Perfiles: Luis Sedano

Posted on octubre 31, 2022 by -

Detras de todo gran artista... hay un gran equipo.

Todo tiene un inicio y un final, y como artista llega ese momento en que tras varios años de trabajo, lanzamientos, posicionamiento y mucha constancia la etiqueta indie o DIY te empieza a quedar pequeña, es momento de dar el siguiente paso pero ¿A dónde ir?, ¿Cómo potencializar lo que ya tengo? Y sobre todo ¿Cómo consolidarte como artista?. Es ahí donde entra el trabajo del manager y de Luis Sedano “Zorry”, socio fundador de Managers Anónimos, es quien nos plática de la función de un buen equipo de management.

Este negocio es muy demandante, está activo 24/7, es muy atípico: trabajamos toda la semana para entretener a la gente el fin de semana… El mayor reto de mi trabajo es la paciencia y la amplitud de tu persona, un representante es psicólogo, un representante es estratega, sufres sus fracasos y disfrutas sus logros”.

Sedano, (que es especialista en music business) es el socio fundador de Managers Anónimos que  engloba varias áreas del negocio de la industria de la música (management, booking, sello, distribución digital y publishing) y que pretende justo impulsar una escena que ya no puede seguir con la etiqueta de ‘emergente’ y que necesita aumentar el nivel de profesionalización.

Grupo Anónimo (como también se les conoce) se fundó en 2014  y el objetivo inicial era juntar todas  las habilidades de los socios en un solo lugar, a la par, cada uno de ellos se encontraba manejando talento y esa fue la clave para entender que había que trabajar por un bien común, mantener la humildad, reconocer loas habilidades y fortalezas de cada uno y sobre todo, aludiendo al nombre del grupo entender quien es el “protagonista” en todo esto.

Viene mucho del principio del anonimato, de entender que el talento es quien habla por nosotros. Son los resultados los que nos van a dar la oportunidad de seguir creciendo. La lógica indica que, si ven a un artista exitoso, se acercaran a preguntar y pedir nuestros servicios”.

Siddhartha, Caloncho, Technicolor Fabrics, San Juan Project entre otros, fueron algunos de los primeros en sumarse al proyecto. Más tarde y con una oficina más constituida y por todo lo que representaba llegó Porter. A partir de ahí los papeles dentro del proyecto comenzaron a definirse y hoy Managers Anónimos es una empresa que trabaja en equipo, por el bien común de sus artistas.

Si quieres dedicarte a esta parte de la representación, de la parte ejecutiva, todo parte de creer que hay un talento ahí, que solo tu haz visto y apostar por este, por qué ese ese artista al que le tienes que dedicar el tiempo… Eres como ese amigo no talentoso de la banda (risas), pero que los ha acompañado desde el primer toquin y que tarde o temprano necesitan que alguien les eche la mano con algo y él dice ‘yo le entro’”.

Ante la cartera de artistas arriba mencionados, un músico emergente podría pensar que no esta en el espacio correcto o que nunca podría llegar a aspirar a trabajar de este modo. Nada más lejos de la realidad, pero si es necesario hacer un ejercicio de humildad y entender que toda carrera lleva un proceso de muchas etapas y que pasar por cada una de ellas lleva a encontrarse con el momento adecuado de buscar un manager, obtener un contrato y dar el gran salto, pues es necesario entender que además de que tu, como producto representas una inversión de dinero, también lo es de tiempo y trabajar con alguien que apenas empieza resulta en un ejercicio muy difícil para ambas partes.

A estas alturas y debido a la democratización de la música, este principio de desarrollo es más responsabilidad del artista, que de un tercero. Pues este va a llegar a apoyarte en el momento en el que tu proyecto arroje garantías, ejemplo ‘ el dia que firme a este artista, ya es capaz de firmar un teatro’ ya hay 4 mil persona interesadas en verlo, ya hay cientos de miles escuchándolo en una plataforma, ya hay una audiencia".

Entonces ¿Cuál es el papel del manager? Ayudar a no dar más pasos en falso, de ir bajo una estrategia que ayude a alcanzar las metas a corto y largo plazo. Y sobre todo es un camino que lleva tiempo, dedicación y que por ende es un compromiso del artista (que tiene que mantener el nivel de talento) y el manager, que al final del día recibe un porcentaje, tiene que ser capaz de utilizar todos los recursos que ya tiene y hacer de esta propuesta algo rentable para ambas partes.

