King Princess comparte “For My Friends” y anuncia nuevo álbum

Hold On Baby... una nueva era de King Princess ha llegado.

La cantante y compositora estadounidense, King Princess, publicó a través de sus redes sociales “For My Friends”, primer single de su esperado segundo álbum que lleva por titulo: Hold On Baby y se estrenará antes de finalizar el 2022.

For My Friends” llega acompañado de un jocoso videoclip dirigido por Nick Harwood que fue grabado en diferentes sitios de la ciudad de Nueva York, en el que Princess  muestra una representación de lo entrañable que es su relación con sus amigas en vida real.

Pensé que sería fabuloso, lanzar este nuevo álbum con una canción dedicada a mis dos mejores amigas de la escuela… Esas chicas han estado conmigo a través del pozo y mientras más tiempo paso con ellas, como adulta, más recuerdo que ellas son mi hogar”, destacó Princess.

Acá puedes ver el video:

Además de “For My Friends”, King Princess anunció que realizará con una gira a través de Estados Unidos y Canadá, para promocionar el álbum venidero. Esta gira arrancará el 5 de julio en Vancouver y finalizará el 15 de septiembre en St. Paul, Minnesota, con una actuación incluida en el Primavera Sound 2022.

Estas son las fechas que hasta ahora contempla la gira:

07/05 — Vancouver, BC @ Queen Elizabeth Theatre *
07/06 — Seattle, WA @ Paramount *
07/08 — Forest Grove, OR @ Grand Lodge *
07/09 — Boise, ID @ Revolution *
07/12 — Denver, CO @ Mission Ballroom *
07/13 — Salt Lake City, UT @ Union Event Center *
07/15 — Berkeley, CA @ Greek Theatre *
07/16 — Los Angeles, CA @ Greek Theatre *
07/18 — San Diego, CA @ SOMA *
07/19 — Phoenix, AZ @ Van Buren *
07/21 — Austin, TX @ Stubb’s Amphitheater *
07/22 — Houston, TX @ House of Blues *
07/23 — Dallas, TX @ House of Blues *
07/25 — Kansas City, MO @ Arvest Bank Theatre at The Midland *
07/26 — St. Louis, MO @ The Factory at The District *
09/28 — Charlotte, NC @ The Fillmore †
09/30 — Philadelphia, PA @ The Fillmore †
10/03 — New York, NY @ Radio City Music Hall †
10/05 — Boston, MA @ Roadrunner †
10/06 — Portland, ME @ State Theatre †
10/08 — Toronto, ON @ HISTORY †
10/09 — Detroit, MI @The Fillmore †
10/11 — Pittsburgh, PA @ Stage AE †
10/12 — Cleveland, OH @ Agora Theatre †
10/14 — Madison, WI @ The Sylvee †
10/15 — St. Paul, MN @ Palace Theatre †

A 40 años del ‘The Number of the Beast’ de Iron Maiden

Solos de guitarra, headbanging y agudos gritos que rompen cristales en... ¿el mejor álbum de heavy metal de la historia?

Si existe una banda responsable de todos los estereotipos que hoy se tienen acerca del heavy metal es Iron Maiden. Desde las melenas de león enjaulado y los estoperoles hasta los solos de guitarra y los agudos gritos que pueden romper cristales. No fue la primera de su tipo pero sí se ha posicionado como una de las más representativas. Y en especial hay un álbum que se encargó de formar las ideas que hoy se tienen acerca de este estilo musical.

A pesar de que el proyecto apareció en el Reino Unido durante la efervescencia del punk, el bajista Steve Harris siempre ha renegado de cualquier tipo de relación con los sonidos desaliñados y contestatarios. En realidad las influencias vienen de los dos gigantes ingleses de la música: Black Sabbath y Judas Priest. Pero además hay otro fuerte referente que viene de más atrás.

El primer cantante que integró las referencias terroríficas en su música

En la serie documental Metal Evolution (2011) dirigida por Sam Dunn aparecen los integrantes de la Doncella de Hierro. De forma directa afirman ser fieles seguidores de Screamin' Jay Hawkins, quien es el verdadero creador del shock rock. Desde la década de los 50 se distinguió por sus interpretaciones que lograron la unión perfecta entre la música, el teatro y el horror. Antes que Alice Cooper hubo un afroamericano que escandalizó a las buenas costumbres con féretros y supuestas invocaciones al demonio.

A partir de lo anterior es que no sorprende que desde un inicio Iron Maiden buscó replicar ese modelo. Aunque fue su tercer material el que de verdad catapultó al combo hasta lo más alto del cielo… o tal vez fue lo más bajo del inframundo. La llegada a las tiendas de discos el 22 de marzo de 1982 marcó el inicio para la década dorada del heavy metal.

En primera instancia, la majestuosa portada creada por el artista Derek Rigs es imposible de ignorar. Durante años fue rodrigoel encargado de mostrar su estilo visual en las tapas de los LP’s de la banda. En este caso muestra a Eddie, la famosa mascota de la banda, manejar a un títere en forma del Diablo, quien a su vez domina otro con la imagen del propio Eddie. Es la versión satánica y con bastante humor del Ummagumma de Pink Floyd.

Por otra parte, el mayor acierto del trabajo es la incorporación de un nuevo vocalista proveniente de Samson y se trata de Bruce Dickinson. En ese entonces fue una decisión tan arriesgada como cuando AC/DC eligió a Brian Johnson como reemplazo del fallecido Bon Scott.

