Graham Coxon en Galera

Coxon demostró que es más que el guitarrista de Blur.

Galera se sentía como un lugar en comunión, quizá porque todos los asistentes eran fanáticos empedernidos, y tanto el espacio como el evento no se prestaba para hacer un alboroto; no se sentían empujones pero si un calor infernal. Sin mayor esfuerzo logré colocarme justo en el centro de ese pequeño mar de gente. Lo cierto es que todos estábamos expectantes a lo que más tarde sucedería, la primera presentación como solista de una pieza fundamental del britpop. Sin un acto abridor, el momento había llegado; pasadas las 20:00 H. se apagaron las luces y Graham Coxon subió al escenario. No había tiempo que perder, ansioso, el músico tomó su guitarra e inició un recorrido musical que incluyó nostalgia, historias y sudor.

El cantante inició con "R U Lonely?", que se desprende de su primer material de estudio y que se ha vuelto recurrente como tema de apertura en sus presentaciones. Después siguió "Latte", de la cuál mencionó que fue de las primeras canciones que compuso cuando decidió dejar por completo el alcohol.

Al finalizar saludó escuetamente, y el público como de costumbre, se hacía notar con gritos ensordecedores, Coxon se mostraba nervioso, alejado de la personalidad que siempre ha mostrado como uno de los guitarristas que al pisar un escenario se transforman en energía pura. Abrumado por el enorme recibimiento pero contento por estar haciendo lo que más le gusta, el show continuó con "All Over Me""That Someone Ain't You" "Alright". Entre canciones, bebía jugo de manzana mientras bromeaba con el público. Solo necesitó dos guitarras, un pedal de loop y su voz para emocionarnos.

Con "Don't Believe Anything", el sonido y el ambiente le jugaron una mala broma. Al grabar la parte rítmica de la canción, se coló entre las pastillas de la guitarra los gritos de la gente, algo que lejos de molestar al cantante, lo llenaba de curiosidad y se dispuso a explicar por qué había ocurrido este fenómeno. Graham no pretendía llevar un espectáculo impecable y eso se hizo notar, pues a lo largo de su presentación el guitarrista erró algunas notas y su voz desafinó en ocasiones, pero creo que esa fue la magia del concierto.

Lo que él buscaba hacer con esta pequeña serie de presentaciones llamadas, One Man Solo Show, era crear un espacio íntimo donde pudiera tocar por el simple gusto de hacerlo, sin presentar una producción estrafalaria llena de músicos de apoyo. Él sabía que lo único que necesitaba era su talento y un público para el cuál interpretar sus canciones.

Luego de un rato empezaron a sonar los temas originales que Graham compuso para la popular serie de Netflix, The End Of The F***ing World. Con "Angry Me""Saturday Night", "She Left The Light On" y "Roaming Star" nos hizo sentir dentro de aquella caótica historia de amor adolescente, mostrándonos que su trabajo logró sobresalir al nivel de los protagonistas.

Algo que inevitablemente tenía que pasar era que sonara algo de Blur. A su estilo, Coxon hizo una versión de "Miss America", incluido en el aclamado Modern Life is Rubbish; uno de los tracks menos valorados de su carrera. En él hizo un experimento, al conectar aquella guitarra electroacústica con el flanger, efecto que forma parte esencial de su sonido pero que en un formato acústico suena fuera de lo común. Al concluir, el músico se dispuso a contar una divertida anécdota sobre la inspiración de esta canción, que involucraba un viaje en carretera junto a su compañero de banda, Damon Albarn; robándose los aplausos y risas de los asistentes.

Conforme fue avanzando la presentación, Graham se sentía más relajado, escuchando a todos aquellos que le pedían a gritos canciones de su extenso repertorio y algunos otros que intentaban de la misma manera llamar su atención y demostrar el afecto que sienten por el intérprete. El clímax llegó cuando sonaron los primeros acordes de "Walking All Day". Fue en este momento cuando todos en el lugar comenzaron a cantar eufóricamente, acompañando con palmas mientras él hacía una demostración del magistral dominio que tiene con la técnica slide.

