Fotografo: Paola Baltazar

Frank Turner en el Foro Indie Rocks!

México, el arranque perfecto para Frank Turner.

El cantautor inglés Frank Turner regresó a la Ciudad de México, junto con su banda The Sleeping Souls (que nos visitó por segunda ocasión), esta vez para dar inicio a su tour mundial y  apoderarse del escenario del Foro Indie Rocks!, el concierto tuvo lugar la noche del viernes 4 de octubre.

Después de que el artista mexicano Andrés Canalla tomara el escenario para preparar a la audiencia y compartir con ellos sus creaciones, acompañado por su guitarra, armónica y una tecladista, las luces del recinto se apagaron y en el escenario se alcanzaron a vislumbrar cinco hombres con camisas blancas y el público hizo notoria su emoción con gritos y aplausos. Inmediatamente inició "Get Better", canción de su material discográfico Positive Songs for Negative People (2015), cumpliendo lo que comentó en entrevista con Indie Rocks!, de tocar canciones de todos sus álbumes para mantener felices a todos en la audiencia.
Pasadas tres canciones, Turner pidió a los asistentes que solo siguieran dos simples reglas para poder estar en el show: respetar a todas las personas presentes, y cantar las letras de las canciones lo más fuerte que les fuera posible. Inmediatamente después, los invitó a hacer un círculo en el centro de la pista, dando instrucciones para lograr el circle pit.

Antes de "Photosynthesis", mencionó que los integrantes de The Sleeping Souls regresaron con la única condición: que la gente no parara de brincar durante este tema, y el público no los decepcionó.
De su nuevo disco, No Man's Land deleitó a sus seguidores con "The Lioness", una de las canciones que Turner más disfrutó grabar recientemente.
Tanto Frank como su banda, mencionaron estar felices de regresar, pues todos los asistentes bailaron y cantaron sus canciones, abandonando el lugar mostrándose felices. Los músicos prometieron hacerlo nuevamente para dar un show exclusivamente de los temas nuevos que componen, No Man's Land.

Truckfighters en SALA

Globos, inflables y mariachis en la primera visita de Truckfighters.

Los conciertos de psicodelia y stoner crecen a gran velocidad en la CDMX, y esto es gracias a promotoras independientes que se arriesgan y hacen hasta lo imposible para traer a proyectos. Pero Kill Pill Klvb se ha ganado un lugar especial entre los amantes de la escena por exigirse la más alta calidad en sus shows y a precios muy accesibles. Esto fue lo que sucedió en Truckfighters.

La noche de ayer fue algo que muchos esperábamos, pues el evento prometía una completa sobredosis de fuzz. Cuatro actos: Saturno Grooves, Vinnum Sabbathi, James Leg y, coronando, el primer show de Truckfighters en México. Era un line up inmejorable y por solo 550 pesos, también imperdible.

La gente se formó en el SALA desde temprano. Para ser honesto esperaba más personas, había mucho espacio dentro del lugar. Supongo que para muchos fue un alivio no estar apretados, pero tener terreno de sobra no es lo ideal en un concierto que tenía todo para el moshpit y que invitaba al crowdsurfing.

Al entrar, lo primero que llamaba la atención era el escenario. La lona de Kill Pill Klvb, las estructuras metálicas, e incluso las banderas de México sobre los amplificadores, hacían que pareciera el stage de un estadio. Era diferente y extraño, pero con mucha personalidad.

Inició Saturno Grooves en punto de las 21:00 H. La banda no desaprovechó el lugar ni el momento y convencieron al público con energía y dinamismo. Debo decir que en algunos momentos perdían el ritmo, pero era por la intensidad que mostraban. El grupo avivó el lugar y metió en calor a los asistentes. Fueron clave para que la noche fuera un éxito.

Vinnum Sabbathi era el siguiente, y aunque la banda comenzó algo acompasada, poco a poco nos fue envolviendo con su estilo hasta irse entre gritos y aplausos. Me sorprendió bastante, es una banda sólida, interesante y que sabe bien lo que hace.

El cambio a James Leg tardó un poco, pero la espera valió la pena. El músico es una bestia sobre el escenario y su show es como ver la transformación de Jekyll a Mr. Hyde. Llegó con sombrero y mostrando una cara amable, pero cuando se sentó frente a su instrumento se convirtió en algo desconocido. Bañado en sudor, con el cabello sobre el rostro, dando patadas al aire y gritando con su voz descompuesta nos daba una imagen aterraba y maravillaba.

James Leg se exigió bastante en el escenario y prueba de eso es su baterista pues se tiraba la cerveza encima tratando de seguirle el paso al cantante. James impactó con su talento y presencia. Es un músico, pero también un verdadero showman.

