“Quiten el Trap”, lo nuevo de Molotov

Posted on septiembre 23, 2022 by -

“¡Quiten el trap! Ha vuelto Molotov!”.

Molotov presenta su nuevo sencillo “Quiten el Trap”, donde hace una fuerte referencia y crítica a uno de los géneros más populares hoy en día. Como ya es característico de la banda mexicana, no tiene pelos en la lengua cuando de decir sus pensamiento se trata, ya sea crítica social y política o en este caso al trap.

Con una melodía pegajosa y divertida, al estilo Molotov, la banda de rocks habla de como la música urbana, como el reggaeton y el trap son genéricas y ofrece muchas cosas menos originalidad e incluso muy probablemente la mayoría de ellos no saben de “música” o tocar instrumentos y esto lo recalcan con letras como “Mejor no te paso el bajo porque te va a dar diarrea”.

Molotov_quiten_el_trap

Lo interesante es que toman inspiración de las batallas de bandas y de trap/rap que se hacen y mezclan el rock latino clásico, característico suyo, con un poco de urbano, creando una mezcla interesante que además deja claro que está dispuesta a experimentar con su sonido.

El video, que cuenta con una divertida historia donde una banda de rock, llamada las rocas (haciendo alusión a su edad) se enfrentan a estos artistas de urbano, jóvenes, estrafalarios y además los populares.

“Quiten el trap” llega luego de la nominación de la banda a los Latin Grammys en la terna de “Mejor Canción de Rock" con “No Olvidamos” y en medio de su gira por Latinoamérica.

 

Los Claxons anuncia 'Caminando en Fuego', su nuevo álbum

Posted on septiembre 23, 2022 by -

La banda compartirá una canción nueva cada día hasta el estreno del disco.

Los Claxons confirmó el lanzamiento de Caminando en Fuego, su octavo álbum de estudio y el primero en cuatro años, desde el Maldita Felicidad, de 2018.

Luego de publicar algunos sencillos previos, como “Sayonara” o “Quería volverte a ver”, que ya nos daban pistas de un próximo material, la banda mexicana confirmó que está de regreso con un disco completo que saldrá a la luz el próximo 6 de octubre.

El disco incluirá 20 canciones nuevas, entre las que destacan 15 duetos con artistas de la talla de Alex Cuba, Román Torres (Matisse) o Nicole Horts.

Para comenzar con su promoción, Los Claxons lanzará una canción nueva cada día a partir del 22 de septiembre y hasta el día del lanzamiento del corte completo.

De estos, ya pudimos conocer tres adelantos más: "Perdí", con Josue Alaniz; "Señal", con Kurt; e "Indeciso", con Marco Mares.

Cada canción la compusimos con nuestros amigos invitados, obviamente tienen un sello muy particular, dependiendo del artista… la congruencia es que todos los que están en el disco son nuestros amigos, no hay ninguna colaboración por una razón comercial. Realmente son colegas que nos gustan y respetamos lo que hacen. Para mí es el mejor disco que hemos hecho, estoy seguro que a la gente le va a gustar”, dijo Sánchez, el vocalista de Los Claxons.

Channel Tres estrena el sencillo, “No Limit”

Posted on septiembre 23, 2022 by -

Ponte a mover la cabeza al ritmo de “No Limit”, lo nuevo de Channel Tres.

El productor, cantante y rapero estadounidense proveniente de Compton, California, Sheldon Young o mejor conocido en el mundo profesional como Channel Tres, nos ha hecho bailar y apreciar su música desde que salto a la fama internacional con su canción “Controller” en el año 2018, y desde entonces no ha parado su actividad y nos sigue regalando música de alta calidad.

Como sabemos, a Sheldon siempre le ha gustado inmiscuirse en ritmos apegados al dance, electrónica e incluso al funk y lo podemos escuchar en canciones como “Topdown” y “Sexy Black Timberlake”, pero la muestra que el día de hoy nos comparte, no se queda atrás.

En una mezcla de ritmos como el house de Chicago, techno de Detroit y la influencia del rap de la costa oeste, hoy Channel Tres nos regala el sencillo “No Limit” a través de la disquera RCA Records en asociación con GODMODE, y de esta forma también anuncia su entrada y firma con las disqueras.

“No Limit” nos regala una batería profunda que acompañada del bajo nos regala una canción suave, pero con todo el poder para hacerte mover, además tiene toda la vibra y sentimiento que los músicos de Compton nos han regalado, así que no te puedes perder esta gran canción, que además anuncia la llega del primer disco de larga duración por parte de Channel Tres, titulado, Real Cultural Shit y que está previsto para salir a finales de otoño de este año.

