Hoy es un día emocionante para los amantes de la música, ya que se ha estrenado la tan esperada canción "oggy" de la talentosa artista mexicana Girl Ultra. Esta nueva melodía promete conquistar nuestros oídos y corazones con su encanto único y su vibrante ritmo.
Girl Ultra se ha destacado en la escena musical por su estilo distintivo y su capacidad para fusionar géneros de una manera que cautiva a su audiencia, "oggy" no es la excepción, ya que mezcla elementos de pop, R&B y electrónica para crear una experiencia auditiva refrescante y envolvente.
La canción "oggy" resuena con versos que nos hablan de una conexión especial, donde solo una persona puede sacar a la protagonista de su casa, y solo esa persona tiene el poder de llenar su día de felicidad y energía positiva. Es un himno a la alegría y la libertad que nos brinda una relación especial.
La producción de esta canción es el resultado del talento de Sam Katz y MONVCO. Su colaboración ha dado como resultado un sonido cautivador que te atrapa desde los primeros beats y te hace mover al ritmo de la música. La canción es una explosión de alegría y vitalidad que te hará sentir de buenas en cualquier momento del día.
"oggy" es una adición refrescante al panorama musical actual y un recordatorio de la capacidad de la música para elevar el espíritu.
Una fusión musical de electro-pop en un inesperado dúo.
Después de presentar su sencillo "Welcome to the Opera", la artista canadiense Grimesune fuerzas con la compositora y productora, Sevdaliza, en una colaboración única que da lugar al nuevo single "Nothing Lasts Forever". Este estreno desafía las expectativas y explora las presiones impuestas a las artistas femeninas por la sociedad.
El tema se destaca por su atrevido trasfondo electrónico y líricas como "Somos máquinas hechas para soñar" y "Ámame y luego déjame ir". Además, se sumerge en la batalla contra las presiones provenientes de uno mismo y del entorno, resaltando la libertad que se encuentra en desafiar dichas cargas. ¡No olvides darle play!
Sevdaliza, la artista iraní-holandesa, comparte su proyección sobre la temática de su primera colaboración con la intérprete del álbum, Miss Anthropocene.
La admiración y la adoración se convierten en armas cuando las mujeres desafían las expectativas. La verdadera liberación es liberarse de las expectativas internas y externas, un viaje que vale la pena emprender a pesar de los moretones".
Esta asociación es un testimonio de la diversidad y la creatividad de dos talentos destacados en la industria que fusionan sus estilos musicales en un éxito introspectivo inspirado en el rave.
El videoclip oficial de la canción está programado para su lanzamiento la próxima semana, y aquí en Indie Rocks! te mantendremos informado.
Ya podemos escuchar la primera canción de su nueva faceta.
Recientemente se ha revelado que la banda oriunda de California va a estrenar su próximo álbum, Blu Wav, el próximo 16 de febrero a través de Dangerbird Records. Además, ya está disponible “Watercooler”, el primer sencillo .
Jason Lytle, un prolífico narrador de historias que se inspira en la abrumadora belleza de la naturaleza y en los momentos mundanos que desatan los recuerdos más intensos de la vida. Introduciendo por primera vez la guitarra de acero con pedal en el repertorio de la banda, el animado primer sencillo "Watercooler" comenta sobre la dicotomía de ambos. Se inspiró en su propio estilo de vida de rockero al aire libre (en los dos sentidos de la palabra) mientras su pareja tenía un trabajo de oficina.
La mayoría de mis relaciones han sido con mujeres que trabajaban en oficinas. Esta canción trata del final de una, o quizás de unas cuantas de esas relaciones. Los oyentes también notarán la guitarra de acero con pedal en este tema y, eventualmente, en muchos otros del próximo nuevo álbum. Es una primera vez para Grandaddy, y no podría estar más emocionado por este hecho", explica Lyttle en un comunicado de prensa.
La canción tiene todo para convertirse en la favorita de quienes aman los valses y las melodías tranquilas y tiernas porque mezcla elementos del country sin dejar de lado el toque indie de la banda. El video también es una verdadera joya visual porque es como si verdaderamente estuviéramos viendo un video musical de los 80 por el estilo de la cámara, los efectos visuales, los subtítulos que maneja y todo esto acompañado de las melodías de Grandaddy. Dale una oportunidad y déjate cautivar por la nueva faceta que la banda tiene para demostrar.
Boom Boom se encuentra disponible en todas las plataformas de streaming y en sus tiendas de discos favoritas.