Finalmente, la lona de Kill Pill Klvb bajó revelando una manta con la portada del Gravity X, disco que la banda iba a tocar de principio a fin. El lugar se encendió nuevamente cuando apareció Dango. El guitarrista se veía emocionado y descontrolado y quería contagiarnos con el mismo sentimiento. Se quitó la playera desde el inicio y no paró de saltar sobre el escenario en ningún momento. Sus compañeros, Ozo y Enzo, aunque también se veían con entusiasmo, su reacción fue menos impetuosa.

El show de Truckfighters fue bizarro, intenso y espectacular. La banda no decepcionó y el público mantuvo la locura en todo momento. Pero buena parte de eso se lo debemos a los mismos organizadores y sus props. La gente de Kil Pill Klvb que bajó globos, inflables y trajo un mariachi. Pero lo más importante que le dieron total libertad al público.

El concierto tuvo varias sorpresas y momentos únicos. Fue una verdadera fiesta y estoy seguro de que, tanto la banda como nosotros, nos llevamos uno de los mejores momentos del año. Agradezco que se hagan este tipo de eventos, que buscan llegar más allá de ver a una banda y dan paso al desenfreno. Solo me queda decirles a todos los que no fueron, que se perdieron algo único e inigualable.

Porter en el Teatro Metropólitan

Porter: Máquinas en el escenario.

Hace una semana, Porter anunció que los boletos para su presentación en el Teatro Metropólitan estaban agotados. Ayer, la banda tapatía demostró el porqué del sold out, en una noche llena de furor en la que los fans disfrutaron de la presentación oficial de Las Batallas, la más reciente producción discográfica del cuarteto liderado por David Velasco.

Antes. A las 21:00 H y durante 25 minutos, Señor Kino, quinteto sonorense de surf punk integrado por Karl, Ramsés, Sofia, Carolina y Erubiel cautiva a los presentes con su sonido fresco con apenas cuatro canciones, siendo “Portal de colores” la primera de ellas. Mientras tanto, el público sigue llegando, al tiempo que todas las luces se apagan y solo quedan las del escenario. “Elesdí”, “Mamón” y un tema nuevo completan la colorida presentación de Karl y compañía.

El inicio del ciclo. Pasadas las 21:40 H, la música de fondo se corta, las luces se apagan y la emoción por ver a la banda principal aumenta. Parece que es momento de ver a Porter. Sin embargo, un presentador con cero carisma aparece para decir que es la segunda llamada. Dos minutos (eternos) después, regresa para agregar “Tengo con ustedes a los hombres máquina”. El telón negro se abre y David Velasco, Diego Rangel (Bacter), Víctor Valverde (Villor) y Fernando de la Huerta (Medusa), los cuatro vestidos de negro y conectados a un tubo que los hace parecer robots, comienzan a tocar la hipnotizante “Hombre máquina”. Cada integrante tiene de frente un pad de batería, como en el lyric video de dicha canción. Kraftwerk estaría orgulloso.

“¿Qué dice mi México querido?”, pregunta David al finalizar el primer tema, para seguir con otra joya perteneciente a Las Batallas: “Chesko”. Al terminar, Luis Mejía, el baterista de apoyo de la banda, realiza un breve pero atractivo solo de batería. “Cuervos” no pudo tener mejor antesala.

David hace una pausa para decir: “Esta rola va para los que se adelantaron y están allá arriba”. Mi mente inmediatamente piensa en un ser querido: mi abuelita. El intro lacerante de “Himno Eterno” lo hace aún más doloroso. Se supone que vengo a disfrutar, no a llorar. “Raro, no entiendo por qué ya no estás aquí, ya no eres físico, nunca pensé que no estarías aquí”. Piel erizada y lágrimas a flor de piel.

Después del momento nostálgico, la histórica “Rincón Yucateco”, de su disco antecesor Moctezuma aparece en el setlist. Para la siguiente pieza, unas luces blancas caen sobre la figura de David. ¿La razón? La mística “¿Qué es el amor?”. “Cuxillo”, uno de los mejores temas del 2017 no podía faltar en esta gran noche, así como “Bandera”, el primer sencillo de Las Batallas, antes de que David dijera: “¿Cómo van, Metropólitan? ¡Qué chido estar aquí otra vez, muchas gracias!” y le diera paso a “Konnichiwa”.

Al término de “M Bosque”, David se lleva ambas manos a su boca y envía besos a los presentes. La multitud grita y agradece el gesto. La bipolar “Cuando lloro”, la cual combina un sonido orgánico de guitarra que se transforma en una parte digital con sintetizadores, sin perder la magia del track es la siguiente de la noche.

Los miembros de la banda abandonan el escenario y el presentador del principio reaparece para pedirle a los asistentes que saquen sus máscaras inspiradas en la portada de Las Batallas, las cuales, desde antes del evento se encontraban en los portavasos de las butacas. Ante la poca, casi nula respuesta del público, la realidad es que fue tiempo suficiente para que los músicos cambiaran de vestuario, pues todos regresaron con un outfit más cómodo, David, por ejemplo, con un poncho negro.