Channel Tres_RCS

Circa Waves estrena “Do You Wanna Talk” y anuncia álbum

Posted on septiembre 23, 2022 by -

Su disco rondará temas sobre el miedo que sentimos y la resiliencia para superarlo.

Circa Waves acaba de anunciar el lanzamiento de su nuevo álbum titulado Never Going Under, que será estrenado el 13 de enero del próximo año a través de Lower Third/ PIAS, mismo que ya puedes reservar a través de este link. 

NeverGoingUnder-CircaWaves

Respecto al tema que rondará su quinto disco, el líder de la banda de Liverpool, Kieran Shudall explicó:

Habla de ese fenómeno excepcionalmente moderno, de no saber realmente en qué tipo de mundo se van a encontrar nuestros hijos en 30 años.

Física, ambiental y políticamente estamos completamente en lo desconocido. Eso nos asusta a todos, pero al final sabemos que nunca podemos renunciar al futuro, ¿Cómo puedes?

Las canciones del álbum están escritas de manera diferente a la obra anterior que hemos publicado. Están escritos desde la perspectiva de mi hijo y también desde mi propia experiencia actual del clima actual.

Las olas de la Circa siempre han tenido una cierta visión del mundo, pero ahora es a través de esa lente de ser Padre y seguir sin saber qué diablos está pasando. "Never Going Under" es una instantánea del miedo que todos sentimos hoy y de la resistencia que necesitaremos para superarlo".

Además del anuncio de su quinto material discográfico, la banda de indie rock, Circa Waves, estrenó un nuevo single titulado “Do You Wanna Talk” acompañado de un videoclip dirigido por su guitarrista Joe Falconer.

 

Checa el tracklist completo de Never Going Under:

  1. “Never Going Under”
  2. “Do You Wanna Talk”
  3. “Hell On Earth”
  4. “Your Ghost”
  5. “Carry You Home”
  6. “Northern Town”
  7. “Electric City”
  8. “Want It All Today”
  9. “Golden Days”
  10. “Hold On”
  11. “Living In The Grey”

Cuco comparte versión en español de “Aura”

Posted on septiembre 23, 2022 by -

El cantautor mexicano-estadounidense celebra el Mes de la Herencia Hispana con música.

El cantante y productor Omar Barnes, mejor conocido como Cuco, comparte la versión completa en español de su sencillo “Aura” con motivo de la celebración del Mes de la Herencia Hispana. La versión original en spanglish de la canción superó los 4,5 millones de reproducciones y apareció en su segundo álbum recientemente lanzado, Fantasy Gateway,  que ya está disponible a través de Interscope Records.

“Aura” es una soñadora bossa nova y samba de los 60, una oferta tanto familiar como experimental para Cuco. Es una canción de amor, una canción llena de sentimiento perfecta para dedicar a esa persona especial.

Cuco Fantasy Gateway Album_2022

Para la grabación de Fantasy Gateway, Cuco se plantó en la tierra natal de sus padres, México, específicamente en la Ciudad de México, para explorarse a sí mismo, canción por canción. Con cada sencillo, Cuco explora líricamente temas de anhelo, aceptación y malos hábitos.

Esta vez, Cuco incorporó a un grupo de productores de confianza, quienes como colectivo, mientras estaban en la Ciudad de México, exploraron el concepto detrás de Fantasy Gateway. Manuel Lara, productor, compositor e ingeniero venezolano (Bad Bunny, Kali Uchis), fue uno de los productores alistados junto a Andrés Rebellón, Julian Bernal e Ian Fitchuk (Kacey Musgraves).

Cuco es un músico que crea un conducto entre culturas y generaciones a través de la exploración de épocas musicales y el canto cándido de temas universales que unen. Centra su cultura mexicana entretejiendo su lenguaje (que toca las fibras del corazón) e infunde géneros latinoamericanos.

Escucha "Aura" en su versión en español a continuación:

“Eddie”, el tributo de Red Hot Chili Peppers a Eddie Van Halen

Posted on septiembre 23, 2022 by -

Un sentido homenaje al icónico guitarrista de rock como nuevo adelanto del próximo álbum de la banda.