Tras una breve pausa para afinar su guitarra, volvió para interpretar un cover. De manera seria preguntó; "¿Conocen a Blind Faith?y empezó a entonar las notas de "Can't Find My Way Home", que serviría para indicar que nos acercábamos a la recta final. Uno de los temas más esperados era "You're So Great", la cuál le dio la confianza en los ya distantes años 90 de seguir componiendo a la par que lidiaba con la presión mediática que representaba para él estar en Blur. El público cantó a todo pulmón cada palabra sin falla, haciéndole ver a Coxon que su trabajo es valorado más allá de estar en una banda.

La sorpresa llegaría de la mano de "Song 2", aquel clásico lleno de guitarras sórdidas que popularizó junto a Albarn, James y Rowntree; con el que puso a brincar y gritar a todo Galera con el característico ¡Woo-hoo!. Para concluir, bajó las revoluciones con dos de las canciones que han marcado su carrera solista, "See A Better Day", “Freakin’ Out” "Sorrow's Army", las cuáles nos hicieron recordar la naturaleza de su presentación, íntima y relajada; no había mejor manera para terminar esta velada.

Graham Coxon nos regaló una noche espectacular, en casi dos horas nos llenó de momentos únicos, donde demostró que más allá de ser miembro de Blur es un guitarrista virtuoso, quizá el mejor de su generación, un compositor creativo; una persona relajada y divertida. Pero sobre todas esas aseveraciones hay algo que nos confirmó a cada minuto y con cada acorde, él es alguien que ama la música.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Te compartimos este top con los mejores 5 nuevos tracks de la semana en este Top Indie Rocks!.

Mucha música se ha estrenado en este 2019, releases y sorpresas de los proyectos que recomendamos para tu oídos, pero nuestro equipo editorial hizo una selección muy especial para el top 5 de los mejores tracks de la semana del 1 al 7 de abril de 2019. Aquí encontrarás diferentes géneros y ritmos que te pueden acompañar durante el fin de semana. Hay canciones como “Loner” de The Drums, una canción en la que, con una melodía en la que destaca el sonido de la guitarra y el compás marcado por la batería, Jonathan Pierce le canta a una desafortunada relación que no pudo ser por el autosabotaje; “Hydrocodone” de Cuco, la primera publicación que el cantante hace con Interscope Records; y mucho más.

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TOP 5: Discos de la semana

Te compartimos nuestra selección en este top 5 con los mejores discos de la semana.

Esta semana tuvimos que elegir entre una considerable cantidad de publicaciones y la competencia fue difícil. Sin embargo, elegimos para ti varios proyectos nuevos y los materiales muy esperados. Cada vez es más complicado limitarnos a cinco discos por semana, pero puedes apostar a que en nuestra lista siempre encontrarás los mejores lanzamientos.

The Drums
Brutalism
Arts & Crafts México
Jonathan Pierce
Indie rock/indie pop

Un disco que puede parecer disperso, caótico e incoherente, pero esa es una acertada representación de la naturaleza humana. The Drums se mantiene en el indie pop, pero también explora con nuevos elementos y se acerca al sonido de algunos grandes como The Strokes.

Weyes Blood
Titanic Rising
Sub Pop Records
Jonathan Rado
Psychedelic pop

Uno de los lanzamientos destacados de este año para la escena alternativa y tal vez el mejor trabajo de la cantante Natalie Mering. Es un disco donde Weyes Blood se apoya de sus más grandes influencias como The Beatles, The Zombies, Radiohead y David Bowie. Pero hace suyo todos los sonidos con arreglos y otros detalles. Además aprovecha al máximo sus cualidades vocales.

Priests
The Seduction Of Kansas
Sister Polygon Records
John Congleton
Post punk

Primer disco sin el bajista Taylor Muntiz, pero la salida no pareció afectar el sonido de la agrupación. Priests nos entrega un álbum muy dinámico, con letras que se aprovechan de lo absurdo bajo un contexto actual. Uno de los estrenos que refrescan al género post punk.

Girl Unit
Song Feel
Night Slugs
Phil Gamble
R&B

El productor Phil Gamble se hace de increíbles colaboradores: Kelela, Taliwhoah, Brook Bailia, Thast y otros más. Aunque su sonido es una mezcla de R&B y dance, también se nota una fuerte influencia por la música de los 80 y el hip hop.