Las potentes “Palapa”, “Tzunami” son las elegidas antes de la clásica e infaltable “Espiral”, la más coreada, gritada y aplaudida, sin duda. Pero la euforia no paró ahí, pues “Pájaros”, una de las favoritas del nuevo material mantiene las emociones a tope. Al culminar, la porra a Porter inunda al Metropólitan y cómo no, si “La China” encanta a todos.

Pasan las 23:00 H y el “Muchas gracias, México” de David Velasco es la señal de que el final se acerca. Sin embargo, hay tiempo para una más: “Huitzil”. El track termina, las luces se encienden, el público no entiende nada. “Faltan un buen”, declara uno, “Sí, falta ‘Host of a Ghost’, responde otro.

Dos minutos más tarde, el encore lo marcan “Arcade” y “Para ya”, las últimas que faltaban para completar el ciclo de Las Batallas. “Mis queridos amigos, esperamos haber dado un poquito de lo que nos dan, los queremos un chingo”, manifiesta David. ¿Adiós, vaqueros? No, “Murciélago” es la definitiva. Ni modo, tocaron más de dos horas, pero no tocaron “Host of a Ghost”, Dios da, Dios quita.

Luego de 20 canciones, David arroja su poncho al público, poniendo punto final a una noche mágica, prehispánica e industrial. Porter demuestra porqué es una de las mejores bandas de rock mexicano y lo viene evidenciando desde 2015, año en el que lanzaron Moctezuma, considerado uno de los mejores discos de rock mexicano de la última década y el mejor de su carrera. Las Batallas está un escalón o quizá dos abajo, lo claro es que es un álbum que en vivo dio prueba de que los tapatíos son unas máquinas en el escenario.

Entrevista con Ikiatari

Ikiatari y el doloroso placer de ser independiente.

Todo empezó en 2013 cuando Esteban (guitarra) y Martha (Batería) decidieron que Ikiatari sería el nombre de su nueva aventura y que con el paso de los años han logrado consolidar un sonido que oscila entre el math, el post rock y lo experimental, el dúo vive intensamente el DIY y platicamos con ellos para conocer cómo lo han pasado este tiempo y sobre su nuevo material, Punto de restauración.

Esteban recordó los inicios. “Teníamos otro proyecto que sonaba rock pop y decidimos cambiar así nació Ikiatari, modificamos hasta nuestra manera de componer sin fijarnos en los tiempos, si son cuatro cuartos o lo que sea”. “Nos influenció mucho una banda que se llama Lite de Japón pero también hay muchas cosas que nos gustan, cuando grabamos lo notamos en cómo se van dando las canciones”, agregó Martha.

La banda no siempre ha sido un dúo, por un lapso se volvió trío, aunque regresaron al formato original, suceso que no pasó desapercibido, su nuevo disco Punto de restauración representa justamente eso, un regreso a las raíces.

“Es importante porque siento que regresamos al Ikitatari LP (2014) es como más nuestro otra vez, una composición genuina de lo que estamos sintiendo, y pues lo hicimos aquí, yo lo grabé, lo mastericé, todo lo hace Ikiatari, todo es hecho a mano”, expresó entre risas el guitarrista.

El resultado es un disco potente que se disfruta muy bien, para presentarlo en vivo el formato de la banda variará entre dúo y trío. “Antes nos subíamos dos, después tres, pero ahora que regresamos a ser dos, resulta que hemos tenido la oportunidad de conocer mucha gente y un bajista de la CDMX que conocimos hace tiempo dijo que sí se rifaba y en la presentación del disco tocó él”, preciso Esteban.

Mientras que en el proceso creativo el grupo asegura, no le gusta dejar nada al azar, y piensa en los detalles, al momento de componer analiza muy bien la dirección que el riff o la parte que tiene estructurada, necesita.

El dúo ha tenido la oportunidad de girar por el país, tarea nada fácil pero muy gratificante. Así lo explica la baterista. “Nosotros no tenemos auto así que siempre hay que buscar alguien que se rife la manejada, conseguir lo de las casetas y la gasolina, en dónde pasar la noche, sí hay gente que arma shows en los estados, pero en lo general te dan el cover que entre y nunca sabes cuánto va a haber. Andar de gira como una banda emergente es difícil, hay que comer Maruchan o tortilla con sal, pero lo mejor es toda la gente que conoces”.

¿Qué es lo más difícil por lo que han tenido que pasar?, después de un suspiro y risas cortas. “Seguir haciendo esto, ir en contra de la normativa social, no tener un trabajo estable, ir de aquí por allá viendo de dónde sacas dinero”, disparó Martha.

La escena del math y de los experimental ha ganados espacios en los últimos años, además de tener buenos exponentes, Ikiatari lo sabe y ya tiene un objetivo inmediato, tocar en otros países de Latinoamérica, y más adelante cumplir el sueño de conquistar Japón por lo que están dispuestos a trabajar lo que sea necesario para lograrlo.

Motorama en SALA

Una fría y melancólica noche con Motorama.

