SBTRKT comparte nueva canción

Posted on octubre 20, 2015 by -

Si querían nueva música de SBTRKT, hoy es un buen día para estar vivos.

Bien, el año pasado, SBTRKT publicó su segundo álbum de larga duración, Wonder Where We Land, que contó con colaboraciones de Ezra Koenig de Vampire Weekend; A$AP Ferg; Raury; Caroline Polachek, vocalista de Chairlift; Denai Moore; y Stella y Emily, baterista y vocalista de Warpaint respectivamente.

Desde entonces, SBTRKT no ha parado de trabajar y ha puesto a la escucha del público una serie de sencillos. “Guadalupe”,“Roulette”, “Runner Replicant” y “FLAREtWO”, nos han mantenido conectados con la música del productor británico.

Tampoco olvidemos que en junio de este año, en su Twitter se armó una disputa por el arte de Caracal, nuevo álbum de Disclosure, ya que SBTRKT —y su director creativo—, encontraba fuertes similitudes entre este trabajo y los que él había publicado para sus portadas de discos.

Ahora nos trae música nueva, extraída de su residencia en su programa de la BBC Radio 1. El nuevo tema se llama “Flicker” y a pesar de que no tiene letra, es un goce para nuestros oídos, gracias a la vanguardia musical a la que SBTRKT nos tiene acostumbrados.

No lo pienses más y dale play... ¡ahora!

David Gilmour - Rattle That Lock

Posted on octubre 20, 2015 by -

Rattle That Lock: el regreso de David Gilmour.

Una tarde cualquiera del 2013, David Gilmour esperaba un tren en la estación de Aix-en-Provence —una comuna francesa ubicada en el sur del país—, cuando escuchó la melodía de la SNCF, la empresa pública de transporte ferroviario. Algo de esas cuatro notas que se repetían una y otra vez llamó su atención, por lo que decidió sacar el teléfono y grabarlas para no olvidarlas. Un tiempo después, el jingle publicitario que le había provocado ganas de bailar lo inspiró para componer Rattle That Lock, el tema que le da nombre a su primer disco de estudio en nueve años.

El cantar de los pájaros y un piano épico empiezan a preparar la atmósfera. A los pocos segundos, la Gibson Les Paul Gold Top de Gilmour se hace presente y comienza a puntear un solo con el estilo tan personal que lo caracteriza, mientras que una segunda guitarra toca un arpegio suave que le sirve de colchón. Si uno cierra los ojos  puede imaginárselo arriba del escenario —parado, tranquilo, triunfante—, con el instrumento que lo consagró entre sus manos anunciando su regreso. Eso pasa en el inicio de la instrumental “5 A.M”,  que sirve como carta de presentación y al final se desvanece en fade para darle lugar a “Rattle That Lock”, el corte de difusión en el que participa el coro de expresidarios Liberty Choir. Se trata de un grito de protesta contra la apatía que habla de lo bien que nos sentiríamos al enfrentarnos a las cosas, incluso aunque no tengamos éxito.

Después de escuchar “5.AM”, encontrarse con “Rattle That Lock” sorprende y provoca cierta desorientación, algo que ocurre varias veces al pasar de un track a otro. Gilmour se permitió juntar canciones de diferentes estilos y unirlas mediante el piano, la guitarra y su voz, pero por momentos eso no es suficiente y la conexión entre los temas se siente débil. Por otro lado, los puntos más altos se encuentran en algunas de esas piezas independientes que brillan por sí mismas como “Faces of Stone” —un vals melancólico que trata sobre el punto donde coinciden el final y el comienzo de la vida—, “The Girl In The Yellow Dress” —un acercamiento al jazz más puro, con Jools Holland en piano y un exquisito solo de saxo de Robert Wyatt—, y “In Any Tongue” , en donde Gilmour interpreta el mejor solo de guitarra de todo el álbum al estilo de “Comfortably Numb” en The Wall.

Otra vez, Gilmour volvió a hacer equipo con Phil Manzanera —encargado también de la coproduccción de On an Island (2006), su trabado anterior—, y con su esposa, la novelista Polly Samson, que escribió la letra de cinco canciones. Si bien los tres venían trabajando en este proyecto  hace tiempo, su lanzamiento se tuvo que postergar para que pudieran concretar The Endless River (2014), la obra final de Pink Floyd, y un homenaje al tecladista del grupo, Richard Wright, a quien se vuelve a recordar en “A Boat Lies Waiting” de Rattle That Lock . Este tema —dueño de una textura sonora pinkfloydiana— cuenta con la colaboración de David Crosby y Graham Nash en voces, y tiene como protagonista a una grabación de Gilmour tocando el piano hace 18 años, en la que se puede escuchar a su hijo cuando era un bebe.