A veces se tiene que reconocer que hay fallas en dos vías, y reconocer que ya hiciste lo que está en tus capacidades, reconocerlo y soltarlo, también habla muy bien de uno. El artista también tiene que ser crítico consigo mismo”.

En una industria que poco se asemeja a sus inicios y una cultura del “Hazlo tu mismo” cada vez más presente, es necesario recordar que no todo se puede hacer solo, que además de hacer de esto tu pasión, es importante darle la formalidad y seriedad que requiere. El Management, así como todas las áreas que esta engloba  es un punto más en la cadena, uno que permite abrir las puertas que el talento ha forjado, pero que solo este puede pulir y dar brillo.

“Simplemente te tienes que dar esa oportunidad, de que si crees en una cosa, en la banda de tu colonia o de tu ciudad y estás ahí,  y sabes que realmente puede pasar algo, va a  pasar, lo hemos visto y si sucede”.

Servicio a la comunidad o las 3 preguntas más frecuentes para Luis Sedano.
  1. ¿Cómo entro a una playlist?: Tu trabajo (en este caso la canción) habla por sí mismo, pero a este se le tiene que sumar planeación porque ese es el negocio. Al final todo suma y es más fácil que esto pueda apoyar cuando llegue el momento de hablar con las agregadoras y convencerlas de que tu trabajo vale la pena.
  2. ¿Cómo podemos tocar más?: Hoy carecemos de muchos foros que funcionen como semilleros. Por tanto la constancia es importante, así que implica que tocaras gratis muchas veces, le abrirás shows a gente por que es importante que te conozcan, pero todo ese esfuerzo al final va a abrirte más puertas.
  3. ¿Cómo puedo hacer que un artista grande toque mis canciones?: La idea es generar esa sinergia entre artista y compositor, pues a diferencia de hace muchos años, los artistas por lo general escriben su propio material y sobre todo no perder el tiempo, hay artistas que se mueven en un nicho más pequeño en el que es muy difícil que tu entres.

 

 

Hermanos Gutiérrez — El Bueno y El Malo

Posted on octubre 31, 2022 by -

Explosión de emociones en temas instrumentales.

El dúo suizo con ascendencia ecuatoriana, Hermanos Gutiérrez, se encuentra de manteles largos con el estreno de su nuevo material de estudio titulado El Bueno y El Malo, que logrará llevarnos a lugares lejanos.

Lo primero que escuchamos es “El Bueno y El Malo” un tema que nos transporta al clima del desierto con sus guitarreos secos y ásperos. Continuamos con “Hermosa Drive” una canción sumamente tranquila donde los cambios de ritmo son perfectos para escuchar mientras vemos un film en blanco y negro.

Las guitarras rápidas que podemos apreciar en “Los Chicos Tristes” transmiten el vivo sentimiento de un mal día lleno de melancolía y tristeza que continúa día tras día sin poder terminar. “Thunderbird” se siente como una explosión de emociones y sentimientos que se desbordan al compás de cada guitarreo.

En “Cielo Grande” los hermanos Estevan y Alejandro Gutiérrez crean melodías constantes que son perfectas para observar los mejores paisajes sonoros de nuestra ciudad. Seguimos con “Tres Hermanos” dónde el dúo hace una colaboración con Dan Auerbach, miembro de The Black Keys mostrando sonidos livianos para bailar una noche de verano frente al mar.

“Pueblo Man” y “La Verdad” son dos temas que se sienten con la misma lírica como si tuvieran continuación, escucharlas juntas crean una historia en versión animada que transmiten calma total.

Casi para terminar podemos apreciar a “Los Amantes” un tema que podemos escuchar en cualquier momento del día y darle la historia más amena que se nos pueda ocurrir. Llegamos al final de este nuevo material con “Dorado Valley” a mi parecer el mejor tema que logra combinar ritmos rápidos y lentos que por momentos nos hacen sentir en lugares lejanos y otros cercanos como en casa.

El Bueno y El Malo sigue teniendo la esencia instrumental tan característica de Hermanos Gutiérrez, cada tema es una explosión de emociones de las cuales podemos crear nuestra propia historia.

Metronomy en el Pepsi Center WTC

Posted on octubre 30, 2022 by -

La nave espacial de Metronomy aterrizó de nueva cuenta en la CDMX para ponernos a flotar en medio del espacio exterior.

Si alguna vez hiciera una película de ciencia ficción contando la historia de unos alienígenas buena onda que abducen humanos para cotorrear en planetas exóticos, usaría como soundtrack a Metronomy.

