[FICHA] Tony Delfino Show

Posted on octubre 20, 2021 by -

Música y buen estilo ¿Qué más quieres?

Aunque lo que importa es lo de adentro, verse bien por fuera siempre ayuda y Tony Delfino lo entiende a la perfección. Desde hace más de 10 años, este colectivo se ha encargado de hacer que el streetwear no solo sea una moda, sino un estilo de vida que surge a raíz del hip hop, skate e incluso surf de décadas pasadas.

Alguien que ya conoces que también adopta esta moda y la hace completamente suya es Vans, quien desde hace algunos meses nos ha volado la cabeza con Channel 66, el canal en el que de lunes a viernes comparte desde tempranito y completamente gratis y en vivo un montón de programas que van ligados al streetwear.

VANS_CH66_TONY_2021

En esta ocasión Vans Channel 66 presenta Tony Delfino Show. En punto de las 16:00 H de este 20 de octubre te vas a poder dar un tripsote con todo lo que el colectivo tiene preparado para ti. No es la primera vez que se presenta en en el canal, así que seguramente has topado las maravillas que presenta. Esta vez no será la excepción.

Si quieres conocer más sobre Tony Delfino, checa la entrevista que tuvimos en Indie Rocks!

Da clic aquí para ver el show

Escucha “Newtopia”, la nueva canción de jennylee de Warpaint

Posted on octubre 20, 2021 by -

En el regreso a su proyecto de solista, jennylee muestra una faceta más madura y autoreflexiva.

"Se trata de que yo sea mi propia mejor amiga" esto fue lo que dijo jennylee acerca de "Newtopia", su primera canción en solitario desde el 2015, claro, exceptuando el par de covers que lanzó el año pasado, "I'm So Tired" y "Some Things Last A Long Time".

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de jennylibrary (@jennylibrary)

La artista continúa diciendo que esta canción "se trata de aceptar lo duro que puedo ser conmigo misma. Es acerca de encontrar los múltiples lados de ti, los lados más claros y los más oscuros, lo que nos empuja hacia adelante". Esta idea conceptualiza muy bien la letra de la canción, la cual está acompañada de una batería discreta y un bajo igual de tímido. Ambos pasan a segundo plano para dejar al frente las notas en la guitarra eléctrica, los acordes en la acústica y la voz de jennylee.

La cantante también anunció que este es el primer sencillo de una serie de canciones en formato de vinilo de siete pulgadas limitados a 1000 piezas por tema. Esta serie será titulada como Singles Club y saldrá esporádicamente cada que un nuevo sencillo sea lanzado. El vinilo de "Newtopia" estará disponible antes de que termine el año. Aún se desconoce si al final el Singles Club saldrá en un álbum de larga duración o se quedará en ese formato de sencillos.

Snoop Dogg anuncia 'The Algorithm' y comparte canción

Posted on octubre 20, 2021 by -

Además, compartió "Big Subwoofer" al lado de Ice Cube, E-40 y Too Short.

Mejor forma de festejar su cumpleaños no pudo elegir Snoop Dogg, pues el día de hoy presentó The Algorithm, su primer trabajo como ejecutivo en Def Jam Recordings; se trata de un proyecto que reúne a leyendas del rap del pasado, presente y del futuro.

Para este primer lanzamiento, Snoop recurrió a sus viejos amigos, Ice Cube, E-40 y Too Short, las leyendas más representativas del rap de la costa oeste, con quienes formó el supergrupo Mount Westmore, que ya publicó su primer sencillo titulado, “Big Subwoofer”.

Con este nuevo proyecto Snoop pretende darle un giro radical al algoritmo musical de hoy en día, pues con los estilos y el talento que compone el disco, esto será una revolución musical.

Tantos estilos de música que rompe el algoritmo. En este momento, el algoritmo nos está diciendo que tienes que rapear de esta manera, tienes que sonar de esta manera, pero no te están diciendo cómo se supone que debe sentirse. Mi algoritmo te va a dar una sensación, no un sonido", compartió Snoop del proyecto.

“Big Subwoofer” es una pieza musical explosiva cargada de mucho rap, en dónde cada artista le dio ese toque único, haciéndonos tener un throwback a la época de los 80.

Dale play a continuación:

Snoop se unió a Def Jam Recordings en el mes de junio, esta una división de Universal Music Group, en esta división, Snoop asumió un nuevo rol en dónde podrá trabajar y expresar toda su creatividad, como se muestra en el video, donde caracterizó a Def Jam como el “santo grial del hip-hop.

Mientras esperamos más noticias de The Algorithm, aquí te dejamos el arte oficial de este nuevo proyecto.

Snoop Dogg-The Algorithm_2021

Animal Collective anuncia disco y comparte “Prester John”

Posted on octubre 20, 2021 by -

Este nuevo tema vendrá en el nuevo disco de la banda Time Skiffs, próximo a salir el 4 de febrero del 2022.