En el final, “And Then” —la segunda parte de “5 A.M”— cierra el disco con la misma eficacia con la que inicia, pero a esta altura del recorrido las expectativas no son las mismas. Rattle That Lock tiene lo suficiente para acercar a Gilmour a aquellos que no son fanáticos de sus trabajos anteriores, pero también para volver a traer al presente los mejores recuerdos de los seguidores más nostálgicos. Tal vez no logre conformar del todo pero hay algo que es seguro: tener a David Gilmour devuelta siempre es una buena noticia.

Entrevista con Flip Tamez

Posted on octubre 20, 2015 by -

Flip Tamez y su camino paralelo lleno de blues, garage y country.

Con una carrera consagrada al lado de Jumbo, Flip Tamez —desde hace cinco años— se embarcó en formar una historia musical paralela a la banda que lo vio crecer como músico. Contando anteriormente con dos trabajos, Adiós Domingo Gris (2009) y Enemigo Común (2012), este 2015 será el año en que de alguna manera se formalice esta aventura de Tamez, ya que se encuentra estrenando Un Tercio, un EP que formará parte de una trilogía que se convertirá en su nuevo material. Indie Rocks! tuvo la oportunidad de escuchar este álbum al lado de Flip, ocasión que no podíamos desaprovechar para platicar con él acerca su música, sus influencias, Monterrey, el futuro de Jumbo, y los detalles de esta nueva etapa como solista.

"Un Tercio de alguna manera sí es mi disco más formal. Mi primer disco no es que lo considere un disco, pero sí es más una bola de experimentos y de demos caseros grabados informalmente. El segundo, aunque es un disco en un estudio, con músicos e ingenieros, es ahora con Un Tercio que me siento como muy consolidado, muy arraigado, con un sonido, con performace y con todo lo que implica. Este álbum se disfruta manejando. Del primer material Adiós Domingo Gris, a ahora, ha sido una búsqueda de atreverme, de hacer todo bien de raíz, más cercano al blues, al garage, al country. Creo que desde luego siempre he sido durante mi carrera un guitarrista de rock alternativo y en algunas canciones aún se puede notar eso", comentó Flip acerca de su nuevo material.

En Un Tercio, Flip Tamez se encuentra rodeado de amigos: fue producido por Milo Froideval, y estuvo acompañado en vivo por una banda que —como el mismo nos comentó— no buscó por ser los más virtuosos o los que se vieran más cool, sino a los que tuvieran la misma pasión y gusto por la música, cosa que se refleja en cada presentación en vivo.

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"Al principio soy yo grabando todo y luego me rodeo de amigos  para tocarlo en vivo. Poco a poco se fue volviendo una banda. Probablemente muy pronto saldrá un disco de Flip Tamez y los algo… (risas). Ahorita se están ganando el apodo como los boxeadores. Busqué un grupo de amigos que disfrutaran lo que estoy haciendo, que lo disfrutaran y que me llevaran a hacerlo con esta frescura. Yo tomo el ejemplo de mis primeras bandas, ensayábamos en una cochera, de Saénz, el que era baterista de Zurdok. Con este wey comencé mi primera banda en la secundaria, y esa sensación de soñar, tocar, unas cheves, cenar y seguir tocando para pasarla bien, es en eso que se está convirtiendo esta banda", contestó.

Aproximadamente desde 1996, él ha sido el guitarrista de una de las bandas más importantes del rock mexicano. Siempre ha llevado el ritmo y los acordes de la guitarra de Jumbo, pero de cinco años para acá, se ha convertido en el cantante y frontman de su proyecto. Grandes personajes de la música lo han hecho, como Johnny Marr o David Gilmour; ahora, Flip Tamez nos contó qué tan difícil ha sido este cambio.

"Al principio fue un reto enorme, ya había tenido la oportunidad de aparecer en un par de canciones como el cantante o en algunos palomazos, pero ya llegar a un concierto y dar la cara me costó trabajo; detalles como no perder la conexión entre el público. Como guitarrista, tienes todo el tiempo del mundo entre canción y canción, hasta para fumarte un cigarro si quieres. Tienes que acomodar tus pedales, no tienes que ver a los ojos a nadie, y como cantante sientes cómo la gente no te suelta, pero rápido aprendí a disfrutarlo. Yo creo que sufrí unos siete conciertos en estos cinco años. Para Enemigo Común aprendí a disfrutar, ahora me siento muy a gusto", comentó.

