Deftones — Ohms

Implorando al cielo por salvación.

Tonos sintéticos que resultan en reminiscencia, porque ante todo lo creado, tal vez encontremos una comparación. Y desde sus primeras notas creemos que Ohms es un disco más de Deftones, banda que ha salido avante ante las etiquetas mediáticas, superando a las bandas de su generación que se vieron estancadas, y diferente ante la música que avalan las listas y los premios obtusos. Pero al avanzar los segundos nos adentramos al vertigo del desprendimiento por la nostalgia, y al descubrimiento que tanto nos alienta. 

Es así como “Genesis” encuentra su condición de vida nueva, y en el principio Chino Moreno creó el cielo, y la tierra se cimbró con los riffs de Stephen Carpenter, y el desorden y vacío encontró su cauce energético gracias a la batería de Abe Cunningham, el espíritu de Chi Cheng guía las líneas de bajo de Sergio Vega, y Frank Delgado separó con sus ambientes sonoros la luz de las tinieblas. 

“Ceremony” y el devaneo en palm mute entre las 9 cuerdas de una guitarra ESP hecha a la medida, un canto a la ilusión que nos fue arrancada, tragedias que no son estadísticas, cosas que nunca fueron ciertas del todo, palabras que se llevó el viento, las mentiras que caen por su propio peso: “The world we shared, it was never there”. “Urantia”, la calma intermitente que evoca el sonido envolvente que bien describen 12,995 puntos que forman la figura de unos ojos que miran al cielo invocando una verdad, una esperanza, una solución. “Error” para ensordecer con su distorsión y provocar que queramos brincar dentro de nuestro encierro obligatorio gracias a su ritmo, la energía que nunca falta, la creación que nunca falla. 

“The Spell of Mathematics” es quizá el tema que mejor escribe este nuevo punto de inflexión en el sonido de Deftones, y esa ansiedad por la experimentación antes que la presión por generar hits, o en este mundo de likes, la simpatía de las nuevas generaciones. Los fans de por vida sacarán sus propias conclusiones, y esperemos que una nueva legión de adeptos se una a las filas de los blancos corceles, como bien dijo Abe Cunningham: “nuestra música es para quien quiera tomarla”. 

“Pompeji”, una oda al creador que nos hizo a su imagen y semejanza y que después deja que brindemos en su honor en el infierno. Y de nuevo se aprecia la mística de re-invención, muy atrás quedó la furia adolescente de Adrenaline, la dependencia a la cocaína trazada en White Pony, la superación de la tragedia que envolvió a la banda, lo que tal vez nunca escucharemos de Eros. La madurez creativa y personal de cada integrante se suma para crear una obra discográfica sólida y sin pretensiones. 

“This Link is Dead” y la alteza de la experimentación y su constante, como si Duran Duran hubiera sido más influenciado por Black Sabbath que por el encanto del synth pop, Morrissey portando una playera de Cannibal Corpse, un fan de Slayer llorando mientras canta “Drive” de The Cars, y asimismo esas reminiscencias tan opuestas, se reflejan en esta maquila de Deftones, y ese eterno forcejeo por etiquetarlos como rock o metal. 

“Radiant City” y su groove que evoca los grandes tiempos de Pantera, “Headless” y su inicial ambiente sonoro que nos lleva al darkwave, y luego a los riffs, y a esos coros de Chino Moreno, el ángel caído y renegado, cuyas formas y matices vocales se pueden apreciar perfectamente en este tema: un poco de flow, algunos murmullos, lamentos a modo de complemento, y Terry Date, cual matemático en busca de la fórmula perfecta, moviendo las palancas en la consola de producción y colocando correctamente los efectos sonoros cual pinceladas de un cuadro impresionista. 

