!!! (Chk chk chk) — Let It Be Blue

El reflejo experimental de un álbum post pandemia.

Si pudiéramos describir a !!! (Chk chk chk) (además de excéntricos, ¿quién se nombra chic chic chic, la neta?) utilizaríamos las palabras “baile, dance punk, y locura total en vivo”, pero estos norteamericanos llegan con su noveno disco para demostrar que traen más con qué sorprender que la expectativa de su audiencia.

“Normal People”, una apertura diferente a lo que se esperaría de un disco de esta banda que lleva 26 años de carrera, pero con una voz reconocible con la que hemos bailado tantas veces. 

2 minutos con 11 segundos bastaron para generar sensaciones que realmente no sabía que !!! podría dar.

Esto era un apariencia más que otra cosa, siguiendo esta primer entrada, llega “A Little Bit (More)” que desde el primer segundo trae un vibe de fiesta en la casa de algún amigo que dice ser DJ, en un concierto en un recinto lleno de sudor en las paredes, tal como el difunto Foro Alicia, o un festival donde dejarse ir sintiendo el ritmo y moviendo los pies es básico.

De repente cortamos con ese fiestón loco para darle paso a “Storm Around the World”, canción que viene de la mano de Maria Uzor (Sink Ya Teeth). La voz de Maria le dio un toque más místico, que contrasta con el video animado que acompaña esta canción. Acá puedes leer más acerca de este lanzamiento.

Siempre es una grata sorpresa para los fans de aquellas bandas que deciden hacer algún track que incluya frases o palabras en sus canciones, pero !!! (Chk chk chk) lo llevó al extremo haciendo una canción en español que al menos a mi me tiene repitiendo “lamentablemente, tú ves una pared, yo veo un puente”. “Un Puente”, junto con Angélica García llena de vida el cuarto lugar en este tracklist de Let It Be Blue.

“Here’s What I Need To Know”, un pequeño himno a los pequeños detalles de un rompimiento cuando está llegando a su final, acompañado de un video donde las expresiones del dolor interno de saberte superado por alguien están más que explícitas, más allá del alivio de haber salido adelante de una relación. Todas estas emociones mientras la mente se llena de bajos profundos y vibrantes.

El tracklist continúa con “Panama Canal” y “Man On the Moon”, canciones seguidas en este disco con Meah Pace, quien estará de gira por todo el mundo con la banda. Si te tocó escuchar un poco de Black Eyed Peas antes de que entrara Fergie a la banda, notarás que “Man on the Moon” tiene un vibe de Behind the Front o Bridging the Gap, por allá del 1998 y el 2000.

Siempre le pongo atención especial a las canciones que le dan el nombre a cualquier disco. En este caso podríamos decir que este noveno álbum es multifacético, variado y de cierta forma experimental, y todo eso se encuentra en una sola canción, “Let It Be Blue”. Cuatro minutos donde saltamos de un estilo de canción a otro, que vive en el mismo tempo.

Hay algo que a veces tiende a suceder a lo largo del tracklist de un buen álbum, y es esta parte de tener una primera mitad muy enérgica, curiosa y empírica, y de repente tenemos un bajón, que podemos sentir con “Man on the Moon”, “It’s Grey, It’s Grey (It’s Grey)”, y “Crazy Talk”, hay uno que otro destello o highlight dentro de estas canciones que las hace rescatables, pero no comparables con las primeras joyas de este Let It Be Blue.

Por otro lado, y cerrando este noveno álbum “This Is Pop 2”, trae recuerdos de un The Pains Of Being Pure At Heart de hace 11 años, con un cierre igual de atípico que su inicio (un dato curioso es que la canción más corta de Let It Be Blue, está al inicio y la más larga al final), brinda serenidad y la sensación del término de una película o una obra de teatro, dejando un sabor de boca feliz y divertido.

Entrevista con Carla Morrison

La cantante mexicana lanzó El Renacimiento, un álbum que explorará temas que no había tocado antes.

