Entrevista con Algodón Egipcio

De lo áspero a la suavidad, y la problemática cubierta de chocolate.

Ezequiel Bertho, pero “Checky” pa’ los cuates, es el nombre real de Algodón Egipcio. El venezolano llegó a la casa Indie Rocks! Muy amable y con una gran sonrisa en el rostro, me platicó su historia. Bueno, la de su nuevo disco llamado La Confianza Ciega.

“Uno va por la vida confiando en lo más mínimo. Como ahorita, vengo a una entrevista y, ¿cómo sé que no me van a secuestrar?”, dijo con una tierna voz y una risita que me pareció un poco tímida. “Hay cosas que uno no medita, pero confía en ellas”.

Ezequiel dejó todos sus proyectos alternos y se dedicó al 100 por ciento a este concepto: el primer disco de Algodón Egipcio quedó listo en poco tiempo. “A veces uno es muy crítico, por lo que trabajar sólo puede hacer que sea más tardado, y yo que soy muy perfeccionista, me clavo y no sé cuándo dejarlas [las canciones] terminadas”, comentó seguro de sí mismo.

Suena un poco contradictorio asegurar que trabajando en solitario las cosas se tarden más, aunque a él le haya funcionado de maravilla. ¿La razón? Vació las toneladas de creatividad que tenía en la mente. Seguro hubiera explotado si no las plasmaba en la música. 

Esa primer placa, que lleva por nombre La Lucha Constante, lo llevó a dar conciertos de manera continua y en diversos lugares, permitiéndole presentar su música a diferentes públicos. Anexo a esto, los nombres de sus producciones me causaban curiosidad: La  Confianza Ciega, La Lucha Constante, La Estrella Irregular, El Día Previo, La Lectura Fundamental

Algodon Egipcio - La Confianza Ciega

 

“Creo que en el primer álbum me acomodé de una forma en mi cabeza sobre cómo escoger los títulos de las canciones y los discos, porque primero todos empezaban con un artículo, como 'la', 'el', 'los', y el primero se llamó La Lucha Constante. Debía tener un significado muy personal, tenía que lidiar con el hecho de que en ese momento para mí todo se sentía como una batalla. hacer que las cosas funcionaran, tener un proyecto que la gente conociera, sobrevivir en la ciudad, todas esas cosas para mí significan una lucha”, aseguró con mirada y voz firmes.

La transición del primer disco al segundo fue importante, pues el sonido cambió porque, si escuchas una canción, puedes notar algunos elementos que hoy pueden hacerte sentir enamorado, pero mañana te recuerdan los problemas que enfrentas en el momento. Eso es La Confianza Ciega. Entre bromitas y risas, la plática fue tornándose un poco más profunda, rascando sus melodías poperas y pegajosas para encontrarme con una lírica que no siempre es igual de feliz.

Una de sus influencias en las nuevas letras es la problemática y el declive de su país, Venezuela, aunque lo manifiesta de manera muy sutil, y admira a quienes incluyen estas cuestiones abiertamente en su trabajo.

“No estoy en contra de que un artista tenga cuestiones políticas ni que trate estos temas en su música, de hecho lo aplaudo, pero tampoco soy Manu Chao, como que no soy muy frontal o explícito, o incluso muy preachy como para decirle a la gente qué pensar. Creo que eso no es mi enfoque, pero inevitablemente terminó torneando mi obra”, me dijo Ezequiel con cierta seriedad. “Es raro. En general soy una persona muy alegre y me gusta mucho plasmarlo en mi música, y las canciones terminan siendo felices y movidas, pero sí se crea eso de bailar algo que no es alegre”.

Su sencillo “La Estrella Irregular” es un buen ejemplo de ello. Aún con sonidos de R&B, house africano y música caribeña, la letra es un tanto melancólica, ya que habla de aceptar que las cosas como se conocían ya no son, y él mismo piensa que es lo que más le cuesta a todo el mundo.  

“En especial trata sobre la ciudad de Caracas que yo conocí a los 16 años cuando llegué a la universidad, y al final de mi estancia, al convivir con la gente, sabes que no es lo mismo, tienes que aceptarlo porque nunca va a volver”, finalizó.