“Ohms”, el grandioso último tema, irónicamente fue la primera muestra que tuvimos de este disco, un auténtico diamante bruto que brilla aún recién descubierto de una sucia y polvosa mina, una luz necesaria en estos tiempos de oscuridad, un momentum de catarsis absoluta, porque ya no somos esos adolescentes que le creían a Papa Roach, que esperaban más de Limp Bizkit, que gradualmente se sintieron decepcionados por Korn, y que en Deftones siguen encontrando los ruidos, mensajes y gritos necesarios para liberar esa ansiedad que tanto nos aqueja, y que se agudiza en tiempos de incertidumbre. La salvación que tanto nos hace falta.

A 50 años del ‘Abraxas’ de Santana

Santana, el guitarrista que logró el matrimonio entre rock, jazz y ritmos latinos.

Aunque hoy existe una pluralidad musical propiciada por la combinación de sonidos y culturas, no siempre fue así. Hasta hace no mucho existían límites que muchos se negaban a rebasar y estructuras bien definidas dentro de cada género. Fue gracias a que algunas personas se negaron a seguir los lineamientos que se logró alcanzar nuevos límites. Dentro de la lista de responsables se encuentra el guitarrista mexicano Carlos Santana y su fusión de ritmos latinos con rock psicodélico y jazz.

Hijo de un mariachi y nacido en Jalisco, el inquieto joven se mudó en su adolescencia a Tijuana y ahí conocería a su futuro maestro de guitarra: Javier Bátiz. También fue el lugar en el que se adentró en el rock & roll al conocer el trabajo de Ritchie Valens. Si otra persona de ascendencia mexicana había logrado triunfar, aunque de manera fugaz, dentro otro lado de la frontera, entonces él también podía.

La integración de todos los elementos para concebir algo nuevo

Una vez instalado en San Francisco durante la efervescencia del rock psicodélico, se unió a otros músicos locales para crear un proyecto propio. La búsqueda de una identidad que los diferenciara del resto derivó en la incursión de estilos que prácticamente nadie había hecho con anterioridad. Por una parte se añadió la libertad del jazz de John Coltrane junto al rock de Jimi Hendrix, la sexualidad del funk de Sly And The Family Stone, la filosa guitarra al estilo de B.B. King y los festivos ritmos caribeños basados en el uso de la percusión.

Ya con el simple nombre de Santana, el mundo conoció el trabajo del combo gracias a su participación en el festival de Woodstock en 1969. Su presentación basada en jams instrumentales obtuvo buenos resultados y a la fecha es uno de los conciertos más laureados en la historia del rock. Justamente una semana después vio la luz su primer álbum y un año después saldría el que para algunos es el mejor trabajo en la carrera del grupo.

El 23 de septiembre de 1970 se publicó Abraxas, título tomado de la novela Demian de Hermann Hesse. Además también resalta la pintura de portada, obra del artista europeo Mati Klarwein, quien también se encargaría de la tapa de trabajos de Earth, Wind & Fire, Buddy Miles y el emblemático Bitches Brew de Miles Davis. Su estilo basado en colores ardientes y figuras místicas es hoy bastante sencillo de identificar.

El inicio de la fiesta de sonidos

En cuanto a la parte musical, las nueve piezas muestran un estilo cálido y libre pero que al mismo tiempo invitan al baile desenfrenado. La abridora “Singing Winds, Crying Beasts" carece de letras pero es abundante en ritmo gracias a las fugaces apariciones del mexicano con su guitarra y los timbales del nicaragüense José "Chepito" Areas.

Por su parte, la primera sorpresa del trabajo llega con la transformación radical de “Black Magic Woman”, original de Fleetwood Mac. En este nuevo arreglo se le quita la solemnidad y frialdad para arroparla en festividad y cuando parece que la canción ya terminó se enlaza con el torbellino sonoro de “Gypsy Queen", compuesta por el guitarrista húngaro Gábor Szabó.