Flashback. El 28 de febrero del 2020, los encabezado por Joseph Mount habían pisado este mismo recinto, metiendo 8 mil personas para un sold out rotundo. El motivo de su visita en aquella ocasión había sido la presentación de su sexto material discográfico, Metronomy Forever (2019). Meses atrás, como parte de la promoción del mismo, el bonachón líder había estado dando el rol en la CDMX (circuito Roma-Condesa; promotores aesthetic, qué le vamos a hacer), dejándonos una postal saliendo de Casa Toño con un pozolito listo para llevarse al Reino Unido.  

Joseph Mount_Casa de Toño

 

Fue uno de los últimos encuentros de música y desenfreno más grandes que tuvimos por mucho tiempo. Dos semanas después se realizó el Vive Latino bajo la incertidumbre total. Acto seguido, la pandemia se declara oficial. Confinamiento por dos años. 

31 meses después, aquí estamos de nueva cuenta ante los ingleses. Más de la mitad del público que estuvo en aquel show de 2020 repite. ¿Cómo lo sé? Pues… La gran fila antes de abrir las puertas, las charlas referentes antes del recital, la complicidad de baile y canto durante el show, etc. La capital mexicana es de las ciudades que más escuchan su música. De hecho estábamos a punto ganar su concurso Grand Prix, pero pandemia. 

En punto de las 20:15 H, Pan Amsterdam saltó al escenario con trompeta en mano para comenzar a inyectar gasolina. Con un divertido y suave funk lleno de beats hizo que la gente se sacudiera. La cerveza ya empezaba a circular en los organismos de aquellos que no pensaban desaprovechar ni un instante de la velada.

14 minutos después de lo programado, el quinteto se acomodó y de inmediato “Love Factory”. Sin dar espacio para suspirar, las primeras notas de “The Bay” hicieron saltar a todos los presentes. Sin duda uno de sus temas más emblemáticos de aquel The English Riviera (2011) que los catapultó en las listas de popularidad, en la radio y los puso a girar por el mundo en festivales más importantes. Simplemente mágico.

“Corinne” y “Reservoir” para sentir que volamos entre sintetizadores y teclados evanescentes. Con la energía ya arriba, el aforo se había incrementado significativamente. Mucha gente había llegado tarde esquivando el tráfico de la ciudad ocasionado por quienes salían de la Formula 1 y personas disfrazadas que se dirigían a su Halloween.

De su nuevo disco Small World y, a manera de primer agradecimiento, "It's Good to Be Back". Notablemente conmovido por la respuesta del público, Joseph destacó el cariño de su fanbase mexa y resaltó que estaban muy emocionados de haber regresado.

METRONOMY PEPSI BERE RIVERA-13

“Everything Goes My Way” para estallar en júbilo de nueva cuenta. La gente se la sabe y la canta. Las parejitas se sacan historias cantándose mutuamente. "Things Will Be Fine" nos llena de esperanza al reafirmar que el pasado de penumbras ha quedado atrás. 

Mount sale de escena y el protagonismo recae al centro. Anna Prior le trepa dos rayitas a la intensidad y nos regala una impecable ejecución de “Boy Racers” con vocales que parecen una combinación entre resortes saltando y cantos de aves extrañas. Contrastando con un su imagen dulce e inocente, nos demuestra que domina las percusiones y le sabe pegar con contundencia a los tambores. 

Ahora sí viene lo chido. Ya con el ambiente encendido y la gente en completo trance, “The End Of You Too” se siente como si de pronto el Pepsi Center WTC hubiera sido abducido por extraterrestres y estuviéramos viajando a través de la vía láctea hacia una aventura llena de múltiples colores. “Holiday” e “Insecurity” acentuaron esa sensación de fantasía mostrando el lado más juguetón de la banda. 

Sorprendido por el cántico de “Olé, olé olé oléééé, Metroooo  nomy”, Joseph arenga a su equipo para respondernos con un  “Olé, olé olé oléééé, Mexicoooo  city”, en su acento típicamente inglés. Éste es de esos detalles que hacen que la banda se quede para siempre en nuestros corazones.

Un poco de calma para no agotar el combustible, “Loneliness on the Run”. Metiendo en aprietos al pobre Michael Lovett, lo ponen a dialogar con nosotros. Comienza disculpándose diciendo que su español es muy “chiquito”. Con las pausas de alguien que se esfuerza por hacer la conversión, atina en decir "¿Quieren música?". La gente responde con un jubiloso "sí"; toma más confianza. "¿Quieren rock and roll?", risas. Una pausa más larga, "¿Quieren… ahm, helado?"... “Salted Caramel Ice Cream”. 