W. H. Lung
Incidental Music
Melodic Records
W.H. Lung
Synthpop

El álbum debut de la agrupación nace completamente de la era dorada del synthpop: percusiones que te enganchan, sintetizadores que destellan y una voz intoxicante. La combinación tiene una esencia obscura pero que te invita a bailar.

"Colossal", lo nuevo de TR/ST

A unos días del lanzamiento de The Destroyer - 1, TR/ST estrena un nuevo sencillo: "Colossal".

Estamos a unos días de poder escuchar la primera parte de The Destroyer, el nuevo material discográfico de TR/ST. Hasta el momento hemos podido escuchar tres de las ocho canciones que conformarán al álbum; sin embargo, Robert Alfons hoy nos presenta un adelanto más: "Colossal". Aquí puedes escucharlo:

"Colossal" es un viaje de vuelta al dark house, con sintetizadores futuristas y vibra ochentera, que tanto gustó de Trst (2012). ¡Y no es coincidencia! Este nuevo sencillo fue la pieza que reavivó la relación entre Robert Alfons y Maya Postepski. Quien (por si no estaban enterados), además de formar parte de TR/ST, co escribió y produjo el primer álbum de estudio del proyecto.

En general, la reconocida baterista colaboró en seis canciones para esta nueva producción. Y hace unos meses, en entrevista con Indie Rocks!, Robert comentó que pese a que Maya no lo acompañará en la gira, pasaron buenos momentos juntos, y este disco les dio la oportunidad de conectar de nuevo.

The Destroyer - 1 estará disponible a partir del 19 de abril, tanto en formato físico como en digital. Además, en los próximos meses recorrerá algunas ciudades de Europa y Estados Unidos como parte de su gira promocional. Y para no hacer tan larga la espera, puedes leer la entrevista que hace unos meses tuvimos con Robert acerca de este, su tercer álbum de estudio.

“Can't Buy Happiness”, lo nuevo de Tash Sultana

Tash Sultana regresa con una nueva propuesta musical.

Tras la publicación de su exitoso álbum debut Flow State y su habilidad para mezclar ritmos, la cantante australiana se convirtió en una de las artistas emergentes más queridas alrededor del mundo.

Ahora Tash Sultana nos sorprende con nueva música, se trata de “Can't Buy Happiness” una canción escrita y producida por la misma cantante. Con este single, la interpreta de "Free Mind" demuestra que tiene en mente un proyecto diferente. "Estoy en un lugar donde me siento muy bien con todo lo que está pasando. Hubo un momento en el que no me sentía digna de donde había llegado, o donde estoy llegando", explicó.

Además, “Can't Buy Happiness” llegó junto con un video dirigido por la fotógrafa Dara Munnis, donde se muestra a la cantante tocar en unos baños que explotan con mucha fuerza al mismo tiempo que la canción. El metraje es una recreación de un momento que vivió la artista cuando interpretó la canción por primera vez en el baño deportivo de Thunderbird Arena de Vancouver. "Era sombrío, pero la acústica era muy buena”, comentó la cantante en un comunicado de prensa.

Dale play a “Can't Buy Happiness” a continuación:

 

In Flames — I, The Mask

I, The Mask: Una visión actual que plantea una incógnita al futuro.

In Flames es una de esas bandas que, por así decirlo, en el nombre lleva la penitencia. Es un tanto complicado abordar cualquiera de sus trabajos sin la nostalgia que representa el estar frente a uno de los grandes pilares del death metal melódico.

Siendo sinceros, el panorama para la banda no ha sido bueno en los últimos 10 años. Primero, la salida de Jesper Strömblad y después, un tropiezo que se traduce en dos álbumes de estudio (Siren Charms Battles). Este 2019 llega I, The Mask, un disco que si bien es un merecido momento de estabilidad, se aleja por mucho de ser un paso hacia adelante.

Escuchar el reciente material es un ejercicio que requiere tener en cuenta que la banda ha tomado un camino distinto, un sonido más inclinado al metal alternativo que al death metal melódico.

