The Drums en el Pepsi Center WTC

Elegante y divertido, así es un concierto con Jonny Pierce.

Era un viernes dos de septiembre de 2011, cuando The Drums compartía Portamento; un álbum que con gran responsabilidad daba continuidad a su homónimo, debut y aclamado material discográfico, el cual incluye temas como “Me And The Moon” y “Down By The Water”, joyitas que en la actualidad son cien por ciento atesoradas por sus fieles seguidores, y que hace 12 años nos volvían locos por primera vez. Para fortuna de todos, la que para aquel momento era la segunda y nueva entrega trajo consigo una decena (y eventualmente un par más) de nuevas canciones que, en pleno 2022, juntan más de 300 millones de reproducciones en plataformas digitales. En agradecimiento a ello, Jonny Pierce decide visitar de nueva cuenta a uno de sus públicos favoritos: el mexicano. 

Es así como la noche del 23 de marzo el Pepsi Center se cubrió de magia, brillo, elegancia y destellos. Pero antes de llegar al punto clave, debo mencionar que Los Blenders fue la banda local que se encargó de abrir el show. Entre emoción por algunos asistentes que sintieron esto como un premio doble, y desconcierto por otros tantos que al parecer no estaban enterados de este acto, en punto de las 20:15 H comenzaron a escucharse las rolitas “Ponte Punk” y “Amor Prohibido II”, entre algunas más que dejaban ver en la pista una que otra cabeza moviéndose en modo de goce y aceptación. 

En pequeños momentos que se presentaban en el inter de canción y canción, Alejandro Archundia agradecía el buen recibimiento; y no es para menos, la banda se presentó el pasado fin de semana en el festival Vive Latino y a principios de esta abrió el show gratuito de IDLES en House Of Vans. ¡Días muy activos para Los Blenders! Su fugaz participación en el recinto del World Trade Center culminó cuando comenzó a escucharse “Ha Sido”, una buena elección para dejar a todos con los ánimos en alto y con ansias de querer que lo que estaba por venir llegara ya.

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Para eso de las 21:20 H, de lo más alto del escenario comenzó a bajar un letrero que durante el resto de la noche sería parte protagónica del concierto; Portamento es lo que decía, y mientras este llegaba al centro de la vista de todos, los gritos, empujones y celulares en alto listos para capturar la aparición de The Drums no se hicieron esperar. Todo estaba casi listo, solo faltaba lo más importante…¡Jonny Pierce! Salió al escenario con un par de guantes azules brillantes y una playera amarilla que, en conjunto, bien podría ser una referencia a Brutalism, álbum que la banda lanzó en 2019. 

Llegó la primera canción y la emoción de aproximadamente 4 mil asistentes cada vez era más grande, los gritos y coros se hacían uno con la voz proveniente del micrófono, y las luces blancas y repentinas daban ese toque de elegancia y diversión que Jonny tiene siempre presente, dentro y fuera de los shows. Para eso de la cuarta canción la sofocación, sudor, brincos, gritos, fotos y videos estaban más que presentes. ¿La razón? “Money”. Al ritmo de “I want to buy you something, but I don’t have any money. No I don’t have any money” y de los característicos pasos de baile que se iluminaban desde la tarima, el Pepsi Center retumbaba de felicidad.

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Así fue como “I Need A Doctor”, “How It Ended”, “I Don’t Know How To Love”, “Days” Hard To Love” y el resto del álbum celebró en grande un año más de vida. Un año que suma poco más de una década y que a pesar del paso del tiempo se sigue disfrutando como si recién se hubiera estrenado. Portamento es un LP clave el la historia de The Drums, tiene canciones que son icónicas para la banda y que en giras especiales como esta, o en cotidianas como las que se acostumbran en cualquier otro momento, se disfrutan muchísimo arriba y abajo del escenario. Tanta fue la emoción por parte de Jonny Pierce que en distintos momentos se detenía para capturar con la mirada y corazón el cariño tan grande que le tienen sus seguidores, y evidentemente lo agradeció en repentinas ocasiones.

El setlist referente al disco estrella de la noche se terminó, pero eso no fue suficiente para la banda. Se sumaron canciones aclamadas por el público, como “Lets Go Surfing” y obviamente “Meet Me in Mexico”. El concierto culminó en punto de las 22:40 H; y entre vasos de cerveza, vacíos y tirados, los asistentes regresamos a la vida cotidiana, la vida de un miércoles cualquiera por la noche, la vida en la que The Drums sigue viajando por el mundo para compartir su magia mientras que aquí nos quedamos nosotros, con un gran recuerdo de una visita más de la banda a nuestro país.

