Grrrl Noise en el Auditorio BlackBerry

Mujeres juntas ni difuntas: Grrrl Noise en CDMX.

Cuando las mujeres se proponen algo, casi siempre se logra; la conjunción de estrógenos y determinación es una combinación peligrosa. Ayer, se celebró el esperado Grrrl Noise, que reunió a grandes talentos nacionales e internacionales encabezados por artistas femeninas, que demostraron por qué en el escenario, todos somos iguales. El Auditorio BlackBerry albergó la presentación de Girl Ultra, una cantante mexa de R&B sensualón; los hermanos Sotomayor con su música electro dance, Best Coast con su regreso a México después de un largo tiempo, las Warpaint con su rock indie pop empoderado y la esperada de la noche, la experimentada Cat Power.

Como reloj suizo la festividad arrancó con el proyecto de Mariana de Miguel a.k.a. Girl Ultra, dejando sensualidad con su elegancia y gran portento vocal en canciones como “Duele”, “Fuego”, “Mala” y un cover adecuado de “Morena mía”, para las mujeres morenas inolvidables. Curiosamente, encontramos a la familia de Girl Ultra entre el público apoyándola y se dijeron estar orgullosos de tenerla en un festival de esta temática.

Fue el turno de los hermanos Sotomayor de subir al escenario que, con banda completa, interpretaron temas como “Cielo” y “Pulso”; tuvieron como invitada a la dominicana Carolina Camacho en “Afrika”; el punto cumbre en la presentación de este talentoso dueto llegó con “Morenita”, acompañado de visuales tropicales que le dieron sabor exquisito al momento. Algo que llamó la atención fue la vestimenta blanca de la banda, con excepción de Paulina, vestida con un short casual y una capa dorada, además de su característico maquillaje metálico.

La noche era joven aún y el talento foráneo era esperado por los asistentes, quienes de a poco aumentaban el aforo, que no alcanzó su capacidad máxima. Una de las bandas más esperadas fue Best Coast, que en sus inicios se presentó en El Plaza y que ahora regresa después de un largo tiempo de no pisar territorio mexa. Con grandes éxitos como el homónimo de su álbum más reciente “California Nights”, “The End” y “Last Year”, además de la alegre “Feeling OK”. La líder de la banda Bethany Constantino agradeció el recibimiento y se mostró participativa durante la presentación y la expresó su odio a “Boyfriend”, pero dijo que la ama porque el público así lo hace. El momento especial se dio cuando alguien entre el público hizo conexión en FaceTime con una niña que no pudo estar allí, lo que emocionó a la cantante y saludó a la pequeña que se encontraba del otro lado de la pantalla.

El tiempo avanzaba y cada vez faltaba menos para reunirse con el cuarteto femenino de Los Ángeles; una a una saltaron al escenario las integrantes de Warpaint, que se mostraron energéticas y terminaron de encender el escenario que, poco a poco se calentaba más y más. Comenzaron con “Elephants” y al término de cada canción, eran vitoreadas; se dijeron agradecidas por formar parte de un evento que empodera a las mujeres e interpretaron grandes éxitos como “Love Is To Die”, “Billie Holiday”, la energética “No Way Out” y su gran hit “New Song”, con el que subieron el mood a tope, antes de terminar su presentación. Notamos que están tan compaginadas que en “I’ll Start Believing”, Theresa tomó una de las baquetas y entre Stella y ella dieron las notas para la rola.

En esta noche, las musas fueron idolatradas como una Venus; el Women’s Weekend Citibanamex preparó la primera edición de Grrrl Noise y pensó que alguien de la trayectoria de Cat Power sería la indicada de darle el statement necesario al encuentro de mujeres en la música, con el objetivo de celebrarnos y empoderarnos cada día. La estadounidense nos brindó una noche inolvidable, salió al escenario e interpretó su música minimalista con grandes temas como “The Moon”, “Maybe Not” y “Hate”; fiel a su minimalismo, no se necesitó más que ella, su guitarra y su piano para tener su atención durante el show. La más aplaudida fue “The Greatest”; fue notorio que la norteamericana se encontraba enferma e hizo un esfuerzo infrahumano para presentarse, por lo que su interacción con el público era casi nula y se dirigía a los presentes con señas de agradecimiento y vitoreo.

