Ciclo Hipnosis II: Par Ásito + El Universo + Davosea

Siempre fuimos ruido.

El sonido es uno solo; somos nosotros quienes colocamos el silencio en rangos de tiempo específico para regalarnos la ilusión de melodía, armonía y resolución. Podríamos pensarle, en su estado más puro, como una jaula auditiva extendiéndose hacia todas direcciones, cuyo único propósito es el de privarnos del espacio sensorial que nos aleja de nosotros mismos. Este impulso de bruma y éxtasis decayendo violentamente hacia lo íntimo fue el retratado por Par Ásito, en compañía de El Universo, durante el cierre del segundo Ciclo Hipnosis previo al esperado festival.

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El proyecto capitalino comandado por Eder Ademar rompía el stand by dentro del venue a base de sonidos hard ambient, introduciéndonos suavemente a las capas de instrumentación colocadas quirúrgicamente por los integrantes. Bajo, batería y el juego de loops labrado por la Jazzmaster del frontman envuelto en los arreglos de la Jaguar en manos de Samuel Osorio (Sunset Images) serían más que suficientes para arrancarnos el aliento durante la cascada de distorsiones derramándose desde el escenario.

Traducir las horas de trabajo en solitario por parte de Ademar a un formato full band debió ser uno de los más grandes retos a los que se haya enfrentado El Universo dentro de su meteórica carrera artística, sin embargo, la compenetración entre los músicos aunada a la libertad de jam presente en cada track dio como resultado una marejada de shoegaze, space sound, stoner y krautrock plenamente disfrutable por los asistentes.

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El avance del setlist no hacía más que transportarnos al mismo mood de sensación extrema compartida por los altos parlantes. Éramos arrastrados por la vastedad del vacío cósmico llegando a los límites de lo ultraespacial, escuchábamos visiones de cuerpos celestes colisionando unos con otros, la voracidad del cuerpo negro, el incendiar masivo de lo estelar. Habíamos llegado al centro del cosmos y en él la única verdad fundamental: ruido.

El hilo de soundscape que El Universo dejaba tras de sí nos servía de guía para encontrarnos frente a frente con el acto estelar de aquella noche. Iniciando como un pequeño empuje de voracidad que se convertiría en un trance de sonido monstruoso sin lugar a respiros por poco más de 60 minutos; Par Ásito había comenzado.

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Reverbs hiperestéreo a seis cuerdas, paisajes de sintetizador estridente, hipnosis de bajas frecuencias y uno de los bateristas más imponentes del mexaground contemporáneo son solo algunas de las líneas con las que podríamos empezar a describir la experiencia en vivo que es el cuarteto, quienes, tras encontrar una base sólida en la dupla del guitarrista Fabriccio de la Mora y el tecladista Daniel Nuñez, han sabido rodearse de los músicos correctos para volar las cabezas del público en cada uno de sus conciertos, siendo esta última fecha no la excepción.

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Explosiones de progresivo camuflajeadas entre riffs distorsionados y wall of sound nos acompañarían intermitentemente a lo largo del set, intercalándose con respiros instrumentales subiendo y bajando el tempo en cada corte para introducir aún más textura entre lo armónico.

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El furioso descenso por cada track larga duración parecía no poder terminar, Par Ásito había encontrado la manera de sangrar las paredes del foro indefinidamente llevando el oído colectivo hasta el corazón del space hell, dejándonos perder, caer y elevar ante la mirada furtiva del sacro ruido.

Davo Peñaloza (Davosea) daría los toques finales a la brutalidad en este cierre de ciclo dejándonos más que preparados para la fiesta grande los próximos cuatro, cinco y seis de noviembre. Hipnosis más vivo que nunca.

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“Podrido”, el nuevo sencillo de Jonaz

Un sentimiento negativo cuando la relación termina mal.

Las relaciones conflictivas son el eje central del nuevo tema “Podrido” de Jonaz, una composición dedicada a aquellos sentimientos negativos que nos oprimen, a pesar de tener la esperanza de regresar a lo que en su momento fue glorioso.