Con más de 20 años de carrera, Animal Collective sigue reinventándose con cada lanzamiento. Encasillarlos en un estilo es muy difícil, disco con disco muestran variantes en sus creaciones, su sonido no es el mismo hoy que cuando debutaron en el 2000 con Spirit They're Gone, Spirit They're Vanished (Domino Records, 2000). Esta reinvención se nota en el nuevo sencillo que estrenaron hoy, "Prester John".

En esta canción las percusiones y los sintetizadores se roban la atención, son los elementos que ponen el ambiente en la canción. La pista tiene un tono místico/espacial y la banda ha declarado que en realidad este tema viene de dos canciones creadas por separado, una salida de la mente de Avey Tare y la otra por Panda Bear. Ambas fueron mezcladas y el resultado es lo que escuchamos en "Prester John".

Por si no fuera suficiente, Animal Collective también estrenó el video oficial del track, el cual estuvo dirigido por Jason Lester. En este audiovisual podemos ver a la banda tocando la canción en un escenario iluminado por proyectores que lanzan imágenes psicodélicas aunque también cambian de fondo en unas ocasiones por una especie de bosque denso y oscuro.

Animal-Collective-TineSkiffsVinilo_2021

Animal Collective también dio detalles de el nuevo álbum en el que trabajaron durante el encierro pandémico. Se trata de Time Skiffs (Domino Records, 2022) que saldrá en febrero del próximo año y que contará con nueve canciones. El álbum ya puede ser pre ordenado en la página de Domino Records y este tendrá una edición de lujo en doble vinilo color rubí con negro.

Animal-Collective-TimeSkiffs_2021

Time Skiffs

1- "Dragon Slayer"

2- "Car Keys"

3- "Prester John"

4- "Strung with Everything"

5- "Walker"

6- "Cherokee"

7- "Passer-by"

8- "We Go Back"

9- "Royal and Desire"

Bonobo comparte sencillo “Tides” con Jamila Woods

Posted on octubre 20, 2021 by -

Una pieza llena de energía y magia.

Luego de anunciar su álbum Fragments, el cantante Bonobo -mejor conocido como Simon Green- compartió su nuevo sencillo “Tildes” junto a la compositora y poeta Jamila Woods. Este tema lleno de energía y magia es considerada la pieza central de su recién proyecto discográfico.

A través de una mezcla de un groove profundo irresistible, el sonido del arpa, la impresionante voz de Woods y un lindo cierre con guitarras de Miguel Atwood-Ferguson nace “Tildes”, una canción que evoca al cambio figurativo de la marea y una renovación del mundo para consolidar Fragments. Sin duda es una esencia clave de este álbum y que fluye de manera orgánica. 

Cuando oí la voz de Jamila Woods por primera vez, supe de inmediato que había encontrado la pieza central del álbum. Líricamente, capturó toda la temática del proyecto. Esta canción fue un verdadero punto de inflexión en el proceso de terminar el álbum y la increíble aportación de cuerdas de Miguel Atwood Ferguson al final llevó todo a un nivel superior”, indicó Bonobo sobre el "Tildes".

Fragments también cuenta con la participación de Joji, Kadhja Bonet, Jordan Rakei y O’Flynn. La discografía surgió a partir de fragmentos de ideas y experimentación; así como un estallido de creatividad impulsado por la colaboración y la inmersión de Bonobo en la naturaleza. Puedes ver el tracklist a continuación.

Fragments_2021

 

1. "Polyghost" (feat. Miguel Atwood-Ferguson)
2. "Shadows" (feat. Jordan Rakei)
3. "Rosewood"
4. "Otomo" (feat. O’Flynn)
5. "Tides" (feat. Jamila Woods)
6. "Elysian"
7. "Closer"
8. "Age of Phase"
9. "From You" (feat. Joji)
10. "Counterpart"
11. "Sapien"
12. "Day by Day" (feat. Kadhja Bonet)

Helado Negro — Far In

Posted on octubre 20, 2021 by -

Canciones de múltiples residencias y el escape introspectivo de Helado Negro para ofrecer Far In, una de sus obras más ambiciosas hasta la fecha.

Muchas palabras se han escrito con los años y parece que nunca hemos terminado de definir el extraordinario efecto que tiene la música en el cuerpo humano. Vasili Kandinsky decía en su obra De Lo Espiritual en el Arte que precisamente la música era el arte más compleja, la más abstracta y algo de razón debe tener, ya que es una sensación única, que sabemos como es, pero jamás podremos definir. A veces lo que menos importa es preguntarnos el "porqué" de las cosas y dejarnos llevar, nunca sabremos donde terminará la aventura de escuchar una canción o un disco. Y en este marco aparece Helado Negro con Far In, su nueva producción discográfica.