La fiesta musical continúa con “Oye Cómo Va", otro cover aunque ahora de Tito Puente. De ritmo cadencioso y con un teclado que irradia felicidad, el resultado logró la fusión perfecta entre los ritmos latinos y el rock. Mientras que de manera inmediata abre paso a "Incident at Neshabur", una composición que se adentra en el rock progresivo y es una precursora a lo que décadas después lograría The Mars Volta.

Mientras que donde más luce el mexicano es en la instrumental “Samba Pa Ti" gracias al sentimiento que le imprime a su instrumento. Al igual que los grandes guitarristas de blues, en cada una de las notas que arranca de las seis cuerdas parece que se le va la vida. El requinto que se prolonga por toda la pieza es hoy uno de los más celebrados en la historia de la música.

A pesar del paso de los años el trabajo se mantiene radiante y en plenitud. Si el rock & roll es un híbrido del country y el R&B entonces también puede arroparse de otros géneros para adquirir nuevas formas. La fusión de estilos en apariencia opuestos hoy es natural pero si alguien influyó para conseguirlo fue Carlos Santana.

Asian Dub Foundation — Access Denied

Porque todo discurso musical que exhiba y se manifieste en contra del orden establecido tendrá la virtud de incomodar.

Bajo la premisa de reivindicar una oposición sónica y representar a los sonidos olvidados del sur asiático, la fuerza del jungle-beat, los graves del dub, las guitarras más punzantes y el rap contestatario Asian Dub Foundation (ADF) liberó su nueva referencia de estudio Access Denied.

Material que podrá situarte segundos antes de una detonación de bomba molotov, ya que la banda asentada en el Reino Unido se encargará de escupirte al oído una serie de afilados discursos políticos sembrados en su nuevo repertorio; solidarizándose con diversas causas nacidas de coyunturas que han afectado a distintos sectores de la población que habita UK.

Como lo ha sido la persecución del gobierno británico hacia los inmigrantes del mundo que han llegado a territorio inglés, motivos suficientes para que ADF catalizara la conceptualización de Access Denied; a fin de visibilizar a toda persona que se aventuró al exilio buscando una oportunidad de crear un futuro propio.

Si trasladáramos ese discurso a su música, podemos situar a UK como un epicentro musical europeo con todo el potencial para gestar diversas corrientes estéticas y auditivas que no precisamente cuenten con el respaldo de la industria musical global.

Por ello, orgullosos de su identidad mestiza Steven “Chandrasonic” Savale, Dr. Das, Nathan “Flutebox” Lee, Aktar “Aktavator” Ahmed, Stephen “Ghetto Priest” y Brian Fairbairn abrazaron los sonidos derivados de escenas raveras del drum and bass y jungle-beat a los que añadieron tintes de big beat, rap y trip hop para mixearlos con su predominante sustancia de indo-ragga dub para crear una sola entidad sonora y multicultural.

Confluencia que se puede apreciar durante los 14 temas del disco, mismos que fueron ejecutados de manera precisa, con momentos idóneos para que todos los instrumentos y texturas musicales tengan cabida a figurar de forma equilibrada.

Además, invitaron a músicos, cantantes y activistas provenientes de países con gran tradición de lucha social; como es el caso de la rapera chilena Ana Tijoux, la agrupación árabe de electro-dabke, 47SOUL, el beatboxer, Dub FX, el comediante británico, Stewart Lee y la joven activista sueca, Greta Thunberg.

El arribo de Access Denied coincidió con los 20 años del lanzamiento de Community Music —el álbum más aclamado de Asian Dub Foundation— periodo de tiempo que no ha mermado en la banda, ya que conserva ilesa su actitud rebelde y disonante.

Cualidades que contribuyeron a que ADF entregara una enérgica, rabiosa y contestataria pieza auditiva que no es fácil de digerir; porque todo discurso que exhiba y se manifieste en contra del orden establecido tendrá la virtud de incomodar.

Alex Ferreira presenta “Un Cariñito” con Silvana Estrada

Nostalgia, humor y amor, es lo muestra el cantautor con esta historia del pasado.

