She & Him regresa con dos nuevos temas

"He Gives His Love to Me"/ "She Gives Her Love to Me" de She & Him se suma al proyecto Universal Love.

El nuevo material de She (Zooey Deschanel & Him (M. Ward) se trata de dos versiones a una misma canción que hace cambio de género en su letra, esto con la intención de unirse a Universal Love y apoyar a la comunidad LGTBQ.

El proyecto de MGM Resorts busca recrear canciones especiales para bodas y dar himnos pensados para los matrimonios igualitarios. Hacer de aquel momento especial uno inolvidable por medio de la música para que se puedan sentir identificados.

La campaña comenzó este mes como un EP de seis canciones que inicialmente se basaba en covers que cambiaban el sentido de la canción para volverla incluyente. El álbum se componía de la participación de: Bob DylanSt. VincentKele Okereke (Bloc Party), Ben Gibbard (Death Cab For Cutie), Kesha Valerie June hasta la colaboración de She & Him que trajo una extensión al proyecto con el primer tema original del disco en dos diferentes versiones.

"Siempre hemos creído que el amor pertenece a todos, por lo que las canciones de amor también deberían. Lo que nos atrajo a este proyecto es que abre nuevas formas de pensar sobre la composición de una canción. Sería increíble si nuestras canciones ayudaran a inspirar a otros artistas a interactuar con letras de una manera más abierta e inclusiva", comentó la dupla para Rolling Stone.

Te compartimos su combo musical.


"He Gives His Love to Me"/ "She Gives Her Love to Me" es lo más nuevo que escuchamos de She & Him desde Classics de 2014 y su especial navideño de 2016.

Princess Nokia — A Girl Cried Red

Nostalgia emo-adolescente en la voz de Princess Nokia.

Hay días en los que todo parece irse paulatina y serenamente a la mierda y en la que la actitud de madafaka no se siente en sintonía con lo que pasa alrededor, o al menos a mí me sucede con frecuencia. Al parecer a Destiny Frasqueri le pasa algo similar en este mixtape que podríamos considerar uno de sus proyectos más personales e introspectivos.

Siempre me pregunté a qué sonaría una mezcla entre la línea rítmica de una canción del Figure 8 y los vocales de un Lil Peep high pitched… bueno, en realidad nunca me lo había preguntado, pero si lo hubiese hecho esta material la mejor respuesta.

Si conoces a Destiny desde el 1992 Deluxe o un poco antes puede que A Girl Cried Red suene como un atrevimiento y una jugada un tanto extraña de la rapera neoyorquina, pero de hecho es todo lo contrario. La también cantante y compositora ha recorrido un largo camino experimentando con sonidos, géneros, ideas y conceptos que tienen que ver con sus raíces, sus aspiraciones y con básicamente quién es ella como persona. Dicho lo anterior no es raro pensar que un trabajo así pudiera aparecer en su repertorio y es que, como lo dijo ella misma a sus fans a través de un Live chat de Instagram: “Quería escribir un mixtape que tratara de romperse y ser un jodido desastre”.

Así que, empezando por el principio, “Flowers and Rope” es nada más que eso, una canción adolescente llena de aforismos y frases que parecen inconexas hasta que has pasado por un momento en el que el corazón roto parece el fin del mundo: “It won’t even hurt, I’m already dead”. El segundo track tiene el mismo tono melancólico: “Lookin’ back on things I had I ruin everything, everything’s my fault and it’s the bad luck I bring”. “For the Night” es una canción en la que escuchamos a Destiny jugar con sonidos que parecen salir de un secuenciador 808 además de poner su voz bajo capas y capas de autotune que nos recuerdan más a un Lil Yachty o un Yung Lean; aunque lejos de ser contraproducente hacen que líneas como “There I go, on the road again, losin' my love while losin' my friends…” suenen menos cínicas y dolorosas de lo que en realidad son.

“Look Up Kid” cambia la energía del mixtape por completo y nos hace saltar mientras le cantamos a nuestra agonía y la posibilidad de una despedida prematura.

Una de mis partes favoritas es el “Interlude” que cumple su función de conectar la primera parte del trabajo con el final mediante riffs de guitarras y nada más.