La temática de este sencillo personifica “al primo de un amigo” que insiste en volver con su ex pareja sin pensar en su estabilidad emocional. Sin embargo, este personaje toma venganza a través de un sentimiento “Podrido” hacía su otra mitad y de la toxicidad en la que estuvo envuelto, una forma de hacer hincapié al título de la canción.

Tengo un sentimiento dentro de mi corazón, un sentimiento podrido, y aunque sé que sin ti la vida es mejor, yo sólo quiero encontrarte y regresártelo”, destacó el artista regiomontano sobre su tema.

Ante esta tormenta amorosa, el videoclip de “Podrido”, dirigido por Juan Brambilia para Panoramic a Films y grabado en Sonora, retrata un estilo sangriento como el de Quentin Tarantino y hace énfasis en la destrucción física y mental que uno atraviesa ante las malas rupturas.

Luego del lanzamiento de su propia cerveza artesanal, el intérprete Jonaz cierra el año con este estreno; así como el lanzamiento de su siguiente proyecto discográfico programado para el mes de noviembre. Por ahora te dejamos a continuación el tema “Podrido”.

Radiohead llega a Bandcamp

La banda liderada por Thom Yorke ha estrenado todo su catálogo y algunas cosas extras en la plataforma musical.

Buenas noticias para todos los fans de Radiohead, a partir de hoy ya pueden encontrar el catálogo completo de la banda en la plataforma Bandcamp. Esto incluye sus nueve discos de estudio, además del álbum en vivo I Might Be Wrong (XL Recordings, 2001), discos especiales como el TKOL RMX 1234567 (XL Recordings, 2011) o el In Rainbows (Disk 2) ((XL Recordings, 2007), es más se confirmó que hasta el Kid A Mnesia, que saldrá el próximo 5 de noviembre, también estará dentro del perfil de la banda en Bandcamp.

Dentro de los materiales que aún no se han confirmado para estar dentro de este catálogo están las raras grabaciones de la época del OK Computer que, irónicamente, la banda si sacó por tiempo limitado en Bandcamp para donar todas las ganancias a la organización Extinction Rebellion.

 

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Cabe mencionar que estás grabaciones no estaban destinadas a ver la luz, pero en su momento el guitarrista de la banda, Jonny Greenwood, declaró en tono de broma. "Nos 'piratearon' la semana pasada. Alguien robó el archivo de minidiscos de Thom de la época de OK Computer y, según los informes, exigió 150 mil dólares bajo la amenaza de publicarlo. Entonces, en lugar de quejarnos mucho o ignorarlo, lanzaremos las 18 horas en Bandcamp para ayudar a Extinction Rebellion. Solo durante los próximos 18 días. Entonces, por £ 18, puede averiguar si deberíamos haber pagado ese rescate".

Los otros materiales que tampoco se sabe si se podrán disfrutar en Bandcamp son los conciertos en vivo que se encuentran en el canal de YouTube. Mientras tanto puedes checar todo el catálogo disponible de Radiohead en Bandcamp justo por acá.

Billie Eilish anuncia su primer perfume 'Eilish'

Se espera la llegada de su aroma en este otoño.

Después de anunciar su participación en el festival Glastonbury de 2022 , la cantante Billie Eilish vuelve a los reflectores y no con nueva música, sino con el lanzamiento de su propia fragancia titulada Eilish, un emprendimiento del cual se siente emocionada.

A través de su cuenta oficial de Instagram, la intérprete de “Bad Guy” compartió una imagen de ella misma posando con su nuevo producto y que es una silueta femenina con tonalidad dorada. En el pie de foto, la artista explicó que su perfume es el proyecto más importante en su vida, ya que siempre quiso hacer uno.

 

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La fragancia siempre ha sido una parte tan importante de mi vida y existencia desde que tengo uso de razón, y fue un sueño crear esta fragancia y dar vida a mis ideas; ha sido una de las cosas más emocionantes que he hecho. ¡No puedo esperar a que sea tuyo tan pronto!”, detalló la cantante sobre su lanzamiento.

