Escucha ‘Dr. Gabber y Su Problema Mental’ de Jesica Sarraf

Al estilo electrónico y noise, Voltage Control presenta este atmosférico material.

Nacida en Buenos Aires Jesica Sarraf es una artista dedicada a la comunicación audiovisual, además de ser escritora y ávida lectora; es después de haber renunciado a una extensa carrera como productora de contenidos en televisión, que dio sus primeros pasos en la música.

Su trayectoria parte de tener sus primeras experiencias como DJ y MC con el proyecto Chanty OTM (On the Mix), hecho que le permitió lanzar su primer sencillo “K Dios Te Bendiga” junto al colectivo sudamericano de neoperreo liderado por Tomasa Del Real, consolidándose la argentina como artista experimental.

Jesica Sarraf_2023

Sin embargo, una vez declarada la pandemia y ya viviendo en CDMX, comenzó a tratar con sonidos diferentes; combinando el arte generativo, la síntesis y las grabaciones de campo, nació la idea de producir su primer disco y su segundo proyecto como DJ. Con ello Jesica logró fortalecer sus habilidades como productora musical de electrónica experimental.

Bajo ese contexto y al finalizar la pandemia, es como surge su EP debut Dr. Gabber y Su Problema Mental, un disco envolvente y llamativo. Prueba de ello, es el single llamado “Problema Mental”, una canción darkwave que te llevará por un ambiente gótico donde no dejarás de danzar.

Observa el videoclip:

Asimismo el EP arroja colaboraciones con Sylvia Pop, Faraoika, AguaDeLaFuente y ArtKeto que sin duda, son el gancho que invita a escuchar frecuencias ácidas que emana ritmos punzantes y erizan la piel. De manera que con voces del sur global demuestra que Latinoamérica puede hacer nuevas poéticas post-industriales que trascienden tiempos.

¡Aquí te dejamos el EP para que lo agregues a tu playlist!

 

Hipnosis 2023

De robots rosas gigantes y festivales que hacen la diferencia.

Un año más. Más bandas, más gente, más lugares en los que se pone un escenario para disfrutar de la música. Si hacemos un análisis rápido de cómo ha ido evolucionando la cultura festivalera en México, podemos ver que, poco a poco, se han ido creando ofertas especializadas. Por ahí tienes un festival de metal, otro de ska y uno más de pop. El Hipnosis siempre ha visto por un nicho especial; ése en donde las guitarras tienen mucha distorsión, las canciones se alargan por largo tiempo y, en general, las bandas se pueden considerar de culto.

El Parque Cuitláhuac nos recibía con un panorama bueno y uno malo: el bueno era que no había una sola nube en el cielo, lo que vaticinaba una tarde tranquila y sin lodo, el malo era que, al no haber nubes, el Sol nos iba pegar inclemente durante varias horas. Pero eso no importó mucho. Desde que se abrieron las puertas la gente empezó a dispersarse por el lugar. La Ciencia Simple, banda chilena de post-rock estaba sobre el escenario y con su música se anticipaba que iba a ser un buen día. De ahí vinieron Los Mundos, banda regiomontana que de alguna forma ha cimentado bases para que otras agrupaciones voltearan a ver la psicodelia como forma de expresión. Muchas sonrisas, muchos celulares en el aire y un ambiente de esos que se agradecen.

El primer gran momento del festival llegó con Agar Agar. El dueto francés cautivó al público con una propuesta llamativa y contagiosa. Si los conocías, estabas feliz, pero si no los conocías, te ibas del festival con una nueva banda para ponerle atención. Su música calza muy bien en festivales. Dumbo Gets Mad y All Them Witches siguieron con esa tónica de banda que, si algo hace bien, es que la gente no se quede estática. Lo bueno de una curaduría como la del Hipnosis, es que sabes que las bandas están ahí por algo.

Fue entonces cuando los grandes nombres del festival empezaron a emerger. Si en el 2005 escuchabas el nombre de The Brian Jonestown Massacre, seguramente estarías sesgado por un documental en donde se retrataba a una banda con colapsos y tropezones. Lo cierto es que, a sus más de 50, Anton Newcombe es un rockstar de los de antes. De esos que con una guitarra y un sombrero esparcen un aura de las que forjaron lo que es ser alguien que ama la música y vive de ella.

Qué podemos decir de Panda Bear y Sonic Boom. Dos figuras que han destacado tanto en lo colectivo, como en lo individual. Ver su show en conjunto fue uno de los grandes highlights del día. Es música que te pone de buenas, de esa que es juguetona y le tienes que poner atención para no perderte el más mínimo detalle en la producción porque, de seguro, que hay un guiño por ahí que te saca una sonrisa.