El artista se mantiene constantemente creando, es difícil imaginar que un pintor deje de los pinceles, que un escultor abandone el cincel, que un actor se olvide de los reflectores, igualmente es inconcebible pensar que un músico puede dejar de componer y escribir canciones. Carla Morrison está de regreso después de que su último material de estudio, Amor Supremo fue lanzado hace casi siete años. No fue sencillo volver a un estudio de grabación luego de tanto tiempo, pero para Carla, El Renacimiento conceptualiza muy bien esta nueva etapa en su carrera porque con este nuevo disco llegarán ritmos, géneros y temáticas que nunca habían aparecido en algún otro álbum de la artista tecatense.

"Quería que mis temáticas fueran distintas, no porque estuviese cansada de ellas, me encanta escribirle al amor y al desamor, pero en lo personal estaba en otro lugar en mi vida y cuando yo me tomé este tiempo para reflexionar sobre mi vida, mis proyectos y mi música, me encontré con esta parte muy abandonada de mí que era la salud mental, el amor propio, todas esas esas temáticas con las que hablo en los cuatro actos que no había hablado antes", comenta Morrison y después, en una muestra de apertura y sinceridad, menciona lo liberador que fue escribir sobre su salud emocional, "sufro ansiedad desde que tengo nueve años y nunca había hecho una canción sobre ansiedad. Había hecho canciones de depresión, de tristeza, de confusión, pero no de ansiedad. El amor propio es algo que tampoco practicaba, no era muy buena onda conmigo misma y entonces todo eso tenía ganas de explorarlo y de trabajarlo porque también como compositora es padre inspirarte de otros temas y hablar de esas otras partes de ti que usualmente no platicas". 

Por otra parte, el sonido que hemos podido escuchar en los cuatro sencillos que se desprenden de El Renacimiento, nos dan una muestra de que Carla no se estancó en el sonido acústico que le ha funcionado tan bien en sus discos anteriores y decidió hacer música que le llenara el oído primero a ella que a alguien más. "En cuanto al sonido pop, lo quise hacer porque ya tenía ganas. Decía 'güey, yo quiero hacer música cómo lo que a mí me gusta escuchar. Lo que a mí me gusta poner en mi carro y andar así en loca'. Yo escucho a Adele, Sam Smith, Ariana Grande, Dua Lipa yo estoy muy inspirada en esas artistas entonces ¿por qué no hacerlo?", dice Carla entre risas que denotan su emoción por sacar su nuevo disco, pero la inspiración no fue el gran obstáculo de El Renacimiento, en esta ocasión fue el alejamiento que la cantante tuvo de los estudios de grabación por decisión propia, al respecto Morrison declaró lo siguiente: "Renté un departamento en París, era como un cuartito donde leía y componía. De repente un día, dije 'creo que ya quiero regresar al estudio y empezar a ver qué sale pero sin compromiso', fue un reencuentro muy bonito, no había una fecha de entrega pero sí había estas ganas de volver a descubrir mi sonido y ver qué era lo que yo quería y se sintió muy bonito".

Una de las cosas que llevó a Carla Morrison a alejarse de la música fue el no sentirse valorada en la industria y dijo sentirse muy bien porque actualmente las mujeres tienen un papel cada vez más protagónico dentro de la escena musical mexicana, "veo mucha morra, eso me da mucho gusto porque antes éramos muy poquitas las que estábamos ahí y por lo mismo nos hemos visto muy atacadas, comparadas, puestas en contra y la neta es que entre nosotras, entre Ximena, Natalia, Julieta y Ely, siempre nos hemos dado mucha buena onda. Ha sido muy bonito ver a artistas como Bruses, Elsa y Elmar o Bratty, todas estas morras nuevas que están saliendo tienen mucho apoyo, me da mucho gusto". De momento Carla sabe que cada día salen más artistas talentosas y que, al igual que a ella, necesitan ser apoyadas para que sus proyectos se vuelvan visibles, "me da gusto que gracias a Julieta y a Ely estamos Natalia, Ximena y yo, y gracias a nosotras están otras artistas nuevas, lo importante es que como artistas y como mujeres nos acompañamos, nos inspiremos y que sepamos que somos todas hermanas, estamos en la misma lucha y tenemos los mismos pedos en cuanto a lo que nos tenemos que enfrentar". 

