Promise And The Monster — Chewing Gum

Un oscuro cuento de hadas narrado por una bruja blanca.

¿Te has preguntado cuál sería la banda sonora de aquellas historias de brujas, duendes y fantasmas que no te dejaban dormir en las noches? Billie Lindahl, la artista detrás de Promise And The Monster, en compañía del compositor Love Martinsen, te harán sentir en el interior de estas historias con Chewing Gum, su nuevo álbum de estudio ¿Estás listo?

Descrito por Lindahl como "una colección de canciones de ensueño, oscuras y románticas, con pequeñas historias del infierno”, Chewing Gum es un oscuro cuento de hadas narrado por la angelical voz de Lindahl, quien, cual bruja blanca, lanza un hechizo que nos sumerge en un viaje por paisajes sonoros y atmósferas místicas que van desde un suave synth pop hasta frecuencias folk.

Nuestro recorrido por este mundo fantástico comienza con el sonido synth pop de "Beating Heart", un tema que cuenta la historia de dos hermanas muy diferentes que miran de vuelta a su niñez desde una nueva perspectiva otorgada por el paso del tiempo. Esta idea también la podemos ver representada en el video de la canción por una sombría animación stop motion que corrió a cargo de Icons Creating Evil Art.

Avanzamos en nuestro viaje y la voz de Lindahl se posa en la melodía de "Diamonds On Concrete", un tema que a pesar de tratar sobre un amor no correspondido, evoca una atmósfera de ensueño, con un cielo brillante de colores rosados, como si de la visión de un enamorado se tratara. En esta canción el dúo logra rescatar con éxito una de las frases más emblemáticas de la historia de la música: “take my hand, take my whole life too”, nos canta Lindahl, emulando al rey del rock and roll.

La siguiente parada, “Vykort från förr”, es un interludio de 38 segundos que parece ser la introducción a una fábula fantástica que en lugar de concluir con un final feliz, abre paso a la parte más oscura del álbum, inaugurada por “One Summer” y "Chewing Gum", temas en los que destaca la participación de violines y tambores, transportándonos a una atmósfera tensa que parece advertirnos de un peligro inminente o prepararnos para alguna batalla, sin perder el toque mágico del álbum.

Finalmente "Closed My Eyes", la canción con la que cierra el disco, consolida la vibra oscura de este nuevo material, pues se trata de un tema inspirado en la muerte, en especial en aquellas que sucedieron bajo circunstancias misteriosas. En "Closed My Eyes" Lindahl resalta su vena esotérica invocando, al ritmo de una pista darkwave, a los fantasmas de Marilyn Monroe, la famosa actriz de los años 50, Kimberly Leach y Brenda Bell, quienes fueron dos de las víctimas fatales del asesino en serie Ted Bundy. Sobre este tema, Lindahl compartió:

La canción fue bastante fácil de grabar en comparación con las otras canciones; fue un momento paranoico, por así decirlo. Ya sabes, cuando Black Sabbath grabó su álbum Paranoid, solo necesitaban una canción adicional y se les ocurrió ese riff, y bam: historia. Funcionó de la misma manera con esta canción ".

Tras Feed The Fire del 2016, Promise And The Monster logra un regreso extraordinario con Chewing Gum, un álbum lleno de melancolía, soledad y tintes góticos al puro estilo del Frankenstein de Mary Shelley o Cumbres Borrascosas de  Emily Brontë, y que fácilmente podría funcionar como el soundtrack de una película.

No es un disco para todo el mundo, sin embargo vale la pena escucharlo de principio a fin al menos una vez en la vida para disfrutar de la experiencia cinemática que el dúo nos ofrece en su nuevo material.

A 15 años del 'It's Never Been Like That' de Phoenix

Perfiles de amor y anhelos por un emocionante porvenir.

La primera década del siglo 21 presenció un auge de proyectos musicales que se proclamaban “indies”, o en su traducción al español, “independientes”. Varias bandas de ese entonces no tenían las intenciones de buscar la atención de grandes discográficas y además, su estilo no pintaba para ser el “éxito comercial” del momento. Si bien el espíritu no era nuevo ya que el mismo punk  podría considerarse bajo dicha premisa su impacto se acentúo con la incidencia del Internet: una nueva vía de expresión y distribución que mutó (y lo sigue haciendo) rápidamente. 