La primera edición de Grrrl Noise fue exitosa, la organización fue precisa y se respetaron los tiempos, se pensaron en los detalles e incluso se mantenía la vibra entre actos con la presencia del DJ Set a cargo de Paurro y Marianette. Esperemos que la segunda edición de Grrrl Noise venga con más poder y que cada vez más artistas se sumen a estas iniciativas.

Creedence Clearwater Revisited en el Palacio de los Deportes

¡Gracias al sol!

Cuando se va a un concierto una de las cosas que más emocionan es el setlist, saber cuáles canciones tocarán, saber si estarán nuestras favoritas o tal vez una que otra rareza. Con Creedence Clearwater Revisited este asunto se vuelve algo seguro, pues desde el primer momento se sabe que escucharemos los temas más representativos de la legendaria banda Creedence Clearwater Revival.

La noche del viernes en el Palacio de los Deportes eso quedó demostrado, pues a lo largo de hora y media sonaron 19 canciones que incluyeron “Who’ll Stop the Rain”, “Susie Q”, “Down on the Corner”, “Bad Moon Rising”, “Proud Mary” y obviamente “Have You Ever Seen The Rain?” y “Up Around the Bend”.

A pesar de estar en un escenario que se presta para dar un gran espectáculo visual, los cerca de 15 mil asistentes disfrutaron de Creedence Clearwater Revisited de una forma austera, solo con algunos juegos de luces que poco variaban y con amplificadores de bulbos, demostrando así que lo importante es la música y lo que pueden hacer con sus instrumentos al estar arriba de un escenario. Justo como se hacía en antaño. Rock de la vieja escuela y que no pierde gas, no pierde fuerza aunque pasen los años.

Lo contrastante con la austeridad y sencillez del escenario fueron los cientos de celulares que estuvieron grabando todo el concierto, lo cual, siendo un público en su mayoría arriba de los 50, fue algo poco imaginado, así que, millennials, graben sin culpa que las personas que suelen criticarlos hacen lo mismo.

Después de más de una hora de rock sureño, extensos solos de guitarra y momentos en los que parecían un jam en el bayou –sobre todo en “Susie Q”– la banda se despidió momentáneamente con “Fortunate Son” –sí, la canción que suena cuando Forrest Gump llega a su campamento en Vietnam– con fuertes aplausos del público que sabía que volverían.

Tras un par de minutos, la banda regresó para tocar “Have Your Ever Seen The Rain?”, el cual fue el momento cumbre de la noche, pues además de ser la más esperada, en el coro final Dan McGuinness cantó “Gracias al sol”, en homenaje a Juan Gabriel, quien, meses antes de fallecer en el 2016, grabó un cover de este legendario himno.

Ante tales palabras la ovación de todo el público fue obvia y todo quedó listo para “Travelin’ Band” y finalmente despedirse con “Up Around the Bend” y hacer que las personas que seguían sentadas en sus lugares se pararan y bailaran pues sabían que el concierto estaba a punto de terminar.

En tiempos donde los géneros “urbanos” y el EDM dominan gran parte del espectro comercial de la industria musical, escuchar a esta legendaria banda en vivo ante un Palacio de los Deportes casi lleno es algo que simplemente queda agradecer, así como se agradece el gran esfuerzo que hicieron los miembros de la banda para hablar en el idioma del público que paga por ir a verlos.

Como diría Juanga, gracias al sol.

Levitation Showcase 2018

El movimiento de psicodelia underground en su momento más altivo: Levitation Showcase 2018.

Las actividades de NODO y los preparativos para la novena edición de NRMAL comenzaron un día antes en el Centro Cultural España. Ya se sabe que la oferta cultural y musical en la metrópoli crece continuamente, así que todo podía suceder siendo viernes; ya saben, no perderse de absolutamente nada, aunque eso representase rodear la ciudad. Nuestros amigos organizadores del showcase que, LEVITATION (Austin Texas) hizo en conjunto con Beyond y NRMAL, ajustaron el venue y fuimos a parar a Pinche Gringo BBQ, ubicado en Polanco. Así nuestra experiencia:

El Spot

Lejos, pero no es para tanto. El espacio para el showcase era en una zona a parte de la estancia para comensales. Lo bueno es que se percibía un ambiente underground; la casi bodega en segunda planta lucía oscura y te hacía pensar en cómo sería el sonido (más adelante eso fue lo que menos importó). Con su zona de fumadores ad hoc, nos remitió un poco a Rabioso, ubicado en el Centro Histórico. Palomita aquí.

