Korn estrena “Lost In The Grandeur”

Es la última canción promocional que la banda ofrecerá antes de la salida de su nuevo disco.

Porque nunca tenemos suficiente Korn, la banda ha estrenado hoy "Lost In The Grandeur", el último adelanto de su próximo álbum Requiem que estará disponible a primera hora mañana en todas los servicios de streaming. Este nuevo tema llega después de "Start The Healing" que salió el 11 de noviembre, seguida de "Forgotten" que vio la luz el pasado 13 de enero. Así, la banda deja puesta la mesa para recibir Requiem, álbum que todos los fans esperan con ansias, pues es el primer disco de Korn después de The Nothing que salió en septiembre del 2019.

 

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"Lost In The Grandeur" es por mucho el track menos pesado de los tres sencillos que hemos podido escuchar de Requiem, aunque tiene un inicio bastante explosivo, se relaja en los versos. La voz de Jonathan Davis no es extinguida guturalmente hasta el final de la canción, porque durante la primera mitad de la misma el vocalista de limita a cantar de manera mesurada. La canción tiene como video oficial un clip dónde vemos animaciones tridimensionales creadas una vez más por el artista EFFIXX, quien también creo la animación del video de "Forgotten".

Recuerda que ya puedes pre guardar Requiem en tu plataforma musical favorita e incluso puedes ordenar una copia en cualquiera de sus ediciones físicas en este enlace.

“The Manatee (A Story of This World Pt. III)”, lo nuevo de Circuit des Yeux

La canción se estrenó hoy y llegó con un peculiar video oficial.

El año pasado Circuit Des Yeux lanzó su disco -io (puedes checar la reseña aquí) y fue completamente un éxito, lamentablemente hubo canciones de la época de grabación que quedaron fuera, una de ellas fue "The Manatee (A Story of This World Pt. III)" un single que acaba de ver la luz hoy y que bien pudo tener un lugar en aquel álbum. La canción viene con un video oficial dirigido por Rudy Rubio en el que vemos la imagen que tiene la cantante Haley Fohr de un manatí.

En este tema escuchamos una batería tranquila, parece que en lugar de baquetas se utilizaron escobillas. La voz entra directo con el primer compás de la canción, es suave y alcanza notas bajas y altas, síntoma de una preparación vocal muy buena. El bajo es otro elemento que debe ser resaltado por conducir el ritmo de la canción y sostener a los demás instrumentos. Al final "The Manatee (A Story of This World Pt. III)" cierra con los violines que escuchamos a lo largo de la misma pero llegando a una intensidad impacta en la mente de quién llega hasta este punto en calma.

 

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Además de esta canción, Circuit Des Yeux anunció las primeras fechas de su gira por Norteamérica y Europa, misma que iniciará el 24 de febrero en Vancouver y culminará en Chicago el 17 de junio. Esperemos que en los espacios que hay entre algunas fechas podamos tener una visita de Haley Fohr y compañía en nuestro país.

King Crimson comparte avance de su documental 'In the Court of the Crimson King'

El documental incluirá conversaciones y entrevistas con algunos de sus miembros clave.

La legendaria banda de rock progresivo King Crimson ha compartido un nuevo avance de su próximo documental In the Court of the Crimson King, la producción retrata la gira que la banda realizo durante los años 2018 y 2019. La película fue dirigida por Toby Amies a petición de la banda, la cinta se estrenará en marzo en el festival de cine SXSW.

El avance muestra una conversación íntima del líder de la banda Robert Fripp durante un concierto en vivo. In the Court of the Crimson King incluirá material de archivo y entrevistas con los miembros que han pertenecido a la agrupación que van desde el baterista Bill Bruford hasta el tecladista y saxofonista Ian McDonald.

Mira el trailer a continuación.

Nos acercamos a Toby Amies, un cineasta independiente, y le pedimos que hiciera un documental musical original, que re imaginara el formato, y le dimos total libertad creativa para hacerlo", dijo el representante de la banda, David Singleton.

En 2019, King Crimson realizó una gira masiva para celebrar el 50 aniversario de la banda y lanzó un boxset edición especial para su álbum debut de 1969, In the Court of the Crimson King.

 

 

Tori Amos presenta su concierto Tiny Desk (Home)

Decorados sencillos y un ambiente íntimo envuelven al concierto.

Tori Amos es de las artistas que sabe mezclar el ataque lírico y rígido del rock alternativo de los 90 y plasmarlo en mediaciones poéticas con sutiles toques de piano. Una reivindicación que volvió a usar en su nueva sesión en vivo: Tiny Desk (Home).

