Little Boots — Tomorrow’s Yesterdays

Retorno al pasado con Little Boots.

Llegando cinco años después de Working Girl, la cantante y compositora británica Victoria Hesketh o mayormente conocida en el mundo de la música como Little Boots, nos presenta su cuarto álbum de estudio, Tomorrow's Yesterdays, con un estilo dominante entre lo tierno y nostálgico.

Con 11 canciones que en su mayoría fueron escritas por ella, presentan temas como el amor, recuerdos de un día de fiesta, aquel dolor silencioso que nos crea una persona y la batalla por tomar el control de tu vida, entre otros más. Little Boots acompaña la letra con melodías caracterizadas por ser downtempo y exponerlas con instrumentos como el sintetizador, el stylophone y el uso del tenori-on.

“Love The Beginning” y “Landline” se introducen como primeros tracks ofreciendo influencias disco y electro pop, así como “Back To Mine”, que hace recordar las fiestas de los años 70 en Londres.

Canciones como “Crying On The Inside”, “Deborah” y “Out (Out)”, recuerdan a la Madonna de los años 90. Con más nostalgia y una marcada presencia de vibrantes sintetizadores se encuentra “Want You Back?”, que habla del pasar del tiempo y cómo muchas veces extrañamos, o no, a las personas que formaron parte de nuestra vida, mientras que “Nothing Ever Changes”, expone una repetitiva letra y melodía influenciada por el funk; relata el que algunas cosas no cambian a pesar del paso del tiempo.

Cerrando con la canción que dio nombre al disco, “Tomorrow's Yesterdays” exhibe a Victoria como una de tantas personas que quiere el control de lo suyo y no desea seguir como pasajera en lo que conocemos como vida, todo esto con un toque sentimental-romántico.

Notarás que algunas de sus canciones con piano están inspiradas en Elton John, Carole King y ABBA, banda con la que Little Boots se presentará en mayo del año en curso.

Después de haber presentado en el 2017 su disco Working Girl, del que se pueden decir no haber tenido mucho éxito, la cantante presentó en el 2019 el EP titulado Jump, con el cual dejó en evidencia algo más electro y un poco de lo que sería éste su más reciente material discográfico, aunque siendo sinceros, podríamos haber deseado algo más electrizante al estilo 2022 y menos relajado tipo domingo en the golden hour.

Nuevos discos marzo 2022

Entre fusiones de folk, bedroom pop hasta trap, arrancamos con la penúltima semana de marzo. Ameniza tus días con un poco de música nueva. ¡Disfruta!

Nico! — ATLANTAISGREY

Nico! ATLANTAISGREY

Por Blues Araiza

Nicolás Ruíz, mejor conocido por su proyecto en solitario como Nico!, nos presenta un segundo larga duración escrito, grabado y producido al ocaso de la crisis sanitaria, llevando el sonido de Atlanta hacia lo más interesante de sus líneas underground.

ATLANTAISGREY nos regala un recorrido de ocho tracks por las diversas influencias del estadounidense, pasando por la ligereza del indie hipersensible y la intimidad del bedroom pop hasta motivos de math, trap y jazz, mezclándose en un slowcore de producción tan pura como independiente. El flamazo post confinamiento resonando entre nosotros. ¡Escúchalo aquí!

Midlake — For the Sake of Bethel Woods

Midlake  For the Sake of Bethel Woods

Por Ana Rodríguez 

En esta ocasión, Ato Records se encargó de recibir el nuevo material discográfico de Midlake, la banda que en el encierro de la pandemia encontró esa fuerza que necesitaba para presentar algo nuevo después de nueve años de ausencia. Su poderoso folk se vuelve a reflejar en cada una de las melodías que componen a For The Sake of Bethel Woods, un material que explora, literalmente, este momento de reconexión entre el ayer y hoy para materializar un renacimiento que se percibe repleto de melancolía. Dentro de las 11 pistas hay sonidos hipnóticos y una vasta cantidad de capas y texturas proporcionadas por las teclas y los platillos de la batería. Un regreso triunfal y llevadero. ¡Disfruta de esta producción!

