Vaya Futuro estrena "Congelar"

Escucha un nuevo tema que nos comparte Vaya Futuro, grabado desde las gélidas tierras de Islandia.

No sabemos si nos congelamos por el mal clima que hace allá afuera o si se trata del nuevo tema que nos comparte Vaya Futuro, pues sus letras hablan de un final que se vislumbra en la relación de dos personas. Este nuevo single lleno de melancolía logra transportarnos a sensaciones y emociones que van y vienen como las olas de mar; un mar de aguas frías y congelantes.

"Congelar" es un tema que fue grabado en Islandia, la tierra del hielo, como parte del proyecto Converse Rubber Tracks‬. La canción contó con el apoyo de Greenhouse Studios, mientras que la mezcla corrió a cargo de Michelle Mancini en Larrabee Studios.

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La agrupación integrada por Luis, Aldair, Miguel y Ros fue seleccionada por Converse para Rubber Tracks‬, proyecto que da a bandas alrededor del mundo la oportunidad de grabar en estudios famosos.

Es así como Vaya Futuro escogió Islandia como destino, donde estuvieron cuatro días para derrochar el ingenio y el talento que los caracteriza. Los estudios Greenhouse son un ícono en aquel país, y artistas como Björk, Sigur Rós, CocoRosie, Feist y Damon Albarn han trabajado ahí.

"Pensamos en solo grabar allá y masterizar de vuelta en México, pero sabemos que sería difícil intentar que la calidad de un estudio como el Greenhouse se adapte a la masterización posible de nuestro estudio”, nos comentó Ros en entrevista con Indie Rocks!. “Sabemos que independientemente de lo que logremos allá, regresaremos con una definición de calidad diferente”, agregó.

Actualmente, la banda originaria de Tijuana se encuentra de visita en Costa Rica para llevar su pop noise con tintes de shoegaze por aquel país.

Escucha aquí abajo su más reciente sencillo, "Congelar".

 

Rey Pila comparte el video "Fire Away"

El nuevo videoclip de Rey Pila nos transporta a los dorados años noventa, cuando te clavabas el cambio de las tortillas para ir a jugar maquinitas con tus amigos.

Después de haber lanzado su segundo álbum titulado The Future Sugar hace un par de meses, y luego de emprender un viaje por distintas ciudades de Estados Unidos, los chicos de Rey Pila nos comparten su más reciente video "Fire Away".

En él podemos ver cómo los integrantes de la banda se enfrentan a un alien malvado con poderosas armas intergalácticas, que quiere destruirlos junto a sus fans. Para ello deberán pasar diferentes niveles llenos de explosiones y disparos multicolores.

La dirección del video corrió a cargo de Derrick Acosta y Dustyn Peterman, también conocidos como Derek & Dusty, quienes dijeron: “Nos encantó trabajar con los chicos de Rey Pila. Terminamos mezclando un poco de varios géneros y quedamos muy contentos con el resultado final".

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The Future Sugar es el nombre del segundo material de larga duración de los capitalinos Rey Pila. La producción del álbum corrió a cargo de diferentes talentos como Chris Coady (Beach House / Yeah Yeah Yeahs), Shawn Everett (Weezer / Lucius) y Julian Casablancas, y fue lanzado vía Arts & Crafts México.

Sobre el sonido de su nuevo disco y las influencias musicales, la banda ha dicho que “tiene mucho Bowie, muchos sintetizadores, desde cosas setenteras y ochenteras hasta cosas más modernas. Tiene de todo un poco, tiene muchas guitarras con muchos efectos y suena a algo de hoy en día” (lee la entrevista exclusiva para Indie Rocks! aquí).

Rey Pila pasó parte del verano y principios del otoño de gira por Estados Unidos, como la banda abridora de los shows de Brandon Flowers (The Killers). Además, recientemente tuvimos la oportunidad de verlos en el festival Trópico en Acapulco.