El nuevo encargado de la voz mostró su potencia de inmediato y su estilo ha sido copiado por cientos de bandas de metal de todo el mundo. Los gritos agudos que se prolongan hasta la eternidad hacen su aparición en “Invaders” con los redobles de batería que hacen una invocación al headbanging. La misa de sonidos a máximo volumen comienza de buena forma aunque lo mejor está más adelante.

Six six six, the number of the beast
Hell and fire was spawned to be released

Pasan los años y “The Number of the Beast” se mantiene como una de las piezas más emblemáticas del grupo. Durante los primeros segundos se puede escuchar un versículo de la Biblia que funciona como preámbulo para la verdadera explosión. En este tema Dickinson muestra el verdadero poder de sus cuerdas vocales con gritos que hacen recordar a la versión juvenil de Roger Daltrey de The Who. Mientras que los juegos de guitarras son el complemento perfecto para sacudir el cuerpo con los puños en alto.

Pero eso no es todo porque al terminar de manera inmediata suenan los primeros acordes de "Run to the Hills". Otra composición de máximo nivel que nunca puede faltar en un concierto del proyecto inglés. Quienes piensan que el bajo es un instrumento de relleno es porque no han escuchado a Harris, quien aquí ofrece uno de sus trabajos mejor logrado al destacar en todo el tema.

Muchas veces se suele decir que lo mejor se debe dejar para el final y aunque todo el disco deslumbra, la pieza que lo despide es una de las mejor logradas. En "Hallowed Be Thy Name" se consigue una monumental obra de siete minutos compuesta por diversos pasajes. No tiene nada que envidiar a “Bohemian Rhapsody” de Queen. De hecho, en 2007 fue catalogada por Billboard como la mejor composición de heavy metal de la historia.

A lo largo de la discografía de Iron Maiden se observa un sonido uniforme con un estilo bien definido que no muestra grandes variantes. Aunque de todos los lanzamientos el tercer LP representa uno de los puntos más altos de la banda. Es la representación más clara de lo que significa ser una banda de rock.

Entrevista con Lanza Internacional

Un crisol de miradas acerca de las relaciones en el mundo postmoderno y fragmentado.

Desde las entrañas de Chile y México nació uno de los proyectos más ambiciosos en la escena emergente y la música alternativa latinoamericana: Lanza Internacional. Una agrupación que busca contagiar con energía y contundencia su ánimo synth pop y post punk a todo aquel melómano que se disponga a escucharlos.

Con la idea de aventurarse a nuevos territorios sonoros, los hermanos Francisco y Mauricio Durán, esencia creativa detrás de Los Bunkers; y Ricardo Nájera, integrante de Furland, lograron crear una combinación explosiva  que, sin siquiera esperarlo,  los posicionó en los reflectores musical desde hace cinco años.

"Empezamos a investigar y a desarrollar otras inquietudes que estaban ligadas al rock. Siempre teníamos la idea de que formaríamos una banda y en el año de 2017 conocimos a Ricardo, quien nos comentó que tenía una sala de ensayo desocupada y que nos invitó a tocar. De a poco comenzaron a surgir ideas y de forma paulatina este nuevo proyecto en conjunto", indicó Ricardo acerca de los inicios del trío.

A partir de ese momento, cada una de sus composiciones tomó fuerza y dio como resultado su disco homónimo de 2017, así como su nuevo proyecto discográfico titulado Frente, el cual es una mezcla perfecta que rompe fronteras a través de las  reflexiones personales y todo lo que compartimos en sociedad.

El trabajo de este álbum fue estar concentrados durante un tiempo con mucha intensidad. Fue meternos al estudio de grabación y empezar las canciones desde cero, a componerlas, a tirar ideas y jugar un poco con las puertas que se nos iban abriendo. Eso dio lugar a que diéramos con un disco muy variado, las canciones de cada una tienen un estilo y sentimiento distinto respecto a cómo nos relacionamos hoy en día con la tecnología y las redes sociales", indicaron.

A lo largo de 11 canciones directas y diversas, el reciente material de Lanza Internacional nos revela un crisol de miradas acerca de nuestras relaciones con el mundo postmoderno y fragmentado. Un idea que enfrenta a las innovadas cosmovisiones de la sociedad y su evolución con nuestro ser.

"El disco es una mezcla de sentimientos personales y el reflejo de cómo nos tratamos/ relacionamos a nivel general, ya que se inserta en el mundo actual, su evolución y la forma en que nos acostumbramos a él, pues uno termina escribiendo de las cosas que está conversando en el día a día", destacó la agrupación.

Es así como Frente se nutre de diversas vertientes musicales dando como resultado un recorrido ecléctico con las piezas "Cordel" y "De Policía a Ladrón" hasta la acústica reposada y contenida de "Un Pedazo Más de tu Corazón" y "Un Día Antes de Recaer".

Desde post punk, balada setentera, California pre Laurel Canyon, el disco y hasta un folk vals, Lanza Internacional nos sumerge en una marea de distintos ritmos y géneros, pues su proceso creativo suele ser una antítesis de lo que se hace en la actualidad. La estructura se concreta por medio de su sentir cotidiano, y al parecer, lo proyectan de una manera muy sólida a la hora de grabar en el estudio.

Queríamos hacer un disco con ciertas características musicales y creemos que lo  logramos muy bien. Decidimos no ponerle un marco estético con tal jugar con las combinaciones a medida en que iban saliendo canciones variadas y coloridas. Este álbum es más intuitivo", mencionó Mauricio.