Si te preguntas por qué no invitó a alguna de estas artistas a colaborar en El Renacimiento, la respuesta es muy evidente si has puesto atención al texto, "para mí este disco era muy personal, era una búsqueda muy personal e iba a mi ritmo, no sabía cuándo iba a salir, era mi reconciliación con la música. No quería tener terceros pero tampoco quería rechazar a nadie, solamente estaba en mi propio viaje, pero sí quiero hacer más colaboraciones porque creo que hay un montón de artistas bien padres" comentó Carla dejando la puerta abierta para cualquier cantante. Al final, algo que ha saltado a la vista de los fans de Carla Morrison es el hecho de que la cantante ya anunció las fechas de su gira por España y por Estados Unidos, pero para México aún no, tranquilos, sí habrá gira por nuestro país y Carla aseguró que "ya estamos a nada de anunciar las fechas en México pero no hemos podido por cosas de logística, pero claro que regresamos a México. Estoy muy emocionada de regresar a México porque es mi público más importante, el más pasional, el más el más amoroso. Ya quiero anunciarla pero me dicen 'no, espérate'".

CHAI estrena “surprise”

La agrupación japonesa, CHAI, lanza no una sino dos sorpresas.

Recientemente CHAI ha estado muy activa musicalmente, y es que a poco tiempo de lanzar su sencillo Whole y hacer una colaboración con Sondre Lerche en “Summer In Reverse” vuelve a sorprendernos con música nueva.

“Surprise” llega con ritmos alegres y dulces, un pop ligero con toques house donde los teclados y la voz aguda y blanca de Mana sobresalen como protagonistas de esta melodía, complementándose con las armonías sutiles del resto de la banda.

El lanzamiento de este sencillo viene de la mano de un colorido video musical, dirigido por Yoshio Nakaiso, donde vemos a las integrantes divertirse mientras realizan una búsqueda del tesoro donde van adquiriendo uno por uno sus instrumentos hasta formar su banda, disfrazadas de una especie de tortugas ninja DIY llenas de pompones, además del concepto divertido y simple, vemos claras referencias a las caricaturas japonesas de los 90’s con los gráficos y visuales usados.

La banda de indie rock japonesa, en realidad expresa a través de esta canción y este video, la experiencia que vivieron en su tour por Estados Unidos y las sorpresas tanto negativas como positivas que se llevaron, ya que fueron víctimas de un robo a su tráiler gracias a la ayuda que recibieron de la gente local, pudieron realizar sus presentaciones restantes.

De ahí, nace esta idea de convertir las experiencias malas en cosas positivas, de tener la capacidad de sorprenderse aún de lo mínimo, y de lo que no esperarías que te sorprenda (así de paradójico como suena).

Hubo mucho dolor, muchas lágrimas y muchos sentimientos tristes. La vida está llena de altas y bajas, y eso es simplemente así. Lo que sea que pase, si nosotros mismos podemos cambiar esas cosas (malas) en SORPRESAS FELICES, sabremos que nuestras vidas estarán llenas de alegría”, dijo la banda.

Además de esta nueva canción, CHAI, ha anunciado que añadirá más fechas a su tour, en Estados Unidos y Canadá, para septiembre y octubre de este año; además formarán parte del festival Primavera Sound LA y el Firefly Music Festival.

Checa la lista completa de sus fechas aquí.

 

 

 

Win Butler habló sobre la salida de su hermano Will de Arcade Fire

"Estoy orgulloso de él por hacer lo suyo", declaró el vocalista en una entrevista.

A solo pocos días del lanzamiento de WE, el nuevo álbum de Arcade Fire, el vocalista de la banda, Win Butler habló en entrevista con Zane Lowe, acerca de la salida de su hermano Will Butler, del proyecto musical.

Amo a Will, es mi único hermano y siempre ha tenido intereses que trascienden a la música.” Compartió Win con Zane. "Creo que siguió a su hermano mayor a esta banda”, pero ahora Will tiene tres hijos pequeños. “Hay cosas mucho más importantes que la música…estoy orgulloso de él por hacer lo suyo”, agregó.

Cabe recordar que en marzo de este 2022, Will anunció su salida de la banda, vía twitter sin ahondar en razones más que había cambiado.