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Flip también nos platicó qué guitarristas nacionales son los que más le parecen interesantes en este momento.

"Un guitarrista de un proyecto que se llamaba Serbia, que ahora se llaman Tres Álamos. Le veo una madera brutal, es bárbaro. También siempre me ha gustado Mau de Dirty Karma, que ahora está por sacar un proyecto que se llama creo Costas. Se me hace un guitarrista muy completo, tiene muy buen sonido. Y desde luego, Alex Otaola. Es un monstruo, con una escuela distinta, más cercano a Zappa, pero sobre todo con San Pascualito Rey es increíble. Apenas escuché unas grabaciones nuevas y suenan brutal. Y en la onda de rock sureño, me gustan mucho los Mud Howlers, traen una onda muy buena", comentó.

Durante el sexenio del expresidente Felipe Calderón y su lucha contra el narcotráfico, una de las ciudades que más sufrió por la inseguridad y este hecho fue la ciudad de Monterrey, cosa que afectó su escena musical y sobre todo la vida de sus habitantes, aunque parece que poco a poco esas heridas han ido sanando.

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"Ahorita hasta se siente como superficial decir que afectó a la escena, porque afectó a niveles mucho más íntimos y más duros. Realmente es espantoso tener miedo y vivir con él hasta para salir a la tienda; de que se te haga tarde en la calle, es horrible. Y para los que vivimos de la música, mató la escena. No la disminuyó, la mató. Nadie salía de noche. Monterrey se convirtió en un desierto. Con Jumbo, de alguna manera teníamos la buena fortuna de tener una carrera y poder tocar en otras ciudades del país, pero las bandas nuevas no tenían eso; tener un lugar donde compartir música, encontrar oídos que buscaban nuevas cosas, era terrible. Muchas bandas optaron por venirse a DF. Afortunadamente ha ido sanando parcialmente. Cada vez hay más festivales allá, hay lugares nuevos bien padres. Hace poquito toqué en uno que se llamaba Nodriza, y me llamó mucho la atención. Me recordó esa escena que yo viví, de ese lugar alejado de cualquier onda antrera; es un lugar con un equipo austero. Cuando estaba haciendo el soundcheck dije: "Madres, ¿qué estoy haciendo aquí?", pero ya en la noche dije: "¡No mames, es el lugar que he tocado en muchos años en Monterrey!". Porque la gente va a escuchar música y eso hace toda la diferencia, porque cuando tú estás tocando y los vatos están viendo morras, están bostezando, o están esperando a que acabes para bailar techno, no es tan padre. Pero en este lugar no sientes eso, si van a Monterrey, tírense un toque, ahí sí pueden", platicó Flip sobre su tierra natal.

Algunas personas podrían pensar que, al tener a varios de sus integrantes con proyectos alternos, este es el final de la carrera de Jumbo, pero quién mejor que su guitarrista para aclararnos qué es lo que está pasando con la banda y sus proyectos paralelos.

"Pasa en muchas bandas: Castillo por primera vez está sacando un disco, que coincide con que yo esté sacando el mío, y también está por salir uno nuevo de Búfalo Blanco que es la banda de Charly. Nosotros mismos no lo planteamos, esto por primera vez afecta más fuerte a Jumbo, pero no estamos separados. Sí vamos a tratar de no cancelar tantas fechas de nuestros proyectos por Jumbo, sin embargo tenemos fechas en un par de semanas y el calendario de conciertos de Jumbo sigue. Ahora solo está un poco más con lupa para adaptarse a las fechas de nuestros proyectos personales. Recuerdo que una vez hubo un concierto de Búfalo Blanco en el Iguana de Monterrey, después toqué yo y luego Jumbo. Creo que se puede hacer muy bien una fiesta, pero ahora con los tres proyectos de nosotros, sin que toque Jumbo. Ojalá se pueda hacer pronto en un bar", comentó Flip al final de nuestra plática.

Kelela - Hallucinogen (EP)

Posted on octubre 19, 2015 by -

Hallucinogen revoluciona la capacidad emotiva en la música electrónica.