El nuevo proyecto Frente de Lanza Internacional tiene toda la veteranía para hacer vibrar los escenarios de manera autoritaria. Dicha trayectoria sonora explora paisajes melódicos con una perspectiva de conciencie a través de la inusual frescura adherida del ser.

Yumi Zouma — Present Tense

Un golpe de sentimientos encontrados, romance, alegría, cuestionamientos y vaivenes del ser que tarde o temprano asecharan nuestro camino.

Originalmente creado como un proyecto de larga distancia entre amigos, Yumi Zouma se ha consolidado como una de las bandas más sobresaliente en la escena internacional, pues a lo largo de su carrera ha cosechado tres álbumes de estudio y numerables EP, de los cuales destacan: Truth or Consequences (2020) Willowbank (2017) y Yoncalla (2016).

Dos años después, la banda originaria de Nueva Zelanda emprende otro viaje musical bajo el título Present Tense, su cuarto material discográfico del que ahora forma parte una paleta sonora de baterías, pianos, cuerdas y vientos para revelar un vistazo cacofónico de su esencia.

Una exploración de tonalidades que reivindican su estilo en su máxima expresión a través de 10 tracks electrizantes de indie pop. Una mezcla que yace en el romance, la poesía, las voces dulces o cualquier otra variante que alberga nuestra mente y corazón.

El álbum comienza con “Give It Hell” a través de un mezcla orgánica de percusiones y riffs de guitarras que nos dan un ambiente rítmico para calentar los motores. Esta no solo marca el inicio de su proyecto discográfico, también habla del proceso de composición de la banda y en cómo buscan superarse día con día.

Es así como llega “Mona Lisa”, el protagonista del disco y el más escandaloso, pues hace hincapié a las “melodías dulces que encubren una oscuridad lírica y una conclusión triunfante”. Aquel tema que alude a un amor incierto y a los malentendidos que brotan durante un tiempo pandémico.

Más tarde se presenta “If I Had The Heart For Chasing”, un sentimiento libre que vuela lejos de la  toxicidad y que nos enseña a soltar todo aquello que nos hace daño. Una experiencia que le da paso a "Where The Light Used To Lay" para sumergirnos en una introspección interna del recuerdo y la añoranza.

En "Razorblede", la banda de indie pop baja su ritmo, ocasionando una pista más sobria y aguda de relajación. Aunque el ánimo cobra vida con "In The Eyes Of Our Loves" y "Of Me and You", pues sus frecuencias de alto impacto hacen que las vibraciones vuelvan al punto de inicio de ondas suave y pegajosa sin aburrir al oído.

Y como todo en esta vida tiene que culminar, Yumi Zouma decidió colocar "Honestly, It´s Fine", "Haunt" y "Astral Projection" al final de su álbum. Tres temas sobrios que bajan poco a poco el telón de su repertorio musical, mismo que lo conforman sentimientos encontrados, romance, alegría, cuestionamientos y vaivenes del ser que tarde o temprano asecharan nuestro camino.

Vive Latino 2022: Día 2

El cierre del Vive Latino superó las expectativas de los asistentes quienes saturaron varios escenarios.

Después de haber quedado con un gran sabor de boca al finalizar el primer día de actividades del Vive Latino 2022, todas las personas que se dieron cita ayer en las inmediaciones del Foro Sol salieron más que satisfechas de poder presenciar actos que obtuvieron su consolidación en carpas pequeñas y también artistas que lo dieron todo en los escenarios principales. El segundo día de Vive Latino 2022 fue inaugurado con las presentación de Technicolor Fabrics Son Rompe Pera, estos últimos pusieron a bailar a la gente que decidió ir al escenario Indio. Varios quedaron sorprendidos al escuchar a la banda originaria de Naucalpan y cómo mezcla el punk, reggae y psychobilly con el sonido particular de la marimba. Fue un gran acierto calentar motores con Son Rompe Pera, hace varios años que no se veía que una banda debutante tuviera tan buena química y recibimiento por parte del público. ¡Cumbia is the new punk!

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Mientras Son Rompe Pera seguía poniéndole sabor al Vive Latino, en la carpa VL Ramona le daba un toque más sentimental y romántico. Los comandados por Jesús Guerrero demostraron por qué se van a aventurar a salir de gira por todo México, tienen una base de fans muy sólida que los respaldó llenando la explanada de la carpa VL. Ramona tiene una conexión especial con la CDMX y quedó claro después de escuchar cómo todos los que estaban ahí cantaban cada una de las canciones que sonaban, aunque sin duda los temas más gritados fueron "Los Esclavos" (sin Little Jesus), "Regresarás" junto a Gianna Sotera"Roja Flor" y su magnífico cover de "La Gata Bajo La Lluvia" con visuales de la gran Rocío Durcal al fondo del escenario.

Inmediatamente después de que le bajaron la luz a Ramona, en el escenario de a lado Bruses hizo su debut en un festival. "Este es el tercer festival de toda mi vida" dijo la cantante tijuanense que tuvo como buena idea salir a cantar rodeada por un cuerpo de bailarines que constantemente lanzaron rosas de varios colores a los asistentes, además también en la tarima estuvieron presentes cuatro fans que mediante Tik Tok se ganaron la oportunidad de estar con su artista favorita. Las sorpresas continuaron en el acto de Bruses vino cuando invitó a BrattyArroba NatGreta Ela a cantar un cover de "Wannabe" de Spice Girls y todo el público enloqueció, aunque después fue Elsa y Elmar la que compartió micrófono con Bruses y ahí sí todo se estremeció en el escenario Claro Música. Junto a la colombiana Bruses estrenó en vivo la canción "¿Qué Voy a Hacer Conmigo?", la cual saldrá a la luz oficialmente el 24 de marzo.