Pasaban las 19:30 H y el cielo se despegaba después de una ligera lluvia y con ello apareció un arcoíris rodeado de nubes grises que iban dando el toque para una noche llena de post punk directo desde Rusia.

Si bien la banda ya había ofrecido un show días antes en la CDMX el cual fue sold out, el domingo se volvió a presentar en la ciudad en SALA gracias a Eyescream Producciones.

Pasadas las 20:00 H, Vladislav Parshin, Airin Marchenko y Maxim Polivanov subieron al escenario e inmediatamente la gente comenzó a ovacionarlos con gran emoción.

De esta forma Motorama comenzó su set con “Rose in the Vase” y así los asistentes comenzaban a corear con gran emoción “I spend my days sitting, In front of the fireplace, You spend your days dying, Like a rose in the vase”.

Las luces rojas y moradas envolvieron el recinto con “Tell Me”, tema que forma parte de su ultimo material discográfico, Dialogues. Pronto sonarían las armonías dulces con “Wind in Her Hand” donde la gente se volvía loca desde los primeros riffs.

Con fallas en el audio y que de pronto la voz de Vladimir se dejaba de escuchar, pero esto no importaba por que los fans cantaban de tal forma que se sentía un ambiente de armonía.

La banda rusa siguió ejecutando temas como “Ship”, “Homewards”, “I See you”, donde los fans sin duda sentían el cariño especial que Motorama tiene hacia México.

Ya con mejor ambiente y sonido “Alps”, “Second Part” y “Heavy Wave” llevaban este set a su punto más fuerte, preparando la noche para el gran cierre.

Escuchar “My ears were deaf and cold, Please hold me tight in your arms again” erizó la piel de muchos de los asistentes, ya que “Ghost” es uno de los temas más aclamados. “Anchor” y “To The South” dieron el cierre a esta velada.

A pesar de que la agrupación ha visitado con más frecuencia el país, siempre le dan un toque especial a cada uno de sus conciertos.

Night Beats en el Foro Indie Rocks!

Sintiendo el rock psicodélico en la sangre.

Las apuestas y la desesperación por conocer la primera ronda de artistas para Hipnosis 2019 terminaron anoche, y como gran pretexto del anuncio presenciamos el regreso de Night Beats al Foro Indie Rocks!. Los músicos de Seattle nos inyectaron en la sangre su psicodelia con un show que causó sudor al máximo, bailongo, excitación y melenas voladoras.

Previo a que Danny Rajan, Sam Thornton, Evan Snyder y Jaiq subieran al escenario, sucedió lo que todos esperábamos… Hipnosis confirmó a Stereolab, Electric Wizard, Kikagaku MoyoThe Holydrug Couple y a Sei Still como primeros artistas del cartel de su tercera edición a celebrarse el 26 de octubre en Las Caballerizas de Huixquilucan, causando impresiones fuertes en la comunidad que ha ido construyendo Hipnosis con el paso del tiempo.

El proyecto mexa, Richi Copto dio el banderazo a la fiesta que nos esperaba, presentándonos las piezas de Scoundrel, su material de rock psicodélico con líricas en inglés recién salido del horno.

En 2016 Night Beats tuvo su primera visita al país donde dio una explosiva y colorida presentación gracias al aporte de visuales de Lance Gordon, uno de los creadores de shows psicodélicos más alucinantes de la escena americana: Mad Alchemy Liquid Light Show.

En su regreso, ya con canciones de Myth of a Man (2019) su nuevo manifiesto, Danny Rajan mostró la elegancia que lo distingue con un saco vintage en tonos marrones y su clásico sombrero negro, Sam Thornton mostró su destreza en el las cuatro cuerdas y a su vez seducía con movimientos sensuales.

La cabellera dorada de Evan Snyder es algo de admirar al tiempo que domina la batería y la base rítmica para que Danny desenfunde solos de guitarra espléndidos, tomando posesión del piso con algunos movimientos, todo sin descuidar la parte vocal que lo caracteriza y con la mirada fija al público. Recién incluyeron a Jaiq en los teclados y es una pieza clave para el sonido y efectos de R&B que destellan en la esencia de Night Beats.

El setlist conformó canciones como “Sunday Mourning”, “Her Cold Cold Heart”, “Outta Mind”, “The New World”, “Stand With Me”, “Love Ain’t Strange (Everything Else Is)” y “Playing Dead”, entre otras.

Esperamos ver a Night Beats muy pronto y por qué no en algún festival de la escena de garage y psicodelia local.

JMSN en Jardín Juárez

Una noche llena de R&B y luces tenues.

“Si existe alguna posibilidad de que algo salga mal, saldrá mal” es una frase conocida por todos nosotros, bueno, en realidad es una ley: la Ley de Murphy. Aunque no sabemos mucho de aquel tal Murphy ni de cómo llegó a esa conclusión, pero puedo estar seguro que fue en un momento como el que vivimos ayer por la noche con el motivo de la presentación de JMSN por segunda vez en la Ciudad de México.