“Voices” es la encargada de abrir el álbum, un acertado inicio, un juego de guitarra y batería que nos remonta en ciertos momentos a Come Clarity, dinamismo que continua con el sencillo “I, The Mask” y posteriormente “Call My Name”. En estas primeras canciones podemos notar que el estilo característico de In Flames está presente pero ahora con sutiles "guiños" al metalcore y post hardcore actual.

El sencillo “I Am Above” es una de las piezas claves del álbum. Un coro pegajoso sobre una base rítmica versátil que resalta las cualidades vocales de Anders Fridén, lo cual se agradece en estos momentos de su carrera.

Llega la primera balada, “Follow Me”, simple pero oportuna después de una buena sesión de riffs. A una segunda escucha, este es el momento del disco en el que sientes que ya escuchaste todo, se va apagando la magia, las demás canciones siguen fluyendo bajo la misma fórmula de las anteriores, pero con una sensación especial de apatía en la ejecución.

Ocho canciones quedan por escuchar, de las que apenas destacan “Burn” “Deep Inside”, con un riff “árabe” que nos recuerda al trabajo de bandas como Kamelot Xandria en el terreno del metal sinfónico (Evidentemente mejor realizado, por aquello de la instrumentación).

“Stay With Me” es una balada simple e innecesaria que anticipa el final del disco.

Ciertamente, I, The Mask, contiene elementos que llaman la atención y tal vez sean estos detalles los que salvan a todo el disco de ser un fracaso más. Los coros son buenos, en ocasiones sobreexplotados, pero aun así representan un intento bien logrado de la banda por demostrar su vigencia en la industria musical. Podría decirse que In Flames pensó este material para que fuera un gran momento en vivo, aun así nos queda la esperanza de revivir algunos de sus grandes éxitos con su probable visita a México durante este año.

Entrevista con Modeselektor

Música electrónica innovadora en la pista de baile.

Sebastian Szary y Gernot Bronsert, comenzaron su camino en la música electrónica con una misión bien planteada “Buscar sonidos o ritmos que no se hayan creado antes” y lo lograron. Con Modeselektor se separaron de los beats que siguen el ritmo del corazón y llenaron sus oídos berlineses, de influencias electrónicas poco exploradas de países de occidente.

Con un nuevo disco bajo el brazo, este par está listo para regresar a nuestro país a hacer bailar los cuerpos y las neuronas de todos los asistentes del festival Ceremonia 2019. “Nos encanta México y salir a tocar, en Alemania la palabra para decir vacaciones es “Urlaub”, así que cuando estamos de tour nosotros decimos que nos vamos de  “ToUrlaub”, comentaron.

Modeselektor es la mezcla de dos mundos de forma equilibrada, la muestra clara es Szary, quien viaja por el mundo trabajando durante la noche, tocando para miles de personas y al mismo tiempo disfruta el ser padre. “Como músicos nuestra vida no ha cambiado tanto, el mayor cambio que hemos hecho es en nuestros horarios, ahora la mayoría de las veces trabajamos muy temprano en la mañana en el estudio”.

Who Else, su nuevo disco tiene bastantes años de desaparición con Monkeytown (2011), durante el cual hubo un crecimiento y desarrollo musical paralelo con su proyecto Moderat. Tiempo que les ayudó para aprender a tomar decisiones rápidas, para que su carrera avanzara, conservado la esencia de hacer sentir emociones a sus escuchas.

“La forma en que producimos no varía mucho entre este nuevo disco y los anteriores, aunque hay casi ocho años de separación, lo que sí hicimos fue cambiar nuestro DAW, pasamos de Logic a Ableton. Compramos una mixer de estudio de los años 80 y armamos nuestro primer estudio con monitores perfectos de nuestra carrera, fue algo muy simple, el chico que colocó nuestra mixer nos dijo 'Hey, también puedo construir monitores para su estudio' y el resto es historia”.

La música electrónica ha impactado en gran parte del mundo. Cuando decidieron grabar el documental We Are Modeselektor mostraron un lado más íntimo de la banda, sin llegar a la sobre explotación de la imagen como muchas veces pasa últimamente por las redes sociales, donde ustedes no se muestran tan activos. ¿Cómo es su relación con las redes sociales?