Entre plática y plática, hablamos de sus presentaciones por todo el país como “Checky” con Torreblanca, el concierto cancelado con Helado Negro. Hablamos también de no tener placeres culposos y la música de nuestra adolescencia y sobre disfrutar de una buena cumbia, de la escena actual en Latinoamérica y a nivel global, los nuevos géneros musicales y las oportunidades infinitas para los músicos de ahora.

Algodón Egipcio tiene un futuro sobrio pero alegre, profundo y oscuro, y dulce a la vez. Solamente queda esperar un poquito más para abrirle nuestras mentes a la problemática escondida detrás de la felicidad.

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Escucha la versión alternativa de "Marigold" de Nirvana

"Marigold" aparece en la web con la voz de Dave Grohl.

Nirvana, como banda, dejó los escenarios y el mundo musical hace más de diez años. Y aunque su vocalista Kurt Cobain pasó a otra vida, el legado de la banda que formó con Dave Grohl Krist Novoselic sigue vigente, atrayendo nuevos seguidores. Y no sólo eso: tienen nuevas entregas.

Con esto no nos referimos a las típicas compilaciones de grandes éxitos que las casas productoras sacan por el quinto, décimo o n aniversario de la banda, lo que estamos diciendo es que siguen apareciendo temas inéditos. Por ejemplo, hace unos meses, cuando se produjo el documental Kurt Cobain: Montage of Heck, pudimos escuchar muchas canciones que no conocíamos y que habían quedado en el olvido tras la muerte del líder de Nirvana.

kurt cobain

Esta vez se encontró en la red una versión alternativa a "Marigold", con las vocales de Dave Grohl, el bajo a cargo de Kris Novoselic y un acompañamiento peculiar: el chelo de Kera Schaley.

La conocimos bajo los arreglos de Nirvana cuando salió como el lado B del sencillo "Heart-Shaped Box", luego se regrabó para In Utero (último disco de Nirvana) y reapareció como parte del box set With The Lights Out (2004). Sin embargo, la canción originalmente era parte del proyecto en solitario que Grohl sacó en 1992 titulado Pocketwatch, pero se quedó en el camino y no vio la luz en ese momento. Esta versión alternativa fue grabada en Cannon Falls, Minnesota en Estados Unidos.

 

School of Seven Bells — SVIIB

Nos despedimos de School of Seven Bells con el veredicto de su último disco.

Sueños lúcidos y una sensación constante de melancolía llenan de inicio a fin el cuarto y último disco de la banda neoyorquina School of Seven Bells, cerrando un ciclo de casi 11 años de trayectoria musical. Este álbum concluye el legado musical que dejó Benjamin Curtis ya que, previo a su deceso a causa de un linfoma, trabajó en conjunto con Alejandra Deheza para sacar a la luz esta compilación de nueve tracks que no quedó del todo concluido, por lo que Alejandra tomó las piezas que quedaron grabadas y las pulió para darle un fin digno a la obra.

Las suaves notas vocales destacan este proyecto, acompañado de los mismos elementos sintéticos a los que la banda nos acostumbró en sus anteriores producciones, y aunque no se innova mucho en el estilo rítmico de sus nuevos temas, se disfruta el álbum en su totalidad.

“Ablaze” inaugura un disco que emerge con gran energía, promoviendo que se rememoren viejas vivencias, seguido de “On My Heart” que nos habla de esas dudas que llegan a surgir dentro de una relación y que terminan disipadas por una promesa de amor (cero ideal para los love haters de febrero).

Ya habíamos tenido la oportunidad de escuchar el primer sencillo “Open Your Eyes”, donde resalta la nostalgia y la tristeza que albergó el proceso creativo de este disco a través de tenues notas y un ritmo calmado y constante.

El melancólico seguir del disco continúa de la mano de “A Thousand Times” y “Elias”, acompañado de texturas downtempo y riffs típicos del dream pop, para posteriormente tener un salto a “Signals”, canción que fácilmente podría ser remezclada en algún club nocturno de Zona Rosa.

El delay en la voz es un poco más notorio en “Music Takes Me”, tema carente de distorsiones y con gran protagonismo de los sintetizadores y teclados. Posteriormente, el álbum nos teletransporta a un espacio infinito, acompañado de “Confusion”, un tema súper denso, ideal para disfrutar de la hermosa voz de Alejandra y de los breves destellos psicodélicos que esta belleza de track contiene.