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Otro que también debutó a lo grande fue Kevin Kaarl ya que en el Escena Indio la cantidad de personas que fueron a ver al joven músico rebasó la mitad del gran aforo de aquel escenario. "Vámonos a Marte" fue la canción más coreada del surtido repertorio de Kevin. A pesar de tener el tiempo de su show muy justo, esto no le importó a Kevin Kaarl que observó que el padre de una chica la estaba buscando desesperadamente y el cantante detuvo su canción "Toda Esta Ciudad" para pedirle al público que ubicaran a la chica desparecida y así que pudiera reunirse con su papá. Al final se logró y la gente pidió al unísono que Kevin subiera al escenario a la chica, pero por cuestiones de organización y tiempo esto no fue posible.

Lido Pimienta no decepcionó a nadie en la carpa VL, con su voz espectacular seguramente erizó la piel de más de uno. "Eso Que Tu Haces" fue la pieza que hizo resaltar más el canto de la cantante colombiana con esos coros largos en los cuales sostiene notas muy altas y potentes. Al final de su show, Lido Pimienta no se quería ir, a pesar de que le cortaron el audio regresó y a capella nos regaló un coro más, además lanzó una agradable advertencia: "Gracias, nos vemos muy pronto que vuelvo otra vez eh". Un fenómeno que ocurrió varias veces en escenarios distintos a diversas horas, fue el de carpas y escenarios que le quedaron demasiado pequeños a algunos artista. Tal fue el caso de Vanessa Zamora que dejó en ridículo a la capacidad de la carpa Intolerante porque la gente que se reunió para verla no solo sobrepasaba el aforo de la carpa, sino que la afluencia fue tal que había personas viendo el concierto desde el paso hacía a otros escenarios.

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El rapero argentino Wos tuvo el infortunio de competir con un consentido del público asiduo al Vive Latino como lo es Siddhartha, pero aún así el escenario Claro Música no lució para nada vacío, al contrario, fueron muchas las personas que se dieron cita para oír las rimas de canciones como "Luz Delito" y la favorita de muchos "Andrómeda"Siddhartha vivió ayer su consolidación como un artista grande en el escenario principal del Vive Latino, no solo llenó al 75% el lugar, sino que el recibimiento del público fue más que grato, todos cantaban cada una de las canciones que el tapatío lanzaba. "Loco""Paraíso Lunar", "Bacalar" "80 Días" fueron coreadas por miles de personas, pero el punto más alto del show de Siddhartha llegó cuando invitó a la tarima a mariachis para cantar "00:00".

En una noche de reencuentros y revanchas, Love Of Lesbian dejó en claro que México es su segundo hogar. Incluso Santi Balmes se mostró más emocionado que otras veces ¿Cómo no estarlo si saturó el Escena Indio? Aún con algunos problemas técnicos, la banda española ofreció un show con un repertorio de lo más variado con canciones de distintas etapas de su carrera. "Bajo El Volcán""El Sur""Belice", "Club de Fans de John Boy" y la clásica "Allí Donde Solíamos Gritar" fueron algunas de las canciones seleccionadas por Love Of Lesbian para este concierto que marcó su regreso a México después de casi cuatro años.

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Quien también tuvo su revancha fue Residente luego de que con su proyecto Calle 13 fuera abucheado en otra edición del Vive Latino, este año regresó por la puerta grande y pudimos constatar que los tiempos cambian ya que en el escenario Indio se pudo ver una participación del público bastante buena. Canciones que hace años pudieron haber sido repudiadas, ayer fueron coreadas, un ejemplo fue "Atrévete-Te-Te" "Cumbia de los Aburridos" que son canciones de reguetón. Canciones como "La Vuelta al Mundo""Latinoamérica" y "No Hay Nadie Como Tú" dieron el cerrojazo al concierto de Residente y sí, sí cantó la tiradera para J Balvin.

En otra muestra de las explanadas que se quedaron cortas, hablemos del fenómeno que es C. Tangana. El español abarrotó el Escena Indio. Literalmente llegó un punto en el que ya no había manera de entrar a ver al rapero, no se podía mover nadie ni para atrás ni para adelante, nadie se quiso perder este acto. C. Tangana  le "robó" público nada más y nada menos que a Black Pumas e indirectamente hizo que Los Fabulosos Cadillacs iniciaran su concierto con la mitad del aforo del escenario principal. El formato de la presentación de C. Tangana nos hizo recordar el Tiny Desk que grabó y las canciones seleccionadas fueron gritadas por las miles de personas que lo vieron, pero si tuviéramos que dar una mención honorifica esa tendría que ser compartida entre "Demasiadas Mujeres" y "Tú Me Dejaste De Querer".