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Otro de los grandes momentos se avecinaba. Altin Gün es una propuesta fresca y contundente. La influencia del rock psicodélico tuvo una importantísima influencia en un sonido que podemos bautizar como rock anatolio. De aquellos grandes guitar heroes como Jimmy Page, surgieron re-interpretaciones con los clásicos sonidos del folclore turco y así tenemos a bandas como ésta. Visuales que te transportan a otras dimensiones y esa guitarra que, quieras o no, te hace mover las caderas. Es una joya que bandas así encuentren un espacio para tocar por acá.

Melody’s Echo Chamber y Temples son dos viejos conocidos del público mexicano. Música para pasarla bien y fanear a todo pulmón. Sin duda Melody se ha convertido en una figura muy reconocida en lo que hace. Tiene esa mística etérea de diva de otros tiempos, combinado con música que calza muy bien para los nuevos aires. Muchas historias de instagram tenían que tener algo de ambas bandas en las stories o si no es como si nunca hubieras asistido.

Y luego llegó la oscuridad. Si algo tenemos por acá, es que nos encanta ese sonido que surgió con los sintetizadores y el spray capilar. Boy Harsher es un proyecto con una identidad muy bien trabajada. Canciones que coquetean con un pop de fina manufactura y esa bruma darkie que tanto nos gusta. Otro de los grandes momentos del festival en donde no faltaron los meneos de cabeza con los ojos cerrados. Después, todo acababa para recibir a Toro y Moi. Baile, baile y más baile. Chaz ya casi es mexicano y el público ama sus canciones. Son composiciones que te ponen de buenas, sonríes y te dejas llevar por el ritmo.

Tocaba el momento mágico, el entrañable. La primera vez que escuchas a The Flaming Lips sabes que son personas que proyectan una vibra especial. Si la maldad adquiriera corporeidad, Wayne Coyne estaría ahí para combatirla con coros y arcoiris. Alguna vez tuve una plática en la que preguntaban qué banda de nuestros tiempos no te podías perder. Después de mucho deliberar, The Flaming Lips emergieron como una de las respuestas más repetidas. Sí o sí los tienes que ver y disfrutar de una puesta en escena como pocas bandas. Coros que hacen mella, robots rosas gigantes y en general, ese sentimiento de que estás presenciando algo que se te va a quedar en la memoria por el resto de tu vida. Una vez más, fue una joya que el Hipnosis trajera la celebración del disco consagratorio de una banda atemporal.

Ya el cansancio hacía de las suyas. Después del Sol de la tarde y ese cúmulo de emociones, el festival cerraba con Los Pirañas. Un perfecto soundtrack para aquellos que querían seguir la fiesta y la música de fondo ideal para aquellos que se iban del Parque Cuitláhuac con esa sonrisa que sólo te deja una experiencia redonda.

Un año más de bandas y propuestas escogidas con ojo de conocedor. Gracias, Hipnosis, que sean muchos años más de tener una identidad bien forjada para dejar satisfechos a todos los que creen en su apuesta.

 

A 40 años de 'Clics Modernos' de Charly García

Aún hay dinosaurios en la cama: Clics Modernos, la obra maestra de Charly García y el álbum escencial para definir la evolución del rock latino cumple 40 años.

Hay discos que son los 'primeros' en algo, quizás de forma accidental o en ciertos casos de forma intencionada. Podemos pensar en la primera ópera rock o en el primer disco de más de los 40 minutos que permitía el formato de los vinilos. Así es como se teje y evoluciona la música, con muchos primeros pasos, y Clics Modernos, la obra maestra de Charly García, significa muchos de ellos.

Ya consolidado como un referente del rock argentino, Charly García estaba en su mejor momento cuando se presentó en el Estadio Ferro de Buenos Aires y cerró la presentación de su primer álbum solista Yendo de la Cama al Living, evento en el que simuló un bombardeo, reflejo de la turbulencia política que vivía el país azotado por la guerra de las Malvinas con Inglaterra.

El éxito de Charly García era indiscutible, se podía palpar. Lejos estaban los tropiezos de los primeros discos de Serú Girán y ahora parecía que la prensa estaba de su lado. Y más allá de distraerse o buscar el lugar común, el nacido en Caballito buscó un nuevo camino, un disco que rompiera con todos los estándares de la música, al menos de la música en Argentina, y vaya que lo logró.

Clics Modernos es el segundo mejor álbum en la historia del rock argentino según la Rolling Stone, y para muchos es uno de los álbumes más innovadores en al música hecha en español, que hasta la fecha es referencia para miles de artistas. El propio Fito Páez en días pasados hizo una declaración polémica con la que concuerdo, ya que argumentaba que de México para abajo, es decir, en Latinoamérica, era escencial conocer el legado de Charly García y de Luis Alberto Spintetta, y Clics Modernos es un buen motivo para hacerle caso.

Muere la dictadura, nace Clics Modernos

Mientras la dictadura de Jorge Rafael Videla iba de salida luego de más de seis años de imposición, Argentina dejaba años de represión que se reflejaron en la desaparición de miles de jóvenes y que hicieron que la música de aquellos años fuera profundamente censurada.