Ahora la atención va para Oscar Cash. Nos explica que estuvo una temporada en Los Ángeles e hizo algunos amigos mexicanos que le dieron el nickname de “Oscarín”. El mexicano que se pinta solo le grita al unísono “Oscarín, Oscarín, Oscarín” para sonrojarlo. 

Nos acercamos al clímax de la noche. “The Look” y el Pepsi Center WTC estalla. Este que es uno de sus temas más emblemáticos anida los recuerdos de lo épica que fue su presentación en el Corona Capital 2017 y que hoy ha convocado a miles de personas en este recinto que alcanzó el sold out en el último minuto. 

 


Sonrisas. Aplausos. Ovaciones. Con un encore mágico compuesto por “Old Skool" , “Back On The Motorway” (muy pedida en RRSS y que les recuerda su primera visita a México), “Love Letters” y “You Could Easily Have Me” nos dejaron flotando en la inmensidad del espacio exterior. 

Festival Marvin 2022

Posted on octubre 30, 2022 by -

Música con energía suficiente para derretir la tensión del cuerpo.

Por Tláloc Ruíz

Fotos Alberto Rodríguez

Día 1

Ha pasado tanto tiempo de la última vez que fuimos a un Festival Marvin presencial que parece que fue hace más de 10 años, porque la maldita pandemia nos metió a un vortex donde el tiempo fluctúa de una manera muy extraña. 

El primer día del primer Festival Marvin presencial en años sirvió como algún tipo de empujón de salud mental, primero porque su regreso nos hace sentir cada vez más cerca a tiempos prepandémicos y porque el combo Mabe Fratti + Devendra Banhart ofreció energía musical para sanar el alma.

Para comenzar la noche, Mabe Fratti se trepa al escenario con su violonchelo en mano, acompañada por Héctor en la guitarra y ambos armados con un set bien configurado de pedales de efectos para hacer más contemplativas las notas que salen de sus instrumentos.

La voz de Mabe Fratti tiene la facilidad de mover diferentes sensaciones de nuestros cuerpos gracias a los juegos y matices con las que la ejecuta, tan poderosa es la energía de su música que incluso Devendra Banhart confesó que Mabe le movió mucho y aprovechó para decirle en más de una ocasión durante el concierto.

La primera vez que vi a Mabe fue un set solo ella con su cello, completamente experimental con mucha apertura a la improvisación en el último piso de El Mundano, en un show prepandémico. Me parece muy increíble lo mucho que ha crecido musicalmente, a la par de su presencia en la escena tan rápidamente. ¡Felicidades!

MabeFratti_AuditorioBB_FestivalMarvin_AlbertoRodriguez2

El momento estelar de la noche llega acompañado de su voz, un par de guitarras, una acústica y otra eléctrica, así como de una pequeña mesita para poner ahí su tacita de té para que Devendra Banhart pueda interpretar más cómodamente canciones suaves en un set completamente solo.

El set de Devendra necesitaba tanto silencio como se pudiera para disfrutar más profundamente sus arpegios de guitarra y su voz suave que ni siquiera intenta elevarla ni tantito. 

Así es como los ruidos al rededor como latas abriéndose, los gritos de “cerveza, cerveza”, botellas de vidrio cayendo, el cuchicheo de la gente o incluso el feedback que a veces provocaba la configuración de microfoneo para su guitarra acústica nos taladraban los oídos. Obviamente, los “ssshhhhh” para callar a la gente también forma parte de esa contaminación auditiva en un concierto tan pacifico.

Devendra Banhart conoce muy bien las canciones que enloquecen a su público, por eso aprovecha para hacer un intro largo de arpegios para que cuando suenen las primeras letras de “Quédate Luna” enloquezca más a toda la gente presente. Incluso se refinó un cachito muy corto de “Santa Maria da Feira” con la que obviamente la gente se desvivió gritando, aunque haya sido solo unos pocos segundos.

Pero la parte que movió más el cerebro del público y por lo tanto más “explosiva” en un concierto así de suave, fue cuando del mismo público sale Silvana Estrada para subirse al escenario e interpretar “Mi Negrita” junto a Devendra, ambos con rodillas en el suelo en una extraña forma de respeto y amabilidad entre los dos artistas.

