Entrevista con Ramona

Posted on septiembre 6, 2018 by -

Foto de Bryan Ruelas

Ramona y su fórmula para romper con el caos cotidiano: Párpados.

La Ciudad de México es la urbe más grande del planeta. Miles de automóviles diariamente arrojan gigantescas bocanadas de humo que llenan nuestros pulmones, millones de personas recorren trayectos exageradamente largos para llegar a su trabajo, existe todo tipo de mercancía pirata vendiéndose en cualquier esquina, el transporte público es deplorable y un interminable número de conflictos podrían ser enlistados, cada uno de ellos sin fecha de caducidad. Aún así, sus habitantes aman cada rincón del caótico sitio, un extinto valle donde lo verde fue remplazado por concreto y los grandes lagos enterrados por gigantescas construcciones.

No es ajeno que el mexicano sea considerado uno de los mejores públicos del mundo, y más el nacido en la capital. Tal vez porque en su existencia ha encontrado en los sonidos un escape de la realidad y su diaria tempestad. Una valiosa salida que nos hace entregarnos por completo en cada show. De gritarle a todos que en tierras aztecas se disfruta de la música más que en cualquier otra nación En ocasiones, incluso más que quién la compone y ejecuta. Un raro fenómeno que las agrupaciones aún no descifran cómo catalogar.

Y así como el público trata de buscar atajos y caminos que hagan los días más placenteros, proyectos como Ramona tratan de exponer por medio de letras y acordes su propia visión del caos, y con ello, su fórmula para salir de la burbuja en la que todos estamos inmersos. “Párpados habla mucho sobre la Ciudad de México y su eterno caos, ese podría ser el resumen del álbum. Todas las letras hablan de cómo poder salir de los problemas cotidianos como el tráfico, el bendito metro, de la ruptura social, y de todo lo que implica estar siempre metido en un sinfín de conflictos. También hay canciones en las que proponemos irnos de aquí y nunca más regresar… todo esto es un pequeño reflejo de nuestro sentir en estos tres años viviendo aquí. Es lo que hemos estado creando a través de esa inspiración, de cómo todo puede ser tratado por la música”.

Con dos discos bajo la manga y uno en puerta, Ramona ya no es una banda amateur. Desde su migración de la frontera al centro de México, los de Tijuana han creado una fuerte fan base y su sonido ha evolucionado de manera gradual, descubriendo una amplia gama colores, diversas texturas y extensas fuentes de inspiración entre cada producción. “Todo ha evolucionado de una manera muy natural, no han sido cambios forzados, se dio de forma genuina. Lo que tiene Párpados es que viene más experimental, más psicodélico. Ahora se hicieron cosas que nunca habíamos hecho, grabamos un par de canciones con dos baterías, integramos vocales y se añadieron más teclados. Tiene una producción mucho más sobresaliente que nuestros materiales pasados. Podría decirse que es un trabajo con más enfoque”.

Como si fuera una especie de evolución y un reto más en su carrera, Ramona se aventuró en producir su tercer trabajo de estudio por cuenta propia. Jesús (voz de la agrupación) cuenta que se tomó la decisión para que el LP tuviera un sonido más auténtico. “Ahora lo produjo Ramona. Se grabó en tres estudios, el primero ubicado en Guanajuato, el segundo en el estudio de Sierra León, y el tercero es el que nosotros estamos haciendo, aquí en nuestra casa… realmente lo produjimos nosotros porque sabíamos muy bien cómo queríamos sonar. Pensamos que si ya teníamos la idea muy clara, lo mejor era hacerlo por nuestra cuenta. Hicimos toda una preproducción y teniendo eso empezamos a grabar todo muy ecuánime. Las baterías las grabamos en cinta y partimos de varias cosas muy interesantes. Fue un gran salto para la banda”.

Ramona piensa que todo evoluciona y tiene un proceso de adaptación. Sus integrantes, como casi toda la escena musical alternativa en nuestro país, siguieron el camino de la vereda independiente. Luchando y en muchas ocasiones sufriendo a lo grande, aseguran que es el rumbo más honesto que cualquier proyecto puede tomar. “Existen 1000 movimientos en todos los estados de la república. Yo siento que aquel que se atreve a decir que no hay música nueva, podría ser tachado hasta de ignorante. Es aventurarte a nuevas cosas como todo. Además, creo ser independiente es el camino más correcto que hay en este tiempo. Es un ejemplo que tú puedes hacer lo que quieras y lograr tus metas”, asegura Jesús.