Pascal Comelade, Lionel Limiñana y Marie Limiñana se unen para crear lo que es este nuevo lanzamiento llamado Boom Boom. La nueva grabación de este trío de corta duración se arma en medio de riffs, repeticiones y la prestidigitación melódica que se alzan como líneas sonoras comunes. Boom Boom contiene 12 track originales grabados a principios de 2023, durante una pausa en sus actividades como trío y después de su álbum lanzado en 2022, Le non-sens du rythme.
En ese tiempo de pausa Comelade colaboró con Lee Ranaldo (Sonic Youth) en el proyecto Velvet Serenade y produjo una serie de conciertos en Lyon para cuatro pianistas.
Y a su vez Lionel y Marie Limiñana realizaron por su parte numerosas giras, colaborando en 2021 con Laurent Garnier en el álbum De Película y grabando bandas sonoras para series de televisión y películas.
En este álbum los teclados de Comelade, se complementan con riffs de guitarras igualmente hipnóticos y realzados por algunos solistas inigualables y barceloneses como: Xarim Aresté y Lalo López e Ivan Telefunken este último un veterano de la Bel Canto Orquestra de Comelade y guitarrista en vivo de The Limiñanas. Otros de los colaboradores dentro de esta producción son Marc Hurtado, colaborador de Alan Vega y Lydia Lunch miembro de Etants Donnés por otra parte está también Mark Cunningham de la banda neoyorquina de no-wave Mars interpretando algunas de las partes vocales del álbum.
En cuanto a las letras de las canciones, “Fin du Monde” es un poema predadaísta de Jakob Van Hoddis (1887-1942), “Concinacion” es un poema en lenguaje imaginario del mallorquín Jacob Sureda (1901-1935) y también decidieron agregar la frase de Marcel Duchamp"Mi sobrina tiene frío porque tengo las rodillas frías" como título de su canción “Ceci est un enregistrement magnétique".
Los 12 temas Boom Boom están escritos y coproducidos entre Pascal Comelade y Leonel Limiñana quienes tocan casi todos los instrumentos, en donde encontramos: pianos, órganos eléctricos, violines, acordeones, melódicas, guitarras, bajos etc y a su vez Marie Limiñana se encarga de las percusiones y baterías del disco y la portada del álbum es una obra de la artista Claudia Comelade.
Nace una propuesta sólida en el panorama musical del sureste de México.
Slowdays emerge como una banda independiente fundada en 2020 que ha cultivado una variedad de géneros, desde el enérgico surf punk hasta el introspectivo bedroom pop, el enigmático post punk y los etéreos sonidos del shoegaze.
Desde sus inicios, los originarios de Mérida, Yucatán, han mantenido una estrecha conexión con su público, pero su ambición musical los lleva a buscar una audiencia más amplia. Al explorar en temas universales que resuenan en la juventud, como el amor, el desamor y la búsqueda de la identidad, se han teñido en un enfoque independiente y auténtico.
Con un álbum de estudio en su repertorio, así como dos videos oficiales, Slowdays ha comenzado a consolidarse a través de un tour confirmado por la región. Además, han logrado destacar con piezas como “Sitios Extraños”, “Calabozos y Dragones” y “This Summer Sucks”.
Si deseas sumergirte en su emocionante universo sonoro, no te pierdas su último lanzamiento, el videoclip de la canción "uwu", perteneciente al álbum Lovely.
No olvides indagar en su colección de canciones compartidas en Spotify, así como seguirlos en sus redes sociales como Instagram y Facebook para mantenerte al tanto de sus próximas presentaciones y nuevos lanzamientos.
Bad Wolves, gran referente del metal alternativo, llena de ruido tu fin de año con su nuevo álbum Die About It a través de Better Noise Music. El segundo disco de Daniel "DL" Laskiewicz como vocalista y con una recopilación de 13 ruidosos temas, con letras profundas y transcendentes mientras experimentan y redefinen su sonido, basados en la diversa inspiración de bandas como The 1975 y Meshuggah.
Desde el arte hasta la música, nuestro nuevo álbum se siente más personal", dice Boecklin . “Este álbum trata sobre cómo sobrevivimos a través de demandas, cambios de miembros, odio en línea y narrativas falsas. Queremos recuperar la energía de hacer música porque queremos, no todas las demás tonterías. El título del álbum es una declaración sarcástica hacia aquellos que debaten en línea en medio de la agitación, defendiendo o llevando sus propias creencias hasta el punto del absurdo. Si vas a llorar por eso, entonces también podrías Die About It. Déjanos fuera de esto”.