“Morphine” suena a una segunda parte de “For the Night” y asemeja la sensación nebulosa y de ligereza de una dosis de morfina, su voz es lejana y el beat se mantiene suave bajo nuestra piel. “At the Top” es más de la fórmula trap que se puede escuchar esporádicamente en el mixtape, con estructuras sencillas y tripletes de una crudeza que no aparece en otro track del material para hablarle de frente a quienes han tenido algo que decir acerca de ella.

El corte con el que cierra este trabajo es “Little Angel” una canción que con un simple arpegio de guitarra en loop y un bajo hace que todo se envuelva en una atmósfera de tristeza necesaria y nos haga llevarnos las manos al pecho y sentir que una lágrima rueda por la mejilla sin saber por qué.

Si todo esto suena a ironía es culpa de los días que se viven, pero de verdad cada palabra aquí usada es cierta. Escuchen A Girl Cried Red después de un mal día en la oficina, la escuela o cualquier lugar y verán que no es solo una opinión.

Jean Loup estrena canción

Una nueva producción a cargo de Jean Loup.

Recientemente el cuarteto mexicano oriundo de Naucalpan, Jean Loup presentó al público una canción llamada “Antal” y con ella un video que contiene las lyrics de este nuevo sencillo del que también destaca el excelente trabajo artístico.

La nueva canción, “Antal” fue producida por Jean Loup en compañía de Mauricio Perogordo, y Eric Rubio perteneciente a la banda capitalina de rock Carrion Kids; grabado y masterizado por Topanga Records.

“Antal”, en un sentido particular y reflexivo, hablan de la manera en la que vamos perdiendo expectativas de la vida a manera que vamos aumentando nuestro tiempo de permanencia en ella.

El trabajo de arte que ilustra este video corrió a cargo de la artista Giovanna Tommasi, quien se caracteriza por utilizar la técnica del collage, y le da a este video bastantes microhistorias que parecieran no tener el más mínimo sentido ni relación entre sí.

Jean Loup es un grupo fundado en el 2012 y se caracteriza por realizar música directamente de sus emociones. En la actualidad resaltan en la escena independiente de México contando en su carrera con un EP, dos demos, y un B Side.

Escucha el nuevo sencillo y mira el video aquí.

 

Nuevo tema de Pllush

Foto Nick Lomboy

Pllush se prepara para su publicar su primer disco con "Ortega".

A finales del año pasado, Sports hizo su regreso con el lanzamiento de un EP junto a una destacada agrupación en ascenso. Ahora, esta banda, antes desconocida, está por sacar su álbum debut, razón por la que acaban de revelar su segundo sencillo promocional.

Lo nuevo de Pllush lleva el nombre de "Ortega" y, al igual que su sucesor, sigue en ese linea de garage. Sin embargo, este no es tan enérgico ni atrabancado, de hecho es algo sosegado y más reflexivo, parecido a lo que hace Courtney Barnett.

Esto fue lo que dijo la vocalista y guitarrista Eva Treadway sobre esta canción. "Es sobre tener 19 años, sobre conocer a muchos amigos que cambiarán tu vida y esto es extraño cuando estás casi al borde de la edad adulta. Todo es realmente hermoso y atemorizante. Se trata de establecer conexiones con desconocidos, emborracharte en estacionamientos y tratar de descubrir cómo ser un adulto".

Stranger To The Pain, el álbum debut de Pllush, saldrá a la venta el próximo 8 de junio a través de Father/Daughter Records. El grupo antes se llamaba Plush, pero tuvo que cambiarlo por el registro de una extinta banda sudafricana.

Puedes escuchar "Ortega" justo aquí:

 

Chvrches tiene visual para "Miracle"

Antes de la llegada de Love is Dead, Chvrches compartió video para uno de sus sencillos.

El tema es el último corte que la banda ha dado a conocer previo al lanzamiento de su tercer álbum de estudio que saldrá a luz el 25 de mayo vía Glassnote. Se corona como el sucesor de "Never Say Die""Get Out" y "My Enemy" que se creó en conjunto con Matt Berninger, vocalista de The National.