Charly García con el trabajo hecho por Sui Generis y Serú Girán ya era bastante conocido en aquel entonces, y luego de presentar Yendo de la Cama al Living se fue a vivir un tiempo a Estados Unidos, donde comenzó a construir Clics Modernos.

El artista, maestro de piano desde los 12 años, buscaba un nuevo comienzo, ya que consideraba que en Argentina querían volverle una figura pública de pronunciamientos, que estuviera alejada de la gente y de la que esperaban que cumpliera con ciertos estándares, mientras que el objetivo de Charly García era "hacer música desde el corazón", así como conectar con la gente, involucrarse con movimientos y sobre todo tocar indiscriminadamente, no solo en estadios, sino en lugares chicos.

Fue entonces que a mitad de 1983, luego de que Charly ya tuviera los primeros vocetos de Clics Modernos, grabados junto con Willy Iturri en Argentina, se fuera a Nueva York y comenzara su avetura por Estados Unidos, donde además de acercarse a la música que estaba a la vanguardia en el país, tuvo cercanía con decenas de nuevos instrumentos que le permitieron acercarse a nuevos sonidos.

Poco tiempo después, Charly García finalmente llegó a los Electric Lady Studios, legendaria instalación de grabación fundada por Jimi Hendrix. Algunos de los testimonios narrados por el propio Charly indican que llegó, tocó la puerta y mientras le negaban la entrada sacó un enorme fajo de billetes, por lo que finalmente le abrieron la puerta.

Es ahí que entra a la ecuación Joe Blaney, quien sería uno de los grandes productores del rock argentino luego de su trabajo con Charly García en Clics Modernos.

El propio Blaney ha dicho emocionado cómo fue trabajar con Charly García, quien mientras estuvo en Los Ángeles y Nueva York compuso y grabó arreglos junto a su excompañero de Serú Girán, Pedro Aznar, lo que sirvió para que las sesiones fueran efectivas.

Clics Modernos, el primer disco en muchas cosas

Ya en marcha con las grabaciones en los Electric Lady Studios, y con poco tiempo para grabar, Charly García tenía listo prácticamente cada acorde de Clics Modrenos, un disco que compuso prácticamente en todos los arreglos y que parte de la experimentación le hizo un álbum adelantado en muchos sentidos.

Si bien su anterior disco, Yendo de la Cama al Living, ya tenía baterías eléctricas y elementos de producción menos orgánicos que los álbumes convencionales en Argentina, Charly García finalmente implementó uno de los primeros álbumes con beat de batería en prácticamente su totalidad.

Además de Charly, Aznar y Blaney, al equipo de grabación de Clics Modernos se unieron músicos estadounidenses como el guitarrista Larry Carlton, el baterista Casey Scheuerrell y el saxofonista Doug Nourwine, quienes se apegaron a las instrucciones de García para seguir los arreglos y también para dejarse ir libremente en las grabaciones del álbum.

Clics Modernos, además, incorpora el primer sample en la historia de la música en Latinoamérica. Se trata de un recorte de la voz de James Brown de su canción "Hot Pants", mismo que se incorporó en "No Me Dejan Salir" hasta 88 veces como un arreglo más.

Otro sample que apareció fue el coro de la canción "Please, Please, Please", también del mismo Brown, esto al final de la canción.

Para estos samples fue fundamental el uso de uno de los primeros emulators a los que Charly tuvo acceso. Y ahora dirás: "bueno, es nada más un sample", pero no. El sample fue un recurso que apenas y se popularizó a finales de los años setenta en Estados Unidos por raperos principalmente, y el hecho de que un rockero argentino llegara con tanto anticipo a este recurso fue fundamental para que más artistas le siguieran la pista.

Otro detalle curioso en la producción es que la canción "Ojos de Videotape" tiene un pitch, lo que hacía que en la versión original tuviera una armonía entre fa y fa sostenido. Parte de esto se muestra en la serie de Fito Páez que salió este año.

Ya si nos vamos al discurso del álbum, Clics Modernos por su puesto que es uno de los primeros en tocar ciertos temas sensibles como la homosexualidad con temas como "No Soy un Extraño", que abordan la desaparición del prejuicio en muchos aspectos de las relaciones con personas del mismo sexo.

De 'nuevos trapos' a Clics Modernos

El álbum se iba a llamar Nuevos Trapos; sin embargo, Charly vio en Nueva York una esquina que decía Modern Clix, y consideró que así tenía que llamarse el álbum.

Clics Modernos es un álbum que en cada canción representa la llegada de nueva música, de un nuevo mundo sonoro, impulsado por la inspiración y por no pertenecer a ningún género. Esa libertad es política en canciones como "Nos Siguen Pegando Abajo" o "Bancate ese Defecto", que hablan un poco de ese temor que aún tenía el argentino de otra imposición militar.