Este cuarto material de la banda estadounidense, aborda temas de bullying, relaciones tóxicas, adicciones, entre muchos otros temas importantes para una sociedad que aunque sabe que existen, se habla poco de ellos.
Para acompañar el lanzamiento de Die About It, nos regalan el video de su primer sencillo “Savior”, en el que podemos escuchar la energía que emerge los sonidos de la guitarra acompañados de una voz ruidosa, que junto al espectáculo visual te transportan a otra dimensión.
Die About It ya esta disponible en todas las plataformas digitales, asi sube el volumen y ten un fin de semana ruidoso con Bad Wolves.
La última canción del cuarteto, que reúne a sus miembros originales 60 años después de su debut.
“Now And Then” es el capítulo final que todos los fanáticos del cuarteto de Liverpool necesitan, un nuevo sencillo único en su tipo, que reúne a John, Paul, George y Ringo a través del tiempo.Entérate de los detalles.
Como si fuera 1963, el estreno de una canción de The Beatles está aquí, el sencillo doble “Now And Then / Love Me Do” es el comienzo y el cierre de la banda más icónica de Reino Unido. La llamada última canción, reúne la composición de John Lennon, con las guitarras de George Harrison grabadas dos décadas más tarde y las aportaciones de Pauly Ringo: a esto se añade un arreglo de cuerdas compuesto por Giles Martin, hijo de George Martin, y coros de otras canciones originales de The Beatles.
Escucha "Now And Then":
Cuenta con tecnología única, a través de un método profesional se restauró el sonido desde un casete proporcionado por Yoko Ono, al igual que en el documental Get Back, de donde se aislaron los vocales de Lennon. Algo que Paul y Ringo afirman fue como si sus compañeros aún estuvieran ahí, en su música.
“Now And Then” se estrenó con un video musical y un mini documental, ambos dirigidos por Peter Jackson. En el video vemos algunos clips de Anthology, donde se grabaron las guitarras de Harrison, y una serie de imágenes de toda la carrera del cuarteto: un collage que incluye a George y John junto a sus compañeros en la actualidad. En el mini documental podrás conocer más detalles de la realización de la canción.
Como parte de las sorpresas, también reeditarán las colecciones Redy Blue, que ahora reúnen 75 canciones, para su remasterización en Dolby Atmos, el 10 de noviembre.
Un álbum perdido entre épocas extrañas y el regreso a una tierra de amigos.
Ha pasado poco más de un año desde la publicación de Reset (2022), el más reciente álbum colaborativo entre Noah Benjamin y Pete Kember, mejor conocidos como Panda Bear y Sonic Boom, dos músicos que cargan un legado de años cosechando éxitos dentro de la industria musical, y que juntos han logrado crear una mancuerna de exquisitez musical con cada una de sus colaboraciones.
Este próximo 4 de noviembre podremos disfrutar de su propuesta dentro de la programación del Festival Hipnosis 2023, y aprovechando esta próxima visita a nuestra ciudad, nos sentamos para platicar con Noah y Pete sobre la percepción y evolución que ha disfrutado este álbum en sus tres diferentes versiones.
Reset es un material que fue un total producto de su época, una época que todos recordamos, pero que también negamos o hasta ignoramos por la extrañeza que inundó la esencia mundial. Vale la pena recordar que este álbum nació como respuesta a la escena obscura e incierta que se afrontaba en el año de 2020, y por eso se disfruta de una personalidad optimista y festiva en cada una de sus canciones, que en su momento, nos recordó lo afortunados que somos de vivir.
En definitiva el álbum ha cambiado en estos años, pero todo gracias a que lo hemos tocado en vivo. En su momento, el álbum fue circunstancial, no sabíamos si lo podríamos tocar en vivo, pero es un alivio cada vez que lo presentamos en un escenario", expresó Noah.
"Este es un material de percepción. Cuando salió, yo lo experimentaba de una manera, pero con el tiempo esto ha cambiado; cada vez que lo escucho, es como volverlo a hacer por primera vez", completó Pete.
Una de las principales cualidades del material, es que cada una de sus canciones logra crear pequeñas atmósferas que transportan al escucha a diferentes lugares y ambientes positivos. Su sonoridad explora texturas que nos recuerdan a épocas lejanas y sus sampleos de clásicos de los 50, 60 y 70, hace el viaje temporal más evidente, pero todo sin querer exponer y presumir una esencia retro.