Far In representa el debut de Helado Negro con la afamada disquera independiente 4AD, esto luego de una placa como This Is How You Smile, que en 2019 robó protagonismo y se coló en muchos de los tops que lo nombraron como una de las piezas más importantes de aquel año. 31 meses más tarde aparece con un disco que es resultado de muchos viajes y una pandemia que hizo a Roberto Carlos Lange olvidarse un poco de la vida de giras y conciertos, así como cambiar de residencia y buscarse a sí mismo a través de la introspección.

Mientras terminaba el 2019, Helado Negro ya tenía una serie de canciones de las 15 que conforman Far In. Al comenzar 2020 continuó su gira que de hecho lo trajo a México para el festival Adverso, y posteriormente cayó la pandemia, así como las restricciones sanitarias por Covid en todo el mundo. Todo esto hizo que muchos de los planes de toda la industria se vieran mermados, aunque Carlos Lange aprovechó para salir de viaje con su familia a Marfa en Texas.

Aquellas vacaciones se hicieron más largas conforme la situación mundial avanzaba, al grado de quedarse todo el verano de 2020 en la ciudad al sur de los Estados Unidos, y fue ahí que se terminaron detalles de algunas canciones del disco mientras nacían otras. Volvió a Brooklyn para terminar el álbum y ahora espera su lanzamiento desde Nashville, su nueva ciudad. Este proceso que dio paso al nuevo álbum es sumamente interesante, sobre todo si tenemos en cuenta que los tracks parece que se ven influenciados por los múltiples ambientes.

Helado_Negro

Un cruce de energía con sensibilidad.

Far In es un álbum que tiene mucho brillo en el aspecto musical. Resulta muy interesante dejarse llevar por las canciones y encontrar una especie de aura bastante suave, donde se refleja la sensibilidad del artista, así como una suerte de melancolía bastante profunda, de esas que tocan a tu puerta y sabes que si abres terminarás roto en llanto. Es muy interesante la manera en que transmite cada canción.

En una entrevista que hice con Helado Negro hace unos días me comentaba que precisamente uno de sus objetivos era darle una identidad a cada canción, que tuviera su propia historia y personalidad. Y si que es un hecho que, de forma independiente, cada track logra envolverte y meterte en un escenario distinto, aunque sin perder la esencia que engloba a todo el álbum. Esa cuestión también favorece al álbum, ya que nos encontramos con una enriquecedora mezcla de géneros como dreampop, electro, trópical, funk, R&B entre otros.

Las canciones de Far In van formando pequeñas sociedades, que se complementan con la de al lado para realizar un viaje lleno de bajones, subidas y contrapesos que enriquecen al oído. Además, algo que comparten en común la mayoría de los temas es que tienen largos finales instrumentales y son de largo aliento, ya que promedian los cuatro o cinco minutos. Es así que podemos encontrarnos con un inicio colorido cortesía de "Wake Up Tomorrow", donde unos sintetizadores colorean una base lenta, así como murmullos de Kacy Hill.

El ambiente continúa, aunque de forma más acelerada con "Gemini And Leo" y "Purple Tons". En este punto la interpretación de Helado Negro se vuelve más sólida y nos damos cuenta de los arreglos de bajo, que tienen mucha presencia y roban el protagonismo. La atmósfera se vuelve más sensible con "There Must Be A Song Like You" y "Aguas Frías", temas que bajan el ritmo y se tornan mucho más íntimos.

Llegados a la mitad del álbum nos encontramos la sección más potente de Far In, que comienza con "Aureole" y es seguida por "Hometown Dream", "Agosto", que cuenta con la colaboración de Buscabulla, y "Outside The Outside". Cada una de estas canciones con mucho ritmo y fuerza, así como brillantes espacios donde Helado Negro cede el protagonismo a sintetizadores electro, beats elegantes y veloces, así como detalles musicales mínimos que marcan la diferencia y ofrecen una serie de capas de sonido brutales.

Helado Negro cuenta que en "Agosto" invitó a Buscabulla y le dio toda libertad al dúo para agregar sus propios arreglos en la canción, y sus aportes en bajo y voz son por demás de gran ayuda. De hecho se podría considerar el clímax del álbum gracias a su drama y emoción. A partir del interludio "Brown Fluorescence" nos preparamos para un final ligero que parte con "Wind Conversations", "Thank You For Ever", "La Naranja", "Telescope", donde Helado Negro hace una dupla magnifica con Benamin y el cierre con la difuminada "Mirror Talk". En estas pistas todo se vuelve un poco más lento, aunque no dejan de aparecer detalles musicales y ambientes enriquecedores.

Importante añadir aquí a dos de los colaboradores de Far In, uno fue Trey Pollard, quien se encargó de añadir instrumentos de cuerdas en la mayorías de canciones, así como L'rain, una artista independiente amiga de Carlos, quien se encargó de añadir poderosos arreglos de bajo.

Helado Negro_2

La escapatoria nunca estuvo afuera...