La presentación forma parte del sello NPR Music, donde la cantante estadounidense interpretó un conjunto de tres canciones a través de un piano Bösendorfer cuya música sirvió como un faro para tantos oyentes durante su carrera de 30 años

Entre las piezas que entonó se encuentran "Ocean to Ocean" y "29 Years" tomadas de su álbum debut Ocean To Ocean de 2021, así como "Baker Baker" de Under the Pink, lanzado en 1994. Las pistas fueron acompañadas bajo la producción de Bob Boilen y la dirección en video de Maia Stern.

Los próximos conciertos de Tori Amos serán por América del Norte con 33 fechas durante la primavera, las cuales pronto comenzarán por Reino Unido e Irlanda. Esta gira abarcará su álbum debut del año pasado y que es una combinación de parentesco y amor, de dislocación emocional y geográfica.

Dale play a la presentación.

Depresión Sonora + La Texana en el Foro Indie Rocks!

Enamórate, nos morimos igual.

Bombo, caja, bombo, hi hat sintético a dieciseisavos, riffs de bajo ahogado enmarcando la estridencia de la guitarra que se aleja. Bombo, bombo, voz que te recuerda sentirse niño y estar perdido. Caja, hi hat, caja, hi hat; bailar hasta que llegue la muerte.

La primer y esperada visita del proyecto de post punk español a tierras nacionales daría inicio al interior del Indie Rocks! con la presentación de La Texana, regalando a la joven agrupación tijuanense un bautizo de fuego con doblete de fechas en sold out y una multitud más que dispuesta a contorsionarse tal y como Ian Curtis lo hubiera querido.

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El proyecto comandado por Josué Ramírez en formato full band, junto a Ángel Jiménez en el midi, Vals a la luna a cuatro cuerdas y pista tras pista de secuencias percutivas, nos regalaría una más que intensa introducción a la noche de sonidos obscuros que teníamos por delante. El triplete haría gala de su nada despreciable repertorio siendo la profunda voz del frontman el foco de atención en cada uno de los tracks, tocando las fibras más expuestas de los afines al género y llenando las paredes del venue con esa euforia casi fría característica del dance tirado a cripta.

El interludio de 21:00 a 21:30 daría a penas tiempo suficiente para que Marcos Crespo y compañía tomaran posiciones sobre el escenario mirando fijamente al mar de escuchas frente a sí. El silencio se había convertido en un hiss constante y humano, acentuado únicamente por la luz azul caída sobre los europeos y reflejada por la doble línea blanca en el track top del vocalista. El post punk a punto de golpear.

El acto estelar daría inicio entre baterías programadas, bajos ahogados, guitarras estridentes y el impulso característico en la voz de Crespo, tirando a Depresión Sonora hacia el lado más energético e incendiario de lo musical. La Jaguar negra del frontman no se detendría hasta pasadas las primeras tres canciones del setlist, arrancando los alientos de la escena negra y volviéndoles uno a la coralidad del público jurado.

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El ritmo constante de la instrumentación terminaba por acostumbrar el oído a los recursos del tridente bajo los reflectores pero el la lírica se mantenía. El existencialismo dulce en “Gasolina Y Mechero”, “Ya No Hay Verano” y “Tú No Me Tienes Que Salvar” fueron quienes guiaron la energía en la joya de la Roma Norte. Veíamos al músico hablarnos desde la crudeza de quien quizá nunca tuvo rumbo, de la juventud que ya no vuelve, del querer huir y no culpar, de querer morir perdidamente enamorado, de quien sufre sin olvidar que la vida también es baile. 

El post punk expone de muchas maneras las constricciones de la condición humana. Aún cuando lo melódico nos hable desde una intimidad sofocada la celebración, al menos desde fuera, parece no cambiar. Seguimos saltando cuando el hombre frente nuestro grita sobre su infancia en soledad, nos movemos rítmicamente dando vuelta al llanto de lo colectivo, la confesión armonizada hecha ardor y miradas al cielo a merced del overdrive.

Depresión Sonora despediría su debut en la capital nacional con una celebrada reversión a “Disorder”, original de Joy Division, dejando caer el micrófono al ritmo de “Hasta Que Llegue La Muerte” y volviendo en un más que sincero encore (corto de setlist) con “Gasolina Y Mechero” una vez más. 

Rex Orange County comparte nueva música durante transmisión

El músico británico complace a sus fans interpretando dos temas inéditos.