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El final de esta edición del Vive Latino llegó con tres agrupaciones históricas en sus géneros: Los Fabulosos Cadillacs en el escenario Indio, Pixies en el Escena Indio y Banda MS en el Claro Música. Despues de las 23:00 H esas eran las tres opciones y aunque al inicio de los shows no estaban llenos, poco a poco la gente fue decidiendo qué quería ver. En orden de afluencia, Pixies fue la más afectada porque ni con su concierto lleno de energía pura, ni con "Where Is My Mind?" pudieron hacerle frente a las otras dos bandas en cuestión. Los Fabulosos Cadillacs cumplieron, no fue el mejor show que han dado en México pero dejaron contentos a sus fans con temas clásicos del rock latinoamericano como "Siguiendo La Luna""Vasos Vacíos" "Manuel Santillán, el León". Lo que ya no es una sorpresa es que la banda que "desentona" en el cartel del Vive Latino termine gozando de presentaciones con escenarios al máximo de su capacidad. En años anteriores lo hicieron Los Tucanes de TijuanaLos Tigres del NorteBronco Intocable, para esta edición la banda encargada de poner a todos a bailar y a cantar despechadamente fue la Banda MS y fue un evento sin precedentes ya que le compitieron al tú por tú a Los Fabulosos Cadillacs y quien haya estado ayer en el escenario Claro Música nos darán la razón cuando decimos que no cabía ni siquiera un alfiler.

A la salida, ya habían colocado anuncios en los que se podía leer "Nos vemos el próximo año" y aunque en estos tiempos no tenemos la certeza de que el próximo año se pueda realizar un festival, el panorama luce alentador para la música en vivo en México y para el Vive Latino. 

TOP 10: Videos para celebrar la primavera

Una selección resplandeciente, lista para ser escuchada en esta primavera.

Ah, la primavera. Esa viva ilustración de monografía con un sol resplandeciente, cielos turquesa, un pasto verde, árboles frondosos, florecillas por todas partes, un par de aves cantando y un grupo de niños que juegan en el patio escolar. Eso y más se supone que representa, o al menos lo que nos enseñaron que era.

Sea una realidad o no, no hay sensación más similar que la de un colorido y floral  tema para amenizar tu día. Aquí te traemos los 10 tracks más ad hoc para iniciar la estación más viva y alegre del año. 

 

10.- “Harmony Hall” - Vampire Weekend

No hay nada que eleve más el ánimo que las eclécticas y jubilosas melodías del trío de Nueva York, Vampire Weekend. Al interior de su más reciente álbum de larga duración, Father of the Bride (2019) podemos encontrar este tema, cuyos pianos y baterías capturan una mañana cálida y los rayos de sol entrando por la ventana. Si lo tuyo no son los insectos te recomendamos mejor no mirar esto.

9.- “There Must Be A Song Like You” - Helado Negro

A tu vida le hace falta un bailecito muy a la Roberto Carlos Lange, y qué mejor asesoría podrías encontrar si no es su tema “There Must Be A Song Like You”, una melodía ideal para recorrer la arboleda que yace sobre las extensas carreteras y disfrutar del sonido de las cascadas en plena primavera. 

8.- “Hunger” - Florence and the Machine

Con una voz espiritual y el fragor del amor que se mezcla en la naturaleza llega Florence and the Machine con el tema, “Hunger”, progresiones enamoradas y una enredadera floral que pretende darte un abrazo directo al corazón. 

7.- “Here Comes The Sun” - The Beatles 

Si lo tuyo son los clásicos, ya está aquí “Here Comes The Sun”, esa canción para revolucionar tu día y sonreír un poquito aunque sea de camino al trabajo. Escrita por George Harrison para el álbum, Abbey Road (1969), la banda británica de rock nos muestra su lado más alegre y un retrato sonoro similar a la ansiada primavera. 

6.- “Primavera 2020” - Little Jesus 

Estar amartelado en la época más resplandeciente de todas no debería ser una sorpresa. El Pequeño Jesús nos muestra su lado más cursi con “Primavera 2020”, una canción para dedicar y compartir en estas vísperas de color, luz y aire fresco.  Si no estás enamorado, entonces deberías estarlo: 

5.- “Flower” - Johnny Stimson 

La misma “madre naturaleza haciéndolos entrelazar”. Con matices R&B y un pop sensible, el cantautor norteamericano Johnny Stimson trae esta atractiva melodía con analogías sobre el amor y el brote de una flor en un periodo estacional como éste. La hermosa primavera. 

4.- “Misread” - Kings of Convenience 

Piénsalo así: Tú y tu persona favorita, la familia o hasta tu perro, juntos en una tarde luminosa en un campo verde a las orillas de una gran lago, arrojas un frisbee al aire y lo demás es diversión. Todo a la par de un juego de guitarras acústicas y toques bossa nova por parte del dúo conformado por Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe; esa balada de folk pop que se mimetiza perfectamente con este escenario. 

3.- “Primavera 0” - Soda Stereo

A nadie le cae mal un poquito de distorsión, es por eso que el maestro Cerati, Zeta Bosio y Charli Alberti llegan para electrizar nuestro oídos con un clásico de 1992, “Primavera 0”, tema extraído de su álbum Dynamo. Nada más obvio para la época primaveral. 

2.- “Good Song” - Blur 

 Los animalitos de fábula son una realidad en “Good Song”, single extracto del álbum de 2003, Think Tank, y una obra caricaturesca adecuada para esta primavera. Una historia donde las especies del bosque buscan a su complemento y las almas solitarias encuentran a su otra mitad. Aunque no todos corren con la misma suerte. 

 

1.-  “She’s Like a Rainbow” - The Rolling Stones

Y no podía faltar otro clásico de clásicos, el himno más policromático del rock internacional. “She’s Like a Rainbow”; un riff vibrante de piano realizado por Nicky Hopkins, compuesto por el vocalista Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, con un acompañamiento de cuerdas despampanante. Una verdadera oda dedicada a ese final imaginario, con un arcoiris que termina al final de las colinas.