Björk alguna vez mencionó que la carencia de emociones en la música electrónica se debía a que nadie se había propuesto a ponerlas en ella. Con toda razón, suponer que la tecnología dispone de la posiblidad de crear un puente hacia la expresión sentimental por ella misma es ridículo. Se contemplan sus alcánces, pero a la vez se debe limitar como una mera herramienta, como cualquier instrumento; existen, pero depende de su manejo, no de su existencia.

Con el EP Hallucinogen, Kelela explota la posibilidad de manipular las producciones de sus colaboradores hasta hacer tangibles sus experiencias, contando un romance imperfecto en una ciclo revertido, de fin a inicio, en tan solo seis canciones. Aunque no es un LP formal, la construcción del EP tiene la coherencia necesaria para considerarlo un hito en su generación, que merece contemplarse canción por canción para resolverlo como un álbum conceptual.

"A Message" da inicio a su narrativa: es el momento en el que comprende que continuar parece mejor opción que estancarse; en el que lamenta no lograr satisfacción en el otro, para poder superar y liberarse emocionalmente de él. Arca sirve como arquitecto rítmico, rescatando elementos de su producción perdidos en Yeezus por la monstruosa cantidad de productores, mientras Kelela destaca su evolución vocal desde Cut 4 Me —no solo en "A Message", sino a lo largo de todo el EP—.  "A Message" refleja lo humana y sensible que es al recorrer sus errores y transformarlos en evolución: "And I never satisfied you... / You are not the one".

"Gomenasai" ("perdón" en japonés) permite a Kelela asumir el papel de una mujer con la convicción suficiente para dominar una relación. Pareciera hablar de liderar en un escenario sexual, pero en realidad se expande a la relación en sí: "You beg again and again / But I like the view from on top / And when you're giving in / It's my name you'll scream out". Como pieza instrumental, evoca un ritmo trap, superando por mucho cualquier referencia del género. Aun así, la voz de Kelela es definitivamente el instrumento más hipnotizante en "Gomenasai".

Al tener la sensación más energética del EP, "Rewind", producida por Kingdom, destaca también por su contenido lírico. Sirvió como vehículo para contar la historia de una amiga de Kelela que buscaba a la persona con la cual había estado toda la noche en un club, misma que desapareció por completo. A partir de esto, desarrolló una historia que perfectamente describe lo adictiva que se vuelve la atracción repentina y su efecto narcótico en el cuerpo.

Pareciera que la estructura de la canción se encuentra en los claps y los drums, pero detrás de ellos, existe un enigmático sintetizador que vuelve aún más dinámica la canción; melódicamente adictiva. El ejercicio vocal de Kelela en "Rewind" transmite una semejanza a la de Aaliyah —como reinterpretación, jamás como copia—, desde los suspiros hasta las partes solamente habladas.

A manera de autoanálisis, en "All the Way Down" busca abandonar las reglas innecesarias y enfocarse en los elementos que realmente importan cuando se trata de relaciones, específicamente buscando resolver la duda de si deba importarle salir con alguien menor que ella. La producción, originalmente pensada para Tinashe, fue modificada para Kelela, logrando una esencia delicada y sofisticada en manos de DJ Dahi.

El final del álbum es llevado por "Hallucinogen" y "The High", ambas lo suficientemente fuertes como para darle una conclusión —que en realidad es el inicio— a la historia. La complejidad en su producción vuelve a "Hallucinogen" la pieza más fuerte del EP, caracterizada por la distorsión y la coherencia lograda por Arca y Kelela. Esta canción única en su clase, nació de la experimentación total y del primer y único intento en la grabación, y lleva consigo una carga musical especial que debería adaptarse por más artistas. A su vez, "The High" es una genialidad absoluta que demanda tu atención conforme se acerca el final; lo que inició como un suspiro, termina como un eco tan atractivo como el sutil respiro que le dio forma. La producción de Gifted & Blessed fue la más minimalista del EP y, aun así, tiene un gran peso dentro de él por su contendio lírico y por hablar del nacimiento de la relación que dio pie a las demás piezas.

Hallucinogen es el resultado de la búsqueda introspectiva de Kelela, demostrando ser la artista más orgánica de su generación. El contenido emocional expone su avanzada conexión entre corazón y mente, y definitivamente demuestra la existencia del alma y los sentimientos en la música electrónica.