Bestia 2015: proyección de El gabinete del Dr. Caligari

El gabinete del Dr. Caligari. Homenaje a una piedra angular del séptimo arte.

Continuando con la liturgia sonora que atestiguamos el día anterior, y con la recta final del Bestia Festival 2015, esa tarde-noche de domingo John Zorn volvería a emocionarnos con sus intrincadas improvisaciones a través de un recital en el que reuniría por primera —y tal vez única ocasión— a dos portentos culturales invocados ex profeso: el Órgano Monumental del Auditorio Nacional y El gabinete del Dr. Caligari.

Filmado en 1920 por el germano Robert Wiene, el filme es considerado uno de los momentos cumbres en la historia de la cinematografía. Su realización marcó el inicio del cine expresionista alemán, y es una de las cintas más reverenciadas por los fanáticos del séptimo arte, además de ser incansablemente revisitada, estudiada y homenajeada, pues se ha convertido en una pieza influyente para los cineastas de varias generaciones. Además, es considerada por muchos estudiosos como la película que inaugura uno de los géneros cinematográficos más gustados en la actualidad: el terror.

Por iniciativa de la Fundación Friedrich-Wilhem-Murnau, recientemente se realizó una restauración digital de la obra para obtener la mejor calidad de imagen, color, intertítulos y otros detalles que permitan exhibirla en óptimas condiciones, haciéndole justicia a la original. El estreno de esta versión restaurada se llevó a cabo en la clausura del Festival de Cine de Berlín de 2014.

Por su parte, el Órgano Monumental data de 1934, y fue reconstruido en 1958 en el Auditorio Nacional (originalmente se encontraba alojado en el Palacio de Bellas Artes). Este instrumento musical alcanza las dimensiones de un edificio de tres pisos y tiene un peso de 15 toneladas. 15 633 flautas conforman este órgano tubular, considerado el instrumento más grande de México y Latinoamérica, y el séptimo más grande del mundo.

Ante tan formidables obras de arte, John Zorn se puso a la altura, y durante poco más de setenta minutos envolvió al recinto y a la audiencia en una vehemente y virtuosa ejecución. A través de las diversas gargantas del órgano, escaparon notas que sumergieron al respetable en el pesadillesco universo concebido por los guionistas Hans Janowitz y Carl Mayer. La música, por momentos desquiciante y ensordecedora, era el perfecto complemento de las imágenes delirantes; de las escenografías distorsionadas; de los personajes de expresiones graves, inquietantes o de plano demenciales; y de la tétrica danza de luces y sombras usadas para plasmar la insólita historia del joven Francis y su encuentro con el malévolo doctor.

Zorn hizo despliegue de su genialidad, generando una cascada de acordes que iban de tonos melancólicos y cándidos, hasta estridencias espeluznantes, mientras en la pantalla veíamos las fechorías cometidas por el sonámbulo Cesare, manipulado por el siniestro Caligari, hasta que ambos son descubiertos tras una frenética persecución; la verdad tras sus crímenes es revelada en el que ha sido uno de las más recordados giros argumentales… y quizás el primero en su clase.

La miríada de notas cesó cuando la cinta llegó a su fin. John Zorn se puso de pie para recibir ovaciones y aplausos del público, y él mismo aplaudió y brindó reverencias a su cómplice de esa noche: el Órgano Monumental.

Entrevista con Silver Rose

Silver Rose, la nueva aventura musical de Carla Sariñana.

Carla Sariñana, también conocida por ser bajista y cofundadora del grupo Ruido Rosa, ahora incursiona en una faceta en solitario y nos presenta su proyecto alterno lleno de rock melancólico, oscuro y romántico, con un toque de ruido ensoñador.

Durante un periodo de casi un año en la ciudad de Los Ángeles, Carla se concentró en componer y tomar clases de canto y guitarra; el resultado de ese proceso de gestación fue un EP conformado por seis temas que atestiguan una madurez musical que bordea por paisajes llenos de dream pop y ambientes oscuros cercanos al shoegaze.