Como parte del anuncio, Billie Elish creó una nueva cuenta titulada Billie Eilish Fragances. Por ahora se desconoce el día que estará disponible su perfume, solo su llegada en este otoño, pero puedes registrate en billieeilishfragrances.com para conocer todos los detalles.

PREMIERE FARO: Nacho Vegas presenta video para “La Flor de la Manzana”

Regresan las #PremierFaro, y lo hacen por todo lo alto. Hoy tenemos el placer de estrenar en exclusiva el videoclip de “La flor de la manzana”, de Nacho Vegas, una pieza animada por el destacado ilustrador Miguel Brieva que supone el primer adelanto del próximo disco del cantautor asturiano a editarse a comienzos de 2022.

Tendremos que esperar hasta principios de 2022 para escuchar el nuevo disco de Nacho Vegas que publicará el sello Oso Polita. Pero ya podemos disfrutar de “La flor de la manzana”, una pieza con la que el asturiano se atreve a experimentar con los aires latinos y rítmicas que se acercan a la bomba portorriqueña, al dembow dominicano y al reggaeton.

La canción está inspirada líricamente en el despido y posterior huelga de hambre de un grupo de trabajadores del puerto marítimo de Xixón, ocurrido durante el peor momento de la pandemia y que no fue seguido ni por los medios de comunicación, ni mucho menos por las instituciones.

Pero volviendo a lo musical, “La flor de la manzana” es una pieza para la que Vegas ha decidido poner sus ideas en común con diversos músicos y completarla con las percusiones y voces invitadas de Mancha ‘E Plátano, grupo de portorriqueñas afincadas en Barcelona que, en palabras del propio Vegas, han sido “fundamentales para la canción”.

Hans Laguna, uno de los productores del tema, apunta que la canción se mira en el álbum Teatro de Willie Nelson, “cuya mezcla de ritmos latinos con la tradición anglosajona nos atrajo y fue la inspiración para añadir las percusiones afrocaribeñas”.

De ahí que “La flor de la manzana” sirva para iniciar una nueva etapa en la carrera de Nacho Vegas, abandonando cualquier tipo de comodidad y experimentando a la búsqueda de caminos todavía inexplorados en su ya larga trayectoria.

Por si no hubiera suficiente con la novedad, la canción ha contado con la colaboración de músicos como Alba Careta (trompeta), Cristian Pallejà (guitarra española), Ferran Resines (teclados), Haitzea Martiartu (saxo), Hans Laguna (bajo), Joseba Irazoki (guitarra eléctrica), Manu Molina (batería), María Cofan (trombón) y con Mancha ‘E Platano a las percusiones y los coros.

“La flor de la manzana” se grabó en los estudios La Casamurada, ha sido producido por Nacho Vegas, Cristian Pallejà, Ferran Resines y Hans Laguna, y masterizado por Víctor García.

La animación del videoclip y su gráfica, como también lo será la portada del nuevo disco, son obra del reconocido ilustrador y autor de cómics Miguel Brieva. Nacho Vegas comenta sobre su aportación.

El trabajo de Miguel Brieva tanto en las animaciones del vídeo como en la portada del sencillo habla por sí mismo; es un artista al que admiro profundamente; hablamos bastante sobre lo que me había inspirado a la hora de escribir esta canción y sobre el contexto y las motivaciones del álbum en general y creo que ha dado en el clavo, imprimiendo ese sello personal tan característico cuando combina dibujo y collage, tal vez una parte menos conocida de su obra”.

 Dale play a continuación:

“Dead Flowers”, lo nuevo de HEALTH con Poppy

Hoy se estrenó esta colaboración de la cual ya se había liberado un teaser esta semana y es todo lo que prometía ser.

Las colaboraciones que ha hecho últimamente HEALTH han dado justo en el clavo para la fanaticada de la banda. Primero salió "Isn't Everyone" junto a Nine Inch Nails, luego se estrenó "Anti-life" con la participación de Chino Moreno de Deftones y ahora fue lanzada una nueva colaboración a lado de la cantante Poppy, se trata de "Dead Flowers", canción que estará dentro del próximo disco de la banda, DISCO4 :: PART II que será lanzado bajo el sello Loma Vista Recordings.

