Broken Bells estrena “Love on the Run”

El dúo comparte el último sencillo antes del lanzamiento de su nuevo álbum.

Con un tema melancólico, a tono de balada nostálgica, el dúo Broken Bells, conformado por Brian Burton y James Mercer, presentan “Love on the Run” como el último adelanto previo al lanzamiento de su nuevo álbum titulado Into the Blue, que será lanzado a través de AWAL el 7 de octubre.

Broken Bells

“Love On The Run”, es un tema de poco más de siete minutos donde los sonidos de las trompetas, junto al sello indie pop del grupo, se mezclan en una canción que se siente como un jazz.  Viene acompañado de un video musical donde añaden una serie de imágenes distorsionadas, con elementos del espacio.

Hasta el momento, Broken Bells, ya ha presentado otros dos temas que compondrán su nuevo disco, tales como “We're Not In Orbit Yet..." y "Saturdays"

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Dua Lipa en el Foro Sol

La luna aparece e ilumina nuestros corazones.

Han pasado cinco años desde que Dua Lipa presentó su álbum debut y cinco años desde que visitó por primera vez México. Su llamado en ese entonces sucedió como parte del lineup del Corona Capital y ha decir verdad, ese atardecer consiguió juntar apenas la décima parte del público que esta noche le acompañó en su primer Foro Sol, sold out.

La artista llegó a México para presentar su más reciente LP Future Nostalgia y las canciones que han surgido a raíz de este lanzamiento. Desde un inicio fue evidente la urgencia de que visitara el país; surgiendo la necesidad de mover las caderas y los pies al ritmo de temas icónicos que más tarde abrazarían la noche entre estallidos de papeles de colores.

Los fanáticos literalmente acamparon afuera del recinto para ser los de los primeros en entrar y apañarse del mejor lugar que ofrecería esa pasarela al centro del Foro. La espera durante el día fue dura, sin embargo, en punto de las 20:00 H el DJ Victolicious se instaló en el escenario para empezar a amenizar el ambiente con grandes éxitos del pop cortesía de Madonna, Rihanna, Rosalía y más. Con media hora de set, el DJ tuvo para dejar al público contento y listo para el gran show.

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Pasados cinco minutos después de las 21:00 H, las luces del inmueble se apagaron para recibir a los músicos, coristas y bailarines que acompañarían a la cantante a lo largo de la velada. La introducción sucedió con apoyo de un dinámico video en el que presentó a cada uno de los chicos que estarían junto a ella finalizando con su nombre y su cara en la pantalla. Los gritos dieron paso para luego recibir a Dua Lipa en el escenario quien en ese momento portaba un atuendo verde chillante.

"Physical" inauguró esta noche haciéndonos sentir que absolutamente todos los minutos para la espera habían valido la pena. Una ráfaga de colores y visuales vibrantes hicieron juego durante toda la presentación apoyando los temas siguientes como "New Rules", "Love Again", "Cool", "Pretty Please", "Break My Heart" y "Be The One".

El segundo acto sucedería en cuestión de segundos y mientras tanto, Dua salía del escenario para cambiarse de atuendo a un precioso vestido aperlado. Mientras un mesero en patines nos deleitaba con un show en el stage de adelante, una historia de langostas sucedía en las pantallas. Todos sabíamos lo que continuaría; "We're Good". Sin más, prosiguieron éxitos como "Good In Bed", "Fever" y "Boy Will Be Boys".

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Todo estaba sucediendo demasiado rápido y en un abrir y cerrar de ojos el tercer acto estaba a nada de comenzar. Los bailarines montaban una coreografía mientras la cantante corría por su tercer vestuario; un corto vestido en tonos rosa. Durante todo el show, no perdió la oportunidad de agradecer por tal suceso y por supuesto, de presumir su perfecto español, aunque fue un tanto modesta diciendo que aún le faltaba aprender más. Así, "One Kiss", "Electricity", "Hallucinate" y "Cold Heart", le dieron continuidad a la noche, que cada vez llegaba a la recta final.