“Ya tenía esta urgencia de poder clarificar mis ideas y terminar canciones que probablemente eran un poquito diferentes a Ruido Rosa. El tocar nada más el bajo me limitaba mucho a componer una canción entera. Empecé a sacar canciones con mi voz y mis melodías, y de ahí salió Silver Rose; son todas estas ideas que tenía ahí guardadas y que en Los Ángeles pude sacar mejor”, comparte Carla.

Al igual que la ciudad de Nueva York, Los Ángeles ha sido una fuente principal de música popular estadounidense y un semillero de bandas de todos los géneros, esto en gran medida a la diversidad cultural que se vive en aquella cosmopolita ciudad. “Allá es un mar de bandas y hay mil escenas dentro de Los Ángeles, desde la rock metal, la súper indie pop, la comercial mainstream o la latina; hay de todo”, agrega.

El sonido de Silver Rose lo podríamos definir como un pop ruidoso con destellos de bandas ochenteras como The Jesus and Mary Chain, Cocteau Twins y My Bloody Vanlentine, pero también con melodías de Mecano, Caifanes y hasta Timbiriche.

“Inicialmente me empecé a clavar mucho con la música psicodélica y el shoegaze, como que era un género que me llevaba a otro lugar y me daba mucha paz, y me di cuenta de que la música en español ochentera —para mí es la mejor música en español—, las melodías y el mismo sonido estaban muy influenciados por lo que se movía mucho en esa época, que era el shoegaze. Entonces me quise influenciar muchísimo más por eso”.

Las letras de sus canciones tienen temáticas que balancean una narrativa nostálgica e introspectiva, y que al final reflejan una sola cosa: el amor a primera vista. “Son seis canciones en inglés y en español, y todas hablan de amor. Inicialmente me salieron canciones que hablan acerca del proceso de enamoramiento, de cuando ves a alguien y te gusta y se empiezan a enamorar. De hecho, por eso el nombre de Silver Rose, que quiere decir amor a primera vista”, según Carla.

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Dicen que cuando nos enamoramos de una persona a primera vista es porque esa persona fue nuestro amor en otra vida. Curiosamente, a la mitad de todas las canciones que estaba escribiendo Carla Sariñana, brotaron algunos temas contrarios al amor, como el abandono y el sufrimiento. “Son las primeras letras que escribo, voy empezar a tocar otros temas pero tiene que salir natural”.

Como primer sencillo de este EP debut, Silver Rose lanza “Take Me Home”, una canción que nos proyecta a nuevas dimensiones sonoras entre lo ininteligible y lo enervante; una pieza musical en la que somos testigos del talento irrebatible que posee Carla tanto en la guitarra como en las vocales.

“Fue la tercera canción que compuse y me di cuenta de que iba a funcionar. La versión original era más tranquila y melosa. Me salió muy rápido esa canción, pero la letra sí me costó un poco de trabajo. Luego la empezamos a tocar con la banda y se fue por otro lado, que es más fuerte”, agrega.

Con respecto a sus planes a corto plazo, Silver Rose lanzará un B-Sides de “Take Me Home” y su segundo sencillo para principios de febrero. Además, busca conseguir la mayor cantidad de presentaciones y regresar a Los Ángeles para llevar su música llena de shoegaze y dream pop. En cuanto a su tercer sencillo, está planeado que salga en marzo o abril junto a su disco.

Hablando de Ruido Rosa, Carla nos confesó que su banda sigue y que continúan trabajando, solo es cuestión de organizarse mejor, administrar tiempos y liberar un poco la agenda, ya que cada una tiene diferentes proyectos.

“Tenemos un buen de demos ahí guardados que por diferentes razones no les hemos podido dar esa atención. Nada más es organizarnos, pero Ruido Rosa va a seguir. Yo digo que a finales de 2016 vamos a sacar material nuevo. Vamos a seguir con la misma línea pero con un sonido más maduro y eso me emociona mucho porque sé que es un proyecto que todas queremos seguir”.