El álbum se toma el tiempo de salir de las estructuras convencionales con obras como "Dos Cero Uno" y "Plateado sobre Plateado", que dejan los ritmos fluidos y aspiran a las percusiones electrónicas, esto mientras otros temas como "Nuevos Trapos", "No me Dejan Salir" y "No Soy un Extraño" se salen del estándar de los sonidos orgánicos.

'Cuando el mundo tira para abajo, es mejor no estar atado a nada'

El punto más importante del álbum aparece con "Los Dinosaurios", un tema más profundo que el resto que narra la brutalidad militar de la dictadura, el miedo de las desapariciones y un mensaje optimista sobre que algún día aquellos hombres que nublan la libertad se irán.

El tema adquiere más peso si pensamos en la situación que vivía Argentina en esos años, y que hasta la fecha es motivo de nostalgia para quienes vivieron esa situación y aún sienten las palabras de Charly en aquel tema.

En su MTV Unplugged, Charly García cantó "Los Dinosaurios" y aseguró que era una canción que le gustaba a mucha gente, particularmente a los muertos, en referencia a las personas desaparecidas por la dictadura.

Aún hay "dinosaurios en la cama" en Argentina, país que enfrenta una de las elecciones presidenciales más importantes en su historia entre la ultraderecha y la izquierda que ha generado descontento social. La turbulenta situación económica ha llevado en buena parte a eso al país, que está dividio entre las dos alternativas para solucionar la crisis que vive.

El último tema es "Ojos de Videotape", otra canción en la que en Charly y el piano son protagonistas y donde cae toda la energía del disco, pasando de sonidos coloridos a suaves notas que te hacen sentir incompleto.

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'No creo que pueda dejar de protestar'

Clics Modernos es un álbum completo en todo sentido. Es curioso escucharlo 40 años después y darte cuenta que aún suena fresco. Sin emabrgo, cabe mencionar que no fue del todo bien recibido, pues los fans esperaban a un Charly García más rockero.

Sin embargo, con Clics Modernos, Charly García logró su objetivo, que era comenzar de cero, deslindarse de sus anteriores proyectos y crear una obra monumental, que protesta, que habla de amor y muestra un nuevo mundo, un nuevo camino que abrió paso al new wave de los ochenta y a dejar los prejuicios convencionales del rock.

40 años después, la esquina de Nueva York en la que Charly vio aquel "Modern Clix" tendrá su nombre, esto será en una ceremonia este lunes 6 de noviembre.

Clics Modernos es un álbum escencial para entender y apreciar el rock latino, y con él para entender parte de todo el universo que implica Charly García. Para muchos es el mejor álbum en la historia del rock hispano, y te aseguramos que si lo escuchas en su 40 aniversario puede que pienses lo mismo.

A 10 años de 'Matangi' de M.I.A.

La artista lanzó su álbum hace ya una década, sin embargo, sus canciones continúan reflejando los problemas de la sociedad actual.

M.I.A. es reconocida por sus letras cargadas de discursos políticos y protestas, que acompañan a un sonido ecléctico. La cantante nacida en Londres, perteneciente al grupo tamil de Sri Lanka, que ha luchado durante mucho tiempo por sus derechos a causa de la opresión del gobierno cingalés, vivió en carne propia los conflictos y el desplazamiento del país donde se crio en su infancia; experiencias que ha plasmado en sus obras de manera trascendental.

El título de este álbum proviene del nombre de nacimiento de la rapera, Mathangi Arulpragasam. Matangi es el nombre de una diosa hindú asociada con la suciedad y las sobras de comida, representando a las personas que viven en las periferias de la sociedad en India. La cantante descubrió esta conexión de manera fortuita a través de una búsqueda en Google, lo que la llevó a crear una relación especial con la deidad.

Este álbum, considerado por la propia cantante como su "más espiritual" y descrito alguna vez como “Paul Simon en acido”, generó grandes expectativas antes de su lanzamiento, tras el éxito de su disco Kala en 2007, que la catapultó a la fama mundial con "Paper Planes", y su después controvertido álbum Maya, donde sobresalió el sencillo y audiovisual de “Born Free”. En este trabajo, M.I.A. aborda tanto lo negativo como lo positivo en el mundo, combinando denuncias y cuestionando el statu quo con ritmos bailables.

Tras años de espera y disputas con Interscope Records para el lanzamiento del álbum, finalmente salió el 5 de noviembre con un total de 15 pistas. Comenzando con "Karmageddon", un preludio que evoca las raíces de la rapera, seguido de "MATANGI" donde recuerda sus días de infancia en Sri Lanka con un característico "naad".

En "Only 1 U", celebra la individualidad de cada ser, mientras que "Warriors" presenta a una persona que ha superado obstáculos y sigue luchando.

El quinto track, "Come Walk With Me", se lanzó un año antes, en abril de 2012, tras la composición por parte de la artista de la banda sonora instrumental para el programa de televisión del fundador de WikiLeaks, Julian Assange, titulado ‘The World Tomorrow’. Está amistad llevó a Assange a ayudar a la cantante en la creación de "atTENTion", donde la cantante rinde una especie de tributo a los refugiados del mundo.