Alex Ferreira está de regreso luego de lanzar en los meses anteriores “No Se Rompe” y “Una Fecha En El Calendario”, primer y segundo single pertenecientes a su próximo álbum. Esta vez nos presenta “Un Cariñito”, una canción que le hace cara al juego del amor y que tiene un toque de humor y coquetería en la lírica.

El dominicano escribió “Un Cariñito” durante su etapa de soltería y nos menciona lo siguiente.

Igual que en el documental de Netflix Dancing With The Birds todos hemos sentido la necesidad de impresionar a alguien. ‘Un Cariñito’ se apoya en el humor para reflejar todo el preámbulo teatral del romanticismo, incluso rozando lo absurdo y lo ridículo. Quiero decirle a ella; parecería que todo lo que hice antes de conocerte fue una preparación o un ensayo. De cualquier manera, si no sale como queríamos, un poco de teatro no le hace mal a nadie".

A este single producido por Matías Cella se le une un video en 16 mm dirigido por Julio Llorente, en el que nos cuentan la nostalgia y lejanía en el tiempo que vive una pareja y el sentimiento que este provoca.

“Un Cariñito” cuenta con la participación de Silvana Estrada en las voces y Gustavo Guerrero en los coros. También hace uso de un songo a la batería, sintetizadores coquetos, guitarras africanas y fraseos de merengue, todo esto en conjunto logran un sonido fresco y efervescente que llena por completo al single.

 

Oneohtrix Point Never da a conocer nueva música en un teaser

A través de sus redes sociales, Oneohtrix Point Never ha mostrado un video que sugiere ser el adelanto de nueva música.

Recientemente ha salido un misterioso video en las redes sociales de Oneohtrix Point Never. Este contiene una pista musical nueva así como un título al final llamado "Magic OPN", nombre que usaba Daniel Lopatin al inicio del proyecto hace poco más de 10 años, todo esto con el logo de Warp Records.

Al poner el sonido de este video en el buscador de la aplicación Shazam aparece bajo el título de "Tales From The Strash Stratum", lo que sugiere que este corte sea el adelanto de nueva música por parte del proyecto liderado por Lopatin. Dentro de las especulaciones que han aparecido desde el lanzamiento se comenta que puede ser un avance de nueva música influenciada por la etapa inicial del proyecto hace más de una década, o incluso podría ser algún lanzamiento de material de esa época enlatado.

Oneohtrix point never_magic

El clip muestra distintas imágenes, las cuales comienzan con una animación de problemas televisivos técnicos, hasta pasar por ilustraciones psicodélicas sobre una pista instrumental que dura cerca de 40 segundos. Te invitamos a conocer este teaser de Oneohtrix Point Never a continuación.

 

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Este sería el primer lanzamiento para Oneohtrix Point Never tras dos años del lanzamiento de Age Of, el más reciente disco de Lopatin, que se mantuvo ocupado el año pasado con la realización del soundtrack para Uncut Gems, así como en los trabajos de producción de los discos de The Weeknd y Moses Sumney.

Rolling Stone actualiza su lista de los 500 mejores discos

Luego de ocho años, la revista Rolling Stone actualizó su lista de los mejores discos de toda la historia, esta ocasión se han abierto paso artistas latinos, femeninos y afrodescendientes.

Recientemente ha sido publicada una actualización de la famosa lista de Los 500 mejores discos de toda la historia realizada por la revista Rolling Stone. Esta publicación fue originalmente hecha en 2003 y tuvo una actualización en 2012, para esta ocasión, la revista ha invitado a más de 300 expertos, críticos y artistas para hacer una selección donde se han incorporado 240 nuevos discos, 86 son de este siglo.

Entre el panel de expertos que votaron seleccionando 50 de sus discos favoritos aparece Billie Eilish, Brittany Howard, Beyoncé, Adam Horovitz de Beastie Boys, Morrissey, Craig Kallman de Atlantic Records entre otros. El resultado fue el cambio del número uno, el cual paso a ser de What's Going On de Marvin Gaye, supliendo a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles.