Finalmente, Carla nos compartió algunas recomendaciones fílmicas y musicales. Primeramente tenemos la cinta Only Lovers Left Alive, una película británico-germana estrenada en 2013 que trata sobre la vida de dos amantes vampiros. Además de la historia, el soundtrack de la película es algo que vale la pena escuchar. En cuanto a bandas, nos recomendó escuchar a Vaya Futuro, Pure Morning, Clubz, King Gizzard & the Lizard Wizard, TOPS, No JoySunflower Bean, Pure X y, por supuesto, The Wallburds, quienes le ayudaron a sacar sus nuevas canciones.

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Chairlift comparte el video “Romeo”

Adéntrate en Chinatown y recorre sus coloridas calles en el nuevo video de Chairlift.

Una extraña conversación tiene lugar entre dos sujetos al interior de una colorida tienda; al parecer se trata sobre una apuesta. Después, una mujer con un extraño outfit sale corriendo por las calles de Chinatown. Eso y más sucede en el nuevo video de Chairlift que acompaña al tema "Romeo".

Hace un par de días te dimos a conocer este track bastante pegajoso, perfecto para un día soleado mientras das un paseo por la ciudad, o bien, mientras corres por ella. Este tema forma parte de su tercera producción titulada Moth, misma que verá la luz el próximo 22 de enero vía Columbia Records.

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De acuerdo con un comunicado de prensa, Caroline Polacheck y Patrick Wimberly escribieron la canción desde la perspectiva del personaje mitológico griego Atalanta, una heroína reconocida por sus inmejorables habilidades para la caza.

El videoclip fue dirigido por el dúo creativo that go, conformado por Noel Paul y Stefan Moore, quienes por cierto también fueron los encargados de coordinar el primer videoclip de la banda, “Ch-Ching”.

Al respecto, Caroline ha dicho en un comunicado: "Desde que era pequeña siempre he amado el caos de Chinatown, así que quería establecer la persecución allí. Queríamos ser fieles a la letra de la canción, que habla acerca de la forma arrogante en la que nos resisitimos al amor, hasta que terminamos cayendo y enamorándonos. Realmente estamos personificando personajes en lugar de ser nosotros mismos".

Por su parte, Patrick explicó que su papel consiste en "ser un titiritero que siempre está ahí, asegurándose de que todo suceda conforme a lo establecido, manteniendo el destino en curso". Disfruta aquí abajo de su más reciente video, "Romeo".

Tracklist de Moth:
1. Look Up
2. Polymorphing
3. Romeo
4. Ch-Ching
5. Crying in Public
6. Ottawa to Osaka
7. Moth to the Flame
8. Show U Off
9. Unfinished Business
10. No Such Thing as Illusion

Conoce los nominados al Grammy 2016

Kendrick Lamar, The Weeknd y Drake lideran las nominaciones al Grammy 2016.

Los Premios Grammy o Grammy Awards son galardones otorgados por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación, cuyo propósito es reconocer la excelencia artística y técnica de la música grabada. Hay cuatro categorías generales: Grabación del año, Álbum del año, Canción del año y Mejor artista nuevo.

El día de hoy se dieron a conocer los nominados al Grammy 2016 (1 de octubre 2014 al 30 de septiembre 2015) y Kendrick Lamar lleva la delantera con once nominaciones en nueve categorías diferentes. Le sigue The Weeknd con siete nominaciones, Drake con cinco, mientras que Alabama Shakes y Florence and the Machine llevan cuatro.

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En la categoría Grabación del año se encuentra Mark Ronson feat. Bruno Mars con “Uptown Funk”Ed Sheeran con “Thinking Out Loud” y The Weeknd con “Can’t Feel My Face”, entre otros. En Álbum del año tenemos nuevamente a The Weeknd con Beauty Behind the Madness, Alabama Shakes con Sound & Color y Kendrick Lamar con To Pimp A Butterfly.