Inevitablemente el cierre del concierto de Dua Lipa llegó no sin antes realizar un último cambio de ropa por un mono dorado. La cantante se despidió con alegría y luego interpretó con emoción "Future Nostalgia", "Levitating" y "Don't Start Now". La lluvia de papelitos de colores ayudó a capturar la inmensa felicidad que muchos de nosotros estábamos experimentando en ese momento. Una velada única en la que la luna y las estrellas brillaron más que nunca.

Queens Of The Stone Age anuncia la reedición de tres álbumes

La reedición de tres álbumes clásicos incluirá arte exclusivo, vinilos de colores, ediciones limitadas y más.

Queens Of The Stone Age ha decidido reeditar tres de sus álbumes más emblemáticos, incluyendo ediciones limitadas en vinilo de color, ilustraciones exclusivas, nuevas y restauradas, y mucho más. La reedición de los tres álbumes clásicos se podrán adquirir a través de la tienda oficial de la banda.

El álbum debut homónimo de Queens Of The Stone Age, en 1998, volverá a imprimirse después de una larga década y será lanzado digitalmente el 22 de septiembre, con fecha de lanzamiento en vinilo para el 21 de octubre. Restaurado con su lista de canciones original y adornado con el arte original de Frank Kozik, agotado desde hace tiempo, contará con una tira obi diseñada por su viejo colaborador Boneface y estará disponible en vinilo negro estándar y en una edición limitada de color naranja opaco.

El 9 de diciembre, habrá una doble entrega de los discos más recientes de Queens Of The Stone Age. ...Like Clockwork (2013) se vuelve a cortar a partir de las cintas maestras originales con un arte alternativo y una tira obi de Boneface en una edición limitada en vinilo color aqua. Villains (2017) se reedita en un paquete especial de 5º aniversario con grabado, tira obi y un nuevo póster de Boneface, y en una edición limitada de vinilo traslúcido color verde hoja.

SG Lewis anuncia álbum y comparte “Vibe Like This”

¡Conoce todos los detalles!

SG Lewis, anunció la llegada de su nuevo álbum, AudioLust & HigherLove, para el 23 de enero del próximo año, que será lanzado a través de PMR/EMI Records, y será la continuación de su disco Times de 2021.

Acompañó la noticia con un nuevo adelanto titulado “Vibe Like This” que cuenta con la colaboración del rapero Ty Dolla $ign y el cantante de R&B, Lucky Daye, donde sus voces se fusionan con el estilo del productor musical inglés, en un tema bastante rítmico que incluye sonidos electrónicos con el sonido de panderos y un piano.

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El sencillo está acompañado de un video musical, dirigido por ​​Jason Lester, donde muestra a los músicos vestidos de traje, en el que se pueden apreciar algunos tintes ochenteros con la mezcla de varios spots coloridos. 

“Vibe Like This” está acompañado de otro single titulado “Infatuation”, donde la mezcla de sonidos de los 80 con la electrónica se sienten cada vez más presentes. Con un estilo parecido a FM-84.

Respecto a su nuevo álbum, el productor SG Lewis, declaró lo siguiente:

El álbum está claramente dividido en dos mundos”, dijo SG Lewis sobre su nuevo disco. AudioLust es la versión del amor más oscura, lujuriosa, encaprichada, efímera e impulsada por el ego. La segunda mitad representa una versión mucho más profunda, actualizada y realizada del amor. Las canciones caen en cualquiera de las dos mitades del disco”.

Continuó: “La mayor parte del álbum se escribió a través de una serie de residencias de estudio intensivas en el punto álgido de la pandemia, con la ayuda de algunos amigos increíblemente talentosos, y me permitió explorarme a mí mismo como artista de una manera que nunca. se han atrevido antes".

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Marcus Mumford — (Self-Titled)

Marcus Mumford encuentra la fortaleza en la confrontación y la libertad al sincerarse mediante la mejor forma que conoce, su música.