Y claro, una historia tan conmovedora  debe tener un cierre de oro, bien logrado con “This is Our Time”, canción que clausura con mucha gracia la aportación de School of Seven Bells a la música estadounidense. SVIIB es un disco bien logrado, que contiene lírica consistente y una temática clara, ligeramente opacada por la falta de continuidad en el ritmo del álbum y los cambios drásticos en el estado de ánimo que podría provocar.

Yuck — Stranger Things

Te damos nuestro veredicto sobre el nuevo disco de Yuck.

La esencia de Yuck no ha cambiado mucho desde sus inicios en 2009 con la salida de su nuevo disco este año (el cual se suma a los dos discos y un EP que ya tenían bajo el brazo). El cuarteto originario de Londres, Inglaterra, demuestra que no hay por qué dudar un sólo instante a la hora de absorber influencias musicales.

Al escuchar Stranger Things, de preferencia a un gran volumen, una avalancha de nostalgia recae sobre el oyente, en la que su mayor virtud es que no teme la escuela musical que proviene de las melodías que sucumbieron corazones en la década de los noventa de bandas como Slowdive, Smashing Pumpkins, Pavement, y My Bloody Valentine, etc.

Hermosos paisajes sonoros llenos de shoegaze y noise pop se pueden escuchar en canciones como “Swirling”, “Down” y “Yr Face”, mientras la influencia de Siamese Dream de Smashing Pumpkins resuena en “Hold Me Closer” y “Hearts In Motion”, a la vez que “Cannonball” sacude el esqueleto con su alegría distorsionada. “Like a Moth” estremece por su emotividad, aunque sería mejor si no terminara en fade out, mismo caso se repite con la potente y soñadora “As I Walk Away”.

Actualmente, muchas personas han dejado de prestarle atención a un disco completo, tal vez sea por vivir en un mundo donde la inmediatez de las cosas es latente (infinidad de canciones y discos nunca llegan a reproducirse completos ante nosotros). Pero el tercer disco de Yuck nos atrapa, convirtiéndose en toda una experiencia emotivamente ruidosa de principio a fin.

Stranger Things es un disco ideal para aquellos que añoran la nostalgia y distorsión que la música de los noventa nos regaló, en él encontrarán una verdadera joya de emotividad, que aunque cuenta con formas y sonidos que ya se han escuchado muchas veces,  traza muy bien el camino para expresarlas de una manera autentica.

Barry Hyde de The Futureheads anuncia álbum en solitario

Barry Hyde representa la bipolaridad en su primer álbum titulado Malody.

Hace tres años que la banda británica The Futureheads anunció que se tomaría un break indefinido. Tras sacar su quinto álbum de estudio Rant, esa noticia fue un golpe duro para sus fans, quienes tuvieron que buscar su dosis de post-punk en otros artistas.

Este fin de semana, Barry Hyde (líder y guitarrista de la banda) anunció un nuevo álbum en solitario titulado Malody. La palabra la inventó él, es la mezcla de melody (melodía) y malady (una enfermedad persistente). Barry es bipolar, por lo que quiso representar musicalmente lo que se siente experimentar los estados extremos característicos de la enfermedad: la manía y la depresión.

Según Hyde, el álbum fue realizado en los raros y exquisitos momentos de creatividad que surgen de las altas y bajas de su padecimiento. También mencionó que Malody es una catarsis altamente personal, un documento de sus experiencias. A diferencia de la música de The Futureheads, la propuesta de Barry se construye alrededor del piano y no de la guitarra; también tendrá cuerdas, saxofones y trompetas.

El lanzamiento de Malody está programado para el 3 de junio vía Sirenspire Records. Aún no conocemos el arte de la portada, pero sí conocemos el tracklist.

1. Theme

2. Blixer

3. Malody

4. Monster Again

5. Crazy Love

6. Sugar

7. Lonely

8. Loneliness

9. While We Were Sleeping

10. Sometimes it Snows in April

11. Thunder Song

Entrevista con Bluehost #Nrmal2016

"Es un plus que vean que en México no estamos firmados y se pregunten por qué en el extranjero sí"- Bluehost.