Neon Indian estrena el video "Slumlord Rising"

Posted on octubre 19, 2015 by -

¿Alguna vez te has preguntado cómo es la vida nocturna de la ciudad de Los Ángeles? Entonces échale un vistazo al nuevo video de Neon Indian.

Después de lanzar hace un par de semanas su disco VEGA INTL. Night School, el músico mexicano Alan Palomo, mejor conocido por su nombre artístico Neon Indian, nos comparte el video que acompaña a su más reciente sencillo titulado "Slumlord Rising".

"Slumlord Rising" es un corte fresco, lleno de energía que te atrapa desde los primeros segundos de la canción y te acompaña hasta el final de la misma. En cuanto a la pieza audiovisual se refiere, podemos reconocer el impecable trabajo de producción cinematográfico, cuya dirección estuvo a cargo del realizador británico Tim Nackashi, quien a su vez ha trabajado con Tv on the Radio, Death Cab For Cutie, Le Youth, entre otros.

neon indian

En el videoclip podemos ver algunas escenas de lo que ocurre en Los Ángeles cuando la noche se apodera del día: largas filas para entrar a los centros nocturnos, personajes extraños, peleas clandestinas, disparos y mucha sangre. Asimismo, nos encontramos con un personaje que viste un atuendo de motociclista y que parece jugar un rol importante en la historia.

Para promocionar este nuevo sencillo, Neon Indian recurre nuevamente a la hotline donde debes teclear el número +1-512-643-VEGA para recibir un saludo del músico, así como material extra. Recordemos que VEGA INTL. Night School fue lanzado en octubre de este año a través de Arts & Crafts México.

“Desde el primer disco y el segundo, me costó mucho trabajo tratar de enfocarme, pero con este me sentí más liberado, también porque ahora creo que la música no es la única manera en la que me puedo expresar como artista. Para mí, la crítica de la prensa funciona como un mantra para liberarme de las esperanzas que tenía en la gente y sentirme cómodo”, comentó en entrevista para Indie Rocks!

Festival Coordenada 2015

Posted on octubre 19, 2015 by -

Festival Coordenada: el regreso a un lugar feliz.

El sol que faltó en el DF se lo robó Guadalajara para iluminar la segunda edición del Festival Coordenada que —a pesar de las cancelaciones de Foals y The Raveonettes por cuestiones médicas y personales— salió avante, llamando la atención del público tapatío, que como todos, necesita la sana catarsis que provoca el escuchar a sus bandas favoritas en vivo.

Descartes a Kant y sus rostros maquillados para iniciar con la música en un escenario mientras en el de al lado los primeros fans corrían para alcanzar el mejor lugar para ver a la banda estelar de la noche, después los queridos Rebel Cats con participaciones especiales de Los Tres para que comenzara el baile mientras en Otro Stage Leiden hacía lo propio atrayendo a los curiosos que seguían llegando por racimos.

Food trucks, diversas activaciones, un lago artificial de fondo para tomar la foto del recuerdo, División Minúscula para seguir acelerando el ánimo, su fiel fanbase cantando a coro cada tema, El Columpio Asesino y su última actuación en México antes de entrar a su lapso de inactividad que esperamos no dure demasiado, Taraf de Haïdouks y esa extrañeza que a veces provoca la música balkan, apreciación y curiosidad, Los Tres con Mon Laferte para cantar sus célebres himnos y “Déjate Caer” con Café Tacvba como alguna vez nos hubiera gustado escucharla.

Y mientras la cerveza fluía lentamente y el tejuino era una opción para calmar el calor, Dread Mar I y sus coplas de desamor, paz e introspección  fueron de nueva cuenta llevándonos flotando hacia el atardecer, y ante más público que al comienzo, llegó la pura sabrosura de El Gran Silencio para hacer estallar la energía con los últimos rayos del sol. Siempre plagados de ritmo, evocando a Rancid, tronando las trompetas y siempre fieles al Chuntaro Style, dormimos soñando siempre esperando actuaciones como esta que nos hagan olvidar la rutina y disfrutar de un gran festival meciendo nuestros brazos, alzando nuestros vasos y siendo parte de una gran fiesta.

Natalia Lafourcade para descansar un poco, Nacho Vegas repartiendo autógrafos y posando para selfies, el cansancio manifiesto con la gente reposando en las colinas a modo de gradas en espera de The Dandy Warhols, quienes literalmente aumentaron el volumen ante la oscuridad. Llegando el turno de Café Tacvba las luces que emanaban del escenario complementaban la noche estrellada de las luces de los teléfonos, uno a uno fueron fluyendo los temas emblemáticos de la banda y el canto siempre necesario, de “El Fin de la Infancia” a “La Ingrata” como inicio explosivo hasta “Mediodía” y “El baile y el salón” porque el amor es bailar.