Durante la entrevista con Zane para Apple Music, Butler habló sobre la posibilidad de dejar la agrupación en el futuro:

Hay una familia con la que naces y una familia que eliges… creo que a veces la familia que eliges puede ser igual de importante, porque es amor y vida… Me siento muy agradecido de poder tocar todavía y poder hacer shows. Fue realmente oscuro no tener acceso a eso para mí. Esta banda es mi vida, así que no hay salida para mí, afortunadamente”.

La entrevista completa con Win Butler estará disponible a través de Apple Music más tarde hoy, 3 de mayo y el viernes 6 se estrenará WE, álbum del que  se desprende “Unconditional I (Lookout Kid)”.

¡Dale play!

Mira el primer concierto de Portishead en siete años

Un concierto benéfico lleno de leyendas.

La noche del lunes 3 de mayo vio a la ciudad de Bristol musicalizada por IDLES y Portishead en el Help! A War Child Benefit Concert, en el Bristol O2 Academy, concierto benéfico para la recaudación de fondos en apoyo a los niños afectados por la situación bélica actual de Ucrania y de otras regiones del mundo. Todo lo recaudado en el evento será donado para ONGs que apoyen estas causas.

La presentación marcó el regreso a los escenarios de Portishead, la legendaria agrupación de los 90, que no había pisado un escenario desde hace más de siete años. Portishead presentó un setlist de poco más de 30 minutos, conformado en su mayoría por canciones pertenecientes a su premiado álbum debut Dummy (1994), con la voz de Beth Gibbons casi igual a su voz de los noventas, lo que sorprendió y animó a muchos de los asistentes.

El setlist se conformó por cinco canciones, que fueron: “Mysterons”, “Magic Doors”, “Wandering Star”, “The Rip” y “Roads” para cerrar la noche. Una lista de canciones corta, pero que no disminuyó la calidad de la presentación y la nostalgia y emoción experimenta por el público y hasta por los integrantes de IDLES, que se tomaron por un momento para decir que se sentían nerviosos, y que jamás querían salir a tocar después de sus ídolos.

Una noche cerrada por la energía de IDLES, pero protagonizada por el regreso íntimo y nostálgico de una de las bandas más representativas de mediados de los noventas, en búsqueda de aportar a una causa benéfica.

Bandalos Chinos está de estreno con “Cállame”

Llega el cuarto adelanto del nuevo álbum de la banda argentina, Bandalos Chinos.

“Cállame”, es el cuarto sencillo de su nuevo álbum El Big Blue, que llega este 06 de mayo; es producida junto a Adan Jodorowsky y al igual que el resto del disco, enfrenta el reto de haber sido grabada en vivo y cinta, instrumento por instrumentos, un reto al que Bandalos Chinos estaba dispuesto a enfrentarse por conseguir el sonido característico de las bandas pioneras del pop.

Para presentar la canción, antes del estreno la banda nos regaló un adelanto de 15 segundos, con una vista previa del video clip. En este tráiler, nos reveló un poco del sonido, donde se logra apreciar una guitarra acústica, con toques de bolero y balada. Pese a que se caracterizan por mezclar géneros, esta vez nos sorprenden con esta propuesta y nos aumentan la expectativa de este nuevo sencillo, que suponemos será una canción romántica.

Algo que también sobresale y no podemos evitar cuestionarnos, son los visuales del video musical que acompaña la canción, pues el concepto de este videoclip está inspirado en las producciones de telenovelas latinas que se veían anteriormente, cargadas de drama. Es así como "Cállame" se convierte en una trama de la pantalla chica en la que el amor y desamor son protagonistas.

La banda conformada por Gregorio Degano, Salvador Colombo, Tomás Verduga, Matías Verduga, Iñaki Colombo y Nicolás Rodríguez del Pozo, dará inicio próximamente a su gira El Big Blue WORLD TOUR, que tendrá presencia en países como España, México, Guatemala, Venezuela, Chile, Colombia y por supuesto, Argentina.

Entrevista con Wet Leg

Amistad en altos decibeles.