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Disclosure y RAYE estrenan “Waterfall”

Un recorrido por la historia musical de UK, pretenden que sea el soundtrack del verano 2022.

Guy y Howard, quienes conforman Disclosure, de la mano de RAYE, estrenaron "Waterfall". Una canción que los llevó a hacer un recorrido por toda la historia musical del Reino Unido. El dúo de británico de música electrónica y la cantautora quieren que este nuevo sencillo sea la canción que se baile en los festivales de verano.

Disclosure dio a conocer esta canción en sus recientes presentaciones en vivo, con una gran aceptación por parte de su público. Además, se estrenó como Hottests Record In The World en Radio 1 de la BBC. "Walterfall" es una pieza que tiene una base de two-step garage, perfecta para prender a todo el público en los siguientes shows en vivo dentro de Coachella, Primavera, All Points East.

El dúo expresó que trabajar con RAYE en el estudio es increíble, “La mejor forma de describirla es como una máquina de ganchos. Pones los beats y las vibras a andar y ella te da como 5 opciones de melodías para el coro directamente… ella hace que la forma en que escribimos sea fácil y disfrutable”, añadieron.

Dale play:

Todos sabíamos desde los 5 minutos que íbamos a hacer un temazo de UKG para verano y eso es exactamente con lo que terminamos. Ese día, todos teníamos a Londres y su hermosa historia musical en nuestros corazones y esperamos que eso se transmita al oyente".

RAYE no se quedó atrás en contar su experiencia: “esta fue la primera canción que Disclosure y yo creamos juntos y a todos les encantó, salió rápidamente y de manera orgánica. Los chicos empezaron con una vibra garage y yo creo que es una energía soleada de verano. Espero que a la gente le guste tanto como a nosotros nos gustó hacerla”

Al ser una de las cancionistas más importantes de Reino Unido, RAYE puede agregar a su lista de colaboraciones a Disclosure, quienes seguirán con su gira a lo largo de este año y tienen mucha música nueva que lanzar este 2022.

Soccer Mommy anuncia álbum y entrena “Shotgun”

Un nuevo concepto donde el dolor ni la felicidad son permanentes.

Sophie Regina Allison, mejor conocida como Soccer Mommy, ha anunciado su siguiente álbum de estudio, Sometimes, Forever. El tercer LP de su carrera artística que se estrenará el próximo 24 de junio a través de Loma Vista y que podemos escuchar en "Shotgun" como un previo a su lanzamiento.

Este sencillo es una joya indie angustiosa, con muchas guitarras de surf-rock, pues retrata la alegría de perderse en el amor y el clímax que experimentamos durante una tierna relación. Una idea que plasmó la cantautora de Nashville en su reciente video musical, dirigido por  Kevin Lombardo.

Dale Play.

Respecto al álbum, la artista Soccer Mommy aún no devela el tracklist del disco, aunque destacó que su concepto hablará del sentimiento fugaz del dolor y la felicidad, donde nuestras emociones se sienten como si fueran a durar para siempre.

Se refiere a la idea de que lo bueno y lo malo son temporales y siempre regresan. Los sentimientos de tristeza y vacío pasarán, pero siempre volverán, al igual que los sentimientos de alegría. Este álbum explora muchos altibajos. Se mueve desde lo alto del amor hasta la desesperanza y la desconexión. Es una coexistencia de luz y oscuridad, no solo lírica sino tonalmente", indicó en un comunicado de prensa.

Sometimes, Forever será la continuación de Color Theory de 2020, que incluye los sencillos "Lucy" , "Yellow Is The Color Of Her Eyes" , "Circle The Drain" , "Bloodstream" y "Crawling In My Skin".

Mientras su pasado LP a continuación.

Perfume Genius anuncia nuevo álbum y cortometraje

El músico viene con el objetivo de materializar los sonidos en imágenes.

Michael Alden Hadreas conocido como Perfume Genius, ha dado a conocer el lanzamiento de su sexta producción titulada Ugly Seasonmaterial que fue escrito con el fin de vestir musicalmente la pieza de danza The Sun Still Burns y que estará disponible este 17 de junio a través de Matador Records.

El álbum nace apartir de la idea de crear una pieza inmersiva entre Perfume Genius y la coreografa Kate Wallich, para la cual el músico puso a disposición las canciones "Pop Song" y "Eye in the Wall". Dicha pieza musical estuvo presentándose por diferentes ciudades de Estados Unidos en el 2019, tres años después, cada una de las piezas extraídas de esta creación fueron contemplandose para formar parte de Ugly Season.