El músico británico Rex Orange County ofreció grandes sorpresas el día de ayer durante una transmisión vía TikTok interpretando por primera vez su más reciente sencillo "Keep It Up". Además, O' Connor compartió los temas inéditos "Amazing" y "Making Time", los cuales forman parte de su próxima producción, Who Cares?.

"Amazing" destaca por ser una canción romántica perfecta para los enamorados, el músico comento que este tema saldrá muy pronto a la luz, mientras que "Making Time" es una canción optimista y tranquilizadora. Dicha canción fue un objeto de burla durante un video promocional de su próxima gira.

Échale un vistazo a la transmisión de Rex Orange County

Who Cares? se grabó en Ámsterdam en colaboración con Benny Sings, también contará con una nueva colaboración con el rapero estadounidense Tyler, The Creator para el tema "Open A Window". El nuevo álbum de Rex Orange County saldrá el próximo 11 de marzo.

Ya puedes pre ordenar Who Cares? aquí.

 

Alfie Templeman comparte su nueva canción, “Broken”

La joven joya de la música británica vuelve a sorprender con este tema que vendrá en su álbum, Mellow Moon.

¿Qué estabas haciendo en 2003? Bueno, Alfie Templeman estaba naciendo en algún hospital de la Gran Bretaña. Así es, el fenómeno del indie inglés tiene solo 19 años y sus primeros lanzamientos los hizo cuando tenía 15 añitos. Con tres EP y dos LP ha logrado posicionarse en el radar de la música emergente mundial y hoy nos presentó "Broken", el segundo sencillo de su tercer disco Mellow Moon que se estrenará el 27 de mayo a través de Chess Club Records.

 

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En "Broken" nos encontramos con una canción que habla de los conflictos adolescentes y las emociones que abordan a casi todos los seres humanos en esa etapa de su vida. En el apartado musical el bajo se lleva las palmas aunque la guitarra también tiene su magia. El ritmo en la percusión y la misma voz de Alfie, recuerdan los primeros años de Phoenix, Two Door Cinema Club o su contemporáneo Declan Mckenna. Además del estreno de la canción, también fue lanzado el video oficial de la misma el cual estuvo dirigido por Jack Turner, échale un ojo aquí debajo.

Mellow Moon llegará a las plataformas digitales y a los aparadores de las tiendas el 27 de mayo de la mano de Chess Club Records y es uno de los álbumes más esperados de la primera mitad del 2022. La gestación de este material inició en el fatídico 2020, pero aún con complicaciones Alfie logró terminarlo y quedó contento con el resultado. "Parece que estoy en un planeta diferente. Me he ido a algún lugar nuevo y estoy descubriendo el fuego por primera vez", mencionó el joven músico en un comunicado.

Alfie-Templeman-MellowMoon_2022

Mellow Moon:

  1. "A Western"
  2. "You’re A Liar"
  3. "Broken"
  4. "Folding Mountains"
  5. "3D Feelings"
  6. "Candyfloss"
  7. "Best Feeling"
  8. "Do It"
  9. "Colour Me Blue"
  10. "Galaxy"
  11. "Leaving Today"
  12. "Take Some Time Away"
  13. "Mellow Moon"
  14. "Just Below The Above"

A 25 años del 'Earthling' de David Bowie

El disco más electrónico del camaleón del rock.

A mediados de la década de los 90s el mundo experimentaba el auge y la expansión de la música electrónica de baile; el rave atravesaba su época dorada tomando por asalto fábricas, edificios abandonados, playas, bosques y cuanto sitio que pudiera albergar zonas temporalmente autónomas. Al mismo tiempo la figura del DJ comenzaba a cobrar protagonismo no solo en los circuitos del techno, poco a poco fue haciéndose de un sitio preponderante en la escena del rock. Es así como la música producida con sintetizadores, cajas de ritmo y samplers se alzaba como la gran alternativa.

Uno de los primeros músicos de rock que cayó seducido ante el poder de los beats fue el mítico David Bowie. Influenciado por bandas de corte electrónico como Underworld y Prodigy, en 1996, el llamado Camaleón del rock se volcaría por completo a experimentar con máquinas, tomando como referencia el drum and bass y la música industrial para dar vida a su vigésimo álbum de estudio: Earthling, lanzado el 3 de febrero de 1997, hace 25 años.