La concepción del término “indie” llamó la atención en ámbitos como la moda, el cine y en general, un estilo de vida. La música no fue la excepción. En el caso del indie rock cuyas influencias provienen del rock alternativo de principios de los años 90 y en el que predominan las guitarras eléctricas tomó mayor popularidad entre las escenas de Estados Unidos y Reino Unido. De hecho, a finales del 2009 el incipiente género fue descrito como “música agradable, accesible y estéticamente interesante” por medios como Pitchfork, mientras que otros sitios le dedicaban artículos completos a una década conocida por los "jeans entubados y los flequillos largos e inclinados".

Entre las bandas representativas del indie se encuentran Yeah Yeah Yeahs, Belle & Sebastian, Franz Ferdinand, Bloc Party y, por supuesto, The Strokes. Sin embargo, en Francia la situación era diferente. Su radar musical estaba atento a proyectos como Daft Punk, Air o Motorbass. El país era conocido por sus sonidos electrónicos, el synthpop y la música dance, así como por el uso de sintetizadores digitales, samplers, cajas de ritmos y programas de computadora.

En aquella movida french disco nació Phoenix. Durante sus primeros años, la agrupación originaria de los suburbios de Versalles se presentaba junto al dúo Air y eran constantemente comparados con The Strokes, pero “más suaves y menos borrachos”.

Su contribución al género dance se mantuvo durante sus dos primeros discos, mientras que la “esencia indie neoyorquina” se vio reflejada hasta su tercer material de estudio: It 's Never Been Like That. Un disco en el que Thomas Mars, Deck d'Arcy, Laurent Brancowitz y Christian Mazzalai le decía: “Hasta pronto y muchas gracias” a sus trabajos previos para abrirse paso a una nueva personalidad que explotaría al máximo en Wolfgang Amadeus (2009). 

Sus sencillos más populares (hasta ese momento): “Too Young” y “If I Ever Feel Better”, se caracterizan por tener elementos de música disco de los 70 con tintes de house, y si bien el aura rockera ya predominaba en canciones como “Party Time” o “Funky Squaredance”, United (2000) en su totalidad resultó ser un popurrí de aquellos grupos elegantes y sofisticados que inspiraban a Phoenix más que un disco con un concepto consistente. 

Por su parte, Alphabetical (2004) fue un punto intermedio más sombrío e interesante entre la desenfrenada pista de baile y sus tranquilizadoras pistas instrumentales, y sin embargo, la banda no recibió una buena crítica. Fue hasta el lanzamiento de It 's Never Been Like That, cuyas reseñas de diversos medios especializados estaban llenas de expectativas y no dejaban de mencionar el potencial que veían en la banda.  

De tal forma que, si United resultó ser un debut atrevido y Alphabetical una continuación más experimental, It 's Never Been Like That fueron los primeros pasos hacia la transformación, el estimulante aviso de una etapa exitosa en la carrera de Phoenix

Phoenix_2006_

Amor, juventud, ambiciones, rock...

En su tercer disco, Phoenix dejó el registro sonoro del más puro estilo indie rock del momento. El álbum salió el 15 de mayo de 2006 a través del sello Astralwerks e incluye 10 canciones. Las dos primeras, “Napoleon Says” y “Rally”, destacan por sus versos sencillos de amor en los que predomina la sensualidad, intimidad e inocencia de una relación juvenil. 

En el caso de “Consolation Prizes” y “Long Distance Call”, la energía transita por el espíritu coming of age de los largos caminos por recorrer y las esperanzas de la banda por seguir componiendo música. Los temas son los más ambiciosos del disco pues representan, precisamente, el optimismo (aunque sin dejar de dar espacio a la incertidumbre) de Phoenix en ese punto de su carrera. 

Por su parte, “Sometimes in the fall” es el compromiso de ser fiel a uno mismo. La firme intención de seguir luchando por lo que se ama. Renovación otoñal para darle espacio a lo venidero. En tanto, “Second to None” es el reflejo de cómo los cambios inevitables, que en ocasiones creemos ocurren desde la individualidad, también conmueven a quien te acompaña e intenta entender la metamorfosis experimentada. 