Blur con “Go Out” para iniciar pero con “There’s no Other Way” para estallar, y toda la espera había valido la pena, y toda la alegría manifiesta ante el aire frío, y toda la jornada había resultado maravillosa. La segunda edición de Coordenada con 23 000 asistentes como testigos vivía su emocionante final, entre los intrincados acordes de Graham Coxon y el feliz semblante de Damon Albarn. “The Universal” como el gran final donde demasiadas voces se unieron, yes it really could happen, y regresamos a casa felices llenos de tierra en los pies, con el cansancio a cuestas, con miles de fotos en la memoria física y muchas más canciones en la memoria real, la que camino al corazón nos recuerda que en festivales como este encontramos aquella vana utopía del mundo feliz, donde nadie nos molesta ni nos critica, y donde quisiéramos vivir todo el tiempo.

Tricky anuncia nuevo proyecto

Posted on octubre 19, 2015 by -

Tricky también presenta a su nuevo descubrimiento: una artista llamada Ivy.

Tricky siempre será uno de los productores más ingeniosos e impredecibles del Reino Unido. Después de un año de ausencia —su décimo LP, Adrian Thaws, salió al mercado en septiembre de 2014—, regresa con un proyecto llamado Skilled Mechanics.

Incitando al público a interesarse en él, Tricky presentó a una artista llamada Ivy, originaria de China.

"Estuve en Beijing en un show y conocí al manager de Ivy. ¡Ella es súper diferente! Lo curioso es que había tenido la canción por mucho tiempo, pero hasta ahora me doy cuenta de que no está rapeando en chino. No tengo la menor idea de qué idioma sea, ni la menor idea. Podría hasta ser inventado o algo por el estilo. Lo que sí me consta es que es increíble. Soy afortunado que, con mi sello False Idols, no deba preocuparme por cosas como esta. Nunca voy a tener a un ejecutivo de A&R diciéndome: 'No entendemos nada de lo que esta chica esta rapeando', por el simple hecho de que no necesitamos el apoyo de una radio comercial. Fui muy afortunado en conocerla y definitivamente será parte del próximo álbum de Skilled Mechanics", dijo Tricky.

Skilled Mechanics

El resultado de la colaboración entre Tricky e Ivy se llama "Beijing to Berlin", lanzado en formato digital y versión limitada de 7".

Como mencionamos, aún falta mucho por anunciar, pero vale la pena checar este video, que presenta a Ivy recorriendo las calles, mientras ella rapea en lo que Tricky describe como "su idioma".

Grimes da detalles de su nuevo disco

Posted on octubre 19, 2015 by -

Por fin la espera terminó. Grimes está lista para lanzar su nuevo disco titulado Art Angels.

Desde hace mucho tiempo esperábamos la salida del nuevo disco de Grimes, mismo que tuvo que ser desechado luego de que Claire Boucher —mejor conocida como Grimes— estuviera en desacuerdo con su disquera, ya que consideraba el disco muy comercial.

Tal parece ser que luego de unos ajustes, el sucesor de Visions (2012) será lanzado muy pronto. El título que llevará por nombre este nuevo material será Art Angels y se espera que podamos escuchar nueva música de la cantante la próxima semana.

Por lo pronto, Grimes ha compartido a través de sus redes sociales la portada de su tercera producción discográfica, en la cual podemos ver una especie de ser extraterrestre con tres grandes ojos,  orejas alargadas y puntiagudas, además de un corte bastante peculiar en el que resalta una cola de caballo.

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La obra artística corrió a cargo de la propia Claire. Además, dijo que el primer video de su nueva producción saldrá la próxima semana, aunque no precisó la fecha exacta. También confirmó algunas fechas de su próxima gira por Europa, programada para marzo de 2016.

Recordemos que lo último que pudimos escuchar de la cantante canadiense fue "Go", un sencillo del 2014, que originalmente fue una canción escrita para Rihanna. Para este nuevo disco, Grimes aseguró que incluirá sus influencias noventeras de rock, punk y algo de nu-metal; también explicó que tuvo que aprender a tocar la guitarra, el ukulele, el violín, la batería y el teclado, para poder hacerse cargo de todos los sonidos que quería incluir.