David Bowie_2022

Apenas, cinco días después de haber concluido la gira de su disco Outside, Bowie y su entonces productor Reeves Gabrels , actual guitarrista de The Cure, se encerraron por dos semanas y media en los Looking Glass Studio de Nueva York, sin tener muy claro lo que iban a grabar. A pesar del tiempo reducido en que el LP fue concebido, la dupla consiguió producir una obra potente, arriesgada, sofisticada y experimental, a la altura de sus mejores discos, fiel reflejo del imaginario creativo de uno de los artistas fundamentales de la historia de la música pop de todos los tiempos.

Earthling contó con la participación de Bowie, Gabrels y Mark Plati como productores, a los cuales se sumaron nombres como Gail Ann Dorsey, Zachary Alford, Mike Garson y Trent Reznor como invitado especial. De los sencillos que se desprendieron el más exitoso fue “Liltle Wonder”, posicionándose en el número 14 de las listas de éxitos en Reino Unido. Por su parte "I'm Afraid of Americans" logró mantenerse por 16 semanas en las listas de Estados Unidos, este track compuesto junto a Brian Eno y con el ya mencionado Trent Reznor haciendo coros, para algunos críticos es el sencillo que engloba a la perfección la propuesta electrónica de Earthling, construido a partir de múltiples capas de sonido generadas por samplers, líneas pesadas de bajo y sintetizadores procesados una y otra vez.

En cuanto a la lírica, si en Outside, Bowie nos entregó un disco en el que el concepto giraba en torno a un asesino serial, en Earthling el eje rector es la espiritualidad, así lo explicaba el músico en entrevista: “Supongo que el tema en común en todas las canciones es esta necesidad permanente en mí de vacilar entre el ateísmo o una especie de gnosticismo. Sigo yendo hacia atrás y hacia adelante entre las dos cosas, porque significan mucho en mi vida. Quiero decir, la iglesia no entra en mis escritos ni en mis pensamientos; no tengo empatía con ninguna religión organizada. Lo que necesito es encontrar un equilibrio, espiritualmente, con la manera en que vivo y mi muerte. Y ese período de tiempo, desde hoy hasta mi fallecimiento, es lo único que me fascina.”

Finalmente, David Bowie saldría de gira en mayo de 1997 para promocionar Earthling, uno de los países elegidos dentro del tour fue México, presentándose el 23 de octubre de 1997 en el recién estrenado Foro Sol del entonces Distrito Federal, ofreciendo el primero y único show que el británico diera en suelo azteca, y que, por la misma razón, marcaría para siempre la historia de los conciertos en nuestro país.

Entrevista con Metronomy

El pequeño mundo de Metronomy.

El 18 de febrero de 2022 será publicado Small World, el séptimo álbum de estudio de Metronomy, agrupación británica comandada por Joseph Mount. Tuve el placer de conversar con él para descubrir más acerca de este nuevo material, la forma en que la pandemia afectó su proceso creativo y el tener que balancear su tiempo entre su familia y su carrera musical.

Metronomy es famoso por su sonido electrónico, sintetizadores pegajosos y letras alegres que nos hacen brincar y cantar cada que suena una de sus canciones. No obstante, Joseph Mount, Anna Prior, Olugbenga Adelekan, Oscar Cash y Michael Lovett nos entregarán un álbum con un sonido ligeramente diferente al que nos tienen acostumbrados.

Quería hacer un disco que se sintiera más orgánico, que tuviera sonidos más naturales como guitarras acústicas, pero eso fue antes de la pandemia. Después cambió la situación de cómo quería hacer el álbum y la atmósfera en la que estaba escribiendo las canciones. Estaba más involucrado en la naturaleza. Vivo en el campo así que siempre es así, pero de repente estaba atrapado en mi casa y se convirtió en algo aún más fascinante.”

Temas como la naturaleza y el existencialismo toman los reflectores en lo que podría ser el disco más austero de la banda tras el par de años de pandemia que azotaron al mundo.

Supongo que podría ser uno de los más obscuros, pero no quería ignorar los sentimientos de la pandemia. No quería hacer un álbum acerca de eso porque sería aburrido, pero a todos nos hizo sentir muchas cosas diferentes el estar atorados en casa y, si tuviste la fortuna de estar con tus seres queridos entonces fue algo lindo, pero si estuviste por tu cuenta no fue tan divertido. Pienso que todos esos pensamientos me ayudaron a construir este mundo para el disco y en realidad sólo intentaba expresar la forma en que me sentía.”