It's Never Been Like That en general también es el cúmulo de etapas más cliché de una relación amorosa: las peleas sin sentido, las infidelidades plasmadas en “One Time Too Many”, los reclamos fastidiosos y la muy necesaria reconciliación musicalizada por la hermosa pista instrumental “North”.  

En mi opinión, el álbum es principalmente ambición, esperanza y amor por hacer y disfrutar de lo que a uno le gusta aunque la realidad parezca decir constantemente: “No. Eso no es lo adecuado”. También es la búsqueda del tierno abrazo de aquella persona que a la distancia (o no) te anima a seguir tus sueños. Un insuperable romance de tiempo que no es nostálgico, sino refrescante, vibrante. Un ameno recuerdo. Ahora, luego de 15 años de su publicación, puede leerse como un necesario adiós al pasado con miras a un futuro prometedor.

El álbum fue grabado de agosto a noviembre de 2005 en los estudios Planet Roc, los cuales eran un complejo de radio estatal abandonado en Berlín; algunos arreglos se llevaron a cabo en Acousti Studios y Our Basement, ubicados en París. Además, el álbum fue relanzado más tarde como una edición de gira con cuatro pistas extra grabadas en vivo en Oslo el 20 de abril de 2006. 

Tres años después de su lanzamiento, a Phoenix le fue espectacular. La agrupación ganó un premio Grammy por Wolfgang Amadeus y hasta ahora, es considerado el mejor de su discografía. Su predecesor fue un parteaguas, un oráculo que sabía cuál era el destino dado.

Si te animas a reproducirlo para celebrar su existencia, solo me queda recomendarte que lo disfrutes con una sonrisa en el rostro porque la época que lo acogió nunca volverá a ser así. 

¡Feliz cumpleaños, Dave Gahan!

El increíble cantante inglés cumple 59 años y así lo celebramos.

¿Es tal vez Dave Gahan el sex symbol varonil más grande dentro de la música? No lo sabemos pero él se considera así mismo como tal: sólo basta con observar su carisma y mood personal que adquiere tan pronto la música empieza sonar. ¿Es Depeche Mode lo que hace a Dave Gahan único o es Dave Gahan lo que hace único a Depeche Mode?

Para estar a un paso de diferencia de llegar al sexto piso, vemos a Gahan como el mismo adolescente problema alrededor de los 80 's cuando Vince Clarke le escuchó cantar el particular single de David Bowie Heroes” mientras ensayaban. A pesar de la novedad electrónica e inteligencia musical-artificial entre los miembros de Depeche Mode -quien a su cabeza siempre ha destacado Martin Gore-: Gahan ha sido la esencia del estrellato de esta agrupación y su amplio conocimiento mundial.

Casi seis décadas y unos más de 40 años siendo el frontman del trío inglés de música británica donde también ha tenido sus encuentros musicales como solista, Depeche Mode en la actualidad es Depeche Mode gracias a él: partamos de ese hecho. Los excesos, el encuentro con la muerte, la devoción, las drogas, la fé, las religiones, los temas híbridos, las exhibiciones, los escándalos: todo constituye una materialidad innegable del grupo.

Dave Gahan en coalición con Martin Gore y Andy Fletcher no sólo nos ha regalado los mejores clásicos que se han visto cantar en todas los países y nacionales -no duden dos veces que hasta sus padres reconocen un par de canciones de la agrupación-, sino que también han sido el imperativo esencial que sigue extendiendo un legado: Ladytron, The Killers, Hurts… bandas que no existirían sin Depeche Mode.

Fue indispensable tomar los sonidos alemanes de Kraftwerk y del fallecido camaleón inglés David Bowie para crear una distinta onda del synth pop como new wave que pudiese poner a bailar hasta las almas: un fenómeno que la más importantes cadenas televisivas de la época -como MTV- lo calificarían como Second British Invasion o más alta productividad de música en Inglaterra.

Y aunque los tiempos cambian, las tecnologías no son las mismas, las economías mejoran (¿o empeoran?), sabemos que Depeche Mode está ahora muy lejos de escucharse como lo oscuro y denso que sonaban en Some Great Reward, Black Celebration e incluso, Music for the Masses. Sin embargo, tenemos presente que esa chispa mágica que le ha acompañado a la genialidad de este trío sigue escuchándose de la misma manera en todas las latitudes como épocas y ese es Dave Gahan.