Bladee, ECCO2K — Crest

Bladee, ECCO2K — Crest

Por Monserrat García

Escuchar este álbum es como convertirte en un bit que se mueve rapidísimo, de arriba a abajo y de un lado a otro por todo el interno y extenso mundo del Internet; entre redes, ceros, unos, virus y antivirus. Este par se juntó para compartir momentos que, a pesar de nunca tocar lo profundo del fondo, muestran algunos altibajos a lo largo de nueve tracks y 30 minutos, con los que muchos querrán seguir escuchando, mientras que otros tantos preferirán skippear. Es un buen disco para llenarte de motivación y energía en momentos de bajón. ¡Disfrútalo aquí!

Danny Elfman y Trent Reznor juntos en “Native Intelligence”

Los músicos deleitan a sus fans con otra reiterpretación de Big Mess.

Los aclamados Danny Elfman y Trent Reznor unieron sus talentos en una nueva versión de “Native Intelligence”, la segunda reinterpretación de una de las canciones del álbum Big Mess de Elfman, que realiza este dúo.

Con la voz principal del vocalista de Nine Inch Nails y el apoyo de Elfman en los coros, esta versión, se eleva sobre un arreglo orquestal que sobresale de la clásica instrumentalización rock y que al igual que True, la primera reinterpretación en que trabajaron, da muestra de la gran capacidad colaborativa que hay entre ambos músicos.

Las versiones de Elfman y Reznor de "Native Intelligence" y "True" se incluyen en el nuevo box set de edición de coleccionista de Big Mess, junto con las 18 canciones originales y reinterpretaciones inéditas adicionales y remixes del álbum.

Dale play:

Big Mess que se estrenó originalmente 2021, fue el primer álbum en solitario de Danny Elfman en 37 años. Fue escrito y grabado durante el confinamiento impuesto por la pandemia de COVID-19 y combinó arreglos enérgicos con música simple para retratar la confusión del mundo moderno.

 

Jarv Is… comparte soundtrack para nueva serie de la BBC 

This is Going to Hurt, la esperada serie de la BBC, tendrá al menos una canción por capítulo producida por la banda de Jarvis Cocker.

JARV IS…, la banda liderada por el músico, actor y presentador británico Jarvis Cocker, escribió e interpretó el soundtrack de la nueva serie de la BBC This is Going to Hurt, basada en las memorias del escritor británico de comedia Adam Kay. Te dejamos el tráiler de la serie a continuación:

Las canciones de la serie, ambientada en una sala de partos, fueron grabadas en Londres durante varias sesiones a lo largo de 2021 en los Narcissus Studios, y la mayoría de las interpretaciones fueron tomas en vivo con la banda completa (a veces mientras veían las secuencias principales de la serie).

Además de Jarvis Cocker, la banda (que lanzó su primer álbum, Beyond the Pale en 2020) está compuesta por Serafina Steer, Emma Smith, Andrew McKinney, Adam Betts y Jason Buckle. Y el soundtrack consiste en una mezcla de canciones y piezas instrumentales compuestas principalmente por Cocker y Steer

Cada episodio de This is Going to Hurt, protagonizada por el actor británico Ben Whishaw (El Perfume), cuenta con al menos una canción de la banda, que tuvo acceso a los guiones (adaptados por el mismo Adam Kay a partir de su libro) desde el inicio de la producción. Por lo que la música se adapta de una manera increíble a lo que sucede en la historia. 

Lucy Forbes, la directora principal del proyecto audiovisual (conocida por su trabajo en la segunda temporada de The En Of The F***ing World), confesó su entusiasmo por tener a Jarvis Cocker y a su banda al frente de la musicalización de la serie, pues admira el sentido de observación, el ingenio incisivo y la gran habilidad para escribir melodías conmovedoras del músico británico. 

Fue la opción perfecta. Su música se entrelazó con el tejido y el tono del show y lo llevó a un nuevo nivel, yendo directo al pathos, el dolor y la alegría de trabajar en la NHS [el servicio de salud de Reino Unido]. Fue un gran privilegio trabajar con él en este proyecto y no puedo imaginar TIGTH sin él.”

Jarvis Cocker, por su parte, comentó sobre la banda sonora: “Es nuestra canción de amor para el NHS”. Disfruta del soundtrack completo acá abajo:

 

“A Toda Velocidad”, el nuevo sencillo de Marineros

Marineros, el dúo conformado por Cer y Soledad, dio a conocer otro avance de su segundo álbum de estudio, lleva por título "A Toda Velocidad".