"Miracle" estuvo bajo la dirección de Warren Fu, quien ya había trabajado con la banda para el clip de "Clearest Blue" en 2016. En el visual se ve a la cantante Lauren Mayberry con el protagónico, donde se encuentra atravesando una lúgubre camino lleno de disturbios, alborotos, vandalismo y enfrentamientos entre bandas callejeras.

"No estoy pidiendo un milagro... Estamos buscando ángeles en lo más oscuro de los cielos", es un extracto de la letra de la canción de Chvrches. 

Conforme el video va pasando se va tornando más extraño, en una escena se puede ver el corazón de la ciudad latir en medio del caos y un disparo de pintura ataca directo a Mayberry.

Te dejamos a continuación "Miracle" para que veas su nuevo visual lleno de oscuridad y extrañes.

 

Father John Misty estrena el clip "Mr. Tillman"

Como parte de la promo de su próximo álbum, Father John Misty comparte un metraje poco inusual.

¿Te imaginas llegar al mismo hotel, tirarte del techo y repetir lo mismo una y otra vez? Bueno, no es que sea una sugerencia sino que esto es lo que ocurre en el video del single "Mr. Tillman" de Father John Misty, dirigido por Josh Tillman —nombre real del cantante— y co-dirigido por Jeff DesomCarlos López Estrada.

En este videoclip el surrealismo se hace presente en un hotel de Las Vegas, mismo que es testigo del viaje que Tillman emprende en múltiples ocasiones. La rola formará parte de su nueva placa titulada God’s Favorite Customer y verá la luz el 1 de junio bajo los sellos Sub Pop y Bella Union.

Dale play:

El también escritor, recientemente se presentó en la gala de los premios ASCAP (Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores) para hacerle entrega a Lana Del Rey el galardón en la categoría Mayor Impacto Global, esto por los temas que ha lanzado a lo largo de su trayectoria.

En la misma ceremonia, Father John Misty realizó un cover al tema "Ride" (incluido en el EP Paradise, 2012), esto en presencia de la cantante norteamericana.

Mira el video a continuación:

Jack White versiona a The Modern Lovers

Foto David Swanson

Con un cover a "Pablo Picasso", Jack White le rinde tributo a The Modern Lovers.

Hace un mes, el cantante de Detroit publicaba su tercer álbum de estudio. Aunque este ha sido un notable éxito, el músico sigue promocionando su nuevo material, ya que visitó los estudios de Spotify para participar en el Single Series.

En el especial que hace la plataforma de streaming, se le invita a los artistas a tocar uno de los sencillos de sus recientes estrenos y un cover a uno de sus temas favoritos. En esta ocasión, Jack White optó por "Pablo Picasso", uno de los temas más recordados de la extinta agrupación The Modern Lovers, publicado originalmente en 1976 en el disco debut de la agrupación.

La versión del ex vocalista de The White Stripes es, por supuesto, más orientada al blues y con sensacionales destellos de guitarra. Sin duda, se aleja mucho del proto punk que marcó a la banda de Jonathan Richman en sus inicios, pero el resultado es bastante apreciable.

Además de Jack White, otros músicos que han hecho versiones de esta canción han sido: el ex integrante de The Velvet Underground, John Cale, quien lo añadió en su álbum Helen of Troy; y David Bowie, que lo publicó en su disco Reality.

Puedes escuchar ambas versiones de "Pablo Picasso" justo aquí:


Franz Ferdinand en el Pepsi Center WTC

Una explosiva y refinada presentación de Franz Ferdinand.

El cielo del martes, nublado e incierto, no pudo ser mejor para el concierto que nos aguardaba. Y considero que este ambiente era perfecto, porque así podemos describir a la excelente banda que íbamos a presenciar, inesperada y envuelta de cierta mística. Pero a diferencia de la lluvia que de un trueno a otro nos arruina el día, los originarios de Escocia de un compas a otro nos revitalizan.