Sabíamos que este álbum iba a ser asociado a una época muy específica, pero cuando escucho cada una de las canciones, me imagino pequeñas postales de paisajes bonitos que tal vez no existen. Una de nuestras principales influencias fue la música jamaiquina, que justo se caracteriza por tener una vibra positiva, pero con el detalle de que igual fue creada en un momento de gran dificultad", dijo Pete.
"Con toda la mezcla de géneros modernos y sonidos retro, quisimos construir un material que se sintiera fuera del tiempo, que no fuera asociado ni al pasado o presente, sino que fuera un híbrido que transmitiera una sensación de nostalgia futurística", comentó Noah.
Es interesante pensar, por un momento, si este álbum se construyó con la esperanza de que algún día sería interpretado en vivo, pero con el fin del encierro en 2021, y el regreso al mundo en 2022, junto con la vuelta de los conciertos a su máxima capacidad, da mucho gusto saber que ambos artistas se habían preparado para interpretar un set digno de recuerdo, sobre cualquier escenario del mundo. Sobre esto, los músicos comentan:
Recuerdo que nuestro primer concierto después de la pandemia me emocionó mucho, no digo que ahora no me emocione tocar, sino que todo lo que había pasado solo parecía un mal sueño. Diseñamos el set para que de alguna manera fuera sencillo y la verdad es una experiencia muy agradable presentarlo", expresó Noah.
"Es genial compartir este álbum en el escenario en vivo y volver ha sido como medicina para mi, hemos estado ya en 17 países diferentes y hasta hemos repetido algunos. Esto ha sido una experiencia formativa para mi, porque es como si fuera la primera vez que lo hago", continuó Pete.
Nos encontramos ya a solo pocos días de disfrutar de una nueva edición del Festival Hipnosis, en el que formaremos parte del ritual musical comandado por Panda Bear y Sonic Boom, dos artistas con muchos años de experiencia y que saben cómo hacer que la audiencia disfrute cada segundo de sus presentaciones. Sobre su regreso a México, los artistas comentan:
Ya he estado en el Hipnosis antes, y siento que todos los shows que he hecho en México han sido increíbles. La gente siempre está emocionada y eso hace nuestro trabajo más disfrutable y sencillo", dijo Noah.
"En nuestro equipo contamos con algunos mexicanos y es emocionante poder viajar con ellos a su país. Ya hemos estado antes ahí y siempre nos emociona, y en lo personal, he estado ansioso por tocar en este festival desde que lo vi en nuestro calendario. Es como volver a una tierra llena de amigos", finalizó Pete.
Así damos comienzo al penúltimo mes del año: rockeando entre emociones.
Noviembre nos anuncia la cercanía del final, pero para hacer más ameno el mes te presentamos las cinco mejores canciones que acompañarán a las nuevas oportunidades que se vayan presentando en el camino. Así que no olvides agregarlas a tu lista y reproducirlas una y otra vez. ¡Disfrútalas!
México es reconocido mundialmente por su cálido recibimiento a músicos y artistas, incluso múltiples bandas han hecho de este país un segundo hogar. Gracias a esto, durante los últimos quince años hemos estado inmersos en un intercambio cultural como nunca antes se había visto, consumiendo música, teatro y más expresiones artísticas provenientes de todo el globo.
Pero este fenómeno no se ha dado por sí solo, la apertura del público es importante pero también es digno de reconocer el trabajo de promotoras, embajadas, centros culturales, empresas privadas y todas esas personas que han echado a andar iniciativas para que podamos involucrarnos con otros países sin tener que salir de México.
Precisamente una de estas iniciativas es Global Music Tour, lanzada por Hoteles Ibis en 2019, con la que organizan conciertos en todo el mundo, invitando bandas locales a tocar en los mismos hoteles para posteriormente finalizar en un festival. En esta ocasión le tocó a Querétaro, donde se presentaron las cantantes mexicanas María Centeno yMarissa Mur, además de Violetta Parisini, cantautora austríaca con quien tuvimos oportunidad de platicar hace unos días.
Siempre quise hacer música, ha estado dentro de mí desde que tenía seis años. Era esa persona a la que le gustaba cantar y a quien le permitían cantar los solos, pero cuando tenía 18 años mi voz falló y el médico me dijo que nunca más podría cantar, así que decidí estudiar Filosofía”.
Nos contó Violetta sobre sus inicios, mientras compartimos un café en el Hotel Ibis Mexico Alameda.