Para este álbum Perfume Genius reclutó al artista visual Jacolby Satterwhite para crear un cortometraje de acompañamiento protagonizado por el mismo Hadreas. Satterwhite es conocido por su técnica envolvente multidisciplinar que fisiona video en vivo, animación 3D y dibujo e impresión. Además la producción del disco contó con la participación de su antiguo colaborador Blake Mills y Alan Wyffels.

Este proyecto es la génesis de una dirección completamente nueva que estoy tomando, una en la que he estado pensando dentro de esta cultura endémica, desde 2020. Mike y yo estamos escribiendo guiones. Mi narrativa visual refleja casualmente la dirección lírica de su música; es un vínculo raro, de ideas afines", comentó Michael Alden.

Por ahora el artista se embarca por una gira por América del Norte, dichos shows forman parte de la presentación de su álbum del 2020 Set My Heart On Fire. Ya puedes pre ordenar Ugly Season aquí.

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01 "Just a Room"
02 "Herem"
03 "Teeth"
04 "Pop Song"
05 "Scherzo"
06 "Ugly Season"
07 "Eye in the Wall"
08 "Photograph"
09 "Hellbent"
10 "Cenote"

 

 

 

 

Proyectos de Nayarit que debes conocer

La magia del pacífico y el despertar sonoro para hacer temblar corazones. Te compartimos una serie de proyectos independientes de Nayarit.

Pensar en el estado de Nayarit es, casi de inmediato, pensar en el oceáno pacífico. El esquema de división política que hay en el mundo hace que, paradójicamente, la entidad resulte pequeña ante la magnitud del mar más grande del planeta, y ahí entiendes que esas barreras solo son símbolos, ya que el ser humano las rompe diario.

La música es una de esas formas de romper las barreras, por muy complicado que parezca para los proyectos independientes. Eso hace aún más gratificante saber que, sin importar los kilómetros de distancia, hay personas que laten con la música y que buscan, de forma valiente, nuevos sonidos y presentar propuestas fuertes, que aspiren a más que solo hacer música.

Por ello, a continuación te compartimos un listado de proyectos independientes del estado de Nayarit que debes conocer.

Día de Pinta

Un poco de punk, un poco de emo y sí, muchos guitarrazos. Día de pinta es un proyecto lleno de ritmo, que con un trabajo bastante fuerte en producción cuenta geniales historias que gozan de simpleza y melancolía. El proyecto es sumamente divertido, y vaya que es emocionante cuando lo que quieres es echar emoción.

A finales de 2021 salió a la luz Nostalgicidio, un EP que acerca su propuesta al dark wave pero sin perder ese toque vibrante y emotivo en cada una de sus canciones. Si quieres encontrar sonidos atascados y elegantes, Día de Pinta podría ser la opción.

Día de pinta

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Yellow Dudes

Ahora, si lo tuyo es el synth y el dream pop, Yellow Dudes le va a clavar todo el romantisismo que puedes imaginar a tus oídos. El ptoyecto goza de una increíble estética sonora que hace vibrar con sintetizadores celestiales y juegos de voces sofisticados, que conviven con ritmos suaves y generan una interesante colisión de sonidos.

La agrupación lleva al menos cuatro años en el radar, y recientemente formó parte del recopilatorio llamado Espacios Vacíos, liderado por Devil In The Woods. Además, a finales de febrero salió a la luz el sencillo "x un minuto", mismo que da luz al panorama de canciones que presentará la agrupación nayarita durante 2022.

Yellow Dudes

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Sierra León

Si lo tuyo es la experimentación, el rock alternativo, estruendos y pasajes ambientales, Sierra León te mete a una licuadora y te promete una experiencia alucinante. El proyecto es un referente de la música independiente en el país, ya que, a puro esfuerzo propio, ha figurado en diferentes escenarios importantes, incluyendo el Vive Latino, SXSW y Hell And Heaven.

Su propuesta es una avalancha de sonido que no respeta estándares. Cada una de sus canciones representa un arriesgue y probablemente esa fortaleza te va a contagiar.

Sierra León

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Los Mismos Niños Ebrios de Siempre

Un poco de math rock junto a sonidos que revientan oídos, Los Mismos Niños Ebrios de Siempre le meten fuerza a cada una de sus canciones para dejar complejas obras, llenas de intensidad y que se traducen en pasarla bien.

El proyecto se ha mantenido fuerte en los escenarios locales, y ha logrado consolidar una potente propuesta que debes escuchar si eres fan de los cambios de ritmo y las baterías atascadas.