Después de un fin de semana intenso con presentaciones en Pa’l Norte y el Festival Roxy, ahora pudimos disfrutar del espectáculo en solitario de estos músicos, que a varios de los presentes –si no es que a todos– nos marcaron con sus dos primeros discos, el homónimo Franz Ferdinand (2004) y You Could Have It So Much Better (2005).  Con la misma velocidad con la que tuvieron un éxito mundial, en la transición a la nueva década desaparecieron de los reflectores con dos discos sin pena ni gloria. Pero con la grata sorpresa que fue su quinto álbum Always Ascending (2017), regresaron como un rayo al mapa de los escenarios internacionales.

Con un sold out contundente, los fans llegaron temprano al recinto para tener un buen lugar sobre la pista. Puntualmente, recibimos a la banda telonera: Mint Field, originaria de Tijuana y a quienes ya hemos podido disfrutar en diferentes festivales como Ceremonia 2018 y Nrmal Baja 2017. Desafortunadamente, aunque brindaron un showgaze de calidad, la elección no fue la óptima ya que su estilo contrastó con el frenetismo que vendría a continuación. Los presentes ya estaban desesperados porque Franz Ferdinand saliera –a tal intensidad– que cuando Mint Field anunció que quedaban dos canciones más, la masa desató una serie de chiflidos y gritos de enojo.

Al concluir la banda nacional, corrimos cual bestias hacia adelante para lograr un mejor lugar sin importar estar apretados. Por fortuna, tuvimos que esperar poco para el gran evento, ya que el setup estaba ya prácticamente listo. En el momento que se apagaron las luces y fueron saliendo los integrantes, el público quedó sumiso en lo que sería una noche inolvidable.

La primera canción que escuchamos fue “Always Ascending” de la reciente producción homónima, perfecta para poner el ambiente con un tono suave y electrónico. Al terminar el front man Alex Kapranos tomó el micrófono para saludar al publico quien estalló en el clásico jubilo, y dio continuación a la ligera y agradable “No You Girls”. La siguiente canción, “The Dark Of The Matinée”, fue el banderazo a la explosión de la noche, ese momento en el que la cerveza empieza a volar por los aires, así como los cuerpos a bailar. Brindando un momento mágico de nostalgia pura. En la siguiente pieza “Glimpse of Love”, Alex presentó al sustituto de Nick McCarthy en la guitarra y teclado, el joven Julian Corrie, quien tuvo un performance sobresaliente.

Prosiguió la juguetona “Lucid Dream”, que por cierto fue especial, ya que Alex mencionó que solo la tocan si el público la solicita a través de redes sociales; lo mismo pasaría más adelante con la positiva “Stand on the Horizon”, track perteneciente al penúltimo disco y que no siempre la incluyen en sus setlists. Las memorias y sentimientos volvieron a aflorar con la tierna balada “Walk Away”, para dar paso a otro clásico “Do You Want To”, con su coro ultra pegajoso. Al final de ésta, Kapranos realizó una genial dinámica cantando “You’re so…” mientras todos vociferábamos “lucky, lucky, lucky…” en un frenesí.

La velada continuó y disfrutamos de “Lois Lane” y su estética ochentera, “Finally” con una textura sedosa, la hermosa armonía de “Come On Home”, el acertado ritmo de “Jacqueline”, hasta llegar a la tranquila “Slow Don’t Kill Me Slow”. Un contrapunto excelente, porque a continuación vendría una de las composiciones más esperadas de la noche: “Take Me Out”, que volcó a todos a cantar y brincar. El paso no aflojó con “Love Illumination” y su genial clavecín, “Huck and Jim”, en donde Alex se daría un momento para insultar a Donald Trump, y para terminar con la misteriosa “Ulysses”.

Después de una breve pausa, vendría un encore de ensueño con Lazy Boy destilando un mortal bassline, “Darts of Pleasure” con esos riffs que te enchinan la piel y generan un escalofrío hasta la medula, y “Michael” que se convirtió en una verdadera fiesta sobre el escenario, repleta de solos y brincos por parte del vocalista. El fin llegaría con “Feel the Love Go”, canción que se extendió por minutos y minutos, mientras Alex Kapranos bajaba a cantar entre el publico y después presentaba a toda la banda. La cereza sobre el pastel llegó con “This Fire”, de igual manera fue extendida lo más posible como si no quisieran que terminara nunca, y permitió una y otra vez a todos sacar los pulmones mientras gritábamos la letra.