"Hacer música para expresar sus sentimientos", así es como Bluehost, banda integrada por Azzim Susano, Alex González y recientemente por Antonio Moreno, comenzó a crear canciones cargadas de melancolía y ritmos synthpop, synth wave y new wave, lo que ha dado como resultado en un par de años la cosecha de 4 EP, tres de ellos lanzados en distintos sellos internacionales.

Bluehost estará dando uno de sus pasos más importantes próximamente en el Festival Nrmal, y prometen poner a bailar hasta mover las entrañas de la tierra. Aprovechando esto, platicamos con los tres integrantes de la banda acerca de su música, su historia como banda y lo que será su experiencia dentro de Nrmal.

El estilo que tocamos es una mezcla de synth pop y new wave, eso es lo que nos diferencia de otros proyectos que están solamente basados en una misma línea y que no tratan de meter variantes a su música. A nosotros nos gusta usar bajos de música techno, de música house, y no nos enfocamos en un sólo sonido, nos enfocamos en nutrirnos de todos los demás. Eso es parte de lo que nos ha llevado a que el proyecto funcione, también estar en sellos internacionales nos ha sido de gran ayuda, es un plus que vean que en México no estamos firmados y se pregunten por qué en el extranjero sí”, platicó Alex para Indie Rocks!

A pesar de ser un proyecto relativamente nuevo, Bluehost se ha ido abriendo espacio poco a poco en la escena electrónica de nuestro país, tocando en varios lugares de la CDMX y en algunos clubs de la república como Querétaro, Puebla, Aguascalientes y Guadalajara, además de compartir escenario con actos como Juan Mclean, Nancy Whang, Darius y Moulinex.

“Siendo un proyecto nuevo no tienes el apoyo de nadie, abrirte camino es muy difícil, pero siempre hay alguien que esté interesado en apoyar proyectos nuevos, a nosotros nos sirvió mucho entrar en My Amigo, que fue la primera agencia donde estuvimos, gracias a ellos muchos medios voltearon a vernos. También tuvimos la oportunidad de abrirle a Juan Mclean y Nancy Wang en el foro Indie Rocks! Al final del día la música es la que ha hablado por nosotros, apenas vamos a cumplir dos años este mes, y ya estar en un festival como Nrmal, para nosotros es increíble”, comentó con entusiasmo Alex.

El festival Nrmal se caracteriza por dar espacio a nuevos proyectos musicales, no importando que no sean conocidos o que sean consagrados. El festival siempre abre el espacio a que los músicos den a conocer su trabajo a un público dispuesto a escuchar nuevas propuestas.

“Estamos emocionados de tocar en Nrmal, de llevar a la gente lo que tenemos para mostrarles. Y nos encanta la idea de encontrar a muchos talentos tanto nacionales como internacionales. Compartir escenario con gente a la que admiras y de tan sólo pensar que los vamos a poder saludar en el Backstage para poder platicar con ellos, es algo muy interesante. Nosotros vamos a dar lo mejor de sí, es probable que toquemos en un horario muy temprano, nos hubiera gustado tocar más tarde porque nuestra música se disfruta más de noche, pero seguramente veremos a muchos amigos y mucha gente que ya nos sigue. Vamos a ser la lanza para atraer a la gente”, nos compartió Azzim.

Bluehost 2

¿Qué colaboraciones les gustaría que salieran de esta experiencia? Con Battles, colaborar con ellos estaría muy bien, a pesar de que ellos son muy tranquilos, seguramente se podría hacer algo súper bien, también con Grenda que es de Tijuana, está muy buena su música, y sobre todo con Mitú es de nuestros favoritos de los que están en Nrmal, sobre todo con ellos nos gustaría hacer una colaboración”, contestó Alex.

Después de tocar en Nrmal, Bluehost seguirá trabajando en nueva música, y próximamente estarán lanzando una canción con Marcela Viejo de Quiero Club, además de seguir ganando terreno en la República Mexicana con su música y, aprovechando que están firmados por el sello Holandés Silhouette Music, esperar muy pronto cerrar un pequeño tour por Europa.