No obstante, su sencillo más destacado fue "Bad Girls", una canción que empodera a las mujeres, alentándolas a vivir la vida al máximo y abrazar el concepto de "chica mala".

En "Boom Skit", la cantante expresa el rechazo de la sociedad estadounidense hacia ella, tras enfrentar la censura y una demanda de la NFL por mostrar un gesto obsceno en televisión, al que ella ha vinculado con el símbolo de Matangi. Para luego pasar por "Double Bubble Trouble" en donde utiliza referencias de videojuegos para expresar el control y la manipulación en la sociedad.

 En "Y.A.L.A.", la interprete cuestiona el lema "YOLO" (You Only Live Once) y lo transforma en una celebración del renacimiento diario acompañado de sintetizadores."Bring The Noize" refleja la naturaleza caótica del mundo en el que vivimos con sonidos electrónicos, mientras que "Lights" contrasta con una melodía menos rítmica.

En su penúltima pista "Know It Ain't Right" la cantante narra el deseo de libertad en una relación opresiva. "Exodus" es la séptima pista, y "Sexodus" es la última del álbum, en la que The Weeknd colaboró en ambas, y se destacan por su sonido distinto del resto del álbum.

Así como la diosa Matangi representa a los marginados, M.I.A. a través de su álbum da voz a los "intocables", término que ella utiliza para referirse a aquellos considerados la parte más “baja” de la sociedad, los considerados impuros. Con esta obra, la artista no buscaba el reconocimiento, sino ser escuchada. Diez años después, sus letras siguen siendo relevantes en un periodo marcado por los conflictos armados que han repercutido a los más desfavorecidos.

 

Road to Hipnosis: Melody’s Echo Chamber en Foro Indie Rocks!

Como parte de la fiesta de Hipnosis, Melody’s Echo Chamber dio un sideshow lleno de dulces sonidos reverberados.

Aprovechando su visita a México durante el festival Hipnosis, la agrupación encabezada por la francesa Melody Prochet se dio cita en el recinto de la colonia Roma para dar un show más íntimo a sus fans. Pero antes, Petite Amie calentó el escenario con sus melodías atmosféricas encabezadas por sus dos vocalistas, el quinteto capitalino quedaba como anillo al dedo para ambientar al público.

Después de ofrecer 40 minutos de psicodelia pop con letras fluctuantes entre francés y español con una clara influencia de la banda titular del concierto, se despidieron agradeciendo el cálido recibimiento y. en punto de las 22:00 H. bajó al escenario Melody’s Echo Chamber en medio de una fuerte ovación. Las primeras notas sabor Raga de “Some Time Alone, Alone” causaron euforia entre los espectadores de abajo y del balcón superior del Foro Indie Rocks!, inundados en medio de visuales coloridos y psicodélicos de la naturaleza y los elementos.

“Where the Water Meets the Illusion” y “Looking Backward” de su más reciente álbum fueron recibidas con entusiasmo en seguida. Los sonidos de Melody’s Echo Chamber no inspiran precisamente bailar, pero tampoco sacudir la melena, sino un punto medio. Un estado de ánimo para dejarse llevar, incluso cerrar los ojos momentáneamente y dejar volar la imaginación.

La vocalista de la agrupación inspira timidez a pesar de estar celebrando una década de su aclamado álbum debut, pero las pocas veces que se dirigía al público demostraba su gusto por estar ahí y su agradecimiento, no obstante empezó a mostrar más soltura a lo largo del show. Su discografía es pequeña, pero aún así nos llevó de la mano entre sus primeros temas como “Mount Hopeless” hacia el presente con “Personal Message” y a “Pêcheuse de lune”, corte de su álbum perdido y recientemente recuperado.

Con “Endless Shore” aumentaron los decibeles y recordamos el sonido más distorsionado y shoegaze de sus inicios, mientras que para su más reciente sencillo (en colaboración con Crumb), “Le Temple Volant”, la banda toma un enfoque más delicado.

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La segunda mitad del show no hizo más que escalar en emoción e intensidad comenzando con “Crystalized”, quizás el momento más estremecedor y el cual se convirtió en una extendida sesión de improvisación. Con “Shirim” bailaron las almas entre dulces acordes limpios y “Bisou Magique” ahogó el lugar con sonidos y paisajes de otro mundo. Los visuales fueron una parte muy importante del momento, definitivamente convierten un show musical como este en una experiencia memorable.

El tema reciente “Visions of Someone Special” de nuevo destaca una influencia oriental y misticismo, cosa que aplaudo puedan plasmar en vivo usando los típicos instrumentos de una banda de rock y un teclado. El quinteto se despidió por primera vez del público con agradecimientos y un despliegue de habilidad en los instrumentos y para hacer ruido durante “Quand les larmes d’un ange font danser la neige”.