Afortunadamente encontré a una fonoterapeuta, poco a poco comencé a cantar de nuevo y conocí gente que hacía música electrónica, con quienes cantaba de vez en cuando. Pero la verdad es que no estaba muy contenta con la música que elegían, así que eventualmente comencé a pinchar yo misma y después de unos años tocaba techno y cantaba”.
Compartió sobre cómo incursionó en la escena techno, una de las más grandes en Austria y Alemania.
Luego perdí la voz otra vez y pensé en lo que realmente quería hacer, fue ahí cuando me di cuenta de que todavía quería hacer música y todavía quería cantar, pero algo en lo que pudiera contar historias y actuar con más concentración en la música misma. Entonces encontré un productor e hicimos dos álbumes en inglés, pero luego tuve que tomarme un gran descanso debido a mi salud mental. Padecí depresión y cuando estás deprimido realmente no puedes hacer nada”, relató.
Aunque los problemas de salud mental son un tópico que se aborda cada vez más no solo en la música, sino en la cultura popular, continúa siendo tabú para muchas personas, es por esta razón que Violetta decidió tomarlo como estandarte para conectar con la gente a un nivel más personal y profundo.
Empecé a escribir sobre esto y también comencé mi propio sello, donde lo hago todo yo sola. Desde entonces he publicado dos álbumes en alemán y actualmente estoy trabajando en un tercero en inglés. Recibí muchos comentarios positivos, especialmente porque estoy dispuesta a hablar sobre problemas de salud mental y cómo no puedes funcionar cuando los padeces. Hago música sobre temas especiales, sentimientos y problemas que tenemos con nosotros mismos”.
La transición de la música electrónica, especialmente el techno, a lo que actualmente hace Violetta parece ser un tanto abrupta; sin embargo, para ella se trató de un proceso completamente natural, de maduración y entendimiento de lo que realmente quería hacer.
Cuando tocaba techno todo se trataba de bailar, ahora se trata de sentir y pensar. Cuando estoy en el escenario la gente a veces llora y, por supuesto, ya no baila. Todos poseemos sentimientos muy similares, aunque nuestras historias sean diferentes. Así que no importa lo que hayas vivido, no importa cuál sea la historia, los sentimientos nos conectan a todos”.
Expresó, destacando la importancia de reconocer lo que sentimos para poder compartirlo con los demás.
Cuando tenía 20 años solía ir mucho de fiesta y me encantaba. Viena tiene una escena de clubes bastante buena, hay muchas discotecas, diferentes tipos de música y productores; pero como tengo la sensación de que sólo puedo hacer música que refleje mi propia vida, fue una evolución natural para mí”.
Concluyó sobre este gran paso de un género a otro completamente distinto. Además de estudiar Filosofía, como nos relató al principio, Violetta también estudió Teatro, disciplinas que impactaron en su forma de crear música y la manera en cómo se presenta sobre el escenario.
Soy una persona muy centrada en el pensamiento, le pongo palabras a mis sentimientos y así es como evolucionan mis canciones. Gracias a la Filosofía aprendí a pensar con mucha precisión y aunque no es necesario estudiarla para escribir buenas canciones, me ha ayudado muchísimo”.
La Filosofía también me ha ayudado a tener confianza conmigo misma cuando se trata de palabras, pensamientos y de analizar las cosas detenidamente. No me dejo intimidar y eso ha sido muy valioso, porque aunque sea superficial que pueda decir,’ ay, estudié filosofía’, me da más confianza como artista”.
Violetta es madre de dos pequeños, y aunque al principio no estaba planeado abordar el tema de la maternidad, que se ha convertido en un tema recurrente y hasta cierto punto fastidioso cuando se entrevista a una mujer; jugó un papel crucial en su definición como artista y la temática de sus canciones.
No fue fácil traducir esa experiencia en cosas hermosas y creativas. Aunque tenía un ambiente seguro con un hombre que me apoyaba a mi lado, la maternidad me sacudía tanto que pensé que nunca más podría levantarme de la cama”.
Nos platicó, recordando la etapa en la que padeció depresión posparto.
Solía pensar que, sin importar si era mujer o hombre, podía hacer cualquier cosa. Pero cuando tuve hijos llegué a la conclusión de que por el papel que tengo en la sociedad como madre, esto no es verdad. La gente cree que sabe lo que tienes que hacer, cómo se debe hacer, qué es bueno y qué no, así que de repente te sientes abrumado por todas las expectativas sobre ti. No como persona, sino por el papel que se te ha asignado en la sociedad”.