Luego de todos los viajes que hizo Helado Negro y las ciudades que recorrió en estos meses, parece que el más importante estuvo dentro de él mismo. El conocer un mundo sin tantas giras de conciertos y ritmos acelerados le permitió apreciar detalles que refleja en sus canciones. Por otra parte, el escucha puede conocer su obra desde otro punto de vista, uno más íntimo. Y es que la mayoría de canciones son extraídas de la realidad del artista, su familia y también algunos pasajes de la vida amorosa.

Así es que podemos encontrar historias llenas de emoción, que celebran al amor como el caso de "Gemini And Leo", una relación entre un signo mutable y uno de carácter fijo, que a pesar de las diferencias se complementan entre sí. Mucha química mágica que ocurre entre un signo de aire y uno de fuego se celebra en esta canción, que solo invita a dejarse llevar por la vibra y la pasión. Algo así ocurre con la suave "Aguas Frías", que toma esa sensación extraña de enamoramiento a primera vista que nos vuelve un poco distraídos, y finalmente se relaciona "Outside The Outside", que habla sobre la forma en que se complementan las personas, algo así como un lazo mágico para sobrevivir al miedo.

Otras historias bastante emotivas aparecen a lo largo de Far In. Tenemos "Agosto", que puede referir a una despedida de un ser querido y esa promesa de volver a encontrarse, que se puede ubicar en el plano de la vida o en el espiritual. "Telescope", en otro caso, narra ese extraño escenario al que nos llevó la pandemia, con una vida llena de videollamadas, que nos hizo encontrarnos con nuestros seres queridos, aunque solo a través de un monitor. Helado Negro hizo este track pensando en su madre.

Al final, Far In es el resultado de una de esas transiciones que necesitamos para poder retroalimentarnos. Helado Negro hizo una escapada hacia dentro de sí mismo para estar bien afuera, con su familia de su casa y con la que ha hecho en los conciertos. Por otra parte es una especie de homenaje a su familia con la que creció, a tal grado que uno de los videos musicales está hecho con clips de sus reuniones y la portada es una foto de él de niño. Es una obra bastante emotiva, que antes de imaginarla como una de esas placas que están en las competencias por los premios, vale la pena más disfrutarla y dejarse llevar, de ser posible entregarse a las historias y ¿Por qué no? romper en llanto un poco.

Disfruta este 22 de octubre en todas las plataformas digitales de Far In, y consigue una copia en este enlace.

La Luz — La Luz

Posted on octubre 20, 2021 by -

Llegada la cuarta producción discográfica de La Luz encontramos su cara más experimental e íntima, con relatos sublimes que rinden homenaje a la naturaleza.

Los viajes tienen cierta extrañeza mágica, misma que nos hace cambiar de a poco. Y es que la oportunidad de moverse a otras realidades, rutinas y contextos nos brinda la posibilidad de apreciar el mundo de forma diferente, de mirar otros rostros y de entender que la vida siempre es mucho más de lo que pensamos. Qué maravilloso cuando ese efecto se traslada a la música, donde podemos encontrar el cuarto álbum de estudio de La Luz, que llega luego de viajes de introspección y de unión con la naturaleza.

Shana Cleveland cambió su domicilio en los últimos años a las afueras de California, y algo tuvo que pasar ahí para ahora encontrarnos con una obra que si bien, aún es reflejo del característico sonido que la banda ha establecido en los últimos nueve años, parezca completamente renovada. Es así que el tridente al que se le suman Lena Simon y Alice Sandahl llega con un álbum que es sumamente auténtico, vigente e íntimo. Tanto significa para banda que lleva como nombre su homónimo.

En compañía de la hermana menor de Sub Pop, Hardly Art Records, La Luz hace llegar este nuevo álbum que se suma a la serie de prometedoras propuestas que ha mostrado el sello durante 2021, que además cuenta con el apoyo en producción de Adrian Younge, afamado productor estadounidense inmiscuido en la escena del soul, hip hop y jazz del nuevo milenio, que sin duda dio aportes increíbles para llevar la música de la agrupación originaria de Seattle a un nuevo umbral.

La Luz - The Pines (Banner)

"Hacia la vida en todas sus formas".

Se percibe bastante honesta la apuesta en discurso por parte de La Luz en este álbum. El trío cuenta a lo largo de 12 piezas historias envolventes, que parecen ser una carta dedicada a todo lo bueno y malo que hay en el mundo, así como la forma en que convergen y como es que de a poco podemos encontrar salidas para dejarle a las nuevas generaciones un lugar mejor.

El miedo al cambio y como nos arriesgamos para enfrentarlo, vivir sin importar lo que digan los demás y lo fundamental de siempre darse un espacio para sí mismo en las relaciones es un aspecto importante dentro de la obra, misma que pese a tener bastante conflicto y enojo es capaz de mostrar una cara optimista. Canciones como "The Pines" muestran este aspecto.