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Indie Market Day Volumen 01

“Llévele, llévele”: así nos fue en el Indie Market Day.

Eran las doce del día en punto y los puestos estaban listos para comenzar esta primera edición del Indie Market Day, bazar que le permitiría a los fans y a las bandas tener una experiencia diferente a las convivencias usuales. Había seguidores que mantenían la calma al tener a miembros como Gladys y Pedro de Triciclo Circus Band, a Manuel, la voz de Camilo Séptimo, o Esteban González, de Odisseo, pero sacaban toda su emoción y energía en el interior del Foro Indie Rocks! mientras coreaban sus canciones preferidas.

Aunque por ciertas complicaciones los horarios fueron modificados, cada showcase se disfrutó y se coreó por los asistentes. Desde Yokozuna hasta Odisseo, pasando por Los Fascinantes, Vaya Futuro, Sierra León, Camilo Séptimo, Adiós París, Lng/Sht, Triciclo Circus Band, Okills y URSS Bajo el Árbol, el piso comenzaba a vibrar según pasaban las horas.

Las primeras presentaciones trajeron consigo un ambiente tranquilo y bohemio. Las bocinas que se encontraban en el área de los puestos lograron hacer que cada uno de los presentes escuchara la música que provenía de los instrumentos acústicos y semiacústicos que las bandas utilizaron. Este ambiente comenzó a modificarse cuando Camilo Séptimo subió al escenario. Manuel Mendoza y Jonathan Meléndez se adueñaron del recinto con “Eres”, “Portales” y “No Confíes En Mi”, causando los gritos (de chicas, en su mayoría) para después darle paso a Triciclo Circus Band.

Debo mencionar que en los conciertos a los que había asistido en el Foro Indie Rocks! nunca había sentido el piso temblar de tal manera. Los fans de Triciclo lo hicieron cimbrar con saltos imparables y un slam que desde arriba se veía potente. Durante “Y Si Mañana”, la banda subió al escenario a una niña pequeña que no pudo ocultar sus nervios ni su alegría.

Mientras estos showcases sucedían, afuera todo se había convertido en una fiesta entre amigos. Había comida y algo de cerveza, los miembros de las diversas bandas platicaban y se jugaban un par de bromas. Se tomaban fotos con los fans mientras continuaban con la venta de su mercancía oficial, regalando firmas a uno que otro que se los pedía.

El siguiente punto fuerte de las presentaciones fue Odisseo, logrando un lleno total tanto en la parte de abajo como la de arriba, que ya se encontraba abierta al público. Los gritos y los coros se escuchaban desde la calle, donde aún se encontraba una larga fila en espera ya que se recibió a mucha más gente de la esperada.

Los showcases de LNG/SHT, y Vanessa Zamora seguían atrayendo a los espectadores, y tal parecía que los fans de Hello Seahorse! esperaban una tocada, porque algunos de ellos comenzaron a dejar el lugar durante la proyección de “Entretanto”, un cortometraje que incluye los últimos cuatro sencillos de la banda. El foro aún resguardaba una gran cantidad de fans. Terminando esta proyección comenzó una de Quiero Club, donde presentaron su nuevo video.

Justo cuando pensamos que ya todo había llegado a su fin, Demián Galvez de Centavrvs nos regaló un pequeño palomazo con la guitarra de Vanessa Zamora, la cual tomó prestada. Con muy poca audiencia pero con mucho sentimiento cantó “Sombras de Oro” y “La Noche y Un Huracán”.

Pasadas las 7 de la noche y aún con la presencia de no más de 20 fans, la mayoría de las bandas presentes se sentaron a cotorrear un rato para después hacer una pequeña colaboración espontánea de un par de canciones para nadie más que ellos mismos, haciendo del final de este bazar una reunión íntimas.

El Indie Market Day cumplió su objetivo en esta primera edición; los seguidores pudieron acercarse a sus bandas favoritas, y viceversa. Esta vez no sólo fue una presentación a la que pudieron asistir para verlos sobre un escenario, platicaron con ellos y les dijeron cosas como “me encanta como tocas la guitarra en tal canción, oye, ¿en cuánto está esa playera?”

¡Esperamos con ansias una segunda edición!