Tras una vida entre la efervescencia musical inglesa y más de 10 años de amistad, el dueto conformado por Rhia Teasdale y Hester Chambers ha sabido entregar una de las propuestas más energéticas e interesantes del hard sound contemporáneo, partiendo de su distintiva aproximación al uso de instrumentos convencionales, resignificando el cómo debe sonar una banda de rock en pleno siglo XXI y convenciendo en el proceso al -ya legendario- sello Domino Records, cobijando el lanzamiento de su álbum debut el pasado 8 de abril. Con todo esto y más en mente, nos dimos a la tarea de conversar con Hester, guitarra líder y mitad creativa de Wet Leg, tocando temas como el proceso detrás del nuevo disco, su sentir post pandemia y el ahora compartido desde la agrupación más brillante al sur de Reino Unido.

Wet Leg_2021

El proyecto originario de la Isla de Wight aparecería justo al centro del oído público a mediados de 2021 al filo de “Chaise Longue”, usando el sencillo para abrirse paso entre la nueva oleada de sonidos y elevándose rápidamente al estatus de íconos neo pop, tomando por sorpresa a propios y extraños.

Es casi confuso. Hace como un año no habíamos iniciado como tal en la música y ahora pienso en todas las cosas que hemos hecho, los lugares a los que hemos ido. No creo que hayamos tenido el tiempo para procesarlo realmente. Pensarlo me abruma en un muy buen sentido”.

Wet Leg parece haber madurado durante los últimos años desde un secretismo más que natural, dejando fluir la amistad entre las integrantes y contactando con viejos amigos de su etapa universitaria para acompañarles, recientemente, como músicos de estudio y tour. Los ingredientes estaban ahí, pero el darle tiempo al tiempo permitió al dúo encontrar una voz propia, pasando de spoken word y cuerdas en overdrive a la soltura conceptual que acompaña cada corte.

“Personalmente siempre he resentido el peso del cómo me percibirán las personas, pero algo de lo que hablamos al iniciar la banda fue el siempre hacerlo por nosotras mismas, sacudirnos todas esas inseguridades. Al final del día cada uno vive su propia vida y ¡quizá sea la única! Me gustaría transmitir algo de esa libertad para disfrutar tanto como sea posible, el espacio para emocionarte por lo que sucede a tu alrededor, poner la intención en el momento”.

Wet Leg_2022

Esta filosofía de ligereza frente a lo vital resulta más que evidente al pensar en la grabación de los videoclips para “Chaise Longue” o “Angelica”, realizados enteramente por la banda con el disfrute de prueba, error y un Iphone de por medio. El acercamiento a la disquera seguiría esta misma línea de impulso lúdico con la presentación de cuatro demos, entre los que se encontraba “Oh No” además de los tracks anteriormente mencionados.

“Después de ser firmadas y tocar algunos shows antes de la primera ola, decidimos utilizar los meses siguientes para componer el LP. Rhia compuso gran parte del disco durante el confinamiento aterrizando ideas en Garageband, esto hasta que pudimos reunirnos con Henry (baterista) en el cuarto de ensayo y empezar a pulir cada maqueta".

Durante abril del año pasado la agrupación se trasladaría a estudio bajo la dirección de Dan Carey, brindándoles una línea clara entorno al carácter del LP, dejando espacio suficiente para la espontaneidad y la influencia de lo contemporáneo.

Al momento de la grabación no intentamos deliberadamente lograr tal o cuál sonido, tratamos cada canción como una entidad por sí misma, creo que por eso podemos ir de lo soft a un aura mucho más punky. En cuanto a influencias, nos la pasábamos escuchando bandas como Fontaines D.C. o Squid, pero al mismo tiempo todos teníamos estás preferencias super arraigadas y drásticamente distintas. La idea era apuntar a lo que amamos y crear algo que nos hiciera felices al final del día".

El poner la satisfacción artística como motor creativo parece haber colocado a Wet Leg en el sweet spot de la vanguardia musical, agendándoles una impresionante cantidad de fechas a lo largo de Europa y Norteamérica, sin apartar la mirada de tierras nacionales.

"Nos encantaría poder ir pronto a México. Volveremos a EE.UU. en verano, quizá podamos escaparnos para uno o dos conciertos".

Así, y sumergidos en la calidez humana al interior de la banda, finalizábamos nuestra plática con Hester Chambers, destacando la intensidad de lo sonoro enmarcada por la dulzura de la guitarrista.

Espero que todos tengan un día muy lindo".