La situación se complicó después de que se informara del cambio de venue tan solo una hora antes de la pactada para abrir puertas en el Foro Indie Rocks! las personas ahora tenían que llegar a un recinto llamado Jardín Juárez, ubicado a unas cuadras del metro Balderas, en la colonia Centro. Pero las malas noticias no acabaron ahí. Todos contemplábamos que el evento iniciaría a las 21:00 H., o en algún punto cercano de la noche, pero no… aún sin que el lugar llegara a su máxima capacidad y después de horas (literal) de esperar y ver cómo llegaban cajas con amplificadores, consolas y tarimas, Noa Sainz abrió la velada con el reloj marcando las 22:54 H.

Después de pedir disculpas y agradecer a todos quienes se encontraban ahí a pesar del repentino cambio y las complicaciones que ello supuso, la de Saltillo nos deleitó con un setlist bastante ameno y ad hoc a lo que esperábamos para calentar motores antes de escuchar a Christian. Con un par de problemas técnicos que se fueron solucionando conforme su presentación avanzaba, la voz tersa y sensual se escuchaba en todo el jardín y hacía juego a la perfección con las tenues luces que titilaban sobre nosotros, ancladas a marcos de madera que daban la sensación de una casa abandonada a medio construir. La atmósfera del momento comenzó a cambiar y donde antes hubo cansancio y molestia ahora había una sensación de gozo y ánimo. El sonido no era ni por asomo el adecuado, los agudos estaban a tope y la profundidad en los vocales no existía, un audio plano y con más altos que nada fue lo que tuvimos que escuchar durante toda la presentación de la artista que ya se perfila como una nueva promesa del R&B en nuestro país.

Tuvieron que pasar unos minutos más para que a través de los amplificadores y bocinas escucháramos la voz de Christian. Faltando 20 minutos para la media noche JMSN con guitarra al hombro y sus músicos comenzaron a deleitarnos con su sonido. Abrió su presentación con “Levy”, tema de su más reciente disco y a medida que los gritos del público cesaban, la masa de cuerpos reunida frente a la improvisada tarima ondulaba en un baile lleno de sensualidad y cadencia. La calidad de su música es algo a destacar, pues aunque el audio seguía siendo penoso, la voz de JMSN y la habilidad técnica de su baterista y bajista resolvían aquel inconveniente por completo. Siguieron temas como “Fallin’” y “Drinkin’”, siendo este último un recuerdo directo a su presentación previa en nuestra ciudad.

El resto de la noche siguió de la misma manera, con gente bailando al ritmo del de Michigan y disfrutando de cerveza y tragos, olvidando incluso la engorrosa espera y haciendo de la noche una fiesta llena de R&B y luces tenues en la oscuridad.

Ólafur Arnalds en el Auditorio BlackBerry

Una noche para recordar.

Aunque el invierno pegue diferente en distintas partes del mundo, sin duda en Islandia ha de ser una época particularmente especial, acogedora y bastante gélida, pero en el buen sentido. Siempre que lo oímos mencionar o vemos algunas imágenes de su territorio nos remitimos a una tierra remota, de ensueño, llena de praderas, montañas y coberturas de nieve tan suave y dulce como el pan del osito. La pasada noche del 23 de enero tuvimos una rebanada de un invierno real gracias al recital de ensueño de Ólafur Arnalds con motivo de la gira de su reciente disco, re:member.

En un recinto prácticamente lleno, decenas de personas se dieron cita para escapar un rato del ajetreo urbano y dejarse llevar por las capas suaves de melodías, disonancias, solos y armonías logradas por Arnalds y su ensamble de cuerdas en vivo. La ocasión también sirvió para que el músico presentara en vivo su sistema Stratus, que consiste en dos pianos autosuficientes que son accionados por un piano central que tocó Arnalds. De este modo, el público mexicano pudo escuchar ayer una nota singular en el piano de Arnalds que fue reproducida a la vez por otra nota diferente en el piano adyacente. Uno de los instrumentos desafortunadamente no funcionó y eso ocasionó un retraso de una hora para el inicio, por el cual se disculpó profundamente.

No obstante, los ánimos de la concurrencia estaban al máximo. Sorprendente, ya que a veces estamos más acostumbrados a ver a gente más joven saltar, brincar y corear. Estuve anonadado por cómo todo el mundo guardó un absoluto respeto y simplemente se dejó llevar con piezas como “re:member”, “Brot”, “Ekki hugsa”, “saman” y “Nyepi”. Incluso Arnalds realizó un experimento con todos y puso a corear un Mi, para luego samplearlo como ritmo ambiental en uno de sus temas, dejándolo para la posteridad. Si eso no es prender a un público, no sé qué es.