Entrevista con La Zorra Zapata

Aceptar la dualidad de la vida y mirar a la muerte sin miedo.

Descifrar la vida es difícil, o hasta imposible; descubrir la misión que fue encomendada para nosotros por algún tipo de poder u orden superior a lo humano, es una tarea que puede llevarte toda la vida. Los tiempos son cada vez más inciertos y hacen preguntarnos si vale la pena ignorar el deseo de querer dominar todas nuestras pasiones, en búsqueda de una comodidad total sin miedos, pero también sin emociones. Hace unos días hablamos con Nuria Zapata (La Zorra Zapata) y pudimos conocer sus maneras de afrontar este tipo de inquietudes, en una platica muy amena llena de introspección y emociones.

En el trabajo de un artista podemos identificar la formación y el trayecto que esta ha recorrido, en el caso de Nuria, el arte y su diverso abanico de campos y expresiones, es el camino de su vida. Esto no solo por el gusto y afinidad hacia estas, sino por la incapacidad de hacer otras cosas con el mismo nivel de satisfacción. En palabras de Nuria. “No me pesa, en realidad me quitó un peso de encima, porque nunca me sentí dudosa de qué era lo tenía que hacer, sino que tuve el camino super claro y vengo de una formación más de artista plástica, luego actuación, escultura, siempre muy aficionada a la poesía y lo de la música siempre lo tuve en secreto, pero siempre que veía una chica en el escenario, pensaba, ‘Carajo, siento que podría estar ahí y eso es lo que debería hacer’”.

La vida nos pone a prueba muchas veces y las decisiones que tomamos durante estos sucesos, son las que nos marcan de por vida, para Nuria, una operación de rodilla y una larga recuperación, fue lo que la llevo a tomar la decisión de incursionarse en el mundo de la música de una vez por todas, tomando sus últimos 600 dólares, ella compraría un micrófono y una loop-station para materializar su nuevo proyecto, convirtiendo una situación terrible en una oportunidad.

A lo anterior Nuria comenta: “Ya cuando vas creciendo, te das cuenta de que todos esos procesos que consideraste erráticos, es decir, que son errores, al final terminan retroalimentando tu narrativa artística. El hecho que yo tenga una formación de artista plástica, me da mucha cosmovisión de como componer cosas, la actuación me ayuda frente a la cámara y la música me permite tomar todos mis pollitos y juntarlos en un solo proyecto […] Si no todo hubiera sucedido como sucedió, no sonaría como sueno ahorita, sin la tragedia mi sonido no sería rico e incómodo”.

La-Zorra-Zapata_2022

El cambio puede ser aterrador para algunos, pero en el caso de Nuria, el cambio parece algo normal en su vida, debido a que intentar cosas nuevas la llena de emoción. El cambio se presenta en su nuevo sencillo “Un Golpe al Alba” parte de su nuevo álbum Acantilados, ya que muestra un sonido completamente diferente a lo mostrado anteriormente y lo que antes era una guitarra acústica, ahora es una guitarra eléctrica llena de una energía acumulada durante el encierro por la pandemia.

Esta es la primera canción que coproduzco, y, a pesar de que siempre estoy metida en la producción, esta vez gocé de mayor control sobre lo que se trabajaba y lo que siento con esta canción, es como mirarme las manos, la siento tan mía, tan coherente de lo que soy y es tan gratificante escuchar esa canción y verme ahí”.

La emoción y felicidad se podía notar en el rostro de Nuria mientras la plática seguía. El nombre de la poeta Alejandra Pizarnik comenzó a tomar pesó dentro de la conversación, ya que ella y su trabajo fueron una gran inspiración al momento de componer este nuevo sencillo y durante la realización del video. “Ella es una persona muy profunda, con laberintos internos muy interesantes y ricos, pero también muy turbios y densos. En el video, los personajes representan una dualidad que mientras uno intenta salvar al otro, el otro intenta salvarse a si mismo. Yo, desde lo personal, siento que poder elegir cómo morir, es el último ejercicio de libertad”.

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La vida y la muerte son temas de los que no siempre se habla, ya que el sentimiento de vivir se vuelve tan cotidiano que es ignorado y, en el caso de la muerte, esta se relaciona con el dolor y pérdida, lo que la hace un tema indeseable. Dentro del trabajo de Nuria, estos temas conviven de una manera armónica y gracias a la charla que tuvimos con ella, descubrimos su percepción ante esta dualidad.

Hay una frase que a mi me encanta, que es ‘La muerte hace brillar la vida con humildad’, y siento que varios de nosotros tuvimos el privilegio de tener un despertar en la pandemia. De ser conscientes de lo mal que estaba el mundo, pero tener la posibilidad decir ‘Estoy vivo yo, que suerte y que alegría estar viva’ eso es lo mágico de la muerte”.

La charla llegó a su fin con una Nuria que desprendía motivación y emoción. Pudimos conocer a la persona que está detrás del proyecto y reconocer que los resultados que está cosechando son derivados del esfuerzo y empuje de una persona enérgica, que logra encontrar lo bello hasta en lo más terrible y con un pasado que carga de emotividad su presente. En Indie Rocks! escucharemos Acantilados con emoción y disfrutaremos del mensaje y dualidades que se presenten en este.