 

Melody’s Echo Chamber — Emotional Eternal

La voz de Melody Prochet se siente como estar en un sueño.

Melody Prochet, mejor conocida en el ámbito de la música como Melody’s Echo Chamber anda de estreno con el lanzamiento de Emotional Eternal su tercer material de estudio a través de Domino Records.

Lo primero que escuchamos es “Emotional Eternal” en el que las ligeras notas de voz por parte de Melody nos envuelven ligeramente haciéndonos sentir que estamos caminando descalzos sobre hojas mojadas. El dream pop se apodera de “Looking Backward” donde los sintetizadores nos recuerdan al segundo álbum de Melody, Bon Voyage.

Las percusiones psicodélicas y la melancolía se sienten en “Pyramids In The Clouds” que con tan solo unos segundos nos muestra un lado muy íntimo de esta producción. Hay temas que nos hacen sentir que estamos soñando “The Hypnotist” es uno de ellos, que con sus melodías tan relajantes hacen sentir que tocamos las nubes.

La esencia clásica que compone a “Personal Message” realmente es hermosa, todo el tema se siente como si estuviéramos escuchando el soundtrack de una película en blanco y negro. Para los tracks de “Where the Water Clears the Ilusion” y “A Slow Dawning of Peace” nos hacen sentir en un día nublado donde apenas si podemos sentir la brisa caer en nuestra cara.

Finalmente llegamos a “Alma_The Voyage” que es un tributo a la maternidad y especialmente va dirigido a una experiencia la cantante francesa tuvo con su hijo de quien se separó después de un año de nacer.

Emotional Eternal es un álbum hermoso en donde Melody expresó sus sentimientos más profundos y sinceros, es un material donde podemos sentir a la naturaleza, la sonoridad y las percusiones a la perfección.

KALI: La promesa adolescente del indie rock

Letras angustiantes con melodías animadas e influencias de rock alternativo de los 90 Te presentamos a KALI, la canta-autora y productora que te sorprenderá.

Kali Flanagan, mejor conocida como KALI, es una cantautora y productora de 17 años que a su corta edad ya ha producido para otras bandas y ha sido descrita por medios como Billboard como “extemporánea e irresistible”.

Desde pequeña ha estado inmersa en el mundo de la música, ya sea tomando clases particulares, participando en shows escolares o haciendo covers de The Beatles, esta chica ha tenido claro desde el principio sus pasiones y no ha tenido reparo en perseguirlas.

Es esta pasión acompañada de talento, lo que la ha llevado a debutar como solista a sus 16 años. Ahora, con su nueva producción en puerta, la cantante estadounidense vuelve con su sencillo “Addicted” acompañado de un vídeo sencillo y divertido con tonos retro, que nos muestra la personalidad no sólo de la artista sino de su música, que tiene influencia del rock alternativo de los 90.

Ella, define su música como “animada” algo que se puede apreciar en su EP debut, Circles,  donde incluye canciones como “Lucy” y “Back To the Start”, y que han establecido la línea de su influencia musical, pues se aprecian los sonidos indie pop y rock en ellas. Pese a ser una chica perteneciente a la generación Z, su estilo y música dista de ser exclusivamente moderno, aunque sus letras honestas han conquistado a su generación pues son situaciones y emociones cotidianas con las que es fácil identificarse, seas o no adolescente.

KALI, hace uso constantemente de riffs poderosos de guitarra y su voz suave y limpia; nos lleva a un placer inducido por el groove de sus composiciones. Esta chica, demuestra a través de sus suaves arreglos que es una multi-instrumentista, pues sabe tocar piano, guitarra, bajo y batería, que se refleja en su habilidad de armonizar todos estos instrumentos sin que sus piezas se sientan cargadas de sonido, están tan bien equilibradas que apenas lo notas.

En entrevistas previas, ella ha mencionado cómo su proceso creativo se ha vuelto una especie de liberación emocional, pues a través de sus canciones y letras puede expresarse con libertad y ser ella misma. Crear algo desde cero y completamente por ella, es tener oportunidades infinitas de hacer magia. 

La influencia en su música se puede entender cuando sabemos que los artistas que la inspiran son bandas como The Beatles, The Strokes, George Harrison, Angel Olsen, Ryuichi Sakamoto, entre otros.