El ruido

Tanto Afterglow Lightshow como Club de Surf y Los Mundos hicieron lo propio como actos previos al plato fuerte: tocar con energía para ir calibrando a los asistentes que, sedientos de estruendo, disfrutaban con una cerveza en mano, pero guardaban calma para lo que se aproximaba.

Bendita psicodelia

Holy Wave ya no son extraños en casa. Han tocado en México, fácil, más de cuatro veces en un período de 360 días. Al ser residentes de Texas, son muy amigos de LEVITATION, uno de los festivales de psicodelia más importantes en su especie. Ha inspirado e incluso trabajado de la mano con promotoras mexicanas y se agradece.

Con un setlist inconfundible, Holy Wave reunió de nuevo a su base de fanáticos para mover las melenas en modo trance y despejar la mente con visuales proyectados. El sonido no era lo más legible, pero la actitud que traen siempre es de aplaudirse. Por ahí hubo una riña entre la gente que provocó un ligero susto, pero que se esfumó con la buena vibra de la mayoría. Lo chido fue ver a Kyle Hager socializando con todos.

Ringo Deathstarr había sido ya una promesa (o dos) antes, hecha por promotores que no daban la talla. Pero ya estaban ahí el gran guitarrista Elliott Frazier, la hermosa Alex Gehring y el intrépido baterista Daniel Coborn, parados en un espacio de 3x3 metros, pero con la camisa bien puesta para darnos una dosis de shoegaze con tintes de garage.

Aunque abrieron con “Summer Time” y el espacio para verlos era muy reducido, poco a poco soltaron balas de metal como “Flower Power” y “Guilt” que alzaron el polvo de nuestros zapatos y sacudieron de nuestras cabezas todo el estrés de la semana. El material visual también fue un deleite por lo colorido y vibrante de las piezas de video. Nuestros oídos sufrieron un poco debido al alto volumen para la presentación de los también texanos, pero a diferencia del antecesor, se escuchó con más fidelidad.

¿El momento más altivo de la psicodelia podría ser este? No se diga este año, el anterior con HIPNOSIS y lo que nos trae próximamente. Quizá para la mayoría (la masa) no lo es. Para el underground siguen siendo logros desbloqueados; nosotros aclamamos más, queremos más.

Todo acabó pasadas las 2 H. y nos fuimos felices; con la satisfacción de un showcase bien logrado, y con la sorpresa de tener a Ringo Deathstarr como banda a seguir por mucho tiempo (además de nervios porque ya faltaban unas horas para NRMAL).

21 años del 'Pop' de U2

(Boom Cha) (Boom Cha) Discotheque.

Ya había terminado el ambicioso y casi irrealizable Popmart Tour cuando la banda irlandesa declaró que no estaba satisfecha con su disco lanzado el 3 de marzo de 1997. Es por eso que para el lanzamiento del recopilatorio The Best of 1990-2000, U2 realizó nuevas mezclas de "Discotheque", "If God Will Send His Angels", "Staring at the Sun", "Last Night on Earth", "Gone" y "Please". Sin embargo, esto no le quita mérito al riesgo que corrieron con Pop y, a pesar de eso, el disco es una belleza.

Comencemos nuestro recorrido con "Discotheque". Con un Larry Mullen Jr. recién operado de la espalda, el resto de la banda se aventuró a experimentar cosas completamente distintas a las que habían estado haciendo. El estudio de grabación estaba decorado con luces y bolas disco, por lo que está canción se convirtió en el primer sencillo. Ambientada con sintetizadores y una letra llena de amor, de vivir el momento y de los placeres de la carne: todo lo que se vive en una discoteca.

"Do You Feel Loved", es una canción de amor con harta dosis de erotismo e intentos de seducción aún dentro de la discoteca, donde experimentamos desenfreno y lujuria para finalmente –sudorosos– enamorarnos. Segundo track de Pop, aún cuenta con la ausencia del baterista y fundador de la banda, dando pie a la experimentación de BonoAdam Clayton, el aclamador productor Howie B y Steve Osborne –colaborador de Paul Oakenfold–.

El tercer track de Pop, es la canción más cruda del álbum. Literalmente "Mofo" significa mother fucker y nos hace meternos de lleno en la vida de Bono, de como un niño puede ser abandonado. Steve Osborne vuelve a trabajar con ellos en el tema para darle un toque techno. Con algunas influencias de Salman Rushdie"Mofo" logra que Bono se enfrente a sus propios demonios, incluyendo una súplica a su madre.