A veces resulta imposible separar al artista de su obra y Gahan nos remite esa indivisibilidad. Como renacido del inframundo: Dave viajó en el tiempo para volver a ser la influencia de miles de músicos, bandas y compositores que existen en la actualidad. Sólo tenemos palabras de agradecimiento porque ese viaje sólo hubiese sido por un par de horas y no por la eternidad.

 

 

 

Mira 'Queen The Greatest', la serie sobre la historia de Queen

Celebra los 50 años de existencia de Queen a través de material inédito.

El pasado 19 de marzo se estrenó la serie Queen The Greatest en YouTube. El proyecto documental fue creado por Simon Lupton y consiste en un total de 50 episodios, en los cuales se narrará en orden cronológico la historia de Queen. La serie pretende contar la evolución de la banda desde sus inicios hasta la colaboración más reciente con Adam Lambert.

Mira el tráiler de Queen The Greatest, a continuación.

Hasta el momento, están disponibles ocho capítulos y el más reciente se titula "A Night At The Odeon", el cual rememora el primer concierto que Queen ofreció ante una audiencia de radio y televisión de millones de personas.

Por mucho tiempo se creyó que las grabaciones de aquella noche "inolvidable" se habían perdido, sin embargo, fueron recuperadas en 2009 por los ingenieros de sonido de Queen, Justin Shirley-Smith, Kris Fredriksson y Joshua Macrae. Además, en 2015 el espectáculo fue remasterizado y restaurado para una proyección especial.

Sobre la experiencia, Roger Taylor comenta en un comunicado: “Fue bastante difícil. Estás empezando a relajarte y luego, tienes que volver y hacer este espectáculo tan importante. Fue un gran problema el hecho de que saldría en vivo en Nochebuena ... Recuerdo que pensé 'ah, habremos perdido nuestro impulso y ese tipo de cosas increíbles que has desarrollado en una gira', y yo sí recuerdo estar bastante preocupado por eso".

Sabes que hemos llevado nuestro show a todo el mundo, pero nunca llegamos a tanta gente a la vez, y esto se sintió realmente bien. Muchas gracias por darnos un buen año, nos gustaría dejarlos en el regazo de los dioses", expresó Brian May

Te dejamos con el episodio "A Night At The Odeon" y recuerda que puedes añadir el recordatorio en YouTube para el estreno de los próximos capítulos.

Palmera Beach estrena el sencillo “Historias”

Destellos de amor y colores dream pop.

Palmera Beach está de estreno con su sencillo "Historias". Esta vez, el dúo integrado por los hermanos Christhian y Yorchi Córdoba vuelve en el tiempo para sumergirse en el estilo meloso y romántico de principios de los años 70. La canción reflexiona sobre las sensaciones de desesperación que produce la indiferencia de aquella persona especial y expresa la añoranza por el amor perdido.

"Historias" sale a través del sello Discos Panoram y ya está disponible en todas las plataformas de servicios streaming. Cabe señalar que fue producida por Pipe Ceballos, quien ha trabajado con los proyectos de Silver Rose, León LarreguiSalvador y el Unicornio, División Minúscula y Tessa Ia.

El sencillo ya cuenta con un videoclip oficial realizado por la casa productora Frilans, en el que observamos a un grupo de bailarinas acompañar en la pista a una pareja que recién se está enamorando.

Dale play, aquí.

Con su sencillo debut "Tonta Melodía", Palmera Beach incursionó en la escena local de la Ciudad de México. Su propuesta gira entorno a géneros como el dream pop, el soft rock y un poco de surf. Te recomendamos escuchar sus anteriores pistas: "Helena", "Vitamina" y "Estrellas". Mientras tanto, sigue al proyecto en redes sociales.

Facebook // Twitter // Instagram

Palmera_Beach_2021

Así suena “Invisible”, el nuevo sencillo de Deco Pilot

El dueto mexicano radicado en Barcelona sabe que “queremos volver a la normalidad”.

Deco Pilot, el grupo de synth pop liderado por los mexicanos José y Juan López Portillo, acaba de estrenar un nuevo tema llamado “Invisible”, que pondrá a bailar a todos sus seguidores. Con éste, da continuidad a los sencillos que ha estrenado desde 2019, fecha en que apareció su último álbum, Fishing in Mirrors (2019).