En medio de unos años caóticos provocados por el encierro y cambios en la banda incluyendo la salida del guitarrista Winston Marshall, el compositor y vocalista de Mumford & Sons lidiaba con sus asuntos pendientes a través de la música. Así, después de innumerables sesiones de terapia, confrontaciones con su pasado, confesiones a su madre y una lucha constante para encontrar paz, Marcus Mumford nos regala su primer álbum en solitario, que de primera instancia se puede sentir invasivo.

El álbum abre con un trago amargo: la confesión del abuso que sufrió siendo niño. Es tan explícito y crudo que no hay manera de que no se entienda el mensaje. “I can still taste you and I hate it // That wasn’t a choice in the mind of a child and you knew it” son las líneas con las que empieza “Cannibal”, donde le habla directamente a su abusador en una melodía tensa de guitarras. La voz de Mumford es más áspera que en otras piezas y no hay alargamiento en ella, lo que hace que se perciba cierta rigidez, como si le costara decirlo. La canción va creciendo en tensión y emoción y para puente de la canción las cuerdas se sienten romper, literal y metafóricamente hablando, es él sacándose del pecho la emoción reprimida, es él queriendo comenzar de cero, queriendo ser libre.

Aunque parece ser una decisión arriesgada, se entiende la intención al escuchar la canción siguiente, “Grace” que continúa con un ritmo más alto que su antecesora y contiene otro nivel de tensión que refleja perfecto la conversación que el cantante tuvo con su madre tras confesarle lo que sufrió años atrás. Sin embargo, entra en una irónica situación, al volverse el consolador, asegurando a quien lo oye, que todo va a estar bien y que la gracia (del perdón) es mejor que la culpa que corroe el alma. Las guitarras rasgadas y los riffs que se disfrutan a través de la canción acompañan el sentimiento de esperanza y fortaleza de la voz y la letra de la canción.

“Prior Warning” y “Better off High” nos muestran otra faceta de él, donde lidia con problemas mentales, emocionales y de adicción. Aunque ambas tocan temas más oscuros de los que acostumbrados con él, la primera es una melodía pesada, con pocos cambios de ritmo y percusiones bajas. Sin embargo en la última, la melodía es animada y en ciertas ocasiones hay explosiones de energía propias de quien está aparentemente feliz, lo que contrasta con la letra que refleja la realidad de la dependencia y los trucos de la mente.

El álbum nuevamente sufre una caída en el ritmo en “Only Child”, como lo hacen las emociones del autor, reflejando la culpa y las dudas de quien es perseguido por su pasado y se cuestiona si merece lo que tiene. La voz que generalmente nos evoca positivismo, ahora rebosa de nostalgia y vulnerabilidad a lado de una sola guitarra acústica. Por otro lado, en “Better Angels” experimentamos un lado más “heavy” del artista al escuchar guitarras distorsionadas, deelays y efectos fuzz al final de la melodía que aportan textura al álbum.

“Dangerous Game” a lado de Clairo, es la primera de las cuatro colaboraciones que aparecen en el álbum y mientras las otras tres marcan lo que podríamos llamar la etapa sanadora, esta no es lo más destacable del álbum. “Go In Light” junto a Monica Martin, sientes refrescante y crea un ambiente esperanzador gracias a las armonías bien ensambladas. Por su puesto, una de las colaboraciones más esperadas era con la cantante Phoebe Bridger, y aunque “Stonecatcher” es una canción bien construida, que refleja la condición más humana del compositor, una con la que es fácil identificarse y sentirse en medio de aquellos versos, nos queda debiendo mayor participación de la cantante, que se siente algo desperdiciada.

El álbum termina en una nota emocional con “How” otra balada a lado de Brandi Carlile. Es la parte en donde finalmente lo vemos sanando, “but I’ll forgive you now // release you from all of the blame I know how” dice la letra.