 

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Fiel a su estilo de rock industrial, HEALTH presenta una canción con efectos en las guitarras y en las percusiones. Aunque "Dead Flowers" tiene un tempo más lento que de costumbre, los elementos característicos de la banda se encuentran presentes en este nuevo tema. La voz de Poppy encaja muy bien con la música de la canción, se combina orgánicamente con la voz de Jake Duzsik, quien se limita solo a cantar los coros. La participación de Poppy se siente natural e incluso si HEALTH la integrara como un miembro más de la banda, no habría muchas personas que se pudieran molestar.

 

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También fue lanzado el video oficial de esta canción con visuales creados por HEALTH en blanco y negro en donde podemos ver a la banda tocando en vivo detrás de un tipo de neblina espesa. Lo puedes ver justo aquí debajo:

Parcels comparte el tema “Theworstthing” con video oficial

El último sencillo de su nuevo álbum Day/ Night.

El grupo de pop/funk, Parcels, regresa con nueva música y nos deleita con "Theworstthing", la última canción y video de su esperado álbum Day/Night, el cual estará disponible el 5 de noviembre en Because Music y a través de Virgin Music México.

Con ritmos contagiosos y bailables, el tema "Theworstthing" nos muestra su lado más reflexivo y melódico para satisfacer nuestro oído. La canción fue escrita y producida por la misma banda que cuenta con una mezcla de James Ford y los arreglos de cuerda de Owen Pallett.

Las líricas del sencillo evocan a la compasión, el amor, la ira, la decepción y el dolor; así como la aceptación de este conjunto de emociones para una liberación y aceptación del ser. Sin duda es una historia de resolución que confronta aquellos sentimientos en todo su esplendor y lo hace con sesiones de terapia como se visualiza en el videoclip, dirigido por Carmen Crommelin.

“Theworstthing" es parte de la cuarta discografía de Parcels, un un disco doble que contará con un lado de noche y otro de día con sus 19 tracks. Y como parte de este proyecto, se está llevando a cabo un gira titulada igual que el álbum que terminará en 2022 en el escenario de Pepsi Center WTC de la Ciudad de México.

Parcels_2021

Te dejamos a continuación el tracklist de Day/ Night:

Day
1. "LIGHT"
2. "Free"
3. "Comingback"
4. "Theworstthing"
5. "nthecity" (Interlude)
6. "NowIcaresomemore"
7. "Somethinggreater"
8. "Daywalk"
9. "Outside"

Night
1. "SHADOW"
2. "Neverloved"
3. "Famous"
4. "Icallthishome"
5. "LordHenry"
6. "Thefear"
7. "Nightwalk"
8. "Reflex"
9. "Once"
10. "Inside"

Circuit Des Yeux — -IO

Estremecedor soundtrack para el fin de la vida.

Es difícil imaginar que todo tiene un final, que somos parte de un capitulo que se va a cerrar el algún punto. Lo más cerca que hemos estado de este sentimiento de manera colectiva fue durante la pandemia, que en mayor o menor medida nos ha puesto un escenario que nadie había pensado hasta ese entonces: el apocalíptico. Haley Fohr ya se encontraba batallando con el dolor de perder un amigo, cuando su pena se volvió de alguna manera "el sentimiento de todos", pues muchos que dejaron ir a sus seres queridos, esta situación y una visita a California hicieron el resto: El tercer álbum de Circuit Des Yeux, - IO, es un paisaje que lleva la palabra FINAL como tema central.

El disco compuesto en su totalidad por Forh, bebe de la electrónica, elementos de rock y una sección de cuerdas cómo fuente principal. Esto pese a que las canciones en fueron compuestas en primera instancia por el piano, un instrumento que de alguna manera le devolvió la confianza y que encontró en su sonido una manera de poner todo el dolor con el que cargaba.