En Circles, pudimos explorar una KALI adolescente que expresa las emociones de alguien que se está auto descubriendo, en “Addicted” se muestra como alguien que está pasando por un corazón roto, pero no de forma convencional, en realidad habla de la realización y el dolor al reconocer que la persona de la que estás profundamente enamorada, no es quién crees y no te conviene tenerla en tu vida, de ser lo suficientemente maduro y honesto para aceptar ese dolor y dejar ir el amor.

Aunque la canción contiene un mensaje lírico triste, la melodía animosa de la misma hace que le dé una perspectiva a futuro positiva algo que nos deja clara la visión juvenil de alguien que aun está creciendo, como KALI

Aunque aún no hay noticias sobre su próximo álbum, sabemos que ya se está "cocinando" algo, pues este es el segundo sencillo que lanza luego de su primer EP. Para mantenerte informado de lo que vendrá puedes seguirla en sus redes sociales o su cuenta oficial de Spotify.

Nuevos discos mayo 2022

Demos inicio al quinto año del mes con una selección musical que llega repleto de sonidos experimentales.

Market  — The Consistent Brutal Bullshit Gong

Market  — The Consistent Brutal Bullshit Gong

Por Blues Araiza

El pasado de Nate Mendelsohn y compañía entre sonidos experimentales alcanza su intención más contemporánea a través de The Consistent Brutal Bullshit Gong. Armando su debut dentro del sello Western Vinyl con una aproximación más que original a los rostros de indie, neo post punk y art rock presentados por la banda en trabajos anteriores.

Líricas directas, pasajes de suavidad soundscape y la intermitencia de sonidos abrasivos hacen del tercer LP de los neoyorquinos una experiencia tan cardíaca como melodiosa, manteniendo la sorpresa espiritual y encajando perfectamente como soundtrack para perder la mirada en el daydreaming de lo cotidiano. ¡Escúchalo!

Mahal_2022

Toro y Moi — MAHAL

Por Monserrat García

El séptimo álbum de Toro y Moi llegó luego de varios años de estar trabajando en él; y a pesar de ser bastante ligero y digerible, MAHAL logra un buen match entre lo real y lo artificial, pero también entre lo clásico y lo moderno. En el transcurso de los 13 tracks que le dan vida, se introducen a tu cuerpo distintas vibraciones que ponen en alerta a tus sentidos y poco a poco los llenan de dopamina para que de un momento a otro exploten y te eleves entre distintas olas de emociones. Si bien no es la obra maestra del intérprete, comparte un material de estudio que puede acompañar tu día a día y mejorarlo en cualquier momento de bajón. ¡Disfrútalo aquí!

Myuné — Fuera de Lugar

Myuné — Fuera de Lugar

La nueva entrega de Myuné es una introspección personal que poco a poco se convierte en comunitaria. Las vivencias, las emociones, los sentimientos y los pensamientos, se plasman en todas y cada una de las 11 canciones que tiene el álbum. Entre algunos de los intérpretes invitados a esta mágica entrega se encuentran David J de Bauhaus y Ryu Kurosawa de Kikagaku Moyo, quienes dan un toque especial que logra que lo que tus oídos escuchen se expanda por el resto de tu ser y te de un fuerte abrazo desde lo más profundo de tu alma mientras la voz de tu interior te dice que todo está bien. Escuchar Fuera de Lugar nunca va a ser una mala decisión. ¡Consiéntete y dale play aquí!

Girl Ultra

Girl Ultra — El Sur 

Por Ana Rodríguez 

El tercer EP de Girl Ultra llega a través de Finesse Records para mostrar una nueva y reinventada faceta de la cantante quien por primera vez, se atreve a experimentar con más texturas y sonidos provenientes de música que ha escuchado desde chica. Además, compila todo este bagaje sonoro con las experiencias que tuvo cuando radicaba en el Sur de la CDMX; un punto geográfico que fue testigo de muchos despertares para la artista. Producido por Kiddzie de Noah Pino Palo, este material está diseñado para escucharse en conjunto y asimismo, dedicar cada melodía a un mood distinto; una mezcla fina de house, trip hop hasta garage. ¡No lo pienses mucho y escúchalo!