Por otra parte, La Luz dedica una sección importante del disco al amor con el mundo, haciendo referencia a lo importante que es cuidar al medio ambiente, así como hace conciencia sobre el impacto que dejamos en los ecosistemas y que siempre puede haber una oportunidad de mejorar las cosas. "Metal Man" es una crítica interesante en ese aspecto, aunque aquí cabe señalar "Oh, Blue", una hermosa balada dedicada al cielo (o al mar) que habla de como éste siempre está ahí, que parece que nos acompaña siempre, solo basta con voltear a verlo y entender que nos cuida la espalda de algún modo cuando estamos tristes o nos sentimos solos. Es una gran visión por parte de Shana Cleveland.

Rumbo al final sale otra cara por parte de la banda, y esta se enfoca cien porciento en el amor. "Lazy Eyes And Dune" es probablemente el clímax del álbum, y aquí la tercia se dedica a sí mismas un tema sobre las pequeñas cosas y lugares que importan, que hacemos nuestras y que de algún modo nos ayudan a sobrevivir al mundo, ya que nos hacen recordar que siempre habrá algo por lo que valga la pena luchar y querer. De ahí se empalman temas como "Down The Street" y "Here On Earth", que narran la parte más noble y responsable del amor.

La Luz_2021

Nada tan surreal como la misma realidad.

A diferencia de placas anteriores, La Luz encuentra con este álbum un encuentro con la naturaleza que da como resultado una afición por estar en el mundo, aprender de él y entender que la realidad supera cualquier ficción.

Ahora está menos interesada en viajar a otras dimensiones que adentrarse a esta, fascinada por la manera en que la realidad se hace mística cuando le das tiempo para que se te revele. Mientras antes cantaba que no quería que la dejaran en la Tierra, Cleveland ahora encuentra consuelo en ella", narra Mariana Timony en la presentación del comunicado de prensa de la banda.

Y parece que la música refleja en cada track la cercanía de la banda con la naturaleza, ya que de a poco aparecen guiños a sonidos ambientales, así como obras que en su estructura representan momentos únicos, tal es el caso de "Yuba Rot", una canción que representa, de acuerdo a la banda, "una meditación sobre el ciclo del nacimiento y deterioro que parecen ser la única verdad en un mundo de cabeza".

El uso de elementos orgánicos mayoritariamente le da a esta obra una serie de matices memorables y le vuelve un álbum de momentos. Con espacios para cada instrumento, la banda se aventura en un viaje psicodélico ilustrado por bajos y baterías de mucho dinamismo, así como guitarras electrizantes y sintetizadores, uso de instrumentos como el Mellotron y el Wurlitzer y voces con coros que llevan armonías hipnotizantes.

Por momentos aparecen sonidos baladezcos, así como referencias al pop folk de los años sesenta. Canciones como "In The Country", "I Won't Hesitate" y "Here On Earth" son un claro ejemplo. Por otra parte aparecen piezas con mayor intensidad que deambulan entre el rock progresivo y a juegos de remates, solos de guitarra potentes y baterías fluidas, temas como "Goodbye Ghost", "Metal Man" y "Lazy Eyes And Dune" podrían representar esta noción.

Una canción destacable es "Watching Cartoons", donde la mano de Adrian Younge es de gran peso. La interacción de la banda con el jazz es digna de apreciar, y también es una muestra del gran talento que tiene cada una de las integrantes del proyecto en sus instrumentos, así como en el orden para estructurarse y jugar con espacios que nos dan una sensación de siempre estar en movimiento y esperando alguna sorpresa.

La Luz presenta en su cuarta producción discográfica una melancólica trama que sin duda puede invitarnos a la reflexión de muchas cosas. La banda se acerca con este álbum a una perspectiva bastante madura, que se refleja en las letras y su música, esperemos que cuando lo escuches puedas viajar con él para hacer introspectiva. Estará disponible el próximo 22 de octubre en todas las plataformas de streaming, aunque puedes pre-ordenar una copia en este enlace.

La Luz volverá a los escenarios luego de dos años y medio, y una de sus primeras citas es en el festival Hipnosis, te invitamos a adquirir tus entradas en este enlace

Entrevista con Mario Siperman

Posted on octubre 20, 2021 by -

Cantos para hacer conciencia sobre el cuidado del medio ambiente. Mario Siperman cuenta la historia de "Iu Manya", así como todos sus proyectos en puerta.

Hace unos siete años, por allá de 2014 y 2015 comenzaron a circular por las calles de la Ciudad de México, Buenos Aires y demás ciudades de Latinoamérica unos carteles, pegados a los postes, en espectaculares o en paredes destinadas para publicidad. Estos carteles contenían una frase que decía "La Música Salvará al Mundo". Qué enunciado más llamativo ¿No?, Ah, y de paso venía también información referente a las presentaciones de Los Fabulosos Cadillacs, que decidía dar aquel nombre a su gira de aquellos años, y en 2016 sería el título de la canción que cerró su álbum llamado La Salvación de Solo y Juan. Seis años más tarde tenemos a Mario Siperman, el tecladista de la legendaria banda presentando "Iu Manya", que curiosamente también es un canto para salvarnos.