(Self-Titled) de Marcus Mumford es un álbum liberador que nos muestra que ser vulnerables y dejar ir los sentimientos negativos no es sinónimo de debilidad ni cobardía. Es otra cara del vocalista conocido por llenar sus canciones con banjos y tambores alegres. Es su álbum más personal y que probablemente no sea del agrado de quienes esperaban algo exactamente como Mumford & Sons. Definitivamente mantiene su esencia pero con un toque más orgánico y crudo.

Ozzy Osbourne — Patient Number 9

Celebrando con todo al cabalístico 13.

Ozzy Osbourne está cercano a cumplir 74 años. Se encuentra lidiando (y al parecer dejando atrás) sus múltiples adicciones, al tiempo que libra una batalla contra el mal de Parkinson el cual le fue diagnosticado en 2019, obligándole a cancelar una gira por Norteamérica para someterse a tratamiento médico.

Contra todo pronóstico, Ozzy regresa con un nuevo disco bajo el brazo, titulado Patient Number 9. El decimotercero dentro de su discografía como solista, iniciada en 1980 con la aparición del Blizzard of Ozz, su primera producción tras abandonar a los legendarios Black Sabbath, en busca de forjarse su propia leyenda… algo que finalmente consiguió, hasta ser elevado al estatus de Padrino del Heavy Metal.

Buena parte del éxito que Osbourne ha tenido con su carrera en solitario a lo largo de más de cuatro décadas, ha sido gracias a que siempre ha sabido rodearse de músicos jóvenes, talentosos, con hambre de crear y hacerla en grande. La lista de dichos músicos es tan larga como los temas de sus discos que se han vuelto verdaderos himnos con el pasar del tiempo.

Por ello, ahora que el cantante llegó a su cabalístico disco número 13, lo celebra no solo siendo congruente con este recurso, sino llevándolo al siguiente nivel, y no se contenta con únicamente armar -de nueva cuenta- un supergrupo para grabarlo, sino que en él incluye también a una serie de músicos invitados, los cuales parecieran ser una síntesis de lo que ha sido el contexto y proceso formativo musical de Ozzy a lo largo de sus años, y también le significa reencontrarse con viejos amigos y conocidos, así como con distintas facetas de su propia carrera.

Ozzy Osbourne Patient number 9

En esta ocasión casi se repite la misma alineación que participó en Ordinary Man, su disco previo: el guitarrista y productor Andrew Watt (presente en las más recientes producciones del artista); el baterista Chad Smith (Red Hot Chili Peppers); el bajista y multiinstrumentista Duff McKagan (Guns N' Roses); y a quienes se suman Robert Trujillo (Metallica); la cantante pop y compositora Alexandra “Ali” Tamposi; el –tristemente- recién fallecido baterista Taylor Hawkins (Foo Fighters), y el guitarrista Zakk Wylde, fundador de la banda Black Label Society y uno de los tantos talentos descubiertos por Ozzy, presente en varios de los mejores álbumes de este último.

Entre la lista de músicos invitados resalta la presencia de puro dios de la guitarra: Eric Clapton, Jeff Beck, Josh Homme, Mike McCready, así como  la de otro de los Padres del Heavy y excompañero del cantante en Black Sabbath: Tony Iommi.

Algo similar pasa con los temas que conforman el álbum los cuales son también, de alguna forma, un compendio de los riffs, ritmos y estructuras musicales y estilos que El Príncipe de la Oscuridad ha adoptado a lo largo de los años, mostrando marcadas analogías entre estas nuevas composiciones y otras que se han vuelto hits del vocalista, como aquellas que tienden a un estilo cercano a la balada ("One of Those Days", que cuenta con la cadenciosa y cálida guitarra de Slowhand Eric Clapton; o "A Thousand Shades", con formidable y melancólica lira cortesía de Jeff Beck; o “Nothing Feels Right”); temas con reminiscencias Sabbathianas (“Evil Shuffle”; “No Escape From Now”, con la presencia de Iommi, el Riff Lord, en persona); canciones poderosas y bien heavies en la mejor tradición Ozzy (“Parasite”; “Patient Number 9”); rolas influenciadas por el más puro estilo del blues eléctrico (“Degradation Rules”; “Darkside Blues”). En resumen, todas las épocas del artista están presentes en un mismo lugar.