Es el momento de las baladas con "If God Will Send His Angels", canción que ya rondaba por la mente de los irlandeses desde las sesiones de Zooropa. Inspirada en la película de Wim Wenders donde los ángeles quieren ser humanos y convivir con ellos en la tierra. Seguimos con "Staring at the Sun", los problemas no desaparecen porque uno no quiera verlos o sentirlos, esta canción nos habla de la inmensa ayuda de Alison Stewart –esposa de Bono– a los niños de Chernobyl.

Una salvaje mujer de 23 años que te proporciona energía, de eso trata "Last Night on Earth". Canción finalizada hasta el último minuto del último día de grabación. Bono con la voz completamente desgastada realizando los coros a las 7 de la mañana. The Edge cubre bien a Bono realizando los coros, una extraordinaria canción en vivo.

El significado de "Gone" es explicado por Bono en el libro U2 by U2. "Es el retrato de un joven como una estrella de rock, tratando de cortar a sí mismo libre de responsabilidades y simplemente disfrutar del paseo, el traje de luces, la fama. Si cambias tu nombre, está bien, es necesario. Y lo que dejas atrás no te pierdes de todos modos. Pero creo que lo que este álbum te dice es que hay cosas que no puedes dejar atrás. Eso es realmente. es como el profesor universitario que no sabe bailar. En el fondo no éramos tan superficiales como quisiéramos".

"Miami" es un diario de experiencias vividas en esta ciudad, acompañada de la influencia musical de Howie B. Una canción incomprendida, odiada por muchos, pero impresionante en vivo. Las influencias estadounidenses continúan con "The Playboy Mansion", que refleja lo peor de ese país: cirugías plásticas, famosas marcas y un día entero en la mansión fundada por Hugh Hefner.

Jazz y sexo, es la definición perfecta para "If You Wear That Velvet Dress". Es una de las canciones más lascivas de U2,  llena de cachondería, lujuria y pasión –Adam Clayton siempre pensó que la canción estaba dedicada a él–.

La necesidad de alcanzar la paz en Irlanda se ve reflejada en "Please". Para Bono es la canción más dura del disco, ya que refleja a víctimas, indulgentes e hipócritas, un claro ejemplo de sus compatriotas irlandeses que estaban en negociaciones de paz con el IRA (Movimiento extremista de Irlanda del Norte). "Please", no es una canción, es una plegaria.

Pop termina con "Wake Up Dead Man", tema que originalmente apareció en las sesiones de Zooropa como “The Dead Man”, este último track es completamente lo opuesto a "Discotheque". Habla de un hombre sin esperanza, suplicando ayuda a Jesús.

Querido por muchos, odiado por otros, cuestionado por otros tantos, Pop es el disco que cierra la trilogía de experimentos realizados por U2 en la década de los 90, y que finalmente el tiempo dirá donde merece estar este disco. ¿Qué digo? Discazo.

Ride — Tomorrow's Shore

Foto thebandride.com

Tomorrow's Shore: Ride se renueva a través de sus influencias.

El cuarteto de Oxford volvió a reunirse el año pasado con Weather Diaries, su primer álbum en más de dos décadas, un disco que reafirmó la escena del shoegaze en el 2017. Pero tanto el regreso de este movimiento, como el de la agrupación, es algo que vino para quedarse y su nuevo EP es el claro ejemplo de eso. Los británicos tuvieron un año sobresaliente, ya que lograron un éxito impresionante y recibieron bueno comentarios de parte de la crítica. Ahora, con el factor nostalgia más diluido, veremos si el grupo tiene lo necesario para seguir a flote.

Tomorrow’s Shore es una extensión de su quinto álbum, que fue grabada durante el mismo tiempo de estudio y bajo la producción del mismo DJ Erol Alkan y el ingeniero Alan Moulder. Sin embargo, hay una enorme diferencia entre el LP publicado a mediados del año pasado y esta reproducción extendida. Ya que se deja atrás esa esencia de la música alternativa de la década de los noventa, sobre todo en las percusiones. Aunque se mantienen las voces etéreas y las guitarras distorsionadas.