 

Maia Friedman — Under the New Light

Cada tema en Under the New Light es un vivo y eterno sentimiento. 

La artista Maia Friedman conocida por formar parte del proyecto Dirty Projectors, se encuentra de entreno con el lanzamiento de su primer álbum solista titulado Under the New Light, compuesto por 10 temas que prometen clavarse a nuestro interior. 

Lo que primero que suena es “Where The Rocks Are” que de inmediato nos hace enamorarnos de la dulce voz de Maia que acompañada de notas delicadas, nos transporta a un lugar lleno de relajación y paz. “First to Love” muestra lo sentimental que podemos llegar a ser los seres humanos en ciertas ocasiones, es un tema que se siente como un apapacho. 

Ligeras notas de piano y guitarreos acústicos es lo primero que escuchamos en “Happiness” que conforme avanza se siente como desborda el amor y la alegría que la compositora Maia Friedman tiene en su ser. Para “Under the New Light” la melancolía sale a brote acompañada de perfectas notas de voz de parte de Maia que nos ponen la piel chinita. 

Continuando con “Elevate Us” nos hace sentir en un film en blanco y negro, donde somos los protagonistas de una historia realmente hermosa. “Sunny Room” es una búsqueda infinita sobre nuestro brillo interno y externo que nos envuelve al compás de suaves guitarras acústicas.

“Raintime for Yohei” cambia las melodías relajantes y comienza con notas un poco más electrónicas en las que la voz de Maia se pierde por momentos. Para los días nublados en los que solamente queremos estar en casa encerrados escuchando música “All We Are (How To Last)” es el tema indicado. 

El tema más corto es “Interlude” en el que las voces distorsionadas se apoderan de el por un minuto y segundos. Finalmente llegamos a “A Sleep in the Garden” que continua con sonidos eléctricos y una voz más rápida y movida que en los temas anteriores. 

Maia Friedman nos inunda de sentimientos y emociones con Under the New Light un álbum en el que en cada tema nos muestra un sentimiento, una experiencia, una emoción o simplemente un pensamiento de los cuales es fácil que nos identifiquemos. 

Vive Latino 2022: Día 1

Frenesí y pasión: el reencuentro oficial que tanto se esperaba.

Es imposible olvidar que hace dos años la pandemia llegó a México para frenar absolutamente todo. Vive Latino fue el único recuerdo (positivo) que vivió durante semanas a lo largo de este suceso devastador -en todos los sentidos-. Mientras el 2021 se mantuvo entre las paredes de la incertidumbre, el 2022 llegó con las mejores intenciones de ofrecer una cara diferente al panorama, que aunque sí, aún no termina, ahora es menos difícil de sobrellevar.

El Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino, anunció su tan esperado reencuentro para este 2022 con un evento de dos días y más de 70 diferentes propuestas musicales. Cinco diferentes escenarios dieron vida a la curva del Autódromo Hermanos Rodríguez en donde cerca de 100,000 personas se volvieron a reunir para disfrutar de la extensa variedad musical que durante décadas, el festival ha logrado ofrecer.

Bajo un incierto clima en donde el sol se presentaba con potencia para después esconderse bajo la magnitud de las densas nubes, las puertas del venue se abrieron para recibir a los primeros fanáticos que llegarían a disfrutar de proyectos como Okills y Blssom, quien con sus ritmos tropicales e hipnóticos se dedicaron a seducir al público con temas como "Dímelo"; ofreciendo así una bienvenida fresca, melancólica y suficientemente gratificante.

Blssom_Vive Latino 2022_David Durán (2)

Después de este cálido inicio, la banda empezó a calentar motores paulatinamente partiendo de un escenario a otro. CNVS se encargó de inaugurar la carpa VL con un poco de música nueva como su single "¿Qué Día Es Hoy?"; asombrando con su capacidad para desenvolverse sobre el escenario; una presentación que definitivamente dejó con ganas de más.

Por otra parte, en el escenario de a lado, Los Blenders ya empezaban a amar el alocado slam con sus frenéticos sonidos y dinámicas rolas. La agrupación aprovechó para interpretar temas de Mazunte 2016 (2020) y dedicar unas palabras de aliento para todos aquellos que les acompañaron, haciendo hincapié que la música está al pie del cañón para sobrellevar todo lo que la vida nos ponga en el camino. ¡La pandemia sigue y hay que seguirnos cuidando!

El calor empezaba a apoderarse del día y para las 15:00 H, ya se veía a la mayoría del público construyendo su tradicional pila de vasos cheleros. En medio de los rayos del sol, Los Cogelones dio inicio a la tanda de presentaciones del escenario principal del Vive Latino 2022 con una selección musical que gritaba su esencia: un homenaje a la cultura del país y a la lucha por la libertad. Entre sonidos explosivos y repletos de fuerza, la agrupación de Nezahualcóyotl provocó que a los asistentes se les erizara la piel al instante.

Mientras tanto, en el escenario cercano, Gepe se apresuró para poner al público a mover las caderas. Con sus ritmos pegajosos y sus líricas románticas, el chileno se desenvolvió con maestría sobre el escenario llamando a participar a amigos cercanos como Daniela Spalla, Alex Ferreira y Esteman; una presentación que literalmente echó chispas.

