nace una nueva agrupación integrada por cuatro amigos que se conocieron en la costa de Newcastle, Australia; ellos decidieron llamarse Dancer, por lo que su música incita a bailar y vivir la vida. La agrupación lanzó “Fears”, su más reciente sencillo.

Chris, Ben, Bryce y Josh juntaron su talento para, a través de sus canciones crear un sentido de inspiración para quien escuche sus temas, se sienta alegre y capaz de seguir adelante.

“Fears” es el tema más reciente de Dancer, en dónde el vocalista de la banda habla de vencer ese miedo, el cual no nos deja hacer nada. Chris, exploró el miedo desde, cómo es que este se relaciona con el mundo.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por DANCER (@dancertheband)

El proceso creativo surgió mientras Chris manejaba de camino a casa de un amigo, e imaginaba una pelea entre sus demonios y él mismo, algo así como Scott Pilgrim vs the world de Edgar Wright.

En cuanto a sonido, “Fears” trae una melodía contagiosa llena de coros, que a pesar de ser una canción que habla de un tema no altere, la melodía te pondrá de buenas y te hará bailar.

Escucha “Fears” a continuación:

“Fears” es el sencillo sucesor de “Dreams”, ambos temas serán parte de su primer EP, Fears, el cual está programado para ser lanzado el próximo 3 de diciembre. Antes de esto escucharemos un nuevo tema que llevará por nombre "It Matters".

Aquí te dejamos “Dreams”.

Era de Oro, un carrusel de emociones multicolor

El grupo de matices cromáticos.

Esta es la era del electro pop, pop rock, synth y dance; la Era de Oro. Un quinteto regiomontano que explora sus límites con sonidos, colores y perspectivas de todas las tonalidades.  Compuesta por 5 artistas visuales Fanny Salazar (voz), Víctor Hermosillo (voz y guitarra), Andrea José (bajo), Billy Marín (teclados) y David Talavera (batería), la agrupación es un cúmulo de influencias allegadas al rock, dance y electrónica. 

Con el paso del tiempo, un cambio en el nombre de la banda y su alineación, han transitado por distintas etapas que los llevan hoy a definirse como un pop rock muy particular, “genuino, fluído, orgánico”, de líricas catchy y estética colorida, que busca “transmitir experiencias que se conecten con las personas”, la diversión, el baile, el romanticismo y la melancolía.

Desde el lanzamiento de su primer sencillo “Cipriano Valentino” en 2015, la banda ha sobrevolado distintos géneros y estadíos sonoros que hoy en día desembocan en su primer álbum de larga duración, Mil Razones.  Un LP de ocho canciones que pinta un escenario “donde la esperanza sobrevive a pesar de todas las adversidades”. 

Habla de cuando estás tratando de justificar algo que estás haciendo bien y entrando a una zona de confort. Es el duelo de salir de esa zona, hacer las cosas con valor y con heroísmo”, describe Billy Marín, tecladista. 

Con la producción de Lapas, Chris Abrego, Flip Tamez, y El Zac, este disco se aventura por melodías agradables y secuencias apacibles, que posteriormente se transforman en un sinónimo de versatilidad. Entre sus componentes se encuentran sintetizadores electrizantes, ritmos bailables, coros femeninos, trompetas, secuenciadores, y demás toques psicodélicos, disco, y de baladas pop ochenteras. 

Escucha el nuevo álbum de la Era de Oro, Mil Razones, y descubre más de estos proyectos a través de Indie Rocks! 

deep tan, post punk minimalista a cargo de voces femeninas

Sonidos e imágenes para salir de lo ordinario.

deep tan es un trío de post punk originario del este de Londres, y está integrado por Wafah, Celeste y Lucy; estas tres chicas que hacen que lo que conocemos por post punk, se quede atrás, pues le dan un toque minimalista al género, creando canciones con una visión moderna, como lo es su más reciente lanzamiento, “refugio yiffing de tamu”.

“refugio yiffing de tamu” forma parte de la serie de sencillos lanzados por Speedy Wunderground. Este tema habla de una historia de lujuria “peluda”, es decir, una historia entre animales, lo que podría resultar un poco bizarro.