Iniciamos con "Pulsar", que muestra un notable cambio en el sonido de Ride. Con un estilo que recuerda mucho al power pop a principios del nuevo milenio, este cuenta con unas interesantes melodías de parte de los sintetizadores y las guitarras, aunque es el uso de la caja de ritmos, así como las voces robotizadas y ese núcleo psicodélico, los elementos que hacen de esta canción algo tan cautivador.

Le sigue “Keep It Surreal” nos saca de esa atmósfera confusa y aprehensiva del anterior tema con una batería fuerte y acompasada, que en ocasiones muestra impresionantes destellos de desenvoltura. Podría ser una canción de psych o hard rock si no tuviera esas melodías en las voces que nos llevan y lo definen en un power pop e incluso le da una condición de grupo vocal.

Llegamos a “Cold Water People” y nos encontramos con un sencillo de carácter beatlesque, que mezcla una influencia por el folk de los años sesenta y, de nuevo, con el rock psicodélico o hasta el prog pop. Este cuenta con una producción muy particular, culpable de que encontremos todas esos dominios musicales. Pero lo que más destaca es la trama que exponen en las letras, una desesperación existencial por la decadencia humana, siempre plasmada a través de magníficas metáforas.

Ride cierra con “Catch You Dreaming”, que es como gasolina al fuego en el asunto del auto aniquilamiento de la raza humana, su historia y las sociedades. Es una canción que relata los últimos momentos antes del fin del mundo, como afrontarlo y llegar a la resignación. Pero también es un sencillo que suprime por completo sus bases de shoegaze, revelando una cara muy distinta del cuarteto de Oxford, un lado que gusta y espero sea bien recibido.

No podemos decir si este EP es mejor que su quinto álbum de estudio por la diferencia de extensiones, pero sin duda Tomorrow's Shore es mucho más interesante, es tal vez el material más original y excéntrico de Ride, lo que sin duda le da una relevancia considerable. Igualmente, nos enseña la versatilidad de los británicos y su disposición al cambio y la evolución.

A Place To Bury Strangers comparte sencillo

La agrupación neoyorquina de shoegaze estrenó el segundo corte de su próximo material de larga duración.

Hace 15 años en Brooklyn, A Place To Bury Strangers ofrecía una de sus primeras presentaciones. El apogeo de la banda y su constante evolución, los ha llevado a reestructuraciones en su alineación, pero siempre manteniéndose fiel al shoegaze y el noise. Ahora, el trío neoyorquino presenta "There’s Only One of Us", segundo corte promocional de su próximo álbum Pinned. La placa saldrá el próximo 13 de abril vía Dead Oceans, sello que ha firmado música para proyectos como Slowdive y Kevin Morby.

El sucesor de "Never Coming Back", representa bastante caos con rasgueos de guitarra repletos de distorsión, una línea de bajo bien posicionada y mucha melancolía en los sonidos de inicios del post punk. Además, la unión en las vocales de los integrantes de A Place To Bury Strangers, provocan que el tema sea bastante poderoso. El clip, fue dirigido por Elizabeth Skadden, quien dijo que la inspiración viene de la línea de bajo, los tambores militares y las guitarras kamikaze que intiman una guerra en proceso.

"Visualmente, dividí la canción en sus elementos sonoros y le asigné un visual a cada uno, como las luces que cambian en azul y rojo. La iluminación fue inspirada por un performance de Fad Gadget de los años 80, los filmes de Pedro AlmodovarKathryn Bigelow", menciona Skadden sobre el video. Disfruta del increíble tema y el clip oficial:

Durante más de una década, A Place To Bury Strangers ha forjado una banda que es fiel a sus ideales. Con transiciones inimaginables y poderosas presentaciones, la agrupación neoyorquina se ha ganado bastantes adeptos. Y tal vez, este año con el nuevo disco sea momento de su triunfal regreso a la Ciudad de México para irrumpir y tronar los amplificadores.

Albert Hammond Jr. estrena "Set To Attack"

Foto cortesía del artista

El guitarrista y cantante californiano compartió un extracto de su próximo LP.

Estamos a una semana de que Albert Hammond Jr. nos comparta su nuevo disco de estudio: Francis TroubleEl guitarrista oriundo de Los Angeles, ya nos había mostrado dos singles previamente, "Far Away Truths" y "Muted Beatings", y ahora, nos deja escuchar un tercer adelanto titulado "Set To Attack".