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Rosa Polar

Entre el rock progresivo, garage y dram pop, Rosa Polar es uno de esos proyectos que debes escuchar ya. La agrupación nayarita lleva un par de años sonando con fuerza, y pinta para ser una de las propuestas del mañana gracias a un sonido sólido.

La agrupación se muestra fuerte con nuevos sonidos implementados con guitarras reverberadas, baterías atípicas y brillantes juegos de voces que sin duda muestran una propuesta fresca y colorida.

Rosa Polar

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Leemantour

Leemantour hace magia con lo elemental. La agrupación retoma la magia de hacer grandes canciones elaboradas a base de guitarras, bajo y batería, todo esto bajo una química genial que es base de letras elegantes y emocionantes coros que podrían ser himnos en el momento adecuado.

La agrupación goza de mucho virtuosismo y pasión aplicada en sus canciones. Es una banda con la que puedes romper la pista de baile y al mismo tiempo dejarte llevar por piezas contemplativas, todas encabezadas por el factor humano y riffs de guitarra juguetones.

Leemantour

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Vía Luz

Canciones melancólicas, sin embargo afiladas, son las que podrás disfrutar con la propuesta de Vía Luz. Este quinteto mezcla sin temor ritmos de rock, punk y hasta ska con tintes alternativos y un destello de juventud imparable.

La agrupación ha presentado tres sencillos en lo que va del año y pinta para dejar un gran sabor de boca en lo que va del año. Esto porque cada canción es distinta y, sin salir de lo elemental, las obras de Vía Luz tienen vida propia.

Vía Luz

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Renedefuego

Si lo tuyo es buscar nuevos sonidos y aventurarte en lo que nunca habías oído, Renedefuego podría ser un escaparate genial. El proyecto mezcla el synth pop con elementos de trap y electrónica. Los sintetizadores agresivos y las guitarras suaves conviven entre sí, y la mezcla con su voz tímida dejan una atmósfera melancólica.

El proyecto no le tiene miedo al autotune, a las secuencias y a contar esas historias que a veces son difíciles de contar. Es interesante todo lo que se puede lograr cuando se hace música sin prejuicios, y Renedefuego es una propuesta que cumple con el parámetro de no cumplir parámetros. Dale una escuchada.

Renedefuego

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MarAlone

MarAlone le mete al trap, y nos recuerda la forma en la que las personas jóvenes asocian los sonidos del género con las dudas existenciales, los primeros amores y angustias. Este proyecto goza de un brillante trabajo en producción a pesar de tener poco tiempo en el radar y ser independiente, en cada una de las canciones hay detalles sonoros que se quedan clavados en la mente.

El proyecto se sostiene de las bases, pero también de la interpretación de MarAlone, quien con apenas cinco canciones logra dejar claro su sello, así como la intención de no ser uno más, sino de buscar dejar una huella, ya sea en su performance o en el trabajo sonoro de sus canciones.

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JOBB

JOBB es una de las propuestas más interesantes de Nayarit. Con una mezcla de trap lo-fi con brillantes espacios pop dejan abrir paso a sentimientos y emociones de esas que están bien ocultas. Sus canciones recuerdan esas noches interminables de fiesta, así como los amigos y esos amores pasajeros, que fueron fugaces y que se escapan con el tiempo.

Un brillante trabajo de instrumentación acompaña a KARMA, su más reciente material discográfico que es verdaderamente un deleite de emociones y canciones que pueden tocar fibras identitarias con las historias que narra JOBB, no dejes de escuchar sus canciones y envolverte en el sentimentalismo.

JOBB

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Placebo — Never Let Me Go

Recalibrando y deconstruyendo el discurso de una banda que busca puntualizar en los tiempos modernos: say everything and nothing. ¡La etapa de el Nancy Boy quedó en el pasado!

“The sense of losing your place in the world” . . . Brian Molko

Rock is back?

Y resuena “Bosco” que entre la melancolía de sus cuerdas abraza la vulnerabilidad de Molko quien no hace poco más que proclamar el afecto que siente hacia esa persona que le ha dado todo. Casi siete minutos acogen a esta pista que culmina con Loud Like Love (2013) el último disco de PlaceboIs the band's end? ¿No? ¡No!

Placebo_2022

***

Han pasado ocho años desde aquella vez que Placebo presentó su última producción discográfica y cinco años desde la vez de A Place For Us To Dream (2016); su álbum compilatiorio que fungió como ese parteaguas para despedirse temporalmente de la industria musical.