Al verlo en su conjunto, la sensación que Patient Number 9 deja, es la de un rockstar que ha decidido hacer una retrospectiva de su propia trayectoria. ¿Esto significa que Ozzy Osbourne, de alguna forma, nos está dando su despedida musical? Así lo pareciera, aunque la estrofa de “Immortal” (uno de los temas de este disco) pareciese decir otra cosa:

"People will come and go

Some stories never told

Bury me down below

But I'll never die

'Cause I'm immortal

Yes, immortal”.

Y si, de alguna forma, Ozzy es ya (y será por siempre) inmortal.

Nick Cave: la relevancia del vampiro

Una reflexión sobre el poeta maldito.

Lúgubre, profundo y elegante, Nick Cave ha cargado pesadas losas a lo largo de 40 años de carrera. Su adicción al alcohol y la heroína, la irreverencia y rebeldía que marcarían su personalidad desde la juventud, las constantes rupturas amorosas, su construcción y reconstrucción como persona, la huida de Mick Harvey de la banda, la muerte de su hijo Arthur, la reciente partida de su mancuerna Conway Savage del plano terrenal y la caída de sus ídolos —llámense Reed, Cash o Cohen—, han hecho del músico de Warracknabeal un ícono, tanto por su transformación artística como por su facultad de impregnar en letras y melodías una pequeña parte de él.

Siempre cambiante, adaptable a las situaciones, "El Diablo" ha encontrado la fórmula para aplacar a cualquier demonio y hacerle frente a la desgracia con lo que mejor sabe hacer: la música. Desde The Boys Next Door, su evolución a The Birthday Party hasta la formación de Nick Cave & The Bad Seeds y su realidad alterna nombrada Grinderman, el intérprete australiano ha construido una leyenda. Una donde los vampiros son reales, la oscuridad es un fiel aliado y el dolor es retratado como un terrible martirio, pero también como un inevitable sentimiento, donde a pesar de todo, es un necesario inhibidor para que la calma se haga presente.

¿Y es eso lo que buscamos en Nick Cave?, ¿Un hombro en dónde llorar?, ¿Un consolador de nuestras emociones?, ¿Un poeta que siempre tiene las palabras adecuadas ante las adversidades?, Puede que sí, tal vez como fanáticos busquemos entre sus textos, entre sus labios, entre sus pensamientos, alguna salida de nuestra diaria pesadumbre y una luz que llene nuestra alma. Una respuesta para salir del oscuro túnel o de cómo saber caminar entre las tinieblas cuando tu corazón está repleto de grietas por cubrir.

Y aunque las biografías, el celebrado cómic de Reinhard Kleist y su filmografía nos arrojen mucho material del artista, de Nick se sabe mucho y al mismo tiempo no se sabe nada. Sabemos de su intenso romance con PJ Harvey, de su amor con Anita Lane que estuvo con él en su época más cacofónica y rabiosa y quién también escribió algunas letras para From Her to Eternity—, y de su relación con su compatriota Kylie Minogue, pero en realidad la mayoría de su vida privada siempre ha estado por debajo del agua. En sus propias palabras. “Algunas veces la verdad es necesaria y, otras, lo necesario es crear mitos”. O tal vez, como en ocasiones ha afirmado, simplemente le hacen preguntas bastante estúpidas.