Franz Ferdinand destiló calidad y jerarquía en el Pepsi Center WTC, demostrando que, aunque hayan tenido un periodo en el que no tomaron la mejor dirección musical para ser populares, siempre se han mantenido vigentes ante un publico que los recuerda y aprecia. Nada más nos queda esperar que en próximos años sigan compartiéndonos de esa energía característica a través de su refinada música.

Festival Marvin: Entrevista con Buzzcocks

El punk no muere, solo se reinventa.

Uno de los géneros musicales más prolíficos del siglo xx es el punk. A través de sus acordes básicos se han desarrollado subgéneros que persisten hasta nuestros días. Una de las bandas primigenias de este movimiento fue Buzzcocks, quienes siguen en activo después de más de cuatro décadas.

“Iniciamos como una banda que partía de la inspiración de una generación. Como un estandarte para luchar por un mundo más justo para los jóvenes. Nuestra mayor influencia fue el trabajo que Sex Pistols había realizado y que nos llevó a crear una banda. Al inicio solo éramos una banda local, pero nos gustaba crear sonidos y adaptarnos a lo actual, era una forma de protesta, pero mejorada porque era musical. Ese era nuestro mayor diferenciador ante el momento político que había en Gran Bretaña y, en general, en el mundo”.

Steve Diggle fue una de las adiciones que tuvo la banda después de su primer show. Esta adición a la banda fue hecha por el poderoso Malcolm McLaren, un personaje que dominó la escena musical independiente durante gran parte de los 70 y 80, pues su personalidad atrayente y jugosos ofrecimientos para las bandas que iniciaban sus carreras. McLaren es un personaje obscuro dentro de la música, pero su influencia trajo consigo grandes avances en la historia de la música.

“Mi relación con McLaren fue profesional. Es claro que él tuvo una gran influencia en nuestra generación pues llevaba al estrellato a las bandas desconocidas, pero nosotros ya como banda siempre mantuvimos una distancia con lo que nos decía que quería hacer. Mantener una independencia siempre es necesario para poder crear música, por eso nunca aceptamos seguir sus planes ni nada similar. Lo único que él aportó fue sumar a la banda a talentos que en conjunto sonaban mucho mejor, pero nada más”.

El punk es un género totalmente político, está creado como un discurso que va en contra el establishment de la época para regenerar un sistema a partir de los jóvenes. No hay política sin punk y viceversa. Una de las bandas que más desarrolló este discurso fue precisamente Buzzcocks.

“Lo político siempre se ligó con nosotros. No había otra forma de desarrollar música, vivíamos en un momento de quiebre político por la situación en el mundo y en nuestro barrio, que era donde la desigualdad comenzaba. Crear sonidos que ligaran ese descontento era nuestra misión, pues era darle voz a todas esas personas que no tienen voz ni voto en las decisiones que se tomaban y nos afectaban a todos. Los 70 fue una década dura, fue terminar con el sueño de la comuna para todos y el regreso del conservadurismo de mano dura que buscaba matar los sueños de todos nosotros. Por eso tocamos, para defender nuestro derecho a soñar”.

Cuatro décadas después el punk ha cambiado y el objetivo también, ahora es un sonido que llega a las masas y está muy cerca de lo comercial. Las nuevas generaciones no entienden la lucha musical y política que cientos de personas vivieron para poder tocar y hacerse escuchar. Hoy el punk queda en el atril como un género madre, pero sin comprender qué lo hace ser así. Bandas como Buzzcocks se encargan de mantener esa llama encendida.

“Conectar con las nuevas generaciones es complicado, pero partimos de lo mismo de siempre, buscar una conexión sobre la inconformidad del mundo. Toda generación está inconforme y la música los ayuda a expresar ese descontento antes de llegar a tomar las calles o buscar un cambio de régimen más duro. Cuando toco frente a una audiencia joven, lo primero que busco es dejar en claro que somos iguales que si hay años de diferencia, pero que buscamos un cambio en lo mismo. Debemos reformar este mundo y por eso tocamos y tenemos un público que nos sigue. Ese es nuestro objetivo, no dejar que el descontento pare y encauzarlo para lograr el cambio necesario. El punk existe por eso, por lograr ese cambio que todos queremos, para mejorar nuestro mundo y nuestras vidas porque la música es el arte que jamás le pertenecerá a las élites sino que lo hacen las clases bajas”.