… hay escenas de hedonismo desenfrenado sin igual, como en los días de las legendarias fiestas de Freddie Mercury en el Fairmont Hotel de Nueva Orleans”, compartió la banda de la canción.

“refugio yiffing de tamu” cuenta con un video oficial codirigido por la banda y Alex Loveless, quienes decidieron seguir con este concepto de fiesta desenfrenada, donde son expulsados de varios lugares y terminan en una fiesta llena de gente desconocida. 

Mira el video de “refugio yiffing de tamu” a continuación:

deep tan cuenta con un EP, creeping speedwells, el cual fue lanzado este año, un material en el que hablan de temas más psicológicos, además, el sonido es un poco más oscuro a comparación de “refugio yiffing de tamu”, sin embargo, no deja de tener ese toque moderno.

Aquí te dejamos creeping speedwells para que lo escuches y conozcas un poco más a deep tan.

“Amok / Hypno”, lo nuevo de Laikamorí

Oscuridad, holgura y melancolía.

Laikamorí, la copla limeña de electrónica experimental, regresa con “Amok” e “Hypno”, dos nuevos sencillos cargados de secuencias oscuras, tonalidades tenebrosas y matices analógicos. Ambos lanzamientos forman parte del primer corte y extracto de su próximo álbum, con la producción de Mario Silvania

“Amok” es un tema ligado al “desahogo” de los tiempos “en los que vivíamos” durante el confinamiento. Una alianza de influencias post punk y dark wave con sintetizadores análogos y digitales, coros ancestrales de agudeza y gravedad compaginable. 

Mientras que “Hypno” es una alteración de voces y atmósferas etéreas “que transmiten un aura de melancolía”, entre reverberación, delay, y ambientalidad. 

En un comunicado, los músicos describen este nuevo LP como un “acertijo que se iba resolviendo”; un compilado que surge de la composición y grabación directa:

El proceso de este nuevo disco ha sido bastante impulsivo y visceral, pero sobre todo personal. Casi todas las canciones fueron compuestas en un periodo corto, en medio del confinamiento y en soledad”, comenta el dúo. 

Previo a este lanzamiento, el proyectó publicó su segundo álbum de estudio, Persona, además de los sencillos “Masken” y “Psi Gamma”. Escúchalos aquí

Laikamorí es una formación de dream pop, shoegaze, electrónica experimental y pop distópico, que mediante túnicas y máscaras, crean un concepto y ritual que enaltece su experiencia en vivo. 

Sigue a este para en sus redes sociales y conoce más de ellos o proyectos similares a través de Indie Rocks! 

Mundo Prestigio y Grande Amore comparten “Nunomanía”

“A nunomanía non parece ter fin!”, se expresa en el tema conjunto.

En abril de 2020 conocimos “Mundo Nuno”, un tema colaborativo entre Mundo Prestigio y Grande Amore compuesto por eufóricos beats y peculiares cajas rítmicas. Ahora, ambas bandas vuelven a unirse con el tema “Nunomanía” para anunciarnos su próximo EP conjunto mediante un video musical.

El recién sencillo fue compuesta en Galicia, donde la voz de Nuno Pico, alias Grande Amore acompaña a la exquisita música de Ju, Brais, Fiz y Fer, los cuatro integrantes de Mundo Prestigio. Es así que el sonido de los beats y sintetizadores crea un precedente con la frase “A nunomanía non parece ter fin” y que enaltece al tema de 3:53 de duración.

El video que acompaña a el estreno, se muestra un recorrido por la ciudad mientras se cuestionan que somos irremplazables en el trabajo que realizamos. La idea visual estuvo a cargo del director Xaime Miranda, quien ganó el premio Mestre Mateo en 2020 en la categoría de “Mejor Videoclip” con “Esquilmates” del grupo Herdeiros da Crus.

“Nunomanía” funciona como primer adelanto del próximo álbum en conjunto de Mundo Prestigio y Grande Amore, el cual estará disponible próximamente en la plataforma de streaming de tu preferencia. Por ahora deléitate con este estreno lleno de introspección.