DevendraBanhart_AuditorioBB_FestivalMarvin_AlbertoRodríguez2

Una proyección detrás de Devendra con suaves olas chocando con la costa comunican muy bien su mensaje de calma, tranquilidad y liberación de todo lo malo, además de las letras de sus canciones y los chistoretes que contaba durante toda su presentación. Y así fue el primer día del Festival Marvin.

 

¿Cuándo volverás a casa?

Por Arturo “Tavo” Meléndez

Fotos Alan Espinoza

Día 2

Echarle un vistazo, en los pasillos del Foro Indie Rocks!, a las playeras de Galaxie 500, me evocó una emoción pueril. Digo: ¿Cuándo me iba a imaginar estar en un concierto de Galaxie en México? Ni en sueños. Pero, con éste, los shoegazers y dreampoperos incomprendidos de la capital dimos un paso más en el peregrinaje para ver de frente a los santos griales del género: ya vimos a Mazzy Star (NRMAL, 2019), Slowdive (NRMAL, 2016), The Jesus & Mary Chain (Corona Capital, 2018), casi vemos a My Bloody Valentine (Palacio de los Deportes, 2013) y, ahora, tocó el turno de una de las piedras fundacionales del estilo ruidoso.

Ok, no voy a mentir: al principio no entendí la lógica de la curaduría del segundo día de actividades del Marvin. No encontré la relación entre Riva Taylor, Fol de Rol y el regreso del ex líder de Galaxie 500, Dean Wareham, a México (sí, el regreso, pues tras bambalinas el músico californiano me platicó que ya había tocado en México con su banda Luna, en Tijuana, cerca de 1990). Pero al poco rato me dejé llevar y le agarré la onda a las sorpresas del festival: Fol de Rol, con tres integrantes y un sinte al frente, se aventó buena cátedra de noise —quizá ahí está la herencia de Galaxie, escondida— y nos dejó bien calientitos para recibir al maestro Wareham. Aunque esta chava, Riva Taylor, no cantó mal las rancheras: nos envolvió en cantos dulces à la Hope Sandoval, pero con un estilo que a veces no quedaba claro si estaba entre el bossa nova, el chamber pop o el singer-songwriter. No importa, debo decir que me enamoré un poquito de esa voz; es buena propuesta, váyanle a echar un ojo.

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Pero, bueno, a lo que truje. Cuesta decirlo, pero valió la pena sacrificar el regreso de Los Dynamite y la primera presentación post pandémica de Los Planetas en México para estar en el concierto de Galaxie 500, o lo más cercano que alguna vez estaremos de uno. Recientemente, fue el santo de quien escribe estas líneas, por lo que no había mejor regalo que tener de frente a quien escribió sus rolas de adolescencia. Por ello, la conmoción sacudió el Foro desde que Dean, acompañado de los músicos que ahora forman Luna, arrancó una retahíla de nostalgia con esa fórmula tan propia de una capa de ruido y un par de versos seguidos de largos solos de pentatónica que no han perdido ápice de intensidad con los años —lo cual es otra forma de referir que Dean, como dicen, aún tiene el toque—.

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“Flowers” y “Blue Thunder” iniciaron el viaje, pero la explosión de emociones y la vuelta a aquella liminalidad del underground ochentero que la mitad del Foro no vivimos llegó con “Strange”, una rola que, narró Wareham, escribió después de recordar su experiencia tomando LSD en una tienda de conveniencia (ahora entiendo la línea “¿por qué todo el mundo se ve tan extraño [strange]?”). “Tugboat” y “When Will You Come Home” me hicieron pensar en lo surreal que es escuchar en voz de una decena de personas las canciones que otrora cantaba yo solo, encerrado en mi cuarto, durante mi época de secundaria. “Tugboat” y “Fourth of July” dejaron los ánimos encendidos previo al cierre, el cual se coronó con la tan esperada “Ceremony”, cover de Joy Division que, a través de esos bendings de guitarra tan característicos, Galaxie 500 logro hacer suya. Siempre es un gusto corearla en vivo. A propósito, faltaron “Tell Me” y “King Of Spain”, pero nos vamos contentos, con una deuda pagada, del segundo día de Marvin.

 

El bueno, el malo y el resplandor del neo post punk.