El tecladista también conocido como El Tío Spíker fue invitado al Festival Isla Viva Galápagos Music Conference durante 2020. Al artista se le propuso realizar una canción con el enfoque dedicado a la preservación y cuidado del medio ambiente, sobre todo pensando en la importancia y el patrimonio natural que representan las islas. Este trabajo no lo haría solo, ya que contaría con la ayuda de Rubén Albarrán desde México y Juan Diego Illescas desde Ecuador.

El resultado fue una obra musical muy interesante en el aspecto musical y lírico, que más allá de tener un interés comercial tiene como objetivo motivar a los escuchas a hacer conciencia respecto al impacto del calentamiento global en el mundo, así como la importancia del cuidado del medio ambiente y de la identidad que tenemos con la naturaleza. Para Indie Rocks!, Mario Siperman nos cuenta un poco de la historia detrás de "Iu Manya":

Yo soñé la letra y la melodía, que era un canto de liberación para salvar a mi familia en el sueño. Después el tema se lo pasé a Juan Diego, y después junto a Rubén Albarrán le dimos un criterio a la canción para buscar un sonido que represente a la Latinoamérica incluso prehispánica con instrumentos autónomos para tener un contacto con la naturaleza que aquellas comunidades tenían muy presente en diversas zonas del continente.

Esa cultura ancestral la quisimos tener un poco reflejada, y por otro lado también tiene cosas de la música actual, porque finalmente la tecnología es parte de nuestra cultura hoy día, hay que darle un uso sabio y sería ridículo dejarlo del lado".

Mario Siperman_Iu Manya

Un sueño que se volvió canción.

Si bien, la idea de realizar un tema donde colaborara Rubén Albarrán, Diego Illescas y Mario Siperman partió del deseo altruista, "Iu Manya" nació en un sueño. El tecladista de Los Fabulosos Cadillacs tuvo un pasaje mientras dormía en el que un chaman le ordenaba realizar una serie de cantos para salvar a la humanidad de su fin. De ahí nació aquella frase que da título a la canción, que de hecho sabe señalar que no pertenece a ninguna lengua autóctona y su melodía fue completamente espontánea. "Los sueños siempre son cosas primitivas, que el subconsciente las tiene latentes sin que interiorices mucho" complementa el artista respecto al sueño que dio paso al track.

Esta base viajó desde Argentina hasta Ecuador, donde Juan Diego Illescas se encargó de ampliar la dinámica musical, de producir y añadir arreglos para llegar finalmente al norte de Latinoamérica con Rubén Albarrán, quien se encargaría de complementar aquella melodía soñada por el Tío Spiker, así como agregarle letra para los versos. Finalmente volvería a su país de origen, donde Siperman se encargó de añadir teclados así como realizar trabajos de ingeniería, mezcla y mastering.

Este proceso fue completamente colectivo, así lo señala Siperman, quien igual argumenta que a la hora de hacer los arreglos para la canción se sumó una gran cantidad de artistas más allá de los tres protagonistas. Hablamos de que "Iu Manya" contiene arreglos de charangos y vientos andinos por parte de Julio Vicencio, aparece José Luis Trujillo en trombón, María José Gándara en coros, Marcela Hatsatourian complementa al vocalista de Café Tacvba en las voces y Nicolás Fontimpe aparece en el bajo.

Finalmente destaca Mario la participación de Noe Pucci, cantante de origen Mapuche que "le dio un sonido muy visceral a la canción", argumenta el legendario tecladista, quien también admite que todo este proceso no sería posible sin los avances tecnológicos, que les permitieron estas conectados.

Esta es una producción completamente independiente y no dependemos de nadie. Se plantea la idea, nos gusta, la realizamos y la lanzamos, la verdad es lindo y a esta altura intentamos evitar a la burocracia de las empresas y discográficas. Tratamos de hacer música para disfrutar, y aunque de esa manera no tiene tantas escuchas para nosotros nos da cien porciento de placer, lo consideramos genial.

La ayuda de amigos ha sido importante en la respuesta del sencillo, y preferimos trabajar así, con gente que quiera crecer, de acá en adelante me seguiré moviendo de la misma manera", reflexiona Mario Spierman respecto a lo que ha sido este proceso para el tridente.

Mario Siperman_Ruben Albarran_Diego Illescas

¿La música puede salvarnos?

Al reflexionar respecto a "Iu Manya" y su realización, Mario Siperman se encuentra con muchas cosas que van más allá del simple hecho de hacer una canción. Primero que nada la importancia de poder apoyar de algún modo una causa que es necesaria de escuchar hoy día, así como entender el contexto al que la humanidad ha llegado, que en palabras del tecladista es crítico. La conclusión y el aprendizaje detrás de todo esto ha sido entender que no se debe volver a la edad de las cavernas, más bien se debe usar la tecnología de manera sabia e informada.