Joseph Mount se encontraba en su hogar de Inglaterra durante nuestra plática. El vocalista ahora tiene hijos y una esposa que cuidar y reflexionó acerca de lo que implica tener una familia siendo un artista de talla internacional y cómo esto influye en su proceso creativo.

Normalmente cuando haces un álbum, terminas el tour y estás en casa con tu familia tienes que decirles ‘tengo que irme a hacer un disco’ y sientes culpa, te sientes mal de tener que irte. Pero esta vez estaba aquí, pasé más tiempo en casa de lo que había estado en los últimos 15 años, así que estaba muy feliz y cómodo. La última vez que hice un disco con ésa misma sensación tenía 17 o 18 años, fue una experiencia inusual y libre. (...) Cambia el tipo de cosas de las que hablas o las canciones que quieres hacer y, cuando estás de gira cambia la forma en que te sientes al estar lejos de casa, lo hace más difícil de cierta forma, pero más que nada cambia tu punto de vista sobre lo que haces y te das cuenta de que lo que haces no es tan importante como ellos. Pero todos necesitamos un pasatiempo o un escape para ésas emociones.”

"Things Will Be Fine", uno de los sencillos de Small World surgió después de haber tenido una especie de terapia grupal en la que los miembros de Metronomy recordaron su juventud, revisitando algunas heridas y reviviendo tiempos más sencillos. Platicando con Joseph acerca del paso del tiempo, le pregunté qué le gustaría decirle a su yo del pasado.

Aún me siento como la misma persona, siento que hice muchas cosas cuando era joven que me ayudaron a convertirme en músico y es raro porque la percepción de la gente joven es como ‘oh son jóvenes, no saben lo que están haciendo’, pero yo sabía exactamente lo que quería hacer y desde los 16 o 17 años pude darme este futuro así que le diría: gracias, muchas gracias por tener tanta seguridad en ti mismo.”

En Small World le dan la bienvenida a una nueva mancuerna con la agrupación de Brighton, Porridge Radio en la canción "Hold Me Tonight". Acerca de cómo sucedió esto, Mount dijo lo siguiente:

Fue una sugerencia que hizo mi manager. Así supe de Porridge Radio, cuando escuché su música me dije ‘oh esto podría funcionar muy bien’, pero lo que me convenció fue cuando Dana envió el demo de su idea y creí que era brillante. Realmente me encantó lo que hizo con la canción y cómo cambió el sentimiento. Vino al estudio y ahí fue cuando la conocí por primera vez, es una gran cantante y persona.”

Metronomy tiene un sólido historial de colaboraciones a lo largo de su carrera al haber trabajado con artistas como Robyn, Gorillaz o MGMTEn 2021 publicaron un pequeño EP titulado Posse EP Vol. 1 en el que todos los tracks tienen a un artista invitado diferente como Biig Piig o Sorry.

Fue porque sentía que en mi música siempre ha estado la carrera de Metronomy como una cosa y mi carrera personal como productor. Siento que vivo en medio de estos dos lugares en los que quiero desarrollarme como artista, pero también quiero mantenerme relevante trabajando con gente joven con ideas frescas porque eso es lo que considero que hacen los buenos productores. El EP fue la manera perfecta de colocar ambas cosas. El álbum es el disco del artista (Metronomy) y Posse fue la forma de mantener el espíritu juvenil y colaborar o descubrir nuevos artistas, siento que tiene gran potencial como algo continuo. Quiero que sea más internacional, quiero usar artistas de Francia y ¿por qué no? alguien de México. Tener artistas de otros idiomas, aún no sé a quién realmente pero podrías sugerirme a alguien.”

Después de sugerirle un par de nombres mexicanos, recordamos la última vez que Metronomy pisó suelo azteca a inicios de 2020, cuando se presentaron en el Pepsi Center WTC de la Ciudad de México y en el marco del Festival Adverso en Guadalajara.

¡Sí! ¡Ése fue el último concierto que dimos (antes de la pandemia). Fue raro porque fue el final de la gira así que estábamos cansados y felices, ya queríamos volver a casa pero después notamos que todos los shows estaban siendo pospuestos y fue cuando nos dimos cuenta de lo afortunados que fuimos de haber podido terminar el tour porque hubo mucha gente que estaba a punto de empezarlo y no pudieron. Fue extraño, algo difícil ajustarse a no estar de gira, pero creo que la pasamos muy bien en México porque tuvimos el mejor tour que hemos hecho en América y luego nuestro concierto más grande en la Ciudad de México y Guadalajara. Fue muy divertido, nos hizo muy felices haber podido tocar ahí antes de dos años de nada.”