En “Invisible”, los bajos sintéticos y las cajas de ritmo explotan con un reconocible estilo nu-disco. La letra oscila entre una historia de amor desesperada y una expresión de la angustia por la cuarentena. Así lo dicta la línea: “Sé que la distancia de estas cuatro paredes es lo que nos causa dolor. Nos sentimos atrapados, no tenemos cabeza; buscamos esa puesta de sol”. Escúchala a continuación.

“Invisible” sigue a los estrenos de “Mirada de Láser” y “Dime que todo va a estar bien”, anteriores sencillos del dueto. Con éstos solidifican una discografía llena de baile y buena vibra que se suma a la escena synth pop de Latinoamérica. Si bien José y Juan López Portillo iniciaron Deco Pilot en Liverpool y radican en España, mantienen una conexión especial con la escena mexicana de la que son originarios.

Anímate a conocer la propuesta de Deco Pilot y síguelo en Facebook e Instagram, Spotify y Bandcamp.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por D E C O P I L O T (@decopilot)

Foto principal recuperada de Mondo Sonoro.

Dayglow revela “Balcony” y anuncia fecha para su nuevo disco

Ya sea para bailar, para estar o simplemente existir: El norteamericano invita a disfrutar este tema y oír su próximo disco para este mes.

El músico y compositor de 21 años inunda los oídos con su cuarto single “Balcony”, otro adelanto de su esperado (y segundo) álbum de estudio, que llevará por título Harmony House, y estará disponible a partir de este 21 de mayo vía Very Nice Recordings/AWAL

Sloan Struble, mejor conocido como Dayglow, reafirma con este tema la corriente alternativa que acompaña el indie pop, desde su primer lanzamiento en enero 2021, para este próximo larga duración.

Ha pasado por toneladas de fases y revisiones antes de aterrizar en esta versión final. Quería hacer una canción que se sintiera como The Cure, o la banda sonora de Mario Kart, reunidas. No estoy seguro de por qué, simplemente se siente bien ... ”.

“...Espero que la disfrutes y la pongas en una fiesta, en casa, o algo, porque eso es definitivamente para lo que es/ y de lo que se trata ", finalizó el cantante. 

Hasta el momento el oriundo de Aledo, Texas, ha liberado los sencillos “Something”, “Woah Man” y “Close To You”, mismos que abrieron paso a su nueva producción y prosiguen de Fuzzybrain, LP debut publicado en 2018. En palabras de Struble, este será un disco que habla sobre “lidiar con el cambio y darte cuenta que está bien, que todo cambia y no tiene que ser abrumador”. 

Ya puedes pre guardar Harmony House en tu plataforma digital favorita, o pre ordenarlo en su versión de vinilo a través de este enlace

Tracklist de Harmony House

  1. "Something"
  2. "Medicine"
  3. "Balcony"
  4. "December"
  5. "Close To You"
  6. "Crying on The Dancefloor"
  7. "Into Blue"
  8. "Moving Out"
  9. "Woah Man"
  10. "Strangers"
  11. "Like Ivy"

La familia de Chris Cornell resuelve su demanda con su ex médico

Después de dos años todo llegó a un buen acuerdo.

A días del cuarto aniversario luctuoso de Chris Cornell, la familia del cantante declaró en exclusiva para la revista Rolling Stone, que finalmente habían llegado a un común acuerdo con su ex médico, Robert Koblin. Fue a finales del 2018 cuando Vicky Cornell y sus hijos presentaron la demanda al médico en la cual se reclamaba la receta de más de 940 dosis de Lorazepam, durante dos años y la negligencia y mala conducta durante el suicidio del cantante.

En esta demanda la familia mencionaba su falta profesionalismo al no advertir al ex miembro de Audioslave los efectos secundarios del medicamento. Por su parte, la esposa del cantante alegaba que el abuso del Lorazepam lo llevaron al suicidio, mientras que una autopsia realizada declaró que había siete sustancias diferentes en su sistema y que eso no fue la causa de su muerte.

Después de dos años, la abogada Melissa Lerner, dio a conocer que la demanda había sido resuelta; llegando en un común y confidencial acuerdo.