Hace poco más de un mes, Red Hot Chili Peppers, la banda estadounidense de rock y funk rock, estrenó “Tippa My Tongue”, el primer vistazo a su nuevo álbum que se titulará Return Of The Dream Canteen. Este primer tema plasmó su característica esencia funky, aunque con tintes infestados de psicodelia y esoterismo, insertándonos en un viaje ultraterrenal con incontables referencias al LSD.

Hoy, sin embargo, la agrupación ha compartido un segundo desprendimiento que resulta un tanto opuesto al primero. La pieza lleva el nombre de “Eddie” y, tal como lo sugiere, hace referencia al renombrado guitarrista de rock Eddie Van Halen, quien falleció en 2020. Por lo tanto, en cuanto a sonoridad, la nostalgia y la emotividad son evidentes, y nos remonta a las épocas de canciones como “Californication”. Escucha la canción:

A veces no nos damos cuenta de lo profundamente afectados y conectados que estamos con los artistas hasta el día de su muerte. Eddie Van Halen fue único en su clase. El día después de su muerte, Flea entró al ensayo con una línea de bajo emotiva. John, Chad y yo comenzamos a tocar y pronto, con todo nuestro corazón, una canción en su honor se desarrolló sin esfuerzo”, explicó Anthony Kiedis, el frontman. “Al final, nuestra canción pide que no recuerdes a Eddie por morir sino por vivir su sueño más salvaje”, añadió. 

Return of the Dream Canteen figurará como el segundo álbum de la banda durante este año, siendo Unlimited Love el disco antecedente. El nuevo material estará disponible este 14 de octubre vía Warner, y ya puedes pre-ordenar y pre-guardarlo accediendo a este link. 

 

Alex G — God Save The Animals

Posted on septiembre 23, 2022 by -

Paisajes cinematográficos nihilistas de alta manufactura.

Con una sociedad que encuentra un nuevo “gran autor de la música” cada año, es difícil mantener en nuestras mentes a la enorme cantidad de compositores que han dejado huella en nuestras bocinas (o dispositivos según sea el lugar de escucha) en la última década. Alex G está consciente del peso que carga gracias a la crítica y al público que lo mantiene con los brazos abiertos. Tal vez es por ello que, resulta curioso que God Save The Animals, su nuevo trabajo versa sobre la fe. No una que está íntimamente ligada al espectro religioso, si no a una forma de pensamiento colectivo para empoderar a las personas y tal vez, sin querer, para empoderar a su mismo creador.

El disco continua con los experimentos sonoros del cantante, pero esta vez el trabajo tiene (sin que eso fuera el propósito) un nuevo giro sonoro, íntimamente ligado a la forma en la que se grabó. Este disco se compuso a inicios de pandemia y se grabó durante ella, en los estudios que el autor fue encontrando a las afueras de su ciudad, ahí tuvo la oportunidad de aprovechar todo el equipo a su alcance y de instrumentos que por mucho que esten dentro de un software no tienen la misma calidad de sonido que cuando son grabados.

Las canciones conforman momentos de tensión, algunos más evidentes que otros. En “After All” versa sobre la soledad que uno encuentra con propios y extraños, pero que se reconforta en un “ser superior”, mientras el sonido mezcla voz e instrumentos de una manera muy lo-fi. Por otra parte en "Runner" se perciben un acompañamiento muy cercano a la canción de autor mientras la persona que canta, habla de alguien que no lo juzga nunca por lo que dice, si no directamente por sus acciones.

Así el trabajo navega entre la debacle mental de alguien que ha visto su vida pasar y no sabe si hizo bien o mal ("Mission") o referencias bíblicas para hablar del sacrificio de amar  en "Cross The Sea". El mejor track de este álbum es "Blessing"; empezando por el puente sonoro que da entrada/salida/entrada a un monologo breve, silencioso, casi susurrado sobre “salir del fango y agradecer que es un nuevo día”, es un tema tan bien logrado en cuanto a su construcción, que engloba a la perfección el concepto del disco, es el soundtrack para el día después de cualquier apocalipsis personal. Música para acompañar cualquier momento de tensión, y como la vida real, ningún momento bueno o malo dura para siempre, en cuanto el escucha está inmerso en tal ambiente, la canción ha terminado.

Acompañando en algunas sutiles pero contundentes participaciones, se encuentra Molly Garmer, quien aporta voz y cuerdas, la primera con una voz que sostiene las sutiles acrobacias vocales de su anfitrión y la segunda una base fija para los experimentos sonoros del cantante que le a dado un toque fantasioso a este disco.