En México existe un público considerable para la música psicodélica y Melody’s Echo Chamber, banda inicialmente apadrinada por Kevin Parker, ha sido recibida con la más cálida bienvenida en el país desde sus inicios. En el balcón superior pude apreciar a un par de personas mostrando orgullosamente sus vinilos de la banda (quizás con la esperanza de recibir un autógrafo luego) y no tardaron ni tres minutos los aplausos e imploraciones del público en hacer a la cantante y a su banda regresar para un par de temas más.

Por supuesto, “I Follow You” fue una de las canciones más esperadas de la noche y una lluvia de celulares arriba. 10 años después, el sencillo de su primer álbum sigue trayendo fuertes emociones y nostalgia, su outro y su respectivo solo de guitarra aullador siguen poniendo la piel chinita. Las notas de teclado de “Quand Vas Tu Rentrer” acompañada en el arranque solo por la dulce voz de Melody bastaron para mantener los ánimos a tope hacia la recta final con “Cross My Heart”.

Conmovida se quedaría corto para describir la impresión de Melody Prochet al despedirse del Foro Indie Rocks! (con todo y su doctor Simi que alguien logró escabullir). El sábado 4 de noviembre Melody’s Echo Chamber se estará presentando una vez más en el mismo escenario que Temples, Toro y Moi, The Flaming Lips y muchos otros durante la edición 2024 de festival Hipnosis y seguramente será otro show imperdible para los amantes de la música que eleva a otros planos sensoriales.

The Flaming Lips en House of Vans

Una noche mágica dentro de la caja de juguetes de la banda de Oklahoma.

Lo ocurrido dentro de las instalaciones del House of Vans Ciudad de México la noche del 3 de noviembre, fue algo digno de recuerdo y goce para los amantes del rock psicodélico. Nada más y nada menos que The Flaming Lips serían los encargados de musicalizar una noche que quedará plasmada dentro de las paredes del recinto de Mixcoac por la eternidad. 

La noche comenzaba con la clásica fila que se forma a las afueras del recinto de la calle de Rubens, se podía observar que este era un concierto de alta expectación por el tamaño de la fila, que desde horas tempranas, fue creciendo hasta darle la vuelta a la esquina. En puto de las 20:00 H, los asistentes comenzamos a entrar y a tomar lugar dentro del bowl de skate. El escenario se veía repleto de objetos extraños, pero que jugarían un papel muy importante durante la presentación, sin duda todos estábamos muy emocionados por lo que viviríamos. 

Después de un rato de plática y emoción desbordante entre los asistentes, como si se tratase de una visión Wayne Coyne, Steven Drozd, Derek Brown, Matt Duckworth, Nicholas Ley y Tommy McKenzie, se asomaron por el balcón que se encuentra junto al escenario para comenzar con el frenesí interminable de gritos.  

Las luces se apagaron en punto de las 21:30 H, y Wayne comenzó a jugar con la audiencia con pequeños gritos de “hello” o “hi”, y sin más, los artistas tomaron el escenario sobre el que un gigante rosa inflable comenzaba a levantarse de su letargo, los robots rosas invadieron el escenario del House of Vans al ritmo de “Fight test” para comenzar con la primera parte del concierto que nos regalaría 16 canciones en total. 

Durante esta primera parte pudimos disfrutar de clásicos como “One More Robot / Sympathy 3000-21”, “She Don’t Use Jelly” y “The Yeah Yeah Yeah Song”  destacando esta última por el uso de diferentes inflables, que formaban un rostro que nos observaba y acompañaba nuestro canto. Este fue uno de los props que no pudimos disfrutar en el Pulso GNP, pero que sin lugar a dudas, no se iba a quedar guardado en las gavetas de los músicos, durante su gira por México. 

Durante esta primera parte se notaron algunos problemas con el audio de Wayne, además de que este fue superado por los gritos eufóricos de los asistentes, pero poco a poco, los problemas se fueron solucionando hasta el punto de ser imperceptibles. De esta manera y después de algunas pausas en las que Wayne agradecía a todos por asistir y entregar tanta energía, llegamos a uno de los puntos más altos de la noche, los robots rosas volvieron al escenario para ser enfrentados por “Yoshimi Battles The Pink Robots Pt.1 y Pt.2”

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La euforia dominó a todos al ver la entrega de los músicos que eran acompañados por unas pantallas que proyectaban cada palabra que conformaban sus canciones, lasers interminables y los inflables que no dejaban de bailar al ritmo de las dos partes de “Yoshimi Battles The Pink Robots”. Con globos rellenos de confeti y bastones que disparaban más confeti, Wayne hacía parte a cada uno de los asistentes reventando estos globos ante la emoción de la gente que veía caer el papel con forma de pequeños robots rosas. 