Precisamente esas expectativas impuestas por la sociedad son las que han llevado a millones de personas a desarrollar padecimientos como ansiedad y depresión, entre otros. Y aunque son todos importantes y válidos, el peso que tienen que cargar las madres es incomparable.
Nunca seré tan buena madre como me gustaría ser; nadie lo será jamás. Creo que no existe tal cosa como ser una buena madre y esto también sucede con muchos otros roles que tenemos las mujeres en la sociedad, porque se espera que hagamos todo a la perfección, que seamos amables, bla, bla, bla. Por eso comencé a pensar en la feminidad y sus expectativas, de ahí surgen todas las canciones”.
Al retratar situaciones tan personales y poner en palabras sentimientos que una vez te hicieron pensar que jamás podrías levantarte de la cama, debe ser difícil pensar en compartir tus canciones con otras personas, pues mostrarte vulnerable es frecuentemente considerado un símbolo de debilidad.
Esperé bastante tiempo antes de presentar mis canciones porque tenía miedo de derrumbarme y llorar en el escenario. Pero una vez que salieron me di cuenta de que muchas personas, no sólo mujeres, comparten los mismos sentimientos. Podemos identificarnos porque conocemos la sensación de no ser lo suficientemente buenos y que nunca lo seremos para lo que se espera”.
Contó Violetta, dando un ejemplo de cómo ha logrado construir una fuerte conexión con su público.
Tengo que encontrar una manera de ser quien soy sin dudar si es lo suficientemente bueno, es algo con lo que todos luchamos y lo que todos deseamos. Quiero despertarme por la mañana y pensar que todo está bien. No soy perfecta, no estoy cumpliendo todas las expectativas, pero soy humano y de eso se trata ser humano”.
Y aunque una muy larga distancia separa a Viena de México, donde se vive una cultura totalmente diferente a la europea, cuando hablamos de estos roles que desempeñamos en la sociedad nos damos cuenta de que compartimos los mismos patrones y las mismas expectativas.
No estoy segura de cómo es en México, pero sé que la seguridad social, los sistemas de salud y los círculos de apoyo no son tan buenos como en Viena, así que me da un poco de miedo hablar de mis cosas ya que puede sonar ridículo si lo comparo”.
Comenzó a relatar con un poco de temor, señalando que está plenamente consciente de su privilegio como mujer blanca viviendo en Austria.
Pero, por otro lado, no es nada ridículo porque como humanos somos todos iguales. Si estoy sentada en el metro de la Ciudad de México o en el metro de Viena puedo ver a la gente a los ojos y saber que compartimos el 90% de nuestras vidas. No importa de donde seas, todos compartimos la misma presión y la misma necesidad de satisfacer las expectativas que se tienen sobre nosotros. La vida se trata de conectar, nada tiene sentido si no nos conectamos”.
Sobre su visita a México Violetta nos dio más detalles, platicando de la iniciativa de Ibis y su experiencia como artista invitado.
Hace unos días estuve en Querétaro, pensé en tocar algunas canciones en español pero no había manera de que pudiera entender qué debía hacer en el piano, cómo cantar y cómo pronunciar correctamente. La realidad es que no hablo español, pero estoy aprendiendo, quizá la próxima vez lo haga”.
Compartió la cantante sobre sus ganas por aprender el idioma local y sus planes de regresar pronto.
No fue planeado con mucha anticipación, mi booker me preguntó si quería hacerlo e inmediatamente dije que sí. Pensé que iba a ser un evento de promotores, pero una vez que subí al escenario toda la gente estaba muy abierta y escuchando atentamente. Fue realmente muy agradable. El equipo de Ibis también fue increíble.”
Entonces, ¿qué sigue para Violetta Parisini después de su primera visita a México?
A veces escribo canciones para otras personas, comencé a hacerlo hace un año y me gusta mucho. También estoy trabajando en mi próximo álbum. No estoy segura de cuándo lo terminaré porque estoy produciendo mucho por mi cuenta, lo cual es genial porque no tengo que responderle a nadie. Puedo simplemente poner el micrófono, cantar la misma canción durante todo el día y descubrir lo que quiero de ella”.
Comentó, destacando las ventajas de ser músico independiente.
Quizás debería empezar a escribir un blog en inglés, pero mientras tanto puedes escuchar mi música en Spotify, Apple Music y YouTube”.