Solo es cuestión de días para disfrutar nuevamente del talento y la belleza de la cantautora oriunda de Vancouver, quien promete apoderarse de nuestros oídos con el sonido synth pop que la caracteriza.

Entrevista con Zoé

Posted on octubre 19, 2015 by -

"Solo puedes cambiarte a ti. Si no te cambias a ti, es medio inútil tratar de cambiar a los demás."

Zoé ha demostrado ser una de las bandas con más talento y visión dentro del rock mexicano. Con casi dos décadas de carrera, en este momento es la agrupación que más euforia, pasión y gritos provoca en cada una de sus cada vez más épicas y multitudinarias presentaciones. Después de cerrar el año pasado con su gira Programatón en el Foro Sol, con un lleno rotundo, del cual próximamente se desprenderá el CD/DVD 81114., Zoé estará pisando el Auditorio Nacional los próximos 2, 3, 9 y 10 de diciembre, para cerrar un ciclo que dará pie a buscar los sonidos y experiencias que abrirán paso a lo que será su sexto disco.

Platicamos con Rodrigo Guardiola y Jesús Báez acerca de lo que es actualmente ver a Zoé en vivo en un escenario tan grande como el Auditorio Nacional, además de cómo, siendo una banda tan importante, no dejan de buscar crecer y nunca se conforman con las glorias que ya han logrado hasta ahora; esa es la clave de su éxito.

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“El Foro Sol fue el cierre oficial de la gira Programatón. Cuando salió la idea del Auditorio, lo que más bien nos inspiró fue ya no apegarnos tanto a Programatón, sino variar otra vez un poco el setlist y agregar unos temas que no estuvieron en la gira anterior, además de adaptar también un poco el escenario. El diseño que se hizo para el concierto en el Foro Sol era muy grande, ni siquiera en la gira lo tuvimos tal cual. Fue hecho especialmente para el Foro, y ahora teniendo estas tres fechas, que en realidad serán cuatro en el Auditorio, le vamos a dar un twist, una versión dos. Está muy divertido tocar en casa cuatro fechas y poder readaptar algunas versiones que nos gustaron de la gira anterior. Muchas se quedarán igual, otras variarán, pero seguro vamos a incorporar unas más. Le debemos un montón a la gente que comenzó con Zoé, trataremos de darles arreglos nuevos a canciones antiguas como “Deja Te Conecto” o “Miel”, comentó Guardiola.

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Cuando hablamos acerca de cómo la banda agota la taquilla de cualquier recinto, nos comentaron que la idea de tocar algún día en el Zócalo capitalino ha estado presente siempre, solo están buscando un pretexto que sea el ideal para que esto sea algo especial. Contrario a esto, años atrás, Zoé comenzó como cualquier banda que buscaba espacios y oportunidades para tocar, tal y como lo fue una de sus míticas presentaciones en el Tianguis del Chopo en 2002. “Esas épocas yo las recuerdo con mucho cariño. Sí estábamos muy chavos y fueron tiempos difíciles, muy duros económicamente, pero ahora que los veo en retrospectiva, yo no cambiaría ni un segundo de lo que hemos vivido, eso fue lo que nos trajo hasta aquí”, dijo Jesús.

Próximamente, Zoé emprenderá una gira por la República Mexicana y parte de California al lado de Café Tacvba, misma que no tocará en CDMX debido a la agenda de cada banda, pero después de esto y sus presentaciones en el Auditorio Nacional, vendrá un año de descanso de conciertos en la capital, para dar paso al proceso de composición de su sexto material que podría salir en 2017. En lo que esto sucede, León Larregui aprovechará para lanzar su segundo disco como solista, además de que Jesús hará lo propio con un EP. “Yo planeo sacar un EP solo mío, además de desarrollar mi carrera como pintor", expresó.

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El fin de año para la agrupación será bastante productivo, ya que estarán tocando en noviembre en Day Of The Dead Festival 2015, festival que se llevará a cabo en noviembre en Londres, Inglaterra, donde compartirán cartel con Savages y The Horrors, además de estar con otras propuestas mexicanas como Sotomayor y Erick Rincón.