Al detener el ataque de los robots rosas, comenzó una sección más pausada del concierto con la interpretación de clásicos como “Flowers of Neptune” en la que Wayne usó su clásica vestimenta de flor y se tomó el tiempo de contar la historia de cómo se escribió esa canción, la cual nos llevó por un gran viaje en ácidos y hacia la apreciación de la vida de una flor parlante. Una de las sorpresas de la noche, fue la interpretación de “Borderline” canción de Stardeath and The White Dwarfs, agrupación liderada por el sobrino de Wayne y con quienes tienen un álbum colaborativo. 

Después de toda una noche llena de juegos llegamos al momento más emotivo de la noche, con la interpretación de “Do You Realize??” en la que Wayne volvió a agradecer a todos los asistentes y pidió que compartiéramos el cariño entre nosotros, porque la vida era muy corta y se pasa muy rápido como para estar rodeados de desconocidos en una noche tan increíble. Así cerró el concierto, y The Flaming Lips abandonaba el escenario por primera vez, para regresar posteriormente al encore. 

Al volver al escenario, Wayne nos contó la historia de un pájaro de juguete que usaría durante la interpretación de “My Cosmic Autumn”, el juguete original se había perdido dentro del almacén de la banda, pero ellos estaban listos para dar la bienvenida a un nuevo integrante a la familia de juguetes. Después de un primer intento de vuelo fallido, Wayne pidió disculpas y realizó otro intento, en el que el pequeño pájaro de plástico logró cumplir su cometido volado sobre todos los asistentes. 

Hay veces en las que debemos soltar lo viejo, aunque duela, y dar una cálida bienvenida a lo nuevo, que nos puede regalar momentos maravillosos como este”, comentó Wayne. 

Para culminar la noche, Wayne se introdujo en una esfera inflable para interpretar “A Spoonful Weighs A Ton” y “Race For The Price” en la que experimentamos la última y mayor exploción de energía con un ambiente repleto de gritos, coros, música, y papeles voladores. Con un letrero gigante conformado por globos, The Flaming Lips le decía al House Of Vans “Fuck Yeah CDMX”, y dejaba el escenario para ya no volver. 

La noche y la energía de The Flaming Lips, no pudieron ser mejores, ya que durante todo el concierto se notó la alegría de una banda que estaba extasiada de volver a una ciudad, que siempre que puede, les demuestra un amor y aprecio inigualable. Sin duda, la noche del 3 de noviembre, quedará marcada de por vida en la memoria de este pequeño escritor y quedo ansioso de descubrir lo que Wayne Coyne y compañia, tendrán para la CDMX en el Hipnosis 2023.

Setlist: 

1.- "Fight Test"

2.- "One More Robot / Sympathy 3000-21”

3.- "She Don't Use Jelly"

4.- "The Yeah Yeah Yeah Song" 

5.- "How??" 

6.- "Waiting For A Superman" 

7.- "Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 1"

8.- "Yoshimi Battles The Pink Robots Pt. 2"

9.- "Flowers of Neptune" 

10.- "It's Summertime" 

11.- "Borderline" 

12.- "Pompeii Am Gotterdammerung" 

13.- "Do You Realize??"

14.- "My Cosmic Autumn" 

15.- "A Spoonful Weighs A Ton" 

16.- "Race For The Prize" 

Road to Hipnosis: Temples + Altin Gün en C3 Stage

Exotico regreso de Temples a Guadalajara y una noche inolvidable con Altin Gün en C3 Stage.

Aprovechando su participación dentro del festival Hipnosis 2023, Altin Gün y Temples visitaron Guadalajara para brindarnos un concierto memorable dentro del C3 Stage.

Altin Gün fue la banda que arrancaría el recital. La combinación sui géneris de los místicos sintetizadores, aunado a los riffs psicodélicos de la guitarra y el bağlama armonizan de forma perfecta con el danzar y cantar de Merve, acompañados por distintas percusiones que a su ritmo acelerarían nuestro pulso.

El set estuvo compuesto en su mayoría por los temas de su más reciente álbum Aşk, lanzado a finales del primer cuarto de este año, siendo "Rakıya Su Katamam", y "Badi Sabah Olmadan" los temas destacados. A su vez, "Yüce Dağ Başında", "Leyla" y "Süpürgesi Yoncadan" fueron los temas que más se corearon por todo lo alto.

La respuesta del público y su interacción con Altin Gün fue única. A lo largo de todo el show, cantamos en turco, o al menos lo intentamos washawasheando, situación que enmudeció a Erdinç de la emoción, pues de momentos la voz del público se sobreponía a la suya.

Dejando la pista bastante caliente por Altin Gün, la vara se puso bastante alta para Temples, quienes con gran elegancia en su vestimenta se hicieron presentes sobre el escenario, recibidos por los gritos de las y los fanáticos.

Con su más reciente disco Exotico bajo el brazo, Temples arrancó su set con varias de sus canciones, siendo "Cicada" la mejor recibida por los escuchas, cuya energía era notablemente menor que la liberada en el show previo.