El sencillo, está compuesto de unos increíbles tonos en la guitarra, acompañado de un solo de guitarra a la mitad del tema. La voz de Albert Hammond Jr. es profunda y tiene un coro bastante pegajoso. Además, el disco explora un tema profundo y personal: la muerte prematura de su hermano gemelo, Francis, y los efectos persistentes que ese evento ha tenido en su vida y en su música. Escucha "Set To Attack":

La historia que envuelve el disco nace a partir de la madre del artista, Claudia, quien tuvo un inesperado aborto natural en 1979. Aunque corrieron al hospital, a ella y Albert Hammond padre les dijeron que el bebé era demasiado prematuro para vivir. Albert continuó creciendo dentro de su madre sin ser detectado hasta que estuvo embarazada de casi seis meses.

Albert Hammond Jr. creó Francis Trouble como un homenaje tanto a la muerte de su gemelo como a su propio nacimiento, así como a las complejidades de identidad que surgen debido a su mezcla. El número 36 se hizo especialmente relevante, ya que había aprendido más de la historia de Francis a esa edad, y porque nació en el noveno día del cuarto mes del año. Significativamente, el álbum tiene exactamente 36 minutos de duración. Con ello, tal vez encontremos a un artista más exploratorio con letras bastante profundas. Revive el show que el californiano ofreció el año pasado en el Lunario del Auditorio Nacional con nuestra reseña.

Jessy Bulbo presenta "Todos enloquecen"

Luego de casi tres años sin novedades musicales, Jessy Bulbo ha compartido un nuevo track.

Jessy Bulbo está de estreno con la canción "Todos enloquecen", un tema de corte rock que combina trompetas y sonidos latinos, acompañado de una divertida letra que nos habla sobre lo que provoca escuchar una melodía.

Este track nos transporta a la segunda mitad del siglo XX, en los que el swing era un género popular en los distintos espacios de baile de la Ciudad de México.

La también ex integrante de Las Ultrasónicas, regresa a la escena sin dar mayor detalle de sus próximos proyectos. Solo queda esperar a que nos confirme el lanzamiento de un nuevo material.

Escucha la experimental canción a continuación:

En días pasados la también compositora presentó el proyecto Chicochéismo, un disco homenaje para el cantante Chico Ché en compañía de talentos como Kenny y los Eléctricos, Pato Machete, Celso Piña, Sonido Gallo Negro, entre otros.

"Todos enloquecen" se da a conocer tres años después de su álbum Changuemonium, un material en el que experimentó con distintos géneros como el electro, reggaetón, norteño y rock. La producción de este LP estuvo a cargo de Emilio Acevedo y Toy Selectah.

Mientras esperamos más novedades de la originaria de Tlalnepantla, te dejamos su anterior proyecto:

Celebrating David Bowie en El Plaza Condesa

Amigos, invitados especiales, colaboradores y músicos de soporte de David Bowie nos regalaron una noche inolvidable.

Celebrating David Bowie, la gira de conciertos creada y liderada por Angelo Budini, visitó la Ciudad de México este 1 de marzo. Los fans llegaron a El Plaza minutos antes de las 20 H. con caras pintadas con el mítico rayo, playeras, chamarras y toda clase de artículos del legendario músico David Bowie.

Adentro, mientras el staff revisaba los últimos detalles del show, los sonidos de los cuencos tibetanos armonizaban el lugar, preparándonos física y mentalmente para lo que estábamos a punto de presenciar.

En punto de las 21 H. las luces se apagaron y Mike Garson –colaborador cercano de Bowie en discos como Aladdin Sane (1973), Pin Ups (1973), Diamond Dogs (1974) y más– salió al escenario para darnos la bienvenida, acomodarse en su piano y presentarnos al multiinstrumentista estadounidense Bernard Fowler, quien inició la velada demostrando su potente voz con la interpretación de “Bring Me the Disco King”, que culminó con la frase escalofriante frase “Look up here, I'm in heaven” de “Lazarus”, provocando una explosión de emociones.

En seguida salieron a escena Earl Slick –guitarrista en Young Americans (1975) Station to Station (1976) y Reality (2003)–, Gerry Leonard –guitarrista en Heathen (2002), Reality (2003) y The Next Day (2013)– y Carmine Rojas –bajista que estuvo de gira con Bowie de 1983 a 1987 y grabó éxitos como “Let’s Dance” y “China Girl”– para prendernos con “Rebel Rebel”, seguida de “Moonage Daydream” y “Fame”. Bernard Fowler conectó rápidamente con el público gracias a su carisma y sus pasos de baile, heredados directamente de Mick Jagger durante sus años como parte de los músicos de The Rolling Stones.