“El impacto de las redes sociales a veces es demasiado: hemos reducido las actividades en algunas plataformas. Reconocemos su importancia como herramienta para comunicarse con la audiencia, pero aún así preferimos la interacción cuando estamos en el escenario”.

Dentro de Modeselektor el arte es tan importante como el sonido, y siempre buscan nuevos recursos gráficos que los inspiren en los lugares que visitan, por lo que cada que pueden entran a museos para encontrar objetos e imágenes que los impacten.

“La exposición Todo de Maurizio Cattelan en el Guggenheim de Nueva York. El año pasado en Sao Paulo, Brasil, visitamos el Museo MASP, donde hubo una exposición de pinturas de los últimos 600 años y una sobre personas de África durante los tiempos de esclavitud en Brasil. Muy impactante y mucho para pensar después de la visualización”.

Modeselektor fundó su propio sello discográfico, Monkeytown en 2009 para poder tener una libertad total dentro de sus producciones, hacer una diferencia dentro del clásico esquema de los negocios de la música y ayudar a nuevos talentos que se pueden o no dirigir a la pista de baile. Y claro, que dentro de sus filas cuentan con exponentes nacionales y siguen a algunos otros.

“Cuando tenemos a un artista en la mira, le pediremos trabajar juntos. En Modeselektion Vol. 02 tenemos una canción de Frikstailers, quien es originario de Argentina pero vivió mucho tiempo en la Ciudad de México. Truncate otro artista tiene raíces mexicanas y actualmente vive en Los Ángeles. Hay una gran comunidad de artistas mexicanos interesantes”.

Si bien la música electrónica nació con una gran carga masculina, rápidamente se diluyó, y como olvidar que las primeras colaboraciones de este dúo fueron con la gran DJ y productora Ellen Allien, quien representa una fuerza femenina sobre los escenarios, impulsando a muchas mujeres que hoy estudian ingeniería en audio y producción musical. La industria ha comenzado a equilibrarse y para Modeselektor hacer una diferenciación es algo que debe quedar en el pasado.

“Personalmente nos sorprende que aún se haga la división sobre las mujeres en la música electrónica. Nuestro proyecto está repleto de mujeres, crecimos rodeados de ellas e incluso en nuestro sello Monkeytown hay más mujeres trabajando en todo lo relacionado a la música que hombres”.

Si están ansiosos de saber qué presentará Modeselektor en este festival, me adelantaron que su show se acercará a un montaje teatral, ya que presentará un nuevo espectáculo audiovisual realizado por sus amigos del colectivo Pfadfinderei y no, siguen sin estar interesados en el twerk.

Escucha el sencillo oculto de Grimes: "принцесса"

A través de Instagram, la artista canadiense anunció que había ocultado un nuevo sencillo. Después de una exhaustiva búsqueda por parte de sus fans, te presentamos "принцесса".

Hace unas semanas, Claire Boucher, mejor conocida como Grimes, anunció el lanzamiento de su nueva producción discográfica que aborda el tema del cambio climático de una manera muy particular. Tras la publicación de su portada para la revista Cultured, la artista que ahora prefiere la llamen c, hizo una publicación en Instagram y mencionó lo siguiente. "P.D. Escondí una canción de ambiente psicodélico en algún lugar de Soundcloud. Dudo que la puedan encontrar, pero si lo hacen, no lo sé, ahí está".

De inmediato sus fans se dieron a la tarea de buscar el sencillo y no tardaron en encontrar "princesa", o en su traducción rusa original: "принцесса". Y en efecto, en los dos minutos y veinte que dura la canción, c nos presenta una melodía psicodélica que hace fusión con los vocales que suenan celestiales. Aquí la puedes escuchar:

y los mi

A lo largo de su trayectoria, la relación de c con la prensa y los medios de comunicación se ha visto envuelta en distintas polémicas. No hace mucho, en entrevista para The Wall Street Journal, dio detalles sobre Miss_Anthrop0cene e hizo algunas declaraciones respecto a su identidad. Según Ryan Bradleyc declaró que estaba pensando en matar pronto a Grimes (como proyecto); situación que, aunado con la revelación de su cambio de nombre, fue malinterpretada por el entrevistador, los medios, e inclusive su público.