Entre cascadas de luces que interactuaban con cada músico y los iluminaban o apagaban según el mood de la canción, Arnalds mostró un increíble dominio del escenario y como director de grupo, mientras cada tecla dictaminaba a las cuerdas que tenía alrededor. Al final, el público cayó rendido gracias a un tema que Arnalds dejó al final, “Lag fyrir ömmu”, que le dedicó a su abuela, responsable de su gusto y maestría por la música clásica.

Aunque no hubo copos de nieve ni fuertes avalanchas, la sensación fue la misma para todos los asistentes. Como una dulce canción de cuna antes de irnos a dormir y lidiar con las realidades del día siguiente. Es el efecto que logra un buen concierto. Apagar nuestra mente por un par de horas e hipnotizarnos creando otro mundo muy diferente al que está afuera. Sin duda fue algo para recordar.

Apolo en el Foro Indie Rocks!

Rimuri el nuevo disco de Apolo fue presentado en el Foro Indie Rocks!.

Apolo es una banda mexicana que ha sabido abrirse paso en la escena nacional, al igual que ganarse el cariño del público que los ha seguido desde sus inicios. La agrupación originaria de Chihuahua llegó al Foro Indie Rocks! para presentar su reciente material discográfico titulado Rimuri, que quiere decir "el que sueña".

Al iniciar la velada, algunos de los asistentes se encontraban afuera comprando cervezas para disfrutar del show, y se perdieron de las bandas que se encargaron de abrir el concierto. El primer grupo en presentarse fue Wallabies un pequeño grupo que llegó desde Pachuca para compartirnos un poco de su trabajo. Aún con un puñado de asistentes la banda logró hacerlos estallar en cantos y bailes, los contagió de su buena vibra y sin duda más de uno terminó siendo un nuevo fan de la banda.

La noche avanzaba y llegó una nueva propuesta musical al escenario, se trata del grupo capitalino Carmen Costa; aunque al inició tuvieron pequeñas fallas técnicas esto no los detuvo y le dio un poco más de tiempo al público despistado que aún no se había dado la oportunidad de conocer los nuevos proyectos.

Después de casi media hora de espera comenzó la diversión en el Foro, la gente se divertía, muchos ya conocían a esta banda que se encuentra establecida dentro de la industria musical y coreaban con ellos su más grandes éxitos, pero evidentemente la canción que más prendió a la audiencia fue su interpretación de “Burning Down the House” de Talking Heads.

Las pequeñas fallas en el sonido afectaron la organización del evento y todo se retrasó, así que casi a las 23:00 H llegó el momento más esperado de la noche, Apolo salió al escenario, todos gritaban volviéndose uno, algunos compraban cerveza de última hora, otros se abrían paso para llegar hasta enfrente y ver de cerca a la banda.

“Apolo, Apolo, Apolo” retumbaba en el recinto, emocionados lo oriundos de Chihuahua dieron inicio a su presentación con “Dama del viento”, canción que nos llevaría por un recorrido a lo largo de la carrera musical de la banda, para después presentarnos su más reciente disco llamado Rimuri.

La escenografía era sencilla pero lograba crear un ambiente psicodélico, en el que la pantalla del fondo jugaba un papel fundamental, al proyectar imágenes que evocaban al desierto y otro tipo de atmósferas, y bailar simultáneamente con el ritmo de las rolas de Apolo.

“La noche”, “Júpiter”, “Lobo estepario”, “Altar” y “Mano negra” son algunas de las favoritas del público y por supuesto no podían faltar en el repertorio del concierto con el que cerrarían su grandioso año. Durante hora y media de diversión, baile, cervezas, cantos y más cantos, complacieron a sus fans con un concierto que no podrán olvidar en mucho tiempo.

Rimuri triunfó con la aceptación del público, no hubo un solo asistente que no bailara o cantara, y aunque el disco aún no se encuentre disponible en las plataformas digitales, ni se pudo vender esa noche, no te desanimes pues se espera que llegue pronto.

Voces de Mujeres 2018

Como parte de la democratización del país, el folclor, las melodías electrónicas y el rock del Festival Voces de Mujeres hicieron eco al grito de: ¡No somos propiedad de nadie!, ¡Exigimos respeto, justicia y el derecho a ser visibilizadas!

“¿Y cuántas mujeres al año?, ¿Y cuántas mujeres al año saben que tienen sus días contados?” son los versos de apertura de “Ellas denunciaron”, uno de los temas musicales más exitosos del grupo de hip hop español Def con Dos. Con fecha de cierre en julio de 2018, el mapeo de feminicidios de María Salguero registró 1649 casos alrededor de la República Mexicana;  en noviembre, The Huffington Post advirtió de la violencia doméstica como la principal causa de muerte de las mujeres en el mundo y para terminar el año, Cassandra Bravo expuso la situación de la Universidad Autónoma de Guadalajara (UAG). “Ellas denunciaron. No las escucharon. Ellas murieron. Los jueces consintieron”.