El descanso de la banda era necesario. Existía una gran presión por parte de Universal Music para embarcarse en una gira retrospectiva y por supuesto, materialista. Su papel era producir ¿A qué costo? Realmente lo único que consiguieron en ese entonces fue una tonelada de inseguridades personales y sobre todo, una crisis en el proyecto. La frase “no deberíamos continuar”, se repitió una infinidad de veces a lo largo de este doloroso proceso en donde se cuestionaba el continuar, o tirarlo todo por la borda. “Comencé a sentirme bastante desilusionado con la banda y lo que estábamos haciendo”, explicó Stefan Olsdal.

No obstante, la insistente y llameante cabeza de Brian Molko provocó que durante sus noches de insomnio construyera la posibilidad de seguir creando aunque tuviera que empezar de cero. De esta manera comenzó lo que el mismo frontman denomina como la “deconstrucción de su proceso tradicional de composición”, que finalmente aterriza en nuevos sonidos, en nuevas texturas; en Never Let Me Go.

Placebo culminó este álbum antes de la pandemia y pensaban emprender una gira promocional que lamentablemente no sucedió debido a los acontecimientos del Covid-19. Sin embargo, la banda aguardó hasta el momento indicado para lanzar este material devastador que finalmente llega de la mano de SO Recordings.

“Este álbum es realmente diferente, por las circunstancias. Previamente esperamos tres meses en el estudio solo tocando, viendo lo que sucedía, construyendo canciones muy orgánicas. Durante el proceso construimos el aprendizaje; todo el tiempo. Aprendimos a tocar, porque son muchas capas, muchas texturas, son demasiados sonidos. Este proceso es como una traducción; es aprender de las canciones básicamente”, comentó Brian Molko.

Brian Molko

Riots and angry music

“Forever Chemicals” da inicio a esta producción con sonidos eléctricos, experimentales, chirriantes y pesados. Hay notas y texturas conocidas y a la vez tan ajenas. La instrumentación pesada apenas consigue hacer un guiño a su segundo LP, sin embargo; inmediatamente la banda nos prohibe buscar referencias. La inauguración de esta etapa te eriza la piel. Es una pista emocional que habla sobre la policía y su “gran poder”; algo relacionado al Black Lives Matter. La policía pretende ser alguien que no es, llegando, lamentablemente, a la pérdida de vidas por el abuso del poder. This is a strong machine.

“Everybody lies one hundred times a day”

Posteriormente “Beautiful James” se defiende como lo que es, una pista explosiva y perfecta con un toque de sintetizadores que si bien, no son ajenos a la banda, si los han perfeccionado. Una canción que el mismo Stefan define como “a little piano melody”; que entre sus líneas habla sobre la sexualidad, acercándonos nuevamente a un lado vulnerable de Molko donde lo único que pretende es construir un refugio para que la gente se encuentre consigo misma. En sus palabras, este segundo track ofrece “seguridad y buena conexión”, pero por otro lado y -bajo su ya tradicional personalidad- afirma que si la canción te irrita ¡Que así sea! “Sigue siendo imperativo para mí que cada oyente descubra su propia historia personal dentro de ella: realmente no quiero decirle cómo debe sentirse”.

Y mientras tu cabeza atraviesa un momento crucial, “Hugz”, hace lo suyo ofreciendo al escucha notas explosivas. Una pista rápida cargada de una instrumentación ya conocida pero con actitud; es electrizante, caótica y a su vez, liberadora, brutal y enérgica. El break que tanto necesitas para rebuscar la confianza en ti mismo.

El mentor y la lección de vida

Si hasta el momento ya te sentías abrumado, “Happy Birthday in the Sky” llega para llenarte de dolor. Esta es una de las pistas más poderosas, honestas, viscerales y desgarradoras del álbum. Es una metáfora de aquellos “sueños arquitectónicos y conceptuales”; una carta a aquellos de los que tanto se ha aprendido; David Bowie, por ejemplo. “David Bowie fue un mentor y lo es hasta hoy en día. Tuve una buena relación con él. Me enseñó cómo ser una mejor persona”, declaró Molko.

Posterior a ello llega “The Prodigal”, una de las mejores canciones del disco donde las cuerdas dan inicio a esta fina y poderosa armonía envuelta por violines; lo que bien sería como su propia y cinematográfica versión de “Where is my mind?” de Pixies. Y mientras Placebo te ofrece cierta libertad, inmediatamente te cuestiona si alguna vez has sentido invadida tu privacidad o viceversa. “Surrounded By Spies” es una continuación brutal repleta de baterías, líneas repetitivas y silencios incómodos que ofrecen esa mirada a través de las cámaras. ¿Dónde, cómo y cuándo se pierde la privacidad? ¿Está bien mostrar al mundo todo lo que haces?