Después de "Rosas", "A Toda Velocidad" es la segunda muestra del futuro disco de estudio de Marineros, lanzamiento que tiene incierta su fecha de estreno, pero ya se está negociando.

Dentro de un pop romántico, característico de Javiera Mena, una de las mujeres más importantes en esta escena y parte de la inspiración de Marineros, presenta este single lleno de melancolía y amor.

Esta canción fue escrita con la perspectiva que da el tiempo. Es un amuleto para recordar que hay que amar la incertidumbre y entregarse al destino sin aferrarse a ilusiones, sino a uno mismo. La hicimos para desapegarnos del miedo a los finales, porque de ellos surgen también los comienzos", mencionó el dúo en un comunicado de prensa.

Es una canción producida por Cristián Heyne, las integrantes de Marineros afirman que es una representación fiel del espíritu que tendrá su futuro disco. Un trabajo que será "melancólico, retrofuturista y atemporal, porque nosotras marchamos al ritmo de nuestro propio corazón”.

Dale play a continuación:

Conoce 'De Las Raíces A La Fusión', un podcast de Magazine AM:PM

Disfruta y conoce sobre el jazz afronorteamericano, a través de un podcast que te lleva desde los inicios hasta el momento cúspide.

A principios de este 2022 surgió un nuevo y maravilloso proyecto que no puedes dejar pasar; se trata de De Las Raíces a La Fusión, un podcast en el que nuestros amigos Magazine AM:PM, grandes expertos en música cubana, se encargan de hacerte llegar información, datos y todos los detalles importantes y descatables sobre la historia del desarrollo del jazz afronorteamericano, desde sus raíces africanas hasta el período fusión de los años 70.

Todo se basa en un ensayo de John Harden, y es Omar Pérez quien se encarga de darle traducción y voz a las grabaciones. El podcast, hasta el momento ha tocado temas como los orígenes del jazz tras la abolición de la esclavitud, la fusión de tradiciones entre los spirituals y el blues rural, el nacimiento del Hot Jazz, los pequeños pero poderosos registros del jazz en Nuevo Orleans, la discriminación y segregación racial, entre otros.

De-Las-Raíces-a-La-Fusión-2022

Este proyecto cuenta con 12 episodios, de los cuales se conocen hasta el momento, cinco. Así que si las matemáticas no te fallan a ti ni a nosotros, aún tienes tiempo para disfrutar siete episodios más y conocer a través de ellos lo que resta por saber sobre el mundo del jazz.

Puedes disfrutar el podcast desde distintas plataformas streaming, conócelas todas dando clic aquí y no dudes en darle play a De Las Raíces a La Fusión.

Meme del Real musicaliza 'Amsterdam', la nueva serie de HBO

Amsterdam es la nueva serie mexicana de HBO, ¿y quién mejor para musicalizarla que el cofundador de Café Tacvba?

El músico mexicano Emmanuel del Real, mejor conocido como Meme, fue el encargado de musicalizar Amsterdam, la nueva serie mexicana original de HBO que cuenta la historia de amor de una pareja que vive en la Colonia Condesa en la Ciudad de México.

El integrante y cofundador de Café Tacvba, la banda mexicana que a lo largo de su trayectoria ha plasmado en sus canciones mucha de la identidad de la capital mexicana, realizó la selección musical para una historia que ocurre una parte más “cosmopolita”, de la CDMX.

El reto fue encontrar canciones clásicas que todos conocieran para poder dotar de una nueva identidad a esa parte de la ciudad y a la película. Y para este trabajo, Meme contó con la ayuda de artistas como Ximena Sariñana, Elsa y Elmar, Ángela Aguilar, Marisoul (de la Santa Cecilia), Santiago Casillas (de Little Jesus) y Luis Humberto Navejas (de Enjambre).

Son temazos espectaculares. La idea fue poder reversionar estos temas y darles una identidad diferente, una revisitada para refrescarlos con el lenguaje de esta generación en la que están depositadas toda la serie y la ciudad”, mencionó el músico.