Esta nueva publicación contiene alternativas diversas entre géneros. Ya no es tan predominante el rock hecho por gente blanca y los títulos icónicos del siglo pasado. Esto es visible gracias a la aparición de más álbumes de rap, ya que en el top 20 ha entrado To Pimp a Butterfly de Kendrick Lamar y My Beautiful Dark Fantasy de Kanye West.

Rolling stone_500 mejores discos

Dentro del nuevo top 50 aparecen también siete discos de artistas femeninos, cuando en el listado de 2003 era casi nula la aparición de discos hechos por mujeres.

Algunas otras novedades fue la aparición de materiales como Barrio Fino de Daddy Yankee en el puesto 473, así como El Mal Querer de Rosalía en el lugar 315, X 100pre de Bad Bunny en el 447, Clandestino de Manu Chao en 469, ¿Dónde Están Los Ladrones? de Shakira en el 496 y Amor Prohibido de Selena en el 479, abriendo paso a artistas hispanos.

La agrupación que tuvo un descenso importante respecto a la lista inicial fue The Beatles, pasando de tener 4 títulos en el top 10 a solo tener uno, que es Abbey Road. Te invitamos a conocer la nueva lista dando clic aquí. También puedes conocer la lista de 2003 aquí y hacer tus comparaciones.

“Leave Me Alone”, el sencillo doble de Boy Pablo

A un mes del lanzamiento lo que será su álbum debut, Wachito Rico, Boy Pablo presenta el cuarto avance.

Recientemente ha salido a la luz el nuevo sencillo doble de Boy Pablo, "Leave Me Alone". Este avance llega después de sus anteriores registros "Hey Girl", "Honey" y "Rest Up", todos lanzados a lo largo de este año como parte de la promoción de su álbum debut que llevará por nombre Wachito Rico y saldrá a la luz este 23 de octubre vía 777music. Y además presenta un b side llamado "Be With Me".

"Leave Me Alone" narra el momento en que las parejas difieren, cuando una persona quiere estar tranquila y la otra quiere seguir a ritmos intensos. Esta trama es conflictiva, aunque es sencillo identificarse con una historia común, la cual genera discusiones, aunque también empatía.

Tiene un sonido lleno de colores gracias a las texturas de bajo y las voces celestiales de Nicolas Pablo. Todo sobre un ritmo bailable y guitarras suaves. Es una canción melancólica que al mismo tiempo te invita a recordar los momentos alegres con amigos y esa persona especial. Te invitamos a darle play a continuación.

Por su parte, "Be With Me" muestra un panorama más complicado, es un momento de tomar decisiones difíciles ante una relación que se desmorona poco a poco. Con un sonido más lineal, este tema no formará parte de la producción, pero puedes disfrutarla a continuación y puedes comprar en vinilo este doble sencillo dando clic aquí.

El primer disco de larga duración de Boy Pablo estará disponible el próximo 23 de octubre. Te invitamos a pre-ordenar el tuyo dando clic en su portada.

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The Nix lanza video de su nuevo sencillo “The Drop”

El single que es un ft. con Khloe Anna, trae consigo un video que te hará alucinar.

El último sencillo de Nick McCarthy (ex integrante de Franz Ferdinand) y Seb Kellig, que conforman a The Nix, es  “The Drop”; un single perteneciente a su próximo álbum debut Sausage Studio Sessions que estará disponible a partir del 30 de octubre.

“The Drop” cuenta con la participación de la cantante Khloe Anna, quien le da un toque distinto a lo que el dúo había estado mostrando con singles anteriores.

'The Drop' es una de mis canciones favoritas del álbum. Una colaboración con Khloe Anna, que en mi opinión es una de las cantantes más geniales que ha salido de Londres en este momento. Grabado y mezclado en Sausage Studios con Seb Kellig, con la gran ayuda de Phil Vinyl. Tiene un flujo mágico", menciona Nick McCarthy.