Por Blues Araiza

Fotos David Durán

Día 3

El último día del festival arrancaría con una oleada de tropiezos logísticos, cancelaciones de último minuto y el traslado de todos los actos del Parque España al segundo escenario del Foro Indie Rocks!, dejando abrirse paso a cada uno de los asistentes entre el caótico estado default de un festival multivenue. Con todo los malos, buenos e interesantes tragos que esto implica, el cierre del Marvin -en su regreso a lo presencial- cumpliría con lo prometido; exponer los nutridos matices del underground nacional a las entrañas de la Roma Norte.

Nuestro recorrido arrancaría al interior del alma máter, recibidos por un inflable de tonos verdes y gráfica intensa que parecía contorsionarse al strum de La Texana, paralelo al despliegue de tropicalidad en el escenario Rompe cortesía de Jupiter & Okwess. Algunas cuadras después nos encontraríamos con el pop fusión de Self Sabotage en la parte alta de Departamento, dejando deslizar la experiencia melódica de los -contados- asistentes desde el guiño R&B hasta el impulso urbano de Raylen en la parte baja del recinto.

Self Sabotage_Festival Marvin_David Durán (1)

Ya entrados en el espíritu de nómadas sonoros, haríamos una breve parada en el escenario del Multiforo 246, pasando del estruendo hard psych vía B.A.R.D.O.S.S., al estruendo hard rock de Rosa Polar dentro de Foro Bizarro. Todo para volver a Departamento envueltos en la sónica de uno de los proyectos más interesantes de esta edición: OME. Instrumentos prehispánicos, electrónica experimental y un impresionante desarrollo atmosférico, interrumpido por nuestro deber para con el siguiente acto.

Volveríamos al Foro Indie Rocks! para disfrutar de la calidez indie de Vera Pedro, saltando a la extravagancia LGBT+ de Luisa Almaguer en el 246, sorprendiendo al público con la invitación de La Bruja de Texcoco hacia el final de su presentación.

Luisa Almaguer_Festival Marvin_David Durán (1)

Tras un tornado de live shows, llegábamos al cierre del festival mecidos pacíficamente por los sonidos noventeros de Dean Wareham y compañía, instalándonos en la sutileza de Luna con intención de recordar la sensación de un mundo pre Gilla Band.

El cuarteto dublinés se serviría de percusiones despedazadas, feedbacks teledirigidos y el grito interminable del ultradrive para arrastrarnos por poco más de una hora durante la última recta del festival. Colocando la transición de spoken word a desgarre vocal de Dara Kiely como la única alternativa posible para los asistentes; el futuro es neo post punk.

Habiendo pasado por cortes como “Lawman”, “Post Ryan” y “Backwash”, el cuarteto daría fin a su primera presentación en México con el estruendo furioso de “Why They Hide Their Bodies Under My Garage?”, cambiando el destino armónico-sensible dentro de cada uno de nosotros.

Khruangbin en el Pepsi Center WTC

Posted on octubre 29, 2022 by -

Una noche iluminada por bolas disco y la música de Khruangbin.

Con gran emoción, miles de personas se dieron cita dentro del Pepsi Center WTC para ser testigos del primer concierto en solitario de la banda norteamericana Khruangbin, ya que, pese a que previamente ya habían estado en festivales como Ceremonia o Corona Capital, sus fanáticos rogaban por un nuevo encuentro más íntimo.

Pachyman se encargó de calentar el ambiente, demostrando su talento multi instrumentista mezclando en vivo muchas muestras musicales previamente grabadas por él mismo, impregnando el recinto con dub, reggae y skanking. Con sangre puertorriqueña en sus venas, la cadencia de sus movimientos y su alegría al interpretar sus temas contagiaba de gran actitud a los asistentes. Luego de agradecer al público mexicano por escucharle, Pachy se manifestó en contra del imperio de Estados Unidos sobre Puerto Rico, a lo que el público respondió con aplausos y vitoreo. Luego de un corto set, Pachyman agradece a Khruangbin por la oportunidad de brindar un show por primera vez en México.

El momento esperado llegaba. Laura, Mark y Donald toman su posición en el escenario mientras saludan al público mexicano que emocionados les recibían. Sin mayor preámbulo, “First Class” arranca este concierto con pasividad, a la par que unos problemas técnicos con las pantallas y un volumen bajo en los micrófonos empañaba la atmósfera.

Laura destaca en “August 10”, ya que su talentosa interpretación del bajo, su gesto serio y seductor y su contrastante atuendo rosado mantenía a la audiencia hipnotizada por su presencia. “Lady and Man” continua con el goce de esta experiencia, donde pudimos admirar la suma soltura con la que Mark toca su guitarra, haciéndolo parecer una cosa sencillísima.