La madre naturaleza se cansó de nosotros, lo sabemos pero ¿Es posible hacer algo ahora? “Try Better Next Time”, es -en palabras del vocalista-, “un canto de disolución y decepción a la humanidad”. ¡Suerte para la próxima!

Si creíste que en Never Let Me Go encontrarías respuestas y/o soluciones a los problemas a los que nos enfrentamos actualmente, lamento decirte que estás perdiendo tu tiempo. El disco no ofrece nada de ello, solamente da una clara visión con aires de reflexión sobre lo que tanto nos compete como habitantes del mundo. Una vez más Brian y Stefan se animan a musicalizar los descontentos y los temas tabúes. Una vez más serán el centro de atención, sin embargo, ahora será diferente porque todo será ambiguo y cargado de ruido, mucho ruido. Tan solo basta mirar la campaña visual distorsionada, unificada en colores y una sobredosis de contaminación (de todo tipo) cortesía de Mads Perch; un discurso elaborado sobre la saturación tecnológica y las catástrofes naturales. 

***

El álbum continúa su reproducción con “Sad White Reggae”; una sorpresa, electrizante que nació durante una noche de insomnio. Por su parte, “Twin Demons” se mantiene a flote gracias a los constantes riffs de guitarra y el latente bajo. La voz se escucha distorsionada haciendo una alusión a aquello que tanto ruido te hace en la cabeza.

Aprende de tus errores y despídete

El cierre del álbum se divide en dos momentos. El primero, -el no oficial-, se manifiesta al ritmo de “Chemtrails” en donde los sintetizadores entran con mucha potencia acomodados con la instrumentación oscura de la banda. ¡El rock alternativo está de vuelta!

“This Is What You Wanted” se desarrolla a través de las finas teclas del piano, cautivando por su emotividad y preparándote para lo que se avecina; un “Went Missing” que ofrece un aire psych instrumental elegante y lo suficientemente inquietante.

Stefan Olsdal

Finalmente, y a manera de anti “Fix You” de Coldplay, Placebo revela “Fix Yourself”, una pista calma, pero misteriosa con un final inesperado. La textura es contrastante a la del inicio, no obstante, ofrece un final digno a dicha producción.

Never Let Me Go no solo significa el regreso de Placebo, sino un reencuentro con el proceso de explorar la voz interior de los integrantes. Honestamente, el disco ofrece un sonido diferente a lo que la banda era hace ocho años y por supuesto, uno más edificado que hace 25 años. En cada pista se lee entre líneas la capacidad de aprender durante el proceso de crear, se escucha la voz de la autoexigencia, la persistencia y la libertad de experimentar; un último y crudo vistazo al mundo antes del fin de la humanidad.

Guerilla Toss — Famously Alive

La vida después del opio.

El opio se ha sentado a la derecha de la humanidad desde que esta infirió sus más que destacables propiedades; pasando de usos rituales bajo el cobijo de la mística hasta su protagonismo medicinal como paliativo y sedante general, manteniendo a la afamada sustancia siempre en el campo de visión de lo hipersensible. Traducir la fijación artística de los opioides a lo contemporáneo tiene, necesariamente, tintes mucho más sociales y de bélica interna, a comparación de su romanticismo en épocas pasadas. Famously Alive nos entrega este rostro actualizado de la vida después del opio, partiendo del poema escrito por Jonny Tatelman, quien acompañase a la frontwoman Kassie Carlson, durante las primeras etapas de su rehabilitación. Plantando la semilla de celebración de artpop y auto aceptación en la que se convertiría el sexto LP de los estadounidenses.

Guerilla Toss (2022)

Carlson nos da la bienvenida junto a Peter Negroponte y Arian Shafiee al filo de “Cannibal Capital”, introduciéndonos al estroboscópico universo sensorial que la banda ha construido desde su formación en 2012 y valiéndose de sintetizadores, secuencias y experimentación post record para acompañar el hipnótico canto de la vocalista, pulido durante el confinamiento.

El tracklist nos empuja vertiginosamente contra el corte que da nombre al material, encontrando los versos de Tatelman vueltos hyperpop en la estridencia de una oda a la vitalidad.

La canción trata sobre vivir con propósito y emoción, sin importar la cantidad de fama que se tenga, aceptando tu extrañeza y prosperando aún cuando tu éxito sea vea diferente al de los demás”, compartió la intérprete.

Tras la avasallante primera impresión nos dejamos llevar por la fantasía ultra saturada de Famously Alive, tirados a las cadencias en “Live Exponential” y “Mermaid Airplane” donde la distorsión instrumental encuentra su camino entre convulsión y convulsión armónica. Cada sonido parece querer arrancar nuestra atención, presentándose como una exageración de su propia naturaleza y apelando constantemente a la idea de diamantina grado químico.