A este peculiar single lo acompaña un video animado que estuvo a cargo del director Alex Futtersack y Haoyan of America. En él se puede observar un viaje total en el que Seb Kelling y Nick McCarthy viajan a un mundo digital surrealista y psicodélico; para lograr esto, ambos tuvieron que enviar su cuerpo completamente escaneado a la Ciudad de Nueva York para evitar tener contacto con otras personas y contagiarse de COVID.

The Nix_2020

El video que es una completa locura y que hace que te sientas parte de él, puedes verlo aquí, solo da play.

 

Jack, rock arriesgado para seguir los sueños

El trío mexicano Jack presenta su EP Debut, y con él una serie de mezclas emocionantes y canciones vertiginosas.

Desde chicos nos dicen la misma frase, "Sigue tus sueños", y aunque sea algo sencillo de escuchar se requiere de mucho valor y determinación para poder hacerlo. Dentro de este contexto podemos ubicar a Jack, la agrupación mexicana que dejó la vida de oficina y comprueba que ese salto de fe da frutos con la llegada de su primera producción que lleva por nombre Debut.

La agrupación mezcla en un EP de cinco canciones estructuras clásicas del rock con elementos que conviven con la música electrónica e incluso con el synth pop. Johan Hernández, Ben Romero y Koy ofrecen en sus canciones ritmos veloces, así como bajos potentes y riffs de guitarra llenos de color para encontrar una alternativa llena de energía y baile.

Jack_

En la producción de este material se unió Abulón, y es de hecho notoria la influencia del legendario artista gracias a la vibra que te genera Jack, con sonidos nocturnos y letras emblemáticas. Las historias que narra este trío son el reflejo de la vida ajetreada de la ciudad, así como las dudas y la constante persecución del amor, la cual nos agobia y nos nutre el espíritu al mismo tiempo, esto es posible de asimilar en canciones como "Prisionero" o "Jamás".

Te invitamos a conocer su propuesta y a identificarte con alguna de sus historias a continuación.

No te pierdas novedades sobre Jack, síguelos en sus redes sociales y conoce sus novedades en Indie Rocks!

Nine Inch Nails lanza merch de la pandemia

El merchandising pandémico de Nine Inch Nails es inteligente y sombrío.

Abordar temas sombríos no es nada nuevo para Nine Inch Nails, pero ni siquiera Trent Reznor ha visto antes algo como la pandemia de COVID-19. Por esta razón, algunos de los trabajos anteriores de la banda han inspirado una nueva línea de mercancía y que lleva por nombre Pandemic 2020.

Por tiempo limitado, la agrupación estadounidense está vendiendo cinco camisetas nuevas para los “tiempos modernos” a través de su tienda oficial en línea. Las playeras muestran los títulos de las canciones y las letras de la carrera de la banda, donde abordan el extraño mundo en el que vivimos actualmente.

Uno de los diseños contiene la letra de "Shit Mirror" de su álbum del 2018 Bad Witch, donde se puede leer lo siguiente: "New world/ New times/ Mutation feels alright". Y en otro modelo contiene la letra de "Everyday Is Exactly the Same" que se desprende de su álbum With Teeth del 2005.

Asimismo, dos de las camisetas muestran mapas de EE.UU., una contiene la línea de “Used to stand for something”, un extracto del tema "Capital G", y la otra incorpora la obra de arte y el título del EP Broken de 1992. Y por último, una de las playeras presenta una línea positiva con el título de la canción "We’re in This Together".

La mercancía Pandemic 2020 de Nine Inch Nails se puede ver y pre-ordenar en su página oficial para su envío a partir del 26 de octubre. Además se puede reservar por $25 USD/ $542 MXN. Checa los modelos aquí abajo:

Pandemic_Collection- NIN