Anécdotas hay muchas, tal vez el doble de las que en realidad se conocen. Desde su paso por la extinta Alemania Oriental, lugar donde concebiría su primera novela, hasta su autoexilio a Brasil donde nacería el irreemplazable The Good Son, el cantante ha encontrado una forma de reencontrarse consigo y con su alma. Pero tal vez eso no es lo que queremos saber de él, tal vez lo único que queremos escuchar son los resultados de esa dolorosa lucha: sus letras, sus discos, sus poemas. Y es que la historia de Nick va más allá del estereotipo del rock & roll y sus aclamados ídolos. No será recordado por pertenecer al "Club de los 27" o por tener los dotes para realizar 3 minutos de un solo en la guitarra. Pero será siempre alabado por ese excelso barítono que posee en sus cuerdas vocales y por su fina ejecución en el piano. Por hablar de muerte y accidentes; amor y desamor; lujuria y venganza; de su percepción del mundo y su visión del sentir humano, canciones que son convertidas en musas y obsequiadas a sus fieles seguidores.

Hablar del legado musical sería absurdo, porque, ¿qué no ha hecho Nick Cave? Ha destruido los escenarios, le ha pisoteado los talones al Diablo y ha tratado de convencerse a sí mismo que no existe aquel Dios vengativo. Ha visitado el cielo y el infierno, y en su manera de predicador, ha hecho a nosotros, su público, ir con él en tan complicado trayecto. Tampoco sería justo decir a qué bandas o proyectos ha influenciado su música, porque a todo aquel que se diga tocar rock & roll, debe tener un poco de Nick en el alma, algunos destellos de su sabiduría. Y aunque pareciera absurdo, el genio de 61 años tiene mucho que dejó atrás los estándares del sonido, pero lo vive con más pasión que muchos otros.

Cave y sus discípulos visitarán la capital mexicana después de cinco años de ausencia y con 16 trabajos de larga duración a cuestas, un show completamente distinto se presenciará el próximo 2 de octubre. Sí, la confirmación de un nuevo disco nos emocionó hace unos días, pero con el músico de Virginia nunca se sabe si una nueva gira vendrá en camino. Hace cinco años fue su primera visita a México después de 35 años de carrera, tal vez en esta ocasión somos muy afortunados y lo tenemos de vuelta en relativamente poco tiempo, pero en realidad nunca se sabe si el vampiro regrese de la ultratumba. Si aún estás dudando en ir a presenciar uno de los mejores actos en vivo de la actualidad, tal vez estés a punto de cometer un grave, muy grave error. Aquel hombre que nunca se quita el traje suele ser bastante impredecible.

“Ancestress”, lo nuevo de Björk

Un ritual para su difunta madre.

Entre los intersticios de la muerte y el manto de la vida, el duelo y el reencuentro, la pérdida y la espera, el vacío y la memoria, “Ancestress” se articula, con todo y las excentricidades artísticas de Björk, su autora, como un ventrículo bombeador de agradecimiento, tributo y esperanza dentro de la extensa discografía de la artista islandesa. Luego del nacimiento de “Atopos” y “Ovule”, sus sencillos anteriores, esta nueva pieza encapsula las distintas miradas de la cantante en torno a la vida de su madre, con una clara intención de rendirle honor a su paso por el mundo, preservar su legado y enmarcar en su universo sonoro una fotografía biográfica como recordatorio de lo que fue. 

Esta canción es una carta a mi madre, su historia vista desde mi punto de vista. Está escrito en orden cronológico, el primer verso es mi infancia y así sucesivamente”, comentó. 

Esta pieza, además de guardar un peso sentimental muy particular, cuenta con la íntima colaboración de Sindri Eldon, hijo de la compositora. Conjugada entre la delicadeza característica de los instrumentos de cuerda, sonidos de cuencos y platos orientales, la canción fue enguirnaldada por los arreglos vocales magistrales de Eldon, mismos que logran compactar perfectamente con la voz de su madre. Sin embargo, la inclusión del músico no fue arbitraria. La misma Björk invitó a su hijo a sumarse a esta composición por lo siguiente: 

Él tiene una voz deliciosa y era muy cercano (a mi madre)”. 