Por otra parte, este proceso ayudó al Tío Spiker a reencontrarse con colegas y amigos de una forma única, y esto gracias al contexto. Señala que de forma graciosa pensó que cuando Juan Diego Illescas lo convocó para ir al Festival de Isla Viva Galápagos le rechazó en una primera instancia, esto porque creía que debía viajar a la isla cuando la pandemia no lo permitía. Luego de entender como iba a ser la dinámica y ahora al ver el trabajo publicado aprovecha para recordar la gira por Estados Unidos donde conoció a Rubén Albarrán, así como la vida de conciertos que de a poco le acercó a Illescas.

Otra historia curiosa que contiene la realización de "Iu Manya" está en el video musical, mismo que fue realizado por Mila Tau, artista audiovisual que conoció en un concierto de Los Fabulosos Cadillacs por allá de 2016. Un amigo cercano a Mario Siperman le comentó que Mila era gran fan de la banda, y como regalo de cumpleaños quería darle un acceso de prensa para tomar fotos a la banda. Siperman le consiguió la credencial sin conocerla, y ahora no puede estar más que agradecido de que aquella pequeña unión le dio a una amiga que trabaja constantemente con él.

En medio de todas estas historias y pensamientos está la música, que es al final lo que más le importa a Mario Siperman. Al recordarle la frase "La Música Salvará al Mundo", incluida en La Salvación de Solo y Juan, el artista da razón y relaciona a "Iu Manya" al creer que de algún modo el arte puede ayudarnos a comprender los mensajes de una forma especial.

Obviamente no alcanza (la música) pero es un bálsamo interesante que es curativo. Dedicarnos un rato a escuchar música nos puede hacer un poco más felices, también hay un montón de otras artes e incluso otros hobbies, la idea es tener algo que sea positivo con lo que te sientas compenetrado y pleno.

La música lo que tiene es que se transmite de forma muy veloz, a diferencia de otras artes con las que no es tan instantáneo. Tomó una importancia muy grande porque está muy relacionada a un negocio que se hizo muy grande, y hay que aprovecharlo para bien, así como forzar a que el sector sea un poco menos conservador, arriesgar un poco más".

Otras caras de Mario Siperman.

A un mes del lanzamiento de "Iu Manya", el Tío Spiker no puede estar más que agradecido por esta canción, que también partió de la motivación de la pandemia, así como el break con Los Fabulosos Cadillacs. La combinación de circunstancias hizo que el tecladista se diera tiempo para despertar diferentes ideas. Unas semanas después de haber sacado este single retomó su proyecto Gigio & Spiker, junto a Gigio González para sacar a la luz "Debe Haber", un corte solitario que también es el primer aviso de una serie de shows que dará el proyecto en Argentina previo al regreso de Los Fabulosos Cadillacs a la carretera que hará llegar Siperman y a la banda al Vive Latino en 2022.

"Debe Haber" es una canción bastante animada que toma aspectos interesantes del reggae en un beat rápido para hacer una atmósfera pintoresca. Cuenta con la colaboración de María Ucedo en voces y es el primer sencillo inédito del proyecto luego de dos años. Dale play a continuación.

Por otra parte, en noviembre saldrá a la luz un trabajo realizado por Mario Siperman en homenaje a Leonard Cohen. Este consiste en una adaptación de las letras del mítico escritor en español, interpretadas por diferentes artistas de Argentina principalmente. El tecladista admite que este proyecto le ha tomado cerca de diez años en realizarse junto a su amigo Gustavo Rocca. Este 19 de octubre saldrá a la luz el primer sencillo de este proyecto que llevará como nombre El Poeta, Canciones en Español, y será una reversión de Bird On The Wire, interpretada por Nito Mestre, ex Sui Generis.

Uno de los aspectos que le motivo a realizar este trabajo es que, en sus palabras "básicamente dentro de la música popular se le pone a la letra en un segundo plano, no tiene tanta importancia, pero en el caso de Leonard, el era escritor antes que músico, y ambos aspectos están en el mismo nivel y deben ser considerados. La idea es cantarlas en español para que se pueda transmitir el mensaje, me parece un proyecto interesante por la idea de poner la poesía al nivel de la música".

Finalmente, Mario Siperman señala que todo este tiempo le ha hecho reflexionar y sin duda la situación de la pandemia le puso a pensar en la importancia de entender que los problemas son más profundos de lo que parecerían. Recuerda aquella instrucción de las autoridades de lavarse las manos, pero como es que olvidan que hay mucha gente marginada que no tiene oportunidad ni de bañarse.

Por otra parte expresa la importancia de estar informados, pensando en la gente que está en desacuerdo con la vacuna y la ciencia. Invita a los escuchas de música a no limitarse, ya que aunque haya tantas propuestas hoy día y parezca abrumador, siempre habrá nueva música alucinante por descubrir, él mismo es consiente de esto justo un día antes de cumplir 58 años.