Aunque Zoé ya ha tocado en festivales como Coachella, Lollapalooza o Austin City Limits, la banda sigue aspirando a presentarse en festivales europeos. “Se puede, lo hemos intentado. A veces no se ha podido por calendarios. Si le echamos ganas y los agentes de allá comienzan a ver que Zoé funciona en algunos festivales internacionales igual y sí nos invitan. Alguna vez tocamos en Estocolmo en un festival latino, obviamente nos encantaría tocar en más países en Europa. España nos ha costado un trabajo de siete años para hacer carrera allá. Ha sido como volver al Zoé de aquí en 2001, son shows muy pequeños. Lo gozamos mucho, es muy divertido, es un gran país para estar de gira y es muy divertido volver a esa faceta de la banda de picar piedra. Se vuelve otra vez como una gran familia al estar buscando una oportunidad", platicó Rodrigo.

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Entrados en confianza, Rodrigo y Jesús nos compartieron algunos de sus conciertos favoritos vividos en México; algunos de ellos fueron Air en el Auditorio Nacional, Massive Attack en el Teatro Metropólitan, y The Cure y Soda Stereo en el Palacio de los Deportes. También les preguntamos qué se sentía que la gente que los va a ver, se inspire a través de sus presentaciones en vivo. “Una de las cosas más bonitas de esta banda, es que las primeras personas que comenzaron a seguir a Zoé ahí siguen, y se van sumando y sumando generaciones. Ahora al papá que le gustaba Zoé va con su hijo. Ahí la gente se conoce, se hacen novios, se casan, tienen un hijo, le ponen Zoé, el hijo crece, y ahora ese hijo va con su playera de Zoé solo a los conciertos”, platicó entre risas Jesús.

“Realmente hay una responsabilidad mientras te vas haciendo más popular. No puedes andar por ahí nada más pendejeando, tienes que dar un buen ejemplo, así es como yo pienso, y claro que hay una responsabilidad ante la gente”, dijo Jesús. “La gente se identifica con la manera de escribir de León. Es muy bonito tener un contraste de algo medio dark pop, pero con letras que tienen mucha libertad, sensibilidad, y que son muy realistas. Si por ahí hay algo pesimista, es buscando el cambio. Tú no puedes cambiar al mundo, solo puedes cambiarte a ti. Si no te cambias a ti, es medio inútil tratar de cambiar a los demás. Si todo el mundo va cambiando y va siendo la mejor persona que puede, dentro de tus reglas o parámetros, solito se encarrila todo", comentó Rodrigo.

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Al principio, la carrera musical fue muy complicada para Zoé, tanto que los llevó a plantearse la separación en algún momento, pero todo cambió con el sencillo “Dead” en 2005. Ahora, la banda está en un gran momento, haciendo lo que en sus propias palabras se podría definir como el éxito en la vida. “Como dice Rodrigo, si estás contento, eres exitoso. El éxito debe tratarse de la mejor experiencia de vida que te puedas dar, si no, ¿qué chiste? El éxito está en la felicidad de uno, en tu realización como persona, y afortunadamente tuvimos suerte y hemos llegado a un buen lugar", concluyó Jesús.

Hot Chip estrena video "Dancing in the Dark"

Posted on octubre 19, 2015 by -

Hot Chip también revela el remix que le hizo a la canción de New Order,  "Tutti Frutti", con la participación de La Roux.

Hot Chip ha estado haciendo un cover al clásico de Bruce Springsteen "Dancing in the Dark" en sus presentaciones en vivo. El éxito del cover los llevó a incluir la canción en su edición deluxe de su último disco, Why Make Sense?, mismo que será estrenado este sábado 24 de octubre.

Acompañando la promoción de su lanzamiento deluxe, la banda estrenó el video del cover. Dirigido por Keiran Evans, incluye una presentación en vivo en el Webster Hall de Nueva York. El cantante de la banda Talking Heads, David Byrne, hace un cameo en el video, que pareciera ser una recopilación de clips de televisión de los 80.

Al final del video, la canción se transforma en "All My Friends" de LCD Soundsystem, misma que Hot Chip revivió en su show del Webster Hall.

La banda también compartió un remix que le hizo a un track de New Order llamado "Tutti Frutti". La canción forma parte del décimo disco en su carrera, Music Complete, y comparte créditos con Elly Jackson, mejor conocida como La Roux.

Su remix añade una sensación techno a lo que los críticos llamaron "redención de la naturaleza clásica de New Order".

El lanzamiento de la versión deluxe de Why Make Sense? también incluirá el remix de Soulwax a "Huarache Lights", “Cry For You (RAK Version)” y “Huarache Lights (A/Jus/Ted Remix)”.