Este no es el primer trabajo en el que el escucha, se encuentra con un muro de sonido y voz de carga bastante oscura. Sin embargo, pese a la temática y el concepto en general, es su trabajo más accesible a la fecha, mucho de ello tiene que ver con las melodías, apoyadas por unas letras que sin decir demasiado sintetizan cada una de las ideas de Haley que no se esfuerza por engalanar su mensaje, por el contrario, muchas veces las frases se alargan, las palabras se convierten en mantras y es gracias a su ya conocido registro grave, que la compositora logra cautivar y estremecer por partes iguales.

Debido a las restricciones por el COVID-19, la productora compuso todas las líneas de cuerdas desde la voz, dando como resultado un sonido homogéneo que está al servicio de lo que ella desea. El mejor track y uno ya de los futuros clásicos de su repertorio es “Sculpting The Exodus”, el cual tiene un sonido va creciendo poco a poco hasta un climax vocal con referencias a la torch song que dura tan poco que logra su objetivo, repetir la canción. Así tenemos viajes espaciales que se pueden vivir en cámara lenta cómo en el tema “Walking Toward The Winter” o el rock clásico de “Vanishing” que incluso podría bailarse.

El disco va de menos a mas en minutaje, por ende se vuelve más oscuro, por ello es curioso que otra de las joyas escondidas del disco sea “The Chase” dónde un susurro te guía por gran parte del tema, mientras una guitarra mantiene los mismos acordes, esto en vez de generar molestia crea tensión, que se mantiene gracias la voz que la acompaña.

La última parte del disco se compone de una trilogía de canciones preciosistas que van de la melancolía ("Neutron Star") a la dolor y la desolación que ello provoca en la semi acústica “Stranger”. El último track tal vez sea una pista que indica por que en las imágenes promocionales y en la portada del disco se le nota liberada. En "Oracle Song" su voz es diferente, mucho menos invasiva, las melodías más amables e incluso el coro que la acompaña se escucha lleno de esperanza. No sabemos si el final de la historia finaliza en el cielo o el infierno, pero tal vez sólo necesitas saber que terminó en paz.

TELEBIT — Caída Libre

Caída Libre y aterrizaje seguro.

La palabra singularidad tiene dueño, y es propiedad de Telebit; el grupo latinoamericano de rock alternativo con cadencias chamánicas y fusiones electro-andinas que se abre paso en una nueva etapa. 

Después de 10 años de carrera el proyecto colombiano ha encontrado su lugar. Está claro que no es el  mismo desde su primer álbum (Primera Dimensión), pues el cambio y la evolución ha sido parte de ellos a lo largo de este camino. Es ahora, en Caída libre — su cuarto disco de larga duración— donde encontramos la sucesión de aquellas cadencias distintivas y propositivas, con sonidos arraigados a todo lo que los caracteriza. 

Esta colección de 10 temas alberga progresiones de synthwave y rock pop alternativo, aún con ese tinte electrónico tan característico (“Cuando Te Veo”, “Duele Si Te Vas”, entre otras). Por otra parte, nuevos terrenos explorados como lo son bases rítmicas y líneas de rap (“Vámonos” ft. Rap Bang Club), y la rigurosidad de la saturación (“Caída Libre”), sin dejar algunos elementos insignia como la ya mencionada fusión electro-andina ( “Alma”, “Coordenadas”) que persigue gran parte de la discografía de Daniel Acosta, Felipe Rondón y Nicolás García

En cuestión de atributos la lista se extiende, pues el trío expide madurez y un sonido más asentado en lo que respecta a todo el fondo y forma del disco. Sin embargo, pareciera estar compuesto en dos partes; La primera, cuya extensión va del track 1 al 5 y se limita a crear atmósferas simples: estructuras que en función de un buen tema sirven para dejar pegado al escucha con su riffs y progresiones melódicas adherentes, pero que en cuestión del espectro completo del conjunto colombiano, caen en un espacio liminal. 