Las 5 mejores canciones de la semana

Disfruta aquí abajo de las cinco mejores canciones que presentamos en Indie Rocks!

La tercera semana de febrero estuvo llena de grandes estrenos y algunos grupos confirmaron el lanzamiento de nueva música. Entre ellos, podemos mencionar a Swans, White Lung, Eagulls, Brian Eno, el debut del supergrupo Giraffe Tongue Orchestra y lo nuevo de Kim Gordon, bajista del grupo Sonic Youth, con su proyecto alterno Glitterbust.

En lo que todas estas bandas trabajan en nueva música, ¡disfruta nuestras cinco mejores canciones de la semana!

 

5. Is Tropical - “Follow the Sun”

Esta semana, el grupo británico nos presentó un nuevo sencillo que se extrae de su próximo álbum de estudio, Black Anything. Se trata de “Follow the Sun”, un track que posee vocales ensoñadoras que se funden con ese sonido dream pop que los caracteriza. Se recomienda escuchar en ambientes soleados y despejados.

 

4. Miike Snow - “The Heart of Me”

Para continuar con la buena vibra, el trío de productores formado por Christian KarlssonPontus WinnbergAndrew Wyatt, Miike Snow, compartió la canción “The Heart Of Me” a sólo un par de semanas del estreno de su disco iii. El tema es bastante fresco y alegre, con tintes de libertad, crecimiento y autosuficiencia.

 

3. Eagulls - “My Life In Rewind”

Lo nuevo de Eagulls llevará por nombre Ullage y saldrá al mercado el próximo 13 de mayo. El primer sencillo que se desprende de este LP es “My Life In Rewind”, una pieza musical llena de shoegaze que se descompone en sonidos fantasmagóricos y oscuros, mientras que la voz de George Mitchell resalta como una luz al final del camino.

 

2. Daughter - "How"

Hace un par de semanas, la banda británica nos presentó su segunda placa discográfica titulada Not To Disappear a través del sello 4AD. En esta ocasión, nos comparten el video de su más reciente sencillo titulado “How” que nos lleva a dar un paseo por la playa, pero también a sentir el encierro y la soledad de su protagonista.

 

1. Massive Attack - “Voodoo In My Blood”

Una de las agrupaciones que nos tenía un poco en el olvido es Massive Attack. Luego de que en 2010 publicaran su último material de larga duración, este año están de vuelta en forma de Ritual Spirit EP. El segundo track que nos presentan se titula “Voodoo In My Blood” y contó con la colaboración de Young Fathers. El video, por alguna extraña razón, nos recuerda a la película estadounidense de terror Phantasm (1979).

 

Mención honorífica: New Order - “Singularity”

Otra de las bandas que nos tenía en el olvido es New Order. Después de 10 años de ausencia, en 2015 regresó para presentarnos su décima placa discográfica, Music Complete. Esta semana, la agrupación británica de new wave estrenó el tema “Singularity” acompañado de un clip que retrata la vida en Berlín cuando el punk y el Love Parade estaban en su máxima expresión.

¿Te gustaron los estrenos de esta semana? Dinos cuál fue tu canción favorita y sigue nuestras redes sociales para conocer los temas más recientes de tus artistas favoritos.

Ono — Yes, I'm A Witch Too

En esta nueva entrega discográfica de Yoko Ono, podemos apreciar cómo se esfuerza por mantenerse a la vanguardia.

No es la primera vez que Yoko Ono lanza un disco de remixes. De hecho, en 2007, realizó el exitoso Yes, I'm a Witch que incluía colaboraciones de una nutrida y variada cantidad de músicos entre los que figuraban Cat Power, The Flaming Lips, Le Tigre y Porcupine Tree.

Para esta secuela, Ono cuenta nuevamente con una ecléctica elección de invitados, como Danny Tenaglia; Death Cab for Cutie; Peter Bjorn and John; Moby; Sparks; Portugal. The Man; Penguin Prison; Miike Snow; Dave Aude; Cibo Matto; Jack Douglas; Blow Up; tUnE-yArDs; Automatique; John Palumbo; Ebony Bones! y de su propio hijo, Sean Lennon.