Alex Giannascoli no es un hombre religioso, no creció bajo ningún credo o mandato en específico, y sin embargo pensó que era interesante explorar el tema de la fe. En la actualidad la gente, tuvo que creer que había algo más para salir de una situación que para muchos se salió de las manos. Alex no tiene respuestas, tampoco tiene preguntas, es más un artífice de crear el ambiente y escenario para que tú (con toda la experiencia propia)  acompañes tu misión personal. Dios salve a los animales y por qué no, con esta música también merece una oportunidad el ser humano.

Divino Niño — Last Spa On Earth

Posted on septiembre 23, 2022 by -

¿Viento y café en Last Spa On Earth?

¿Qué pasa si ponemos ingredientes extravagantes en la licuadora, sabores que nunca pensamos que se llevarían, pero al final sí combinan? Algo similar ocurrió con el nuevo disco de Divino Niño, cuya experimentación pandémica los llevó a explotar sus propios recursos y sus propias mentes y, de paso, las nuestras. Su nuevo disco Last Spa On Earth tendría una imagen visual bizarra y atractiva a la vez, seria aquel tipo con shorts y camisa estridente con sandalias, un hombre difícil de descifrar; las 12 canciones que componen este LP no pueden encasillarse en un género, un ritmo o tratar de predecirlas. 

Este resultado tan novedoso y osado se dio durante el mismo tiempo de pandemia y, en donde el quinteto cerró los canales de comunicación con la escena “blanca” del indie en Chicago y se adentró en la música que los mismos integrantes compartieron entre ellos, de tal manera que llegaron al neo-reggaetón y volvieron a sus raíces cafetaleras, para mezclar lo que han vivido y aprendido por su convivencia en el país del norte. La experimentación y el atrevimiento se dieron naturalmente y, según la misma banda, esas reglas que ponen los límites a la creatividad, de repente, ya no estaban.

La canción con la que abre el álbum es “Magia”, que te lleva por la sensualidad que puede tener el R&B, parece que el resto también seguirá la misma línea; en “Nos Soltamos”, las colaboraciones de Will Miller de Whitney en las trompetas y el Lap Steel de Colin Croom de Twin Peaks acompañan de buena manera la composición. La estrella de este disco es “Tu Tonto”, uno de los sencillos de Last Spa On Earth, que habla de estar enamorado y perder el sentido común, pero con ritmos de neo perreo, una combinación psicodélica que le da mucho poder al equilibrio que se busca tener en este material.

Divino Niño — Last Spa On Earth

El disco está escrito en su mayoría en español, pero las canciones bilingües que se incluyen “I Am Nobody”, con arreglos sintéticos y sonidos sintetizados, “XO”, que habla de la religión profana expresada con toques de ironía y en cuyo video se muestran los extremos de la moralidad y los tabúes establecidos dentro de las iglesias latinoamericanas y “Mona”, que es la canción más pop del disco y hace explotar con la mezcla de ritmos. Esa esencia latina de Colombia se puede identificar claramente en “Toy Premiado”, donde aparece de nuevo el neoperreo y “Drive”, que es una canción con cambios deliciosos de ritmo, comenzando con ritmos latinos que se transforman a psicodelia, que dejan sabor a café con hongos. 

Para “Ecstasy”, la voz estridente, con modificaciones y un tanto robótica, hacen recordar a Daft Punk; “Papelito”, otro de los sencillos de Last Spa On Earth, es muy underground, estridente y noventera, nos hace recordar al Beck de los 90 y, finalmente, “Especial”, con la audacia de los Beastie Boys.

Para quienes no han escuchado esta banda emergente, este disco es una carta de presentación que muestra las facetas que tiene la agrupación; las canciones son de fiesta, pero las letras hablan de romance y de cultura, esa que está mezclada con la escena indie norteamericana y el resultado, es este, un producto sin nombre ni etiqueta, que no necesita descripción, sino experimentación. 

Perfiles: Joanna Pirod

Posted on septiembre 23, 2022 by -

En busca del auténtico talento.

Después de meses de permanecer en casa, los espacios físicos han adquirido un nuevo significado, las casas se han convertido en oficinas y estas últimas han mutado o han quedado vacías. Lo cierto es que, un lugar adecuado en el que puedas trabajar es muchas veces la piedra angular para explorar tu creatividad al máximo. We Rock es este concepto antes mencionado llevado al mundo de la música, un lugar dónde tu talento puede alcanzar nuevos rumbos. Joanna Pirod, locutora y encargada del área de prensa, es parte del equipo de este nuevo concepto que pone la música por delante.