En cuanto a Canción del año, tenemos a “Alright” de Kendrick Lamar“See You Again” de Wiz Khalifa feat. Charlie Puth, entre otros temas. En la parte de Mejor canción de rock aparece Florence and the MachineAlabama Shakes.

En otras categorías como Mejor álbum de rock, tenemos a Death Cab For Cutie, MuseSlipknot; en Mejor performance de rock, Alabama Shakes, Florence and the Machine y Foo Fighters; y la lista de artistas y categorías continúa (aquí puedes ver el listado completo).

Los ganadores de tan reconocido premio serán anunciados en la 58a Entrega Anual del Grammy, programada para el lunes 15 de febrero de 2016 desde el Staples Center, en Los Ángeles, y será transmitida en vivo por la cadena CBS. ¡Que comiencen las apuestas!

Sleigh Bells estrena "Champions of Unrestricted Beauty"

El dúo estadounidense de noise pop nos comparte el primer sencillo de su próximo y esperado disco.

Hace un rato que no teníamos noticias del dúo conformado por Alexis Krauss y Derek E. Miller. Lo último que supimos es que en junio del año pasado, Sleigh Bells y la rapera Tink fueron reclutados por Red Bull para formar parte del programa Sound Select, el cual consistía en reunir a dos artistas en el estudio para colaboraciones especiales. El resultado: “That Did It”.

A tan solo unas semanas de que el 2015 se extinga, el proyecto oriundo de Brooklyn, Nueva York nos comparte un primer adelanto de lo que será su cuarta producción discográfica, con el tema "Champions of Unrestricted Beauty".

El nuevo LP de Sleigh Bells aún no cuenta con un nombre, pero la banda dio a conocer a través de su cuenta de Twitter que ya no podían esperar más para compartirnos nueva música: "We are finishing up our record, didn't want to wait", se puede leer en su último tuit.

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"Champions of Unrestricted Beauty" es un tema bastante fresco que cae tan bien como una bebida helada y burbujeante. El video que acompaña a la melodía muestra diferentes imágenes que conjugan a la naturaleza con lo que sucede en el mundo exterior.

Lo último que pudimos escuchar del dúo estadounidense fue su disco Bitter Rivals, lanzado en octubre de 2013 vía Mom + Pop Music, y según se dice, este álbum fue inspirado en la música de la cantante Janet Jackson.

Aunque aún no se tienen más detalles de su próxima producción, tal parece ser que el 2016 será el año de Sleigh Bells, y quién sabe, tal vez hasta visite de nueva cuenta nuestro país, pues la banda ya se ha presentado en el Plaza Condesa y en un Corona Capital.

Supergrupo en el Foro Indie Rocks!

Ayer, una banda de mutantes invadió el Foro Indie Rocks! Once músicos originarios de tres bandas distintas tomaron el escenario: Supergrupo. Tres generaciones de rockeros españoles hicieron equipo, demostrando que la unión, hace la fuerza.

Con el foro a medio llenar, pero con puros fanáticos de corazón, saltaron al escenario Aviador Dro, La Monja Enana y L Kan, mejor conocidos como Supergrupo. "Mutantes" y "Batidora" fueron las elegidas para empezar la fiesta. El electro pop inundó la sala. El público agarró el ritmo y de inmediato emprendió el baile.

La extraña agrupación rápidamente conectó con los asistentes, tocando canciones del conjunto, así como melodías propias de cada banda.

Entre dedicaciones a los hipsters y bailes graciosos, Supergrupo continuó su presentación con temas movidos como "Ciudad en movimiento", "Me enamoré de un robot" y "Señora", esta última con mención especial para las damas de la colonia Polanco.

Los españoles habían anunciado a Indie Rocks! que el show que iban a presentar iba a ser más largo y con canciones que normalmente no tocan en su país. Esto se pudo comprobar cuando, después de hora y media, aún no paraban ni para tomar un respiro.