Después de años de litigios y negociaciones de conciliación, los demandantes y demandados Robert Koblin, MD, Robert Koblin, MD, Inc. y Robertson Cardiovascular Center, LLC (colectivamente, 'demandados') han llegado a un acuerdo de conciliación confidencial para resolver todas las reclamaciones formuladas por cada demandante ”, explicó Lerner en los documentos legales.

Aunque se desconocen los términos a los que llegaron ambas partes, todo indica que el acuerdo se logró gracias a las presión que sintieron los Cornell y Koblin ante las amenazas del público.

Durante los últimos años, los trolls y otras personas inestables han acosado a los demandantes, incluso amenazando la vida y seguridad de ellos. Tan recientemente como en las últimas semanas, los demandantes han recibido amenazas de muerte en línea. Además, la mayor atención a este caso ha llevado a otras invasiones de la privacidad de los demandantes", agregó la abogada.

¿Cuál es tu opinión al respecto? Cuéntanos en Indie Rocks!

No Joy estrena cover a “Teenager” de Deftones y anuncia EP

¿Qué significa ser adolescente en la era de TikTok y la pandemia?

No Joy, grupo de shoegaze liderado por Jasamine White-Gluz, estrenó un cover a “Teenager” de Deftones, canción que debutó en el reconocido álbum White Pony (2000). Este nuevo corte formará parte del EP Can My Daughter See Me From Heaven que verá la luz el próximo 19 de mayo a través de Joyful Noise Recordings.

“Teenager” es una de las canciones más apacibles de Deftones. Aun así, No Joy logra darle un toque celestial a su propia versión, con un montón de guitarras que se mezclan en capas discretas. Dale play aquí.

Nunca he ocultado mi amor por Deftones. White Pony es uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos, y ‘Teenager’ fue la prueba para mí de que eran una banda mucho más grande para los límites del nu metal”, explica Jasamine en press release recuperado de BrooklynVegan.

El video fue dirigido por Kevin Petty, un adolescente de 15 años quien documentó su vida en la escuela y en las calles de Canadá durante la pandemia.

Grabé estos videos porque quería algo para recordar cuando creciera. (…) Será muy divertido ver estos videos con mis viejos amigos y compañeros de clase, cuando seamos mayores”, explica Kevin en el mismo comunicado.

El nuevo EP de No Joy incluirá versiones orquestales de algunos cortes de Motherhood (2020), su último álbum. En este enlace, puedes apartarlo en cassette y formato digital.

NoJoy_CanMyDaughterSeeMeFromHeaven_2021

01. "Kidder - From Heaven"
02. "Fish - From Heaven"
03. "Four - From Heaven"
04. "Teenager - From Heaven"
05. "Dream Rats - From Heaven"

Los Campesinos! comparte el disco 'Whole Damn Body'

De vuelta al 2011 con lo nuevo de Los Campesinos!

Los Campesinos!, la agrupación autoproclamada como "la única banda emo de Reino Unido", se suma a la edición de mayo de Bandcamp Friday, compartiendo Whole Damn Body, un álbum que nos transporta de vuelta a la escena indie de finales de los años 2000.

Whole Damn Body está conformado por 7 temas remasterizados e independientes de la era del Hello Sadness, material lanzado en el 2011 por Los Campesinos! y que aún entonces fue considerado como uno de los últimos vestigios de la época dorada del indie rock, en dónde las propuestas de música alternativa comenzaron a ganar reconocimiento mundial y ser una bandera para los adolescentes "cool" y rebeldes de la primera década de los 2000. 

Esta pequeña colección de canciones marca el primer lanzamiento de la banda desde su álbum de 2017 Sick Scenes. Aquí te dejamos el tracklist.

Los Campesinos!_2021

Whole Damn Body Tracklist:

  1. "Allez Les Blues"
  2. "Dumb Luck"
  3. "She Crows (Documented Minor Emotional Breakdown #4)"
  4. "Tiptoe Through The True Bits
  5. "Four Seasons"
  6. "To The Boneyard"
  7. "Light Leaves, Dark Sees pt. I"

Whole Damn Body se encuentra disponible a partir de hoy (07 de mayo) en Band Camp, recuerda que parte de las ganancias serán destinadas a apoyar a los artistas que luchan con la pandemia del Coronavirus.