Como no pudimos salir de nuestras casas dedicamos el tiempo a componer nuevos temas aunque sea de forma remota. Es un cambio personal, de decidir lo mío. Con los Cadillacs tenía mucho tiempo libre y lo dedicaba al estudio, a grabar y a trabajar más como ingeniero de mezcla, grabación o mastering que a mis proyectos. Impulsado por la pandemia decidí dedicar el tiempo de ocio a mis proyectos personales"

Te invitamos a seguir todos los proyectos de Mario Siperman en sus redes sociales y en Indie Rocks! únete a la conversación en nuestras redes sociales.

Descubre a Al Menos Se Intenta y su maquina del tiempo

Posted on octubre 19, 2021 by -

Remembranza sonora.

Regresa al pasado con la nueva reforma del rock & roll sesentero, Al menos se intenta, un proyecto solista conformado por el compositor y productor musical chileno, Nicolás Lorca. Con tan solo 24 años, el músico imprime inquietudes y sonidos revisitados en referencia a la corriente artística de este período; Blues rock, un poco de twist, baladas rock pop, alternativo e impresiones líricas juguetonas y relajadas. 

Para ser un proyecto construido sobre la autogestión y el DIY, su calidad sobresale debido a su formación, pues el oriundo de la comuna de Puente Alto, en la zona sur de la región Metropolitana de Chile, posee un título como Compositor y Arreglista por parte de la Escuela Moderna de Música. Gracias a ello ha logrado crear dos EPs y demás sencillos completamente compuestos, producidos, grabados, mezclados y masterizados por él mismo. 

Es así como a finales del 2020, AMSI libera “Y si no fuera”, un cover de Chico Trujillo (banda chilena de nueva cumbia) en colaboración con Ataquemos, otro joven proyecto; Mismo que remonta a sus tendencias retro tal como en su primer EP homónimo de 2020, que contiene una aleación de sonidos pop, rock alternativo con aproximaciones al post punk en su faceta más colorida (“Estaciones”).

Para nueva producción Podría Estar Peor, Lorca transita por el fatalismo en perspectiva de la superación y el buen humor; con progresiones sencillas de blues, estructuras de 12 compases apegadas al género , armonías corales, y suaves líneas de guitarra; junto a la influencia y claro fanatismo por el cuarteto de Liverpool, The Beatles (“The Boy” cover, ft. Grace Caracol). 

“La temática común de este EP es el fatalismo, pero mirado desde la perspectiva de la superación y desde que hay que tomárselo con buen humor”, explica Nicolás.

Jeff Tweedy (Wilco) compartirá LP deluxe, ‘Live Is the King’

Posted on octubre 19, 2021 by -

Como primer adelanto el cantante presenta un cover de Neil Young.

El músico estadounidense Jeff Tweedy, anuncia su nuevo álbum de versiones en vivo Live Is the King, disponible este próximo 10 de diciembre a través de dBpm Records. Esta es una edición deluxe de su larga duración de 2020, Love Is The King, que también contendrá su más reciente lanzamiento y cover de Neil Young, “The Old Country Waltz”. 

Para este formato, el vocalista y frontman de Wilco, se acompaña de sus hijos Sammy y Spencer Tweedy (bajo y coros), Liam Kazar, James Elkington, y la cantautora y multiinstrumentista del dúo OHMME, Sima Cunningham; mismos que grabaron en el estudio The Loft y los venues Constellation y The Hideout en Chicago. 

Previo a este lanzamiento, el solista presentó “C’mon America” y “UR-60 Unsent”, un par de canciones para Sub Pop Singles Club; además del sencillo “For You (I’d Do Anything)”. Escúchalos aquí. 

Por su parte, Tweedy iniciará un gira para diciembre de este año y enero 2022, por Chicago, Los Ángeles y San Francisco, junto a su banda y Macie Stewart. 

Mientras tanto Wilco continúa con una extensa gira alrededor de Estados Unidos, con más de 15 fechas confirmadas e iniciadas a principios de este mes (octubre), en promoción de su álbum de 2019, Ode To Joy.

No te despegues de Indie Rocks! y espera el estreno de Live Is the King próximamente.

Pre guarda aquí. 

Tracklist de Live Is the King:

jeff-tweedy-love-is-the-king-live_2021

  1. "Love Is The King (Live)"
  2. "Opaline (Live)"
  3. "A Robin or A Wren (Live)"
  4. "Gwendolyn (Live)"
  5. "Bad Day Lately (Live)"
  6. "Even I Can See (Live)"
  7. "Natural Disaster (Live)"
  8. "Save It For Me (Live)"
  9. "Guess Again (Live)"
  10. "Troubled (Live)"
  11. "Half-Asleep (Live)"
  12. "The Old Country Waltz (Live)"