Guerilla Toss mantiene nuestra atención hilando el combo “Wild Fantasy”, “Pyramid Humm” y “Excitable Girls”, expandiendo la paleta de melodías estridentes hacia los terrenos del shoegaze dulcificado, el electro pop experimental y una suerte de folk pasado una y otra vez por bucles infinitos de efectos, danzando de arriba a abajo dentro del incendiario canto de Carlson.

“I Got Spirit” se convierte en lo más parecido a un descanso auditivo que encontraremos dentro del álbum, redirigiéndonos casi inmediatamente a ligereza de “Happy Me” enmarcada por los sonidos de drone vueltos rugido sintético.

Llegados a “Heathen In Me” volteamos atrás para darnos cuenta de todo lo que el ahora triplete ha vivido tras 10 años de trayectoria. El cierre de Famously Alive nos recuerda su papel fundamental como actores del underground neoyorquino, los caminos arados para el florecer de lo alternativo, el esfuerzo constante de desafiar al escucha traduciéndole en música más allá del estándar. Guerilla Toss ha alcanzado un balance de fertilidad artística y serenidad emocional a la entrega de este nuevo álbum, condensando años de experimentación en una bala pop de 10 tracks que sumerge en mieles fluorescentes los oídos de todos quienes la escuchan.

Entrevista con Channel Tres

El sentido de sus historias, ideas o emociones se entiende a partir de su música.

El festival Ceremonia 2022 está tan solo a unos días de llevarse a cabo, en este encuentro musical estará presente Channel Tres quien pondrá a bailar a todos los asistentes al ritmo de "Topdown", "Controller" o alguna otra locura más que se le ocurra a este gran músico durante su show, sin dejar de lado la potencia de la voz de éste.

Previo a llegar a este punto de euforia, tuvimos una conversación con Channel Tres, nos contó el significado de su música, el cómo lleva a cabo su rutina y sus ansias por pisar el escenario en el Ceremonia 2022.

Describo mi música simplemente como baile, sabes, el crear música para mí es una motivación y me hace sentir empoderado. He dicho esto miles de veces, pero simplemente es cómo puedo describir lo que hago y lo que me hace sentir”.

Con raíces en el hip hop, Channel Tres crea una mezcla de este género con otros ritmos para poder contar historias, algo “común” o narraciones que se generan conforme avanza el día.

“Mi proceso creativo va entorno a una cantidad de sentimientos, inspiraciones y se trata de contar historias. A veces no me doy cuenta, pero durante estos momentos sin querer estoy realizando un álbum. Todos los días voy a mi estudio, trabajo y hago la rutina de escribir, componer, crear sonidos, paso mucho tiempo creando sonidos, creo estar haciendo lo que normalmente haría un músico y puede que en esta rutina no me de cuenta de que estoy formando una canción o un álbum. Algunas veces hablo con mi mamá y me cuenta historias que me pasaron cuando era niño, o en casa de mi padre que está rodeada de instrumentos, todo eso es una inspiración para mí por muy simple que pueda ser, pasa a convertirse en una historia”.

Channel Tres, también nos contó que para crear su música también le gusta estar rodeado de personas talentosas que ayuden a que una idea tome la mejor forma.

Somos un equipo los que hacemos toda la música de Channel Tres, en realidad quienes nos encargamos de esto somos amigos muy cercanos. Lo llamo una comunidad muy creativa, pero también hay momentos en donde yo escribo las canciones o hago las composiciones, todo depende del día o el tiempo que estemos pasando, lo que necesitemos”.

Sobre su participación en el festival Ceremonia, nos dijo. “Estoy emocionado, amo a México y amo la música dance, la fiesta; por lo tanto, amo bailar y pasar buenos momentos y que mejor que estar frente a un enérgico público. Estoy muy emocionado de traer a Channel Tres, mi música es algo que engloba a diferentes culturas. Siempre es un sentimiento muy diferente cuando estoy tocando en un país que no es el mío. Y realmente lo único que espero de esta presentación son cosas buenas e increíbles que seguramente pasarán”.

Sin duda es un músico con mucho misterio, pero al mismo tiempo con un talento que se ve reflejado en sus producciones musicales. Channel Tres es una de las presentaciones que no se pueden perder los asistentes al Ceremonia.

IDLES ofreció una conferencia de prensa en México

Una banda que irradia calidez y ofrece amor, diversión y sinceridad.