El gran amor entre México y Metronomy es recíproco. Mount está consciente de ello y sonriendo me señala unos papeles de colores que cuelgan en su techo inspirados por el tradicional papel picado de Día de Muertos. En 2022 la banda está confirmada para formar parte del cartel del Corona Capital Guadalajara en mayo, donde seguramente volverán a deleitar a sus seguidores mexicanos con temas tan queridos como "The Look" o "Reservoir", así como canciones de Small World.

Por un largo rato la gente nos preguntaba si estábamos emocionados por volver a tocar y yo les contestaba ‘bueno, sí, pero no creo que vaya a suceder’ y ahora sí creo que va a pasar. Ahí en Guadalajara tocaremos el mismo día que The Strokes, eso será brillante. También estará Blondie, que fue uno de los primeros conciertos a los que fui en un lugar llamado Plymouth en Devon. Será fantástico.”

Después de un par de años en los que nadie estaba seguro de lo que iba a suceder a continuación, Joseph Mount se muestra optimista y contento por el futuro de Metronomy. El músico inglés se despide con un mensaje bastante sabio que todos deberíamos aplicar en nuestras vidas y dejándonos ansiosos por escuchar su nuevo disco a partir del 18 de febrero.

La cosa por la que más me siento feliz es que, aún después de haber estado 2 años en casa y sentir tanta incertidumbre acerca del mundo, pude aprovechar ése tiempo para hacer un álbum que es realmente bueno y estoy emocionado por seguir haciendo más. Seguir trabajando hasta que no sea divertido.”

Night Crickets — A Free Society

Los miembros de Bauhaus, Love And Rockets y Violent Femmes unen sus fuerzas en este debut elegante, sofisticado y sutil de su nuevo supergrupo indie.

En la historia de las bandas funcionales de música alternativa se incluye a Bauhaus, Love And Rockets y Violent Femmes. El artista, Darwin Meiners, era fanático de las tres agrupaciones; por suerte, tuvo encuentro casual hace 13 años con David J. (integrante de Bauhaus y Love and Rockets), gracias a esta reunión, no solo se convirtió en su amigo y compañero de banda, sino también en su manager. Más adelante, Meiners conoció a Victor DeLorenzo, baterista de Violent Femmes, después de su participación en Coachella.

El tiempo pasaba, la pandemia se afianzaba y Darwin buscaba un nuevo proyecto para ocupar el tiempo de confinamiento en algo productivo. Se acercó a Victor, quienes rápidamente conectaron y sugirieron unirse, invitando también a David J. La confianza y seguridad musical establecida entre los tres fue inmediata, y así nació Night Crickets, un nuevo grupo formado por un par de viejas caras conocidas logrando una inusual colaboración. En cuestión de semanas, se inició un proceso global. Según la banda, su colaboración fue un “asunto de larga distancia realizado durante los prolongados días de encierro y más allá”.

A Free Society, su álbum debut, es impresionante. A través de la tenacidad y ardiente deseo de colaborar y crear, da como resultado una producción que incorpora el pasado, el presente y el futuro imaginado. Con trece canciones en su haber, exploran diferentes temas, en “Candlestick Park” se adentran en la oscuridad con guitarras resonantes y voces grupales que atraviesan un encanto desviado.

El contraste de las voces mezcladas de frascos de gothic-folk/punk convierte al disco en una grabación inteligente. "Amanda's Mantra" y "A Free Society" se parecen a los Walker Brothers de 1978, que tiene semejanzas a los tonos profundos del difunto Scott Walker, mismos que establecieron una sólida base estilística.

En la pegadiza "Roman A Clef", surge una producción con sonidos intrínsecos de las obras melódicas new wave convencionales de finales de los 70. "Soul Wave" y "Little Did I" utilizan una voz al estilo de David Bowie sobre un ritmo constante repleto de sintetizadores que por alguna razón, nunca suena anticuado. Los temas "Down Below" y "Return To The Garden Of Allah", ajustan creativamente los tintes orgánicos a los que quiere llegar la banda.

Gracias a la formación de la agrupación, salió su primer proyecto en conjunto, al cual se le tiene mucha esperanza, gracias a que cada integrante plasma su propio estilo, y además, lo encabezan grandes del género. El álbum se estrenó a través de Omnivore Recordings, ya puedes escucharlo con atención y cantar A Free Society, mientras el mundo se incendia y el sol se pone.