Creo que el valor más importante y por eso el nombre de We Rock es que es un networking para gente de la industria musical, entonces puedes venir a hacer de todo y si no te lo enseñamos. Vienes a hacer relaciones y a que te ayude gente que lleva años en la industria a que gestione tu proyecto: desde una banda, un podcast, un contenido”.

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Pirod estudió Relaciones Internacionales en la Universidad Ibero, como muchas otras personas que notan una conexión profunda con las artes, se enfrentó al estigma de elegir tener algo "seguro" o trabajar en un medio “que no le iba a dar para comer”. Al final el camino la llevó por los senderos correctos, llegó al mundo de la locución y tomó la decisión de construir una carrera de la que está consiente lleva tiempo y dedicación. Tras la invitación del abogado de Molotov, Pepe López Alonso, quien junto con Randy Ebright decidieron crear este concepto luego de buscar un nuevo lugar para ubicar su estudio, es como Joanna llega a esta casa ubicada en la colonia Narvarte y se une a un equipo de gente que desea impulsar a los músicos y sus proyectos.

Es importante que una persona externa te asesore y te diga, 'yo cambiara esto, puliría esto'. El ojo externo te puede ayudar muchísimo sobre todo si este es especializado. Por eso existen los productores o los directores de cine porque te guían”.

Así en We Rock encontramos: salas de ensayo, cuarto de grabación (dónde también se ofrece la mezcla y masterización) equipo de Randy que pocas veces se ha visto en otro lugar y servicios más especializados como gestión de contenidos, contacto con prensa y en la azotea un lugar para showcases, dónde los talentos emergentes pueden empezar a moverse. Ante tantas herramientas disponibles es difícil pensar que un proyecto no pueda desarrollarse en un espacio como este, aunque para Joanna la clave está en otro lado: la autenticidad.

Es difícil que escuches un proyecto y que no sepas sus raíces e influencias, pero encontrar una voz propia en tu propuesta es muy difícil, entonces cuando encuentras un artista de este tipo, independiente del género, ya estás del otro lado”.

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Además del talento, grande y pequeño, que se cruza en este espacio, We Rock ya inicia sus primeros pasos como disquera en la que se editará material grabado en casa. Los primeros en ser parte de la familia son BOATS, Lucano y los Asoleaos, el proyecto de Freddie Cowan (The Vaccines), Freddie and The Escenarios, que aprovechara su estancia en nuestro país para hacer una residencia en el recinto. Por último esta Magma Soul que es una banda que al igual que los anteriores apenas inicia, pero que es un claro ejemplo de la evolución que un lugar como We Rock puede ofrecer.

“Cuando llegaron todo muy bien, pero ya sabías por dónde iba su propuesta. Desde que están aquí con ayuda de Randy y de otras personas han ido puliendo, desde cómo se ven, como se visten, lo que dicen entre canciones, ya pasaron de un rock clásico a algo más psicodélico, la presencia en el escenario es más fuerte los ves y sabes que ya están listos para lanzarse a lo grande”.

En la actualidad We Rock tiene el objetivo de mejorar sus instalaciones, ofrecer más y mejores servicios y por supuesto seguir en la búsqueda de talento, el cual ya existe, pero muchas veces por una cuestión de ego o temor no se animan a pedir ayuda, lo cierto es que ahí afuera hay mucha gente dispuesta a echarte la mano… de eso se trata ser parte de una escena.

Esta casa se hizo (We Rock) por gente que siempre ha estado inspirada y que le gusta la música, entonces quiero que sepas que si hay gente que se la rifa, que está haciendo sus proyectos… impulsar a la gente a que no crea eso de que si estas en la industria musical no la vas a armar".

Conoce más de We Rock aquí 

Servicio a la comunidad o 2 preguntas frecuentes para Joanna

• ¿El Rock está muerto?: Joanna tiene un podcast que se graba desde We Rock de nombre Insolente ; en él se discuten muchos temas y como sabe central está la música. Ante esta pregunta frecuente la respuesta es simple “Claramente ya no es el mainstream como lo fue en los 60, 70, pero mientras siga existiendo no estará muerto”.
• ¿Mi banda es grande o pequeña?: Ante el talento que ronda los pasillos de We Rock es natural que puedas dudar si estás en el lugar correcto a lo que Joanna indica “siempre estamos dispuestos a escuchar porque solo así descubres cosas, si ya está más o menos armado definitivamente puedes hacer algo aquí”.