En otra mano, la segunda, de la pista 6 a la 10.  Un umbral que imprime la huella digital de Telebit, pues remontan al aura sonoro de algunas producciones anteriores en esencia, y más específicamente en versatilidad. Con la implementación de elementos como samples, beats programados, la incorporación de una bandola andina, cuerpos corales, percusiones varias y esos fraseos de guitarra heredados de su pasado (Ciegos Corazones, 2017 - Doce Vientos, 2015). 

En pocas palabras, el disco es un híbrido en funcionalidad y sonidos base, ya que entrega al público melodías no tan arriesgadas, pero sí memorables, además de un sonido trascendente, que casi como un tatuaje, está ligado a sus composiciones anteriores. 

Han pasado cuatro años desde su más reciente LP y parece ser que hubo el tiempo suficiente para dejar en claro quienes son ahora. Caída Libre es una edificación sonora limpia a nivel producción y atinada, quizá no un hito en todo su catálogo, pero si un compilado que podrás recordar por un buen rato. 

 

Entrevista con Elbow

"The Seldom Seen Kid" es una nueva canción con un título antiguo.

La banda inglesa Elbow lanzó su nuevo sencillo titulado "The Seldom Seen Kid", nombre que se tomó de su álbum creado en el 2008. “Fue nuestro más exitoso álbum en 2008 en Europa y estuvo dedicado a un amigo, Bryan Glancy quien murió en el 2007. Era un hombre increíblemente popular y encantador. Fue el primero de todos los amigos en morir. Fue muy impactante, una muerte muy joven”, menciona Guy Garvey.

Este sencillo es una “extraña” pero al mismo tiempo “tierna” manera de unir mediante la música a dos personas importantes en la vida del líder de la agrupación: por un lado, a su difunto amigo Bryan y por otro lado a su esposa.

Durante la pandemia estaba escribiendo en mi casa, estaba lloviendo afuera y mientras miraba la habitación vi la foto de Bryan y me di cuenta por primera vez ¿Qué hubiera pasado si él hubiera conocido a mi esposa? Realmente habrían explotado de amor el uno por el otro. En la canción pueden imaginar a los dos bailando. Los conozco muy bien y se a donde hubiera llegado porque se trataba de Bryan”. El confinamiento sin querer hizo que Guy se encontrara de nuevo con esa fotografía. Motivo que llevó al músico a crear un sencillo en el cual este suceso se expresa.

Pero, pese a esto, también en este encierro sucedieron cosas difíciles de sobrellevar y más cuando se encontró en un momento en el que el aislamiento dominaba a todo el mundo. “Durante el encierro, todos trabajaron en su propio espacio. Tuvimos dificultades y tuve un encierro particularmente difícil. La mamá de mi esposa murió en nuestra casa, tenía cáncer y vivió sus últimos seis meses con nosotros, así que imagina a un pequeño niño en la casa, mi esposa cuidando a su mamá y yo”.

Estas circunstancias hicieron que el vocalista y el resto de los integrantes de la banda pudieran tener un acercamiento y comenzaran a grabar The Seldom Seen Kid, pero particularmente el lugar donde fue realizado el videoclip fue en un teatro, un espacio que no fue ocupado por motivos evidentes de la pandemia y donde únicamente Elbow estaba.

Así que estuvimos buscando estudios donde normalmente se grabaría, y entonces dije porqué no en un teatro cuando nadie puede ir porque no pueden abrir. Tenemos un telón de fondo, así que fue una romántica ilustración”.

La canción como el lugar donde se grabó el video representan algunos de los tantos sucesos importantes dentro de la carrera de Guy Garvey. Por estas razones es importante poder escuchar el nuevo material que la banda trae para sus seguidores, después de un confinamiento cargado de estrés y tragedias, la música representó un importante escape de la cruda realidad para ellos, así como de muchas personas más.

Guy Garvey, se despidió de esta breve pero enriquecedora entrevista enviando mucho amor para su público en México.

“Me gustaría enviarles todo mi amor, particularmente a Indie Rocks!. Volveré cuando sea permitido con Elbow o sin Elbow regresaré a México. Ese fue uno de los últimos conciertos que tuvimos antes de la pandemia”.