“Ancestress” se estrenó junto con un video que ilustra la estética sensible del mensaje de Björk. En él se observa a la artista acompañada por una serie de personas vestidas de rojo, junto a quienes se encuentra inmersa en una ceremonia ritualística al aire libre, a través de la cual pareciera que estuvieran cuidando y acompañando al espíritu de su madre en sus últimos momentos en este mundo. Todo el audiovisual en sí resulta la enunciación de una auténtica celebración de la vida de esa mujer tan importante dentro de la historia de la compositora. 

Durante 20 años no he podido asistir a los funerales porque algo en ellos me molestaba”, expresó la cantante en Instagram respecto a la idea del video. “Probablemente lo que más me ofendió fue, ¿cómo se puede encender el espíritu en un ambiente tan claustrofóbico como el de una iglesia? Cuando el alma se pone en marcha, necesita estar afuera para que haya espacio para lo enorme que se vuelve cuando se fusiona con los elementos”, añadió. 

Este nuevo lanzamiento de su próximo álbum Fossora representa una de las obras más cercanas a la vida personal de Björk y, junto con “Sorrowful Soil”, uno de los tracks que también formará parte del disco, se encargará de darle voz a la memoria de su difunta madre. 

'IT WON’T DO', el nuevo EP de Mild Minds

El músico explora terrenos más luminosos.

El australiano, Mild Minds, estrenó el EP IT WON’T DO en el que compila algunas canciones publicadas entre los últimos dos años. Siguiendo en la línea de la música house, pero con un espíritu más optimista que en sus inicios, el nuevo tema del productor culmina una serie de lanzamientos, mientras se alista para su nueva era musical.

Además del tema principal “IT WON’T DO”, el EP incluye los tracks “NO SKIN” y “MACHINE”, lanzados este año, y “HAUNTED” y “DEVOTION”, que se publicaron en 2021.

Después de hacer música mucho más seria y oscura estos últimos dos años empecé a sentir que realmente quería lanzar algo en el lado más positivo y alegre de las cosas; un lado de este proyecto que ha sido descuidado por un tiempo”, dijo el artista sobre este nuevo material.

Cabe mencionar que MOOD, el álbum debut de Mild Minds, fue elogiado por la crítica colocó al músico como un referente de la electrónica australiana con éxitos como “SWIM”, que tan sólo en Spotify acumula más de cinco millones de escuchas.

Poco después de su lanzamiento, Benjamin David (nombre real del artista) publicó un disco de remixes que le  alió múltiples nominaciones al Australian Music Prize.

Toro y Moi estrena el video para “Millennium”

Aliens, monjas y astronautas es lo que encontrarás en el video de “Millennium”.

Como ya sabemos, Chaz Bear es un cantante, compositor, productor musical, pintor y diseñador gráfico estadounidense, que dentro del mundo profesional de la música es mejor conocido como Toro y Moi, mismo proyecto que ha sido identificado con el movimiento de música chillwave por allá del año 2010 y 2011.

Recientemente nos estaba compartiendo lo que fue su séptimo y más nuevo álbum titulado Mahal, donde nos ha ofrecido viajes interesantes entre sonidos apegados a la psicodelia, al rock y música de décadas anteriores como 60, 70 y 80.

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En esta ocasión, Chaz, nos comparte el video para la canción “Millennium”, misma que nos habla sobre una gran fiesta, un gran momento, en el que te gustaría estar por mucho tiempo y olvidar el resto.

Este video estuvo hecho con la colaboración de Kid.Studio y la marca de ropa Mackage, y lo que podemos apreciar es a Chaz caracterizado como si fuera un ser de otro planeta mientras interpreta la canción, teniendo alrededor de el a un grupo de personas vestidas de astronautas ejecutando los instrumentos, y teniendo de público a lo que pareciera ser pacientes de un asilo, enfermeras y monjas, y sí, se escucha como un concepto bizarro, pero a su vez queda muy bien con todos los sonidos de la canción, así que esperamos que te guste y lo disfrutes tanto como nosotros.