Meme del Real ha comentado también que la banda sonora quedó muy acorde al lugar en el que se desarrolla la serie, y que quienes colaboraron con él para crearla son artistas conocidos o con carreras en ascenso que tienen una relación íntima con la movida musical de la ciudad o las ciudades en las que se podría replicar esta historia. 

Además, se buscó integrar a cantautores con públicos diferentes, para que así la banda sonora y la película pudieran llegar a mucha más gente. Y aunque el tecladista, cantante y productor mexicano se reservó los nombres de las canciones reversionadas hasta antes del estreno, ya podemos disfrutar de su selección musical en Amsterdam, disponible desde el 20 de marzo a través de HBO Max. 

Te dejamos el tráiler a continuación:

Fontaines D.C. estrena “Skinty Fia”

Una canción que se desarrolla entre escenas sombrías y paranoia.

Desde Dublín, Irlanda, Fontaines D.C. estrena “Skinty Fia”, un sencillo que forma parte de su tercer álbum homónimo. La banda continúa regalando emoción a sus fans con cada avance que sale a la luz, pues el lanzamiento de este disco será el 22 de abril.

“Skinty Fia” es una expresión irlandesa que demuestra molestia o decepción. En inglés se traduce como "The damnation of the deer" y en español como "la maldición del siervo".

El estreno viene acompañado de un videoclip que tiene una atmósfera oscura. Se desarrolla dentro de una fiesta que se caracteriza por una sensación de paranoia causada por el alcohol y las drogas. La canción está llena de un post punk que te hará bailar, pero al mismo tiempo te da una sentimiento de inconformidad y descontento.

Dale play:

El material audiovisual está dirigido por Hugh Mulhern. Al igual de los videos de "Jackie Down The Line" y "I Love You", los dos sencillos anteriores, está lleno de velas, rosas y predominan los colores rojo y azul dentro de la escenografía.

Skinty Fia es un álbum producido por Dan Carey, estará disponible para el público el 22 de abril de este año por parte de Partisan Records. Será un disco lleno de post punk, melancolía y enojo.

Festival de Primavera en CDMX

La primavera puso a bailar a la CDMX.

El fin de semana el Centro Histórico de la Ciudad de México se convirtió en una pista de baile. El kiosco de la Alameda Central, la plaza Tolsá, el Zócalo, la plaza de Santo Domingo, entre otras sedes, recibieron al Festival de Primavera, evento que de manera gratuita albergó más de 30 conciertos, obras de teatro y una función del Circo de Hermanos Atayde. 

Creo que uno de los mayores problemas que suelen tener los festivales es que están hechos exclusivamente para jóvenes. Si uno no tiene la fuerza de aguantar horas en el rayo de sol o la lluvia en lugares en donde no hay otra cosa que multitudes, se pierde del concierto que le gusta. El Festival de Primavera, una grata excepción, encontró un equilibrio de géneros musicales para que familias y jóvenes pudieran deleitarse.

Niños y adultos mayores pudieron disfrutar de una diversidad de espectáculos. Un hecho importante fue el regreso del mítico Teatro del Pueblo, después de que estuviera cerrado por varios años. No faltaron las carcajadas con las funciones del carro de comedias de la UNAM, algunos clowns y del único e inigualable Circo Atayde Hermanos, que logró ganarse los aplausos del Zócalo. Pocas cosas resultan más gratas que ver a las infancias reír en compañía de sus abuelos. Durante la función del circo, las primeras filas del Zócalo estuvieron reservadas para los adultos mayores, que podían pasar con sus nietos a un espectáculo que con lo “sencillo”: malabares, payasos, acróbatas, hicieron pasar un momento de ilusión a los pequeños, que en su mayoría por primera vez acudían a un circo.   

La primavera la asociamos con florecimientos, con dejar atrás el frío invierno donde estuvimos resguardados. Tal vez nuestro clima y los efectos que lo hacen cambiar, no nos haga sentir ese efecto tan drástico como en otros lugares. Lo cierto es que esta serie de conciertos revivieron una manera de ser del Centro Histórico que conservamos sólo enterrados en la memoria: la de los grandes conciertos. Es verdad, no estuvo ni Paul McCartney ni Café Tacvba en un Zócalo a reventar. Nuestra circunstancia es otra, pero no por eso estuvo ausente la fiesta: la plaza Tolsá (donde está el caballito y el Munal) se llenó de gente que vibró con una sesión de música electrónica de calidad mundial. Seguramente fue la euforia que muchos tenían guardada, pero artistas como el chileno Matías Aguayo o los peruanos de Dengue Dengue Dengue, lograron que las multitudes celebraran con el cuerpo esos ritmos acompañados de ligeros toques tribales. Fue algo realmente bonito que a pesar del desmadre de la fiestota el ambiente fue familiar, varios niñxs bailaban al lado de las diversas tribus urbanas que regresaron masivamente  al espacio público.  