(***)

“Las mujeres tenemos voz y a mí me respetas” fueron las primeras palabras de la Jefa de Gobierno de la Ciudad de México durante una conferencia de prensa a mediados de noviembre. Al hacer alusión a una de las expresiones que han encabezado al movimiento feminista en América Latina, Claudia Sheinbaum posicionó la interrogante que se ha planteado desde el periodo de campañas: ¿Qué significa la Cuarta Transformación (4T) para las Mujeres?

En términos formales, el partido a la cabeza del gobierno federal ha expresado su compromiso a través de las cuotas igualitarias, el nombramiento de Olga Sánchez Cordero como Secretaria de Gobernación y la presencia de Luisa María Alcalde, Norma Rocío Nahle García, María Luisa Albores González, Alejandra Frausto Guerrero, Irma Eréndira Sandoval Ballesteros y Graciela Márquez Colín en el gabinete de Andrés Manuel López Obrador.

Por su parte, otra de las acciones que tuvieron como objetivo demostrar que el cuerpo de gobierno estaba preocupado por atender a las demandas de la agenda feminista fue la publicación del Femsplaining: Hablemos nosotras. Bajo un discurso institucional, las páginas y viñetas de dicho documento enfatizaron la democratización del país mediante el cambio cultural y simbólico.

En esta línea, la Secretaría de Cultura en coordinación con el Gobierno de la Ciudad de México llevó a cabo el Festival Voces de Mujeres el pasado sábado 15 de diciembre. Al elegir al zócalo capitalino como espacio para manifestar el enfado ante la violencia machista, Caña Dulce y Caña Brava, María Daniela y su Sonido Lasser, Ely Guerra, Cecilia Toussaint y Lila Downs ofrecieron un espectáculo de poco más de cinco horas.

La apertura de este evento estuvo marcado por la entonación del Himno Nacional en náhuatl por parte de Flora García Galicia. Entre las voces de artesanos y comerciantes, ofertas de los recorridos en Turibus y uno que otro despistado preguntando por la Catedral, la agrupación conformada por Adriana Cao Romero, Raquel Palacios Vega, Violeta y Alejandro Romero subió al escenario con un cascabel prendido en el corazón y contagió los ritmos de algunos de los temas de Sones Jarochos (2018).

La presentación de Caña Dulce y Caña Brava funcionó como introducción para hacer entender al público que Voces de Mujeres iba más allá de la diversión y la convivencia, pues al momento en el que se entonaban los versos de “Los Chiles Verdes” y “El Buscapiés”, la poesía de Evelin Acosta recitó frases que muchas de nosotras gritamos a diario en las calles y en las redes: ¡No soy propiedad de nadie más que mía!, ¡Hablaremos por aquellas que no están aquí!. ¡Hablamos por vidas furiosas y estamos hartas de que el patriarcado nos diga que no podemos!.

Desde las raíces de Caña Dulce y Caña Brava (2008) , sus integrantes han dejado claro su compromiso con valores como la dignidad, justicia y libertad. La apropiación de símbolos de la lucha feminista al folclor musical dan cuenta de que la visibilización de las mujeres no implica ningún riesgo para las tradiciones.

Después de hacer vibrar a las y los asistentes con el yo no soy marinero, soy capitán de “La Bamba”, Caña Dulce y Caña Brava hizo referencia a su nombre: Se es dulce al entonar eres mi principio y mi fin y al mismo tiempo se es brava al combatir por los derechos reproductivos y sexuales de las mujeres. Con una ferviente proclamación a favor del aborto legal, seguro y gratuito, Raquel Palacios Vega, Adriana Cao Romero, Evelyn Acosta, Violeta y Alejandro Romero dieron inicio a una marea verde que convocó a las y los transeúntes de las calles de Madero y Moneda a unirse a las Voces de Mujeres.

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Los 20 minutos en los que miembros del staff preparaban el escenario para la siguiente presentación sirvieron para tener un flashback al 2007 con la Juventud en Éxtasis de María Daniela Azpiazu Tamayo y Emilio Acevedo. Recordar las líneas de “Pobre estúpida” dieron pauta a cuestionarse si no era un acto hipócrita el estar en un evento dedicado a las demandas feministas y al mismo tiempo bailar al ritmo de un discurso musical que se asemeja al slut-shamming con versos como Aunque puedas tener lo que yo tuve ni pienses que eres como yo. Tú siempre serás de lo peor”.

Si bien en el público se escucharon infinidad de ¡Cara de babosa!, ¡Pobre estúpida todo me quiere copiar!, previo a entonar “Soy el Hit”, la princesa de la fiesta de cumpleaños se dio cuenta de que “sus canciones eran un poco ardidas”. Sin querer apagar la energía de las y los que habían disfrutado de la iluminación y las melodías pegajosas de “Miedo”, “Auto cósmico” y “Tu sombra”, María Daniela y su sonido Lasser dejaron claro que “es necesario que las mujeres dejemos de tirarnos mierda entre nosotras”.