“Mi recomendación para todos esos jóvenes que ven en la música el escaparate para sus ideas, es: nunca dejen de creer y de crear porque sólo así el mundo podremos cambiar”.

El punk siempre vivirá y no como una momia en el museo sino en nuestras ganas de lograr un cambio y hacer de este mundo algo mejor. Luchar contra los poderes fácticos y demostrar que los seres humanos comunes podemos revolucionar los sistemas y darle poder a la gente. En un contexto tan horrible como el actual, música sincera como la de Buzzcocks nos ayuda a seguir creyendo.

LCD Soundsystem en el Pepsi Center WTC

Una noche para celebrar a LCD Soundsystem.

LCD Soundsystem, Soundsystem LCD, como se lea, es señal de diversión, disfrutar el momento y ser feliz. Desde la primera vez que los vi en el Corona Capital 2016, se convirtieron en una de mis bandas favoritas para ver en vivo, transmiten algo indescriptible, comunican alegría, es como si te dieran cuerda y lo único que tienes que hacer es bailar, cantar, brincar y olvidarte de todo, o como si estuvieran tocando en el jardín de tu casa y fueras eres libre de hacer lo que quieras.

Antes de su concierto, Andre VII se encargó de poner el ambiente convirtiendo el Pepsi Center WTC en un club con sonidos house, disco y electrofunk. Después de un pequeño retraso James Murphy y compañía salieron al escenario para tocar “You Wanted a Hit” y demostrar su elegancia y perfecta ejecución en el escenario, para después inundar nuestros oídos con las guitarras y gritos en “Tribulations”.

“Thank you very much” fue lo primero que dijo James Murphy, y un intro de “Radioactivity” de Kraftwerk fue el inicio perfecto para la magia de sintetizadores de “I Can Change”. Antes de dar paso a uno de los mejores momentos de la noche con “Call the Police”, Murphy presentó a su banda, que incluye la pasión de Al Doyle (Hot Chip), el estilo house queer de Gavin Rayna Russom y la seriedad de Nancy Whang. La energía se había mantenido algo baja (por lo menos en General B), hasta que los clásicos “Get Innocuous!” y “Daft Punk Is Playing at My House” trajeron esa vibra punk que los caracteriza y que nos hizo mover la cabeza.

Cabe destacar que en esta ocasión se notó una influencia más rockera en su interpretación, que se hizo notable en uno de mis momentos favoritos: “Movement” y “Yeah”, fue cuando hicieron explotar cada uno de nuestros sentidos, su forma de dejarse llevar y experimentar con los instrumentos, junto con la voz de James Murphy, los visuales y luces, hicieron esos minutos perfectos.

La noche continuó con “Someone Great”, la energía ochentera de “Tonite” y “Home”, para llegar a la melancolía de “New York, I Love You But You're Bringing Me Down”, donde la voz de James Murphy fue una con la del público, transportándonos a una noche estrellada en la gran manzana. “Vamos a irnos, pero regresaremos”, y después de unos minutos, “Oh Baby” comenzó a sonar y con los ojos cerrados nos dejamos llevar por la música.

“Les dije que regresaríamos”, comentó Murphy y la distorsión se hizo presente en todo el lugar con “Emotional Haircut”, provocando un estallido de energía sobre el escenario. Esa energía que esperaba por parte del público la vi hasta “Dance Yrself Clean” y “All My Friends”, donde los asistentes siguieron cada palabra, mantuvieron sus manos elevadas y sintieron cada nota.

LCD Soundsystem demostró por qué es una de las mejores bandas de los últimos años, desde que sacó su disco homónimo ha sabido mezclar sus influencias, con una gran actitud y un estilo que los identifica. El corazón y calidad que le ponen a la interpretación en su show logra conectar con el público desde el primer instante. Fue una noche en la que celebramos que la banda haya regresado después de su supuesto fin en 2010, para seguir deleitándonos con su música.