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La teatral y cinematográfica puesta de sol

El sol empezaba a cesar y la gente aprovechó para ir a consumir alimentos en la zona de comida, ir a divertirse en la feria o relajarse un poco en el mismo pasto. Nada mejor que tumbarse después de una gran oleada de éxitos de tus bandas favoritas. Los escenarios continuaban su rumbo. Mientras que el principal recibía las Batallas de campeones, la escena indio aplaudía los temas de Javier Blake. Asimismo, en la pequeña carpa Intolerante el público despedía a Taburete para dar inicio a Daniel Quién, uno de los actos más esperados de la tarde que consiguió recaudar a cientos de personas. Mientras resonaban temas como "Lo Supe de Ti", "Poetas en las Cuevas" y "Aroma a Nostalgia" se notaba que el lugar le había quedado demasiado pequeño al sinaloense. Una carpa abarrotada envolvía la mágica experiencia musical de este proyecto.

Uno de los actos más esperados de esta edición del Vive Latino fue The Marías quien consiguió convocar a demasiadas personas quienes esperaban ansiosas escuchar algunos de los éxitos de Cinema. "Un Millón", "Hush", "Little By Little", "Cariño", "Calling U Back" y "All I Really Want Is You" fueron coreados al unísono; convirtiendo este momento en un espacio romántico, sensual y brillante.

El sol comenzó a caer y el atardecer apareció de fondo mientras La Gusana Ciega hacía su aparición sobre el escenario para interpretar su música nueva y por supuesto, algunos de sus más grandes éxitos. Mientras que Conociendo Rusia agradecía el recibimiento de su fandom mexicano interpretando algo de La Dirección (2021). Por otro lado, Camilo Séptimo navegaba entre la incertidumbre de vivir enamorados cautivando con su show en visuales y luces neón.

The Marias_Vive Latino 2022_David Durán (3)

Culminando de una manera diferente

La adrenalina y el furor del público se manifestaba con fuerza cuando la luz de la luna acompañaba a Los Auténticos Decadentes. Los enamorados se reunieron para disfrutar de rolas como "Loco (Tu Forma de Ser)" y "Golpes en el Corazón". Para entonces, un alto porcentaje de los presentes ya tenía una alta pila de vasos y así entonados deambulaban entre los diferentes escenarios para disfrutar minutos de Julieta Venegas y su regreso a los directos y Mogwai.

En los ya tradicionales empalmes de shows, Gary Clark Jr quedó a la altura temporal de Limp Bizkit y aunque el escenario del primero recibía a pocos asistentes, técnicamente estaban los que solo deseaban animarse con delicadeza y finura al ritmo de sensuales riffs de guitarra. Por su lado, la agrupación de Florida se apoderó de gran parte de la noche mientras escurrían sus rimas y celebraban su regreso a México.

El cierre del primer día del Vive Latino llegó de diferentes maneras, La Maldita Vecindad, The Guadaloops, Moenia y Patrick Miller se entregaron al público en forma de sonidos urbanos, melancolía, frenesí y Hi-NRG; una velada demasiado intensa, pero necesaria.

Limp Bizkit_Vive Latino 2022_David Durán (1)

Dechakhal — Extrañas Voces

Los primeros pasos de Dechakhal.

Desde la Ciudad de México, llega el disco debut del dúo Dechakhal, Extrañas Voces, a través del sello Tumbas Eternas. Cuentan además con un sencillo previo “Other Side”, el EP Tragos Amargos y aparecen en la compilación Escena Oscura Mexicana Vol. 3 “Futuro”.

Formado por, Salva Uriarte y Miss Kido, quien se integró este año, el proyecto tiene su origen en 2020, cuando la situación sanitaria nos obligó a dar un alto en el camino, y para los artistas surgió la necesidad de inventarse o reinventarse, siendo lo primero, el caso de Dechakhal, que en dos años transitó su camino de búsqueda hasta encontrar los ritmos adecuados con los cuales presentarse.

Con una influencia muy cargada por sonidos de los 80, Extrañas Voces decide explorar géneros como el new wave, post-punk y el synth pop, haciendo énfasis en los tonos electrónicos, creando una experiencia evocadora, dándote la sensación de estar en un club de Berlín, una fábrica abandonada en Manchester o un departamento abarrotado del extinto D.F.

Es un material que nos transporta desde el primer trackRun” una canción con tintes industriales, beats techno y una voz profunda, que emana directamente de un venue de la escena under de alguna, u otra, de las metrópolis antes mencionadas. “Always Die” mantiene la misma línea que la canción anterior, pero es con “Ellos” donde se rompe ese continuismo, de entrada, la interpretación en español da un grado de autenticidad a la canción, pudiendo escuchar la propuesta y no sólo las influencias.

The Trip III” el punto medio del álbum, es otro momento destacado, bajando el ritmo y tomando como base una guitarra acústica, se vuelve la más experimental y compleja de las 10 canciones que lo componen. Los últimos puntos a resaltar son, “Mis Demonios” y “Escucho Voces”, similares en su composición y ritmos, más cercanos al dark wave que al synth pop de temas previos, además de mostrar una cara más auténtica.

En conclusión, es un buen debut, aunque irregular en sus formas. Por un lado, muestra sus cartas inmediatamente, reconocemos muy fácilmente sus influencias, sonidos y ritmos, escondiendo por muchos lapsos su faceta creadora, que sale a la luz, en los temas en español, donde se muestra menos reverencial y con mayor libertad de imprimir su sello. Un disco que se debate entre el homenaje, la reinterpretación y la apropiación. Como todos en esta vida Dechakhal irá tomando su propio camino con el transcurrir del tiempo.