IDLES se presentó en la terraza de La Bestia para brindar una conferencia de prensa con motivo de su primera visita a la Ciudad de México e Indie Rocks! estuvo presente para contarles lo que compartieron en confianza un día después de su presentación en House Of Vans

Con un sol en su punto más alto, alrededor del mediodía, Joe Talbot, Adam Devonshire, Mark Bowen, Lee Kiernan y Jon Beavis saludaron alegremente y se dispusieron a contestar (entre bromas) algunas preguntas de los medios. Desde cómo se sienten con el resultado de su primer gig en nuestro país, qué cambios han notado desde su postura anti masculinidad tóxica, qué buscan en el presente y más.

Llevábamos 10 años soñando con tocar en México, agradecemos al público mexicano porque ellos nos construyeron a nosotros, no al revés”, compartió Joe Talbot .

Respecto a su creatividad y cómo es que se inspiran para lograr canciones como “Colossus”, la banda compartió que a raíz de ver la película La Isla Siniestra, protagonizada por Leonardo Dicaprio y al escuchar ese sonido que hace el bote al arrancar.

Queremos ir más allá del mecanismo y el producto, queremos tener más interacción con nuestra audiencia y ser algo más que la música, apreciamos eso”, confesó Joe.

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La sencillez de IDLES es muy real, son unos seres humanos increíbles y sus palabras están llenas de sinceridad, así como sus letras y su entrega en los escenarios. Después de haber pisado grandes festivales como Glastonbury, se creería que están viviendo la mejor etapa de sus vidas y Joe no lo pudo negar, pero añadió algo muy importante: 

Cada día que me despierto (lo digo sin bromear) es el mejor día de mi vida, hemos estado acompañados por las mejores personas, incluyendo a estos cuatro a mi lado. Debería ser siempre así. Cada día aprendemos de lo afortunados que somos, es un hecho, es por ello que somos una de las mejores bandas del mundo, porque sabemos lo afortunados que somos y queremos mostrarle a nuestra audiencia lo agradecidos que podemos llegar a ser todos”, compartió Joe Talbot

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Desde Indie Rocks! Magazine le preguntamos a la banda si han notado cambios en la escena musical de Inglaterra, en las bandas que conocen, en sus amistades y vecinos desde aquél 2016 donde hablaban de la masculinidad tóxica, a lo que Joe respondió: 

“Creo que la escena en Reino Unido ha dado un giro muy valioso en sí, los miro a ellos (IDLES)  y lo creo. Antes y después de 2016 siempre han coexistido nuevas bandas, pero ahora hay más nuevas formas de conversar en espacios seguros y sanos si ignoras las redes sociales... Nosotros no somos el frente completo del cambio, somos parte, estamos aprendiendo. Es un hermoso tiempo para estar vivos y debemos celebrarlo y empezar con discursos donde la base sea escuchar y no solo hablar, y desde ahí es donde todo va a ir cambiando”.

El carisma es esencial para la banda y en la conferencia de prensa no podía faltar, al preguntarles qué canciones escogería cada integrante para un karaoke, la selección nos sorprendió. Por un lado Joe Talbot cantó un pedacito de “My Way” de Frank Sinatra como respuesta, Mark Bowen escogió “Atomic” de Blondie y los demás también podrían cantar canciones de Mac Miller y Bruce Springsteen.

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Muy emocionados por su show de esta noche en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes, los londinenses se despidieron irradiando calidez y augurando mucha diversión (la única forma de abatir cualquier sufrimiento), como es debido. 

 

 

 

Camiches estrena “Durmiendo en el Camino”

De vuelta a la adolescencia con “Durmiendo en el Camino”, el nuevo single de Camiches.

La banda creadora de Feeling Core, Camiches, presenta “Durmiendo en el Camino”, primer sencillo de su nuevo EP que será lanzado bajo el sello de Wiretap Records y que promete ser la continuación de su legado en género.

Con riffs estridentes y la voz fuerte y melódica que caracteriza a la banda originaria de la Ciudad de México, “Durmiendo en el Camino”, es una una reflexión acerca de la juventud que quedó en el pasado.

Dale play:

Es una canción que repasa la adolescencia desde la perspectiva de un adulto de mediana edad. En esta etapa, el adulto extraño el estilo de vida, los sentimientos, las experiencias y la vitalidad de luchar y buscar sentido o un rumbo”, de acuerdo con la propia banda.

Camiches es una banda que desde sus inicios en 2013, se ha comprometido en compartir un mensaje de cooperación y empatía entre sus fans y en este tema su motivación fue escribir acerca de las bondades de una de las etapas más determinantes en la vida de cualquiera.