"La TV es nutritiva", "Canción de amor 3" y "Como Lovecraft" alargaron el concierto, poniendo a todos en un trance rítmico lleno de baile ochentero.

La noche terminó con una selección de canciones de cada una de las bandas. Entre el público había gente de distintas generaciones, todos unidos por la música. "Godzilla", "Amor industrial" y "Héroes del pasado" cerraron una noche perfecta para los fanáticos de este colectivo inusual pero innovador, después de más de dos horas en las que los más viejos recordaron la música de su juventud, y los más jóvenes pudieron disfrutar de un espectáculo irrepetible, lleno de nostalgia y energía.

Bestia 2015: ciclo John Zorn

Ciclo John Zorn: Masada, psicomagia y divina improvisación

La noche de ese sábado, el Lunario se volvió el púlpito desde el cual aquellos que son fieles a las vanguardias musicales, escucharon predicar a uno de sus máximos exponentes: John Zorn.

Dos minutos antes de las nueve, la liturgia dio inicio con los mexicanos de Klezmerson, quienes ejecutaron piezas que son el resultado de un sincretismo entre las tradiciones musicales de los gitanos, del Medio Oriente y de México. A ellos les correspondió ejecutar temas provenientes del Masada Book 2: The Book of Angels, perteneciente a la serie de producciones que bajo este concepto reúne distintas composiciones de Zorn.

La agrupación fundada en 2003 por Benjamín Shwartz, elegida por el famoso saxofonista y compositor para formar parte de Tzadik (su sello discográfico), ofreció un set pletórico de ritmos que combinaban sutilmente la cadencia del jazz con la sensualidad propia de los ritmos orientales, en una presentación que fue in crescendo a la par del ánimo de los asistentes. Al finalizar, el homenajeado de esa noche subió al escenario pare felicitar al grupo y solicitar una ovación para ellos.

A las 21:35 horas, Abraxas se apoderó del escenario. El cuarteto norteamericano integrado por Shanir Ezra Blumenkranz (bajo), Aram Bajakian (guitarra), Eyal Maoz (guitarra) y Kenny Grohowski (batería), ejecutó composiciones del Psychomagia, su más reciente producción conformada por creaciones de Zorn, e inspirada en las técnicas y rituales sanadores concebidas por el conocido artista Alejandro Jodorowsky.

Abraxas le subió varias rayitas a la distorsión y a la fuerza del show, en una energética y psicodélica actuación inclinada más hacia el space rock y ondas progresivas afines, donde hizo despliegue de su virtuosismo en paroxísticas improvisaciones que llevaron a la audiencia a la inmediaciones del paraíso. Y nuevamente, al terminar de tocar, John Zorn entró en escena para agradecer al cuarteto por su brillante intervención.

Eran cinco minutos pasadas las diez cuando se procedió a dar un breve intermedio, en lo que se hicieron algunos ajustes en el escenario para continuar con el orden del programa. Mientras esperaban, algunos de los feligreses aprovecharon para reabastecerse de cerveza ("Está más chida que la del Corona”, exclamó uno de ellos); otros hacían diversos comentarios sobre lo que acababan de ver (“Yo no sé bien qué pedo con lo de Masada”); y otros sobre lo que estaban a punto de presenciar (“Ahorita que suban los Secret Chiefs, vas a ver que se debrayan bien chido”). También se pudo ver a un par de integrantes de Klezmerson deambulando entre el público, recibiendo algunos elogios.

A las 22:20 un septeto hizo su aparición, adueñándose del recinto por casi 30 minutos y haciendo que uno de los divinos misterios se apoderase de todos: los Secret Chiefs 3 entraron en escena, esta vez despojados de sus túnicas —que en el pasado les hicieran famosos—, arremetiendo con canciones extraídas del Masada Book 3: The Book Beriah, también de la autoría de Zorn.