Nuevamente, las declaraciones de han sido parte de una serie de enredos tras mencionar, en su conversación con Khalila Douze para Cultured, lo siguiente. "El último álbum (Art Angels, 2015) era un pedazo de basura", "Siento que la gente realmente lo malinterpretó y se siente como una mancha en mi vida". La entrevistadora comenta que c se resistía a la idea de hacer un material pop, y lo consideró más como un ejercicio para demostrar su capacidad como productora.

Muchos medios tergiversaron sus declaraciones y centraron la atención en el adjetivo, sin contextualizar la declaración de la artista. Como consecuencia de estas malas interpretaciones, muchos fans se han mostrado molestos directamente con la artista.

Art Angles (2015) fue considerado por Metacritic como una "aclamación mundial", recibiendo una puntuación de 8.8; además de recibir reconocimientos en distintos países. De este disco se desprenden como "California" y "REALiTi". Sin embargo, aunque pudiese parecer coherente la reacción del público, la falta de contexto ante la declaración distorsiona totalmente la intención del comentario. ¿Ustedes qué opinan?

Niña Dioz presenta "Magdalena (Trap Orquesta)"

Una de las canciones más representativas de Niña Dioz fue adaptada con orquesta ¡Dale play a continuación!

La cantante oriunda de Monterrey, Niña Dioz, publicó el año pasado su LP Reyna a través de Nacional Records, en el que encontramos colaboraciones de Shigeto (Ghostly Int), Scoop Deville (Kendrick Lamar), Captain Planet and Futura (A$AP Mob) y el mexicano Bruno OG.

Este año, como parte de un proyecto en conjunto con YouTube, presenta una nueva versión de su single "Magdalena" con Fame's Project, una orquesta de Macedonia que adaptó el sonido del trap con instrumentos de cuerda.

Carla Reyna, nombre real de la cantante, considera que el track es un himno para las minorías que son atacadas, es por eso que el videoclip –dirigido por Black Buffalo Films– está inspirado en la diversidad en la era Grecorromana.

¡Dale play a continuación!

Junto a este release, la rapera compartió el proceso de realización de esta nueva versión que –para ella– es un "sueño guajiro" y que considera una buena oportunidad para juntar polos opuestos para romper barreras.

Aquí el proceso:

Ramona estrena "Yo quiero ser"

Entre boleros norteños y sintetizadores psicodélicos, Ramona estrena su sencillo: "Yo quiero ser".

A finales del año pasado, la banda tijuanense, Ramona, lanzó su tercer disco: Párpados. Solo unos meses después, la agrupación nos sorprende con esta colaboración con el músico Daniel Dennis, un sencillo que ellos describen como. "Una serenata galáctica llena de muchos colores". Esto es, "Yo quiero ser", un adelanto de su nuevo EP: Azulejos.

La fusión de elementos que a simple vista parecen opuestos, es la fórmula que Ramona ha perfeccionado a lo largo de los años y que tanto le ha caracterizado. "Yo quiero ser" es una canción que combina los boleros norteños con la psciodelia que emana de los sintetizadores. Esta "serenata galáctica" nos habla del amor incondicional y resistente, ese que se entrega sin siquiera pensarlo.

Conformada por Jesús Guerrero, Luis Reyes, Edgar MorenoOmar Cordoba y Sergio MéndezRamona nos presenta este primer adelanto de su nuevo material que estrenará este año. "Yo quiero ser" está disponible en plataformas digitales a partir de hoy, además de poder disfrutar del video oficial a través de su canal de YouTube.

La presentación, en vivo y en directo, de Azulejos será en un show que se llevará a cabo el 25 de mayo en el Foro Hilvana, Ciudad de México; aquí puedes consultar más detalles al respecto. Y mientras llega el día, te compartimos las fechas de las distintas presentaciones que Ramona tendrá por México.

24 de mayo- Puebla
25 de mayo- Ciudad de México
31 de mayo- Tijuana
1 de junio- Mexicali
14 de junio- Morelia
15 de junio- Guadalajara
06 de julio- Tlaxcala
27 de julio- Ciudad Juárez