Como es de esperarse, con tan variopinto personal, el álbum es simplemente camaleónico por decir lo menos, cambiando de colores y texturas en cada track. Por ejemplo, “Walking On Thin Ice" (uno de los grande éxitos de Yoko) es reversionada por Danny Tenaglia como un número suave, melancólico, mostrando a una Ono con un timbre grave y sutilmente dramático. En contraste, “Forgive Me My Love”primer sencillo que se desprende de esta producción, bajo el tratamiento de Death Cab for Cutie se escucha moderno, techno, con una voz sensualmente juguetona en sampleo constante. Por su parte, “Give Me Something” (extraída del Double Fantasy, trabajado a dúo con el entrañable John Lennon) en manos de Sparks se vuelve un tema sobrio, con un piano omnipresente y una voz acentuada, fuerte, imperativa.

Otros temas destacados son “Dogtown”, una canción pop con coro pegajoso trabajado al lado de Sean, su vástago; “Wouldnit (I'm a Star)” en esta versión de Dave Aude se vuelve perfectamente bailable; “Move On Fast” con Jack Douglas adquiere un aire próximo al punk rock; “Soul Got Out of the Box” con Portugal, The Man se mueve entre el folk, el pop y el prog-rock; “Approximately Infinite Universe” con Blow Up adquiere un mood más indie, lo mismo pasa con “Coffin Car” remezclada por Automatique; mientras que “Warrior Woman” está colmada de samples y beats cortesía de tUnE-yArDs; y “Catman”, revisitada por Miike Snow, mantiene su aire dadaísta original, pero actualizado con arreglos y sampleos que tomó prestados de la japanese idol. Desde luego “Hell In Paradise”tratado por Moby se vuelve un tema ambiental cuasi hipnótico.

Yes, I'm A Witch Too confirma a Yoko Ono como parte de ese grupo selecto de artistas que saben mantenerse a la vanguardia, abiertos siempre a experimentar cosas distintas, a probar enfoques novedosos en pos de enriquecerse y renovarse como músico. 

Sentimental tributo a David Bowie en los Brit Awards

Annie Lennox, Gary Oldman y Lorde recuerdan a David Bowie en los Brit Awards.

Desde el sorpresivo y triste fallecimiento del ícono David Bowie, hemos presenciado un sinfín de covers y tributos. Es complicado aceptar que alguien más interprete las canciones de alguien de la talla de Bowie, no sólo porque creamos que nadie lo podrá hacer mejor sino porque a veces realmente no tenían por qué hacerlo. Su hijo, Duncan Jones, lo ha dejado muy claro, especialmente cuando desaprobó por completo el tributo que Lady Gaga le hizo a su padre en los Grammy la semana pasada: lo llamó "irracional y exagerado". La historia del tributo a Bowie en los Brit Awards es diferente.

En medio de la noche, Annie Lennox fue la elegida para decir unas palabras antes de otorgar al póstumo Ziggy Stardust con el Icon Award. Lennox expresó que es casi imposible para ella hablar de David Bowie en tiempo pasado, porque todo lo que él representa como artista ha sido y será vital siempre. "Nos sacó de nuestras vidas cotidianas expandiendo nuestros horizontes, volteando todo de cabeza y convirtiéndolo en un tecnicolor glorioso y subversivo", dijo Annie para continuar con un "como innovador escritor, intérprete y estrella de rock, no hubo nadie ni nada parecido a él, era realmente único".

AnnieLennox-GaryOldman

Después presentó a Gary Oldman, quien recibió el premio en nombre de Bowie. Expermientación, exploración, diversión y risas, así fue como Gary describió a su amigo. Contó también que el ícono siempre llevó su enfermedad con gracia, humor y fuerza además de positividad. Terminó con las palabras: "te amamos y te agradecemos".

Para finalizar estos momentos de respeto y admiración, llegó el turno de Lorde. Acompañada de la banda que acompañó a Bowie en sus últimos conciertos, interpretó "Life on Mars". Al final de la canción, vimos a Lorde con lágrimas en los ojos, como si no creyera lo que acababa de ocurrir. Ella no fue la única, la emoción y sentimiento llegó a toda la audiencia, incluyendo a Duncan Jones, quien posteriormente comentó en Twitter que agradecía la presentación y la calificaba como "simplemente... hermosa".