Encabezados por Trey Spruance, la banda brindó una ecléctica fusión en donde cabían pasajes melódicos que nos remitían nuevamente a la música de Medio Oriente; melancólicos fragmentos ejecutados en violín; alegres jugueteos con cuerdas y percusiones; y brutales estallidos de guitarra distorsionada, en una desquiciante y lúdica mezcla que evocaba los números más delirantes de su anterior y más conocido proyecto: Mr. Bungle.

La banda tuvo que parar un momento su actuación debido a un pequeño percance sufrido por Spruance con su guitarra, pero un minuto más tarde este detalle fue subsanado y la agrupación continuó con su esquizofrénico set. Mientras tocaban, una joven sostenía un crisantemo blanco en dirección al escenario y lo agitaba al son de los ritmos imposibles generados por el grupo. Al final, Secret Chiefs 3 coronó su participación con una improvisación que dejó cortos de aliento a los allí presentes.

Eran las 22:57 horas cuando las luces se apagaron por un breve instante, indicando con ello que los apóstoles habían terminado de predicar los evangelios del maestro; era momento de dar paso al sumo pontífice en persona, que se hizo acompañar de otros dos oficiantes de su altura: el bajista Bill Laswell (músico ecléctico fundador del ensamble Material y del sello M.O.D. Technologies) y Dave Lombardo (exbaterista de Slayer, uno de los pilares del thrash metal, quien también ha participado en agrupaciones tan distantes entre sí, tales como Voodoocult, Fantômas, Testament, Grip Inc. y Philm), integrando una Santísima Trinidad denominada Bladerunner.

La divinidad se materializó en el escenario a través de furiosas, frenéticas y enloquecedoras notas que brotaron del saxofón de su santidad John Zorn, replicadas por la batería de Lombardo —la cual él atacaba rabiosamente pero con precisión matemática—, contrapunteadas por el bajo de Laswell, quien lucía como una deidad benigna contemplando la demencia desatada por sus compañeros con serenidad y calma, y replicándola en momentos clave.

La vorágine desatada en escena concluyó veinte minutos después, dejando al respetable en un coitus interruptus auditivo, reclamando a gritos un tema más para llegar al éxtasis sonoro y emocional. Zorn invitó a los integrantes de todas las agrupaciones que se presentaron esa noche a que subieran al escenario para recibir una última ovación y despedida, pero ante la insistencia de sus seguidores, Zorn dio una serie de indicaciones y en un par de minutos ya había armado un ensamble con dos bateristas (Lombardo y Grohowski), un guitarrista (Spruance), un bajista (Laswell) y él mismo; así ejecutaron una improvisación final iniciada con un duelo de baterías, concluida con Bill haciendo toda serie de extrañas distorsiones con su bajo y con los efectos disponibles en sus pedales.

Finalmente, a las 23:26 horas, la misa había terminado. Salvo por un pequeño altercado que se dio a las afueras del recinto, el resto de los asistentes nos fuimos en paz.

 

Knotfest México 2015

Un día en el circo infernal.

La primera parada obligada del Knotfest México era el Knotfest Museum, la carpa de circo que contiene piezas de la historia de la banda, desde los road cases que los han acompañado desde sus inicios, los overoles que los han vestido en sus diferentes etapas, antiguas máscaras y amplificadores, pedaleras en desuso y hasta gongs adornados con el logotipo de la banda. Shawn “Clown” Crahan fue el encargado de cortar el listón inaugural y de dar el tour a los fans VIP ante la sorpresa de los recién llegados al verlo arribar en un carrito de golf.

Asking Alexandria mencionó que era un honor ser parte del festival e hizo que el largo camino al Centro Dinámico Pegaso al fin valiera la pena. La rueda de la fortuna comenzó a girar, los primeros arriesgados hacían bungee jumping, Here Comes The Kraken daba la bienvenida con “Beverly Hell”, y el sol, contrario a todo pronóstico del clima, hacía que todo pintara para un día ideal.