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Un tema memorable para muchos aparecía, “So We Won’t Forget” nos conmueve por su letra melancólica que rememora a los seres amados que ya no nos acompañan. Las luces de las bolas disco que pendían sobre nuestras cabezas iluminan con pequeños destellos de luz al Pepsi Center WTC, mientras “Mr. White” y “White Gloves” continúan provocando múltiples emociones dentro de nuestro corazón.

Con una maravillosa precisión, Donald brinda cátedra del cómo brindarle un gran ritmo a una canción, pues su ejecución durante “Pelota” puso a todos a bailar dentro de la pista y en cada asiento en la parte superior, tema que por fin unía a la mayoría de los asistentes y a la banda en un solo canto.

Mi parte favorita del show fue el popurrí de covers, en donde Khruangbin inyecta su estilo sui géneris en una serie de famosos temas del pop, R&B y Hip Hop: “The Message”, “Rapp Snitch Knishes”, “Wicked Game”, “Footsteps in the Dark”, “Regulate”, “Nuthin' but a G Thang”, “Got Your Money” y “Get Money” por citar algunos, incluso tocaron en su totalidad la versión que grabaron de “Summer Madness” de Kool & The Gang, un verdadero deleite para nuestros oídos, pues estas reversiones están sumamente bien logradas.

Luego de una pausa en la que Laura cambió su vestuario por un vestido destellante, la locura se desata al raspar de los primeros acordes de guitarra en “María También”. “Time (You And I)” convierte al venue en una inmensa pista de baile disco al mero estilo de los años 70. Finalmente, una versión prolongada de “People Everywhere (Still Alive)” nos llena de vida, pues fuimos afortunados al escuchar esta versión en la que incluye algunas muestras de “What Is Love” de Haddaway y “Gypsy Woman” de Crystal Waters, un momento donde dejamos toda nuestra energía para concluir con gran alegría este increíbles concierto.

“Rock N Roll N***r” de Patti Smith desaparece de streaming

Posted on octubre 28, 2022 by -

Hasta el momento se desconoce quién y por qué tomaron la decisión de eliminar el tema.

Si te das una vuelta por alguna de las plataformas de streaming más famosas como Spotify, Tidal, Amazon Music y Apple Music, te encontrarás con que “Rock N Roll N****r” de Patti Smith ha desaparecido. 

Pese a que la verdadera razón de por qué fue eliminada aún se desconoce, no haría falta profundizar demasiado para saber que el uso de “esa” palabra nunca fue bien visto y terminó causando controversia a pesar de que la propia cantante habría declarado que su intención nunca habría sido utilizarla como insulto sino más bien para los marginados.

Patti-Smith-Easter

El tema, co escrito con Lenny Kaye, pertenece al tercer álbum de estudio de Patti Smith, Easter, lanzado en 1978. Fue durante una entrevista con Rolling Stone, que la artista usó la palabra con “N” para referirse a Mick Jagger, haciendo alusión a los “artistas marginados blancos como ella”.

En realidad nunca fue bien visto a pesar de los intentos de Smith, aún así la canción formó parte de sus shows hasta 2019. El tema ha sido versionado por Marilyn Manson, Courtney Love, y remezclado por Trent Reznor para Natural Born Killers de 1994.

No te pierdas a Tempers en el IG Live de Indie Rocks!

Posted on octubre 28, 2022 by -

El dúo neoyorkino viene a México, con un show totalmente imperdible.

El dúo de Nueva York, Tempers está a nada de visitar nuestro país, previo a la llegada del Festival Hipnosis el 5 de noviembre en el Parque Bicentenario, por cierto ¿Ya tienes tus boletos?

El 2 de noviembre Guadalajara podrá disfrutar de un show en el Foro Independencia, el siguiente día harán vibrar con su rock alternativo a la Ciudad de México en el Foro Indie Rocks! con temas como “Capital Pains”, “Strange Harvest” y “Hell Hotline”.

 

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No te pierdas de la entrevista que hará María Letona al dúo conformado por Jasmine Golestaneh y Eddie Cooper el 3 de noviembre en punto de las 14:00 h a través del IG Live de Indie Rocks!, donde quizá nos den un adelanto de todo lo que podremos presenciar durante sus shows en México y sobre lo que vendrá como proyectos futuros para la banda.