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A cada “¡Te amo, Guerra!”, la cantautora neoleonesa respondió “¡No sabes lo que dices!” Desde el inicio del concierto, los espectadores en el Zócalo prepararon sus voces para perderse entre líneas como “Los mares de la playa se van; se tiñen los colores de gris” y “Todos dicen que es mentira que te quiero”. Al instante en el que Ely Guerra acompañó al pianista y jazzista Nicolás Santella, los deseos de escuchar “Pa-ra-ti” y “¿Por qué tendría que llorar por ti?” se fusionaron con la teatralidad de cada “¡Ay cuando nos enamoramos!”, “Ay , ¿por qué los mexicanos somos tan necios?” y causaron el mayor estruendo de aplausos durante todo el evento.

Además de interpretar canciones de Pa’ Morirse de Amor (1997), Sweet & Sour, Hot y Spicy (2004) y Hombre Invisible (2009) –este último como merecedor del Grammy Latino en 2010–, Elizabeth Guerra Vázquez rindió homenaje a Consuelo Velázquez con el tema “Quiéreme Mucho” y expresó su agradecimiento y admiración a Chavela Vargas con “Llorona”. Al hacer mención de compositores como Agustín Lara y Armando Manzanero, la artista se describió a sí misma como la representación de la ruptura del género en la música de tradición mexicana y cerró con una versión a capela de “Vale que tengas”.

Después de un ir y venir entre los olvidados y presentes, las calles aledañas a Palacio Nacional iluminaron los edificios con decoraciones navideñas. Las luces en forma de campanas y nochebuenas hicieron amenos los stand ups informativos –que en realidad cayeron en publicidad oficial, proliferación de estereotipos y “chistes” sexistas– y los reclamos de Alfonso André por las fallas de sonido.

“Calla la luna, sale el sol. Y la noche complacida los esconde, los cobija y no deja amanecer”.

Uno de los momentos más simbólicos del Festival de Voces de Mujeres fue la entrega del reconocimiento a Cecilia Toussaint por su trayectoria de más de 40 años en la música y la actuación. “Siempre me he sentido responsable por tener un micrófono en las manos y desde esta noche la responsabilidad es más grande”, agradeció la compositora de “Testamento” al momento en el que Alfonso Suárez del Real proclamó su carrera como un patrimonio vivo de la cultura mexicana.

Con el fin de ampliar su gratitud, la cantante y sus músicos interpretaron temas como “Buldog Blues”, “Esquizofrenia”, “Me siento bien pero me siento mal” y “Carretera”. Anexo a ambientar al público con versos que incitaban a quemar ciudades y a enamorarse perdidamente por un veneno mortal, Cecilia recordó a las y los asistentes que álbumes como Arpía (1987), Detrás del silencio (1996) y Otro Lugar (2002) no habrían sido posibles sin el apoyo –tanto moral como musical– de su hermano Eugenio y Betsy Pecanins, reina del blues en México y amiga cercana a la intérprete de “Caite Cadáver”.

Posterior a la interpretación de “Prendedor”, Cecilia Toussaint quiso despedirse de la audiencia “con una canción muy bonita (“La Viuda Negra”) si es que no le daba un paro antes”.

"Yo me entrego al movimiento como rima la pista. Sé que América Latina va a ser toda feminista. No me alcanza la voz de tu prejuicio machista. Me enaltezco como artista y con orgullo de quien soy".

Alrededor de las 20:15 H. las palmas dibujaron la atmósfera del Zócalo y las voces se unieron a Lila Downs para dedicar “Humito de Copal”, “Dignificada”, “Clandestino” y “Cielito Lindo” a todas las mujeres que muelen el fruto de esta tierra: el maíz.

Desde sus inicios, Lila Downs ha concebido al arte como un arma combativa y a las canciones como elementos que dan fuerza para reclamar por la impunidad y la injusticia. A través de la proyección del videoclip de “Ser Paloma” y de carteles decorados con diamantina con la leyenda “Viva la Digna”, la compositora expresó su hartazgo por leer a diario que hay mujeres desaparecidas.   

Si bien los temas interpretados durante el Festival Voces de Mujeres no forman parte de la música de protesta –viene a la mente Jezzy P,Agnes Simon, Dayra Fyah, Mora Navarro y Angie Monasterio, la participación de Lila Downs, Caña Dulce y Caña Brava, María Daniela y su Sonido Lasser, CeciliaToussaint y Ely Guerra indiscutiblemente atiende a piedras angulares del feminismo: Ser visibilizadas libres, autónomas y como actores legítimos en los hechos culturales, políticos y artísticos.

Escuchar voces de distintos géneros en “La Sandunga” da cuenta de que la fusión entre la interpretación y el reclamo político representa un medio en el que las mujeres hemos encontrado la forma de manifestar las palabras que en su momento Kathleen Hanna enfatizó respecto a la producción de sentido y significado a través del discurso musical: Creo con todo mi corazón que las chicas constituyen una fuerza revolucionaria del alma que puede y cambiará el mundo de verdad.