Y así lo fue banda tras banda: 36CrazyFists provocó los primeros empujones; Atreyu invocó a Bon Jovi con su cover de “You Give Love a Bad Name”, ante las muecas de los presentes que portaban playeras de Napalm Death; los integrantres de Trivium se mostraron contentos de regresar ante este público tan fiel; Brujería blandió el machete llamando a la revolución; A Day to Remember encantó a los jóvenes y les dio una lección a los más viejos: las nuevas generaciones también tienen mucho qué decir.

The Dillinger Escape Plan nos dio un golpe directo en la mandíbula, del escepticismo al circle pit; su guitarrista tocaba sostenido por el público cercano a la barricada en una impresionante muestra de energía escénica. Ill Niño y su sabor latino para apreciar el impecable audio durante todo el festival. Su infernal majestad para musicalizar el atardecer, HIM; sus covers y sus éxitos para calmar el ánimo de algunos y musicalizar el hambre de otros formados en las largas filas de los foodtrucks. Cradle of Filth dejando caer el peso del martillo de las brujas, temas de su impresionante nuevo disco, y los gritos de Dani Filth para maldecirnos. Luego vendría el cordero de dios a dictar su poderosa homilía: “Walk With Me in Hell” y la gran masa de gente atenta ante la técnica y el poder de estos cinco malditos miembros de Lamb of God;Now You Got Something To Die For”, con imágenes de soldados caídos en el cumplimiento del deber; “Laid to Rest” en honor al fanatismo religioso, y nosotros ahí, cual ovejas atendiendo el mandato de Randy Blythe: “Make some noise, motherfuckers”.

Después el “Hangar 18” abrió sus puertas y el arsenal de Megadeth comenzó a atacarnos sin piedad: “She Wolf”, “Wake Up Dead”, “In My Darkest Hour”; Kiko Loureiro dando a entender con su gran técnica por qué fue reclutado de Angra; Chris Adler sin demostrar cansancio aun después de haber tocado con Lamb of God; Dave Mustaine como siempre celebrando y gustoso de regresar a México y sus cantos; “Trust” y sus frases en español; “You know it’s time for Holy fucking Wars” para terminar su gran actuación.

16 años tuvimos que esperar para el caer de esas enormes mantas rojas con el logo de Slipknot y el inicio del frenesí. “Sarcastrophe” para finalmente gritar sin dejar de ocultarnos tras nuestras máscaras; Mr. Picklenose y Clown girando en lo alto con sus pesadas percusiones; Great Big Mouth incendiando su garganta: “If you’re 555 then i’m 666”, el himno a la herejía y los puños alzados. Bienvenidos sean al circo infernal. Que el fuego se sienta hasta sus rostros, que estas canciones nos vuelvan locos. “The Devil in I” que emerge, “Vermilion” para lograr ser una sola voz; las miradas atentas al vistoso escenario y a cada uno de los integrantes. “Wait and Bleed”, finalmente. “He esperado tantos años por esto”, dice alguien a mi lado con absoluta emoción. Después de aquella visita frustrada —cuando se suponía que serían teloneros de Pantera en el Palacio de los Deportes— y el olvido subsecuente, Corey Taylor dice lo que queríamos escuchar: “Así como ustedes esperaron tanto por nosotros, ahora nosotros ya no podemos esperar por volver”.

“Spit It Out” para caer todos al suelo y levantarnos a la orden. Somos el acto principal de este gran circo de destrucción sonora. Somos los trapecistas que no quieren caerse pero que en el aire se sienten libres. Somos el león y el dócil camello; los payasos diabólicos que mañana volverán a ser personas normales. “People = Shit” contra todos aquellos que nos aquejan, “Surfacing” para estallar en la última gloria y hacernos saber que la espera valió la pena, y que aunque ya no somos los mismos adolescentes y cada vez nos cansamos más, la máscara no ha cambiado. Volvemos a nuestras guaridas complacidos por un día de gran metal en sus diferentes vertientes, atendiendo el mensaje de despedida a la salida del Knotfest: nos vemos en 2016.