 

SZA estrena “Shirt” y acompaña con un videoclip

Posted on octubre 28, 2022 by -

Un videoclip al estilo Tarantino y haciendo un guiño a Bonnie & Clyde.

SZA compartió este viernes su nuevo sencillo “Shirt”, el cuál pudimos escuchar previamente a través de Instagram. El adelanto que hizo SZA de “Shirt” se hizo viral, convirtiéndose en un trend de Tik Tok en el 2020, llegando a nosotros en un formato completo el 28 de noviembre de 2022. 

 

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El sencillo inicia con un potente beat lleno de bajos que harán retumbar tus sentidos, SZA incorpora su voz durante la canción acompañando los cambios en el ritmo donde las pausas bien ejecutadas acompañadas de silencios realzan los arreglos.  El estreno de “Shirt” fue acompañado de un videoclip dirigido por Dave Meyers, protagonizado por Lakeith Stanfield y SZA haciendo una clara referencia a Bonnie & Clyde con un estilo icónico.

La producción audiovisual es una obra que te mantendrá todo el tiempo alerta, pues la dirección de arte acompañada de efectos visuales y especiales te mantendrán a la expectativa, donde podrás presenciar escenas diversas donde destacan una sala llena de mujeres embarazadas vestidas de monjas y un payaso muerto, por solo mencionar algunas.  

Para que no te quedes con las ganas de ver y escuchar todo lo que te contamos, te dejamos el video de “Shirt” que actualmente se encuentra en el top trending de Youtube US, mira: 

Weyes Blood comparte video para “Grapevine”

Posted on octubre 28, 2022 by -

Un espeluznante videoclip, perfecto para Halloween.

Weyes Blood ha compartido hoy un audiovisual que acompaña a su sencillo “Grapevine”. El visual dirigido por Rick Farin y Claire Farin, está protagonizado por Natalie Mering como víctima de un accidente automovilístico, en medio de la nada, donde descubre una criatura parecida a un espectro con ojos rojos brillantes en un cementerio embrujado, con un estilo muy gótico.

Natalie Mering afirmó que la canción está ambientada e inspirada en un lugar en específico, se trata del tramo de la Interestatal 5 de California, mejor conocido como Grapevine.

La tecnología está desviando nuestra atención de los demás. Todos tenemos un Grapevine entrelazado alrededor de nuestro pasado con heridas y dolor sin resolver. Estar enamorado no significa necesariamente estar juntos. ¿Por qué tantas canciones de amor anhelan una conexión?”, menciona Natalie en un comunicado de prensa.

Este material es un adelanto de su nuevo álbum, And In the Darkness, Hearts Aglow, el cual saldrá el próximo 18 de noviembre, a través de Sub Pop. El disco es principalmente coproducido con Jonathan Rado de Foxygen, aunque coprodujo una canción, "A Given Thing", con Rodaidh McDonald. El nuevo disco además presenta colaboraciones especiales de Meg Duffy, Daniel Lopatin y Mary Lattimore.

Mira a continuación el video de “Grapevine”:

Fallece Jerry Lee Lewis a los 87 años de edad

Posted on octubre 28, 2022 by -

Deja un legado único en la historia del rock, como uno de los pioneros del género.

El legendario pianista e ícono del rock & roll, Jerry Lee Lewis, falleció este 28 de octubre a los 87 años de edad, así confirmó su publicista Zach Farnum mediante un comunicado en la página oficial de su agencia 117 Group.

Jerry Lee Lewis sufrió de varias enfermedades y lesiones en los últimos años, mismas que pudieron haber terminado con su vida desde hace décadas", indicó el periodista Rick Bragg en el mencionado documento, donde afirma que la esposa de Lee Lewis dijo que el músico estaba listo para partir, antes de su muerte.

Estuvo desde el nacimiento del rock, fue parte de la generación de Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard, Johnny Cash, Buddy Holly y más, siendo el que sobrevivía de aquella oleada. También formó la primera clase de inducidos al salón de la fama del Rock N' Roll, donde comenzó la tradición de improvisar un acto musical al final de la ceremonia.

Sus contribuciones a la música son demasiadas, pero siempre se le recordará por temas como "Great Balls Of Fire", "Breathless", "Whole Lotta Shakin' Goin' On", por mencionar algunas.

Le sobreviven su esposa Judith Coghlan Lewis, sus hijos Jerry Lee Lewis III, Ronnie Lewis, Pheobe Lewis y Lori Lancaster, su hermana Linda Gail Lewis, así como muchos nietos y sobrinos. Descanse en paz.