A 25 años de 'Homogenic' de Björk

Posted on septiembre 23, 2022 by -

Cuando la islandesa volvía a sus raíces.

En la actualidad, sobre todo para las nuevas generaciones cuesta creer que Björk tuvo un momento de “fama”, pero la realidad es que tras más de 20 millones de discos vendidos en toda su carrera, esta puede llamársele todo menos pequeña. Sin embargo, con la fama llego el lado oscuro de esta; un fan obsesivo que intento matarla y la prensa del corazón siguiéndola mientras sostenía un romance con el músico Goldie. Al final del día la cantante necesitaba espacio y encontró en un pequeño estudio de España el espacio perfecto para recordar quien era y de dónde venia: eso es Homogenic.

Tras dos discos que la llevaron a la cumbre de la fama, la cantante decidió prescindir de muchos elementos en busca de encontrar su propia raíz: En cuestión de sonido este disco está compuesto a base de beats, orquesta y voz. Para lo primero la cantante se tomaría un año para recolectar sonidos de la zona volcánica de Islandia, que más tarde serían procesados en estudio para convertirse en el acompañamiento de la mayoría de los temas, algunas veces sutiles ("Unravel") o algunas otras de manera más que evidente, como en el puente musical en "Jóga".

A diferencia de otras ocasiones y tal vez por la distancia y ubicación del estudio (Málaga, España) los colaboradores principales sólo son en esta ocasión Guy Sigsworth y Mark Bell, este ultimo colaborador habitual y mayor inspiración (en palabras de la islandesa) en futuras aventuras musicales. El disco se escribió entero por la productora quien hizo las melodías en un rudimentario teclado casio y más tarde el equipo de ingenieros y programadores los convirtieron en patrones y secuencias musicales. La ultima parte del disco es la sección de cuerdas, para la cual se contrato a un grupo de músicos de su país para darle el toque nacionalista y voila! En 1997 sale esta obra de la electrónica que marca un antes y después en la carrera de la compositora.

Muchos de los escuchas habituales de su música la abandonaron al considerar que había sido un error dejar la etapa bailable y mas comercial de Debut (OLI, 1993) y Post (OLI, 1995) por unas melodías que (en aquel entonces) fueron consideradas difíciles y poco sutiles para el escucha promedio. Lo cierto es que en la actualidad y sobre todo cuando la cantante está inmersa en el sonido avant garde, este disco se aprecia mucho mejor e incluso es mucho más digerible en comparación a su ultimo trabajo a base de flautas en Utopia (2017).

Homogenic que es una palabra compuesta para hablar de un solo elemento y le herencia que provenía de su país es un disco que versa sobre el amor, en todas sus facetas, dando a entender que Islandia no era sólo ese país con clara influencia mitológica, si no que también tenia un fuerte romanticismo nórdico. Así el amor a los demás y la presión de ser la fuente de trabajo de muchos se explora en el drum & bass de “Hunter”, la infidelidad y la negociación de pareja ("Unravel"), la reflexión post ruptura para volverse a levantar ("Innmature") y la amistad y el amor a su tierra natal en "Jóga", que al igual que otros temas fue co-escrita al lado de su amigo y fiel colaborador Sjón.

El disco como todo un ente funciona muy bien, pero es de destacar una triada de canciones perfectas, la primera es "Bachelorette", con una sección de cuerdas que impone y que debido a la mezcla se come la sutil pero contundente base electrónica que la acompaña. Mientras que en “Pluto” la electrónica vibra en su máximo esplendor con varias secuencias bailables que la acercaban al rave como nunca antes. El track final es una versión casi acapella de "All is Full Of Love" que sería más tarde desplazada por su sintético pero efectivo remix, una oda a levantarse de las cenizas tras el caos sonoro, el caos de la vida, al final todo está lleno de amor.

Hoy en día la islandesa sabe que su fama es menor pero su público más fiel, la crítica no la entiende, pero cada vez termina siendo influencia de más gente, hoy es un desafío ser fan de sus inicios y entender sus últimos trabajos, o llegar por ella a través de estos discos y no entender su primera etapa más “light” pero todos se quedan en este trabajo que forma el equilibrio perfecto para entender una carrera tan interesante como esta. Alexander Mcqueen la vistió de guerrera de manera sutil en la portada, mezclando estoicismo con una clara intención de entender, que Björk siempre firme y siempre dispuesta a seguir el rumbo que ella quiera.