El ambiente vino de menos a más cuando "Holy Horses", "Keep in the Dark" y "Hot Motion" fueron interpretadas, aunque mucho de esto impulsado por el mismo James que alentaba al público a mostrar más ímpetu.

"Afterlife" fue todo un deleite a los sentidos, pues la interpretación de cada integrante fue impecable. El clímax de esta presentación fue cuando "Paraphernalia" sonó en los parlantes del C3 Stage, creando dentro de él una gran pista de baile.

Para rematar, "Shelter Song" concluía aparentemente este concierto, siendo muy coreada y videograbada por la audiencia. Tras una breve pausa, los ingleses regresarían al escenario para finalizar su set con "Mesmerise", demostrando aquí su alto nivel técnico, improvisando dentro de los riffs añadiendo texturas que lograrían extender este tema, cerrando dignamente su presentación.

“Goodbye”, el nuevo video de The Chemical Brothers

Además, el track es un éxtasis de techno analógico.

El dúo británico de música electrónica The Chemical Brothers, tras un mes del lanzamiento de su álbum For That Beautiful Feeling, ahora nos sorprende con el estreno de un nuevo videoclip para la canción “Goodbye”, el cual recientemente fue transformado por el super productor y amigo cercano de la banda Erol Alkan.

Asimismo, el nuevo video fue dirigido por los colaboradores de toda la vida de la banda Adam Smith y Marcus Lyall, en él apreciamos colores apagados y a una pareja que disfruta de su mutua compañía. Sin embargo, al mismo tiempo que cambia el tono de la canción (de rápido a lento) la pareja se rompe, anunciando así el comienzo del final.

En este material The Chemical Brothers nos deja ver un proceso de despedida; al inicio es mágico, después se quiebra, luego es otra vez agradable y al final se vuelve un recuerdo. Todo ello, envuelto en una capa de voces electrónicas que dicen una y otra vez: “Oh mi amor, parece tan largo mi amor, cuando dices adiós, lloro…”, y sintetizadores que nos evocan un aura nostálgica, pues también se debe a que su producción sonora es analógica.

De tal forma, el dúo nos demuestra su gran capacidad musical y de narrativa, pues en conjunto nos lleva por un ambiente que nos detiene en la reflexión cósmica, sin pasar de moda. ¡Obsérvalo a continuación!

Caifanes estrena “Inés”

El sonido clásico de la banda y una gran historia.

Caifanes está de estreno después de un año de ausencia, “Inés” es su nueva canción y ya está disponible junto con su video musical, ¿te lo vas a perder? Conoce los detalles.

Después del estreno de “Solo eres tú”, los fanáticos de la banda mexicana esperaban más música nueva y, luego de un tiempo, es que lanzaron “Inés”. Esta canción regresa al sonido que caracteriza a Caifanes: las guitarras y el bajo del rock, fusionados con los tintes de la cumbia y el saxofón.

“Inés”, cuenta la historia de la mujer con la que comparte nombre, la banda nota su ausencia en los conciertos y buscan el motivo: algo ha tomado Inés que la ha vuelto loca. La mujer puede hablar con los ángeles o con la pared, por lo que ahora está en un hospital psiquiátrico. Lo importante está en el mensaje de la banda: no es culpa de Inés.

La canción fue compuesta por Saúl Hernández y comparte créditos con Diego Herrera y Alfonso André. Su video musical fue grabado por completo con iPhone, dirigido por Alejandro Magallanes y animado por Manuel Baez, en él mezclan las animaciones con clips de un show de Caifanes en septiembre de este año. Este es el primer videoclip que lanza la banda en tres décadas, por lo que es imperdible. Escucha “Inés”:

“Run Run Run”, lo nuevo de The Libertines

Conoce el primer sencillo de su nuevo álbum de estudio.

El pasado punk está de regreso con The Libertines. Su nuevo sencillo “Run Run Run” ya está disponible, junto con su video musical. ¡Entérate de todos los detalles!

Con el anuncio de su próximo álbum, All Quiet On The Eastern Esplanade, es momento de conocer la primera parte de una serie de videos que comprenden la historia del disco. En “Run Run Run” entramos en el punto de vista de un conductor de taxi, que lleva a su destino a una serie de personajes. En medio del recorrido, el mismo chofer se libera, gracias a los viajes de los otros.

Esta canción recupera el aura anarquista que marcó a la agrupación en su pasado, ahora más orgullosa de esta. Con un himno punk, se libera del pasado: “you better run faster than the past”, un momento de reflexión que The Libertines imprimió en su álbum.

El video musical fue dirigido por Alex Brown, grabado en diferentes locaciones en Margate, Cliftonville y The Albion Rooms, el “santuario creativo” de la banda. En cada vídeo mostrarán la historia de los enigmáticos personajes en la portada del disco, ¿estás listo para conocer el mundo de The Libertines?