Llegaba el momento de “Changes” y los primeros invitados de la noche aparecieron, se trataba del saxofonista Dan Zlotnik de Los Dorados y el compositor Juan Manuel Torreblanca, quien fue opacado por el canto, los gritos y la euforia de los asistentes. Le siguió “Space Oddity” y las sorpresas continuaron, Cuceb Piloto –vocalista de Miró– se unió al festejo y a pesar de la gran responsabilidad de interpretar esta canción, no decepcionó. Alfonso André –baterista de Caifanes– apareció con su playera de Bowie y tomó el micrófono para cantar “Starman” del disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972).

La magia de la noche continuó con “Under Pressure”, en esta canción Gaby Moreno acompañó a Bernard Fowler y nos sorprendió con su potente capacidad vocal. Para “Young Americans”Dan Zlotnik se lució en el saxofón y Cuceb Piloto –a pesar de traer una férula en el brazo– se movió con facilidad en el escenario y hasta se tiró en el piso. “Ziggy Stardust” estuvo a cargo de Alfonso André y para “Suffragette City” regresó el poder de Bernard Fowler, acompañado por los increíbles solos de Earl Slick. En seguida, todos los músicos salieron de escena y la maestría de Mike Garson improvisando piezas de Beethoven y Chopin anunció el final de la noche.

El encore fue corto, pero extraordinario, sonaron los clásicos “Life on Mars?”“Diamond Dogs”“Heroes”. El final fue emotivo, los músicos reunidos en el escenario se mostraron agradecidos con el público mexicano y aunque Adan Jodorowsky también fue anunciado en el cartel, nunca apareció.

 

Setlist:

“Bring Me the Disco King”, Bernard Fowler
“Rebel Rebel”
,  Bernard Fowler
“Moonage Daydream”
Bernard Fowler
“Fame”
,  Bernard Fowler
“Changes”
,  Torreblanca - Dan zlotnik
“Space Oddity”
,  Cuceb Piloto
“Starman”
,  Alfonso André
“Under Pressure”Gaby Moreno - Bernard Fowler
“Stay”Bernard Fowler
“Five Years”Gaby Moreno
“Rock 'n' Roll Suicide”Gaby Moreno
“Station to Station”Bernard Fowler
“Young Americans”Cuceb Piloto - Dan zlotnik
“Let's Dance”Bernard Fowler - Dan zlotnik
“Aladdin Sane”Gaby Moreno - Dan zlotnik
“Wild Is the Wind”Gaby Moreno - Bernard Fowler
“Ziggy Stardust”Alfonso André
“Suffragette City”Bernard Fowler

Encore:

“Life on Mars?”, Gaby Moreno
“Diamond Dogs”Bernard Fowler
“Heroes”
Bernard Fowler

The Neighbourhood estrena la canción "Nervous"

Previo al lanzamiento de su disco, The Neighbourhood dio a conocer un nuevo corte de su próximo proyecto.

Estamos a unos días de que The Neighbourhood libere su tercer LP y como parte de la promoción, ha compartido un track titulado "Nervous". Esta canción sigue la línea ochentera que la agrupación liderada por Jesse Rutherford ha manejado desde sus inicios.

La rola producida por Frank Dukes, Benny Blanco y Lars Stalfors nos habla sobre la sensación que provoca la persona de la que se está enamorada, con un ritmo relajado y cuya letra seductora menciona: "You've got me nervous to speak, so I just won't say anything at all, I 've got an urge to release.."

Escúchala a continuación:

El larga duración de la banda estará disponible a partir del 9 de marzo en las distintas plataformas musicales y para promocionarlo, se adentrará en una gira que recorrerá países como Argentina, Brasil, Chile, Estados Unidos, Canadá, Alemania, entre otros.

Checa la portada y el tracklist de su próximo proyecto:

1. “Flowers”
2. “Scary Love”
3. “Nervous”
4. “Void”
5. “Softcore”
6. “Blue”
7. “Sadderdaze”
8. “Revenge”
9. “You Get Me So High”
10. “Reflections”
11. “Too Serious”
12. “Stuck with Me”

Previo al lanzamiento de su placa, los originarios de Newbury Park dieron a conocer su EP To Imagine, un material electro pop con el que buscaron experimentar y dejar de lado su ya clásico estilo.