MX BF DENGUE DENGUE DENGUE

La mezcla de tradición y modernidad del line up hacía que cualquiera pudiera encontrar algo que les gustara. Unas hermanas que venían desde los tuxtlas por una situación médica, no se separaron del escenario que se instaló en el Edificio Guardiola para recibir a tríos como los Dandys o Los Panchos. Una de las hermanas me comentó con los ojos húmedos: “están tocando todas las canciones que le gustan a mi papá que está ahora en el hospital.(...) Cantar para nosotras es una manera de descansar del hospital, pero también es una manera de estar con él”. 

Las chicas de Xochicanela y su son Huasteco pusieron a zapatear a la gente que se acercó al kiosco de la Alameda Central. Lo mismo que el sonidero de las Musas Sonideras que pusieron a bailar a más de un turista. Por no decir de las danzoneras o la Orquesta Pérez Prado. Definitivamente,  si algo no le falta a esta ciudad es gente dispuesta a bailar a la menor provocación.    

Lo valioso de este festival no sólo lo es por sus grandes músicos, sino por su posibilidad de silencio, de descanso. Basta con que uno camine cuatro cuadras para poder encontrar una cafetería, lejos del bullicio, donde comer algo a un precio accesible. De tal manera, insisto, en que uno no tiene que quedar atrapado en un foro lejos de poder darse una pausa. O en su defecto, en este festival uno podía irse a un escenario más confortable a escuchar jazz. Para una opción más clásica, la iglesia de Santo Domingo, que no es cualquier capilla, llenó todas sus bancas con el público que fue a escuchar a la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México.

Como cualquier festival también tuvo cosas malas, por ejemplo, ahora cuando caminemos por el centro y veamos la plaza de Santo Domingo o la plaza Tolsá sin ningún escenario montado, pensaremos que ahí bien podría estar tocando una banda… Nos quedamos con la sensación de que en el centro hay muchos comercios y museos pero no hay un lugar para la música, que siempre tendría que estar presente.

 

Will Butler anuncia su salida de Arcade Fire

Es tiempo de cosas nuevas.

El músico multiinstrumentista Will Butler, ha anunciado su salida de Arcade Fire, la noticia se compartió el sábado pasado justo antes del show que la banda dio en el Bowery Ballroom de Nueva York. El guitarrista explicó por medio de sus redes sociales que es una decisión que tomó desde hace un tiempo y que es ajena a cualquier clase de conflicto con sus compañeros.

A través de Twitter el artista de 39 años contó que alcanzó a participar en la grabación del próximo disco de la banda WE. Más adelante el músico reveló que se encuentra trabajando en un nuevo álbum como solista, para el cual ha arreglado algunas presentaciones para el verano. De igual forma confirmó que musicalizará una obra de David Adjmi y que tiene una serie de propuestas para los próximos meses.

No hubo ninguna razón aguda más allá de que yo he cambiado, y la banda ha cambiado, en los últimos casi 20 años. Tiempo para cosas nuevas.”

Al final dejó en claro que no terminó con una mala relación con sus ex compañeros asegurando que para el son su familia: "Los del grupo son mis amigos y mi familia. Estaré por ahí. Nos vemos”Will Butler fue uno miembros centrales de Arcade Fire, formando parte del proyecto desde el 2003, su carisma y su talento quedarán plasmados en cada una de las producciones de la banda.

Gracias a cualquiera que haya venido a los shows de AF, haya comprado un disco o ame nuestra música. Es significativo ser parte de sus vidas. Gracias a la tripulación, el personal, la gerencia, la gente del sello discográfico, las bandas, los artistas y los amigos que ayudaron a hacer realidad nuestra visión durante tantos años."