Corazón, entrega y pasión, esas podrían ser las palabras para describir a Ramona como proyecto. Su melancolía por el pasado, su conducción para describir el amor y desamor, sus suaves notas que te llevan desde el rock hasta el folk, los convierte en una de las propuestas más auténticas de la década. Muchas cosas grandes le espera a los fronterizos, no cabe duda.

La presentación de Párpados será el próximo 7 de octubre en el Foro Indie Rocks! junto a Daniel, me estás matando e Islas, evento para todas las edades que se convierte en uno de los shows infaltables para culminar el 2018.

Entrevista con Bob Moses

Posted on septiembre 6, 2018 by -

Bob Moses: días incansables.

Estamos a la mitad de un verano incierto. Un verano lleno de calor abrasador, tempestad intermitente y música oscilante, que trae desde influencias africanas y tonos urbanos hasta el rock más puro. A Bob Moses le gusta pensar que se encuentra entre todos los puntos medios de ambos polos, aunque la norma general es catalogarlos como género electrónico.

“Nos gusta definirnos como una postura en blanco. A veces somos techno, a veces rock, a veces cosas muy extrañas desde cualquier lugar del planeta. Entonces la gente es libre de ponernos en el nicho que guste”, comienza a describir Vallance.

Jimmy Vallance y Tom Howie se conocieron en la secundaria y, posteriormente, volvieron a encontrarse en la preparatoria. Eran meramente conocidos, pero sabían perfecto de la existencia del otro por tener gustos musicales en común. La vida los separó por un tiempo, pero después se reencontraron en un estacionamiento, en donde se quedaron de acuerdo para tener una sesión de composición.

“Esa misma chispa que nos llevó a curiosear sobre qué podíamos hacer musicalmente es la que permanece al día de hoy, aunque ha evolucionado bastante. Ambos somos libres de compartir ideas y definitivamente somos menos tímidos en la compañía del otro. Me atrevo a decir que sí, hubo magia, como mucha gente en este medio afirma como cliché. Y sí, la magia sigue existiendo”, comenta maravillado Vallance.

Después de más sesiones y llegar a compartir un departamento, la dupla se mostró segura en mostrarle su trabajo a Frank & Tony, mejor conocidos como el colectivo Scissors & Thread, quienes también terminaron por bautizar a la banda en honor a un planificador urbano de Nueva York. En 2012 lanzaron su primer EP bajo su yugo, Hands to Hold, y posteriormente, Domino Records les echó el ojo. Además de la calidad de su trabajo, el legendario sello indie quedó impresionado por la química entre ambos músicos.

“Ambos podemos hacer de todo. Podemos tener una computadora, una guitarra o un piano o cantar y los resultados siempre van a satisfacer a los dos sin importar quién agarre qué instrumento. Nos enfocamos en las cualidades más fuertes que tenemos para complementar el trabajo del otro. Tom podría meter un riff de guitarra mejor que el mío o yo puedo introducir unas voces que Tom necesita. Es como un partido de tenis muy amistoso el trabajar juntos”, describió Vallance.

Al poco rato de firmar con la disquera, lanzaron su disco debut Days Gone By, de donde se desprendió la emblemática “Tearing Me Up”. El tema obtuvo un par de nominaciones al Grammy, obteniendo el galardón por Mejor Grabación Remezclada (No-Clásica). El aclamo siguió llegando, y gente de la talla de Ellen DeGeneres los invitaban personalmente a sus shows a interpretar el hit. ¿Acaso estos sucesos serían demasiado?

“Después de sacar ‘Tearing Me Up’ nada realmente cambió. No es que obtener reconocimientos no nos importe, sino el conectar con las personas. Ver a un grupo de amigos o a varias parejas corear tu canción, esos son los premios para nosotros. Lo único que cambió después de esto fue que al menos mi abuela piensa que tengo un trabajo de verdad [risas]”, confiesa Vallance.

Para Bob Moses, el pisar tierras latinas ya no es algo inusitado –en realidad, lo disfrutan bastante–. Prueba de ello fue su pasada experiencia en el Festival Vaivén a principios de este año.

“Fue una gran experiencia el tocar frente a 20,000 personas. Hay algo en estar parado al lado del escenario antes de que las luces se apaguen y escuchar el alboroto que te intoxica, que te llena. Creo que tenemos mucha suerte y a veces sigo pensando si estaremos haciendo algo indebido o tramposo. Pero el tocar ahí y todos los shows que tenemos programados en el resto del país es un gran privilegio”, afirma entusiasmado Vallance.

Para una banda cuya prioridad es nunca dejar de crear música, Bob Moses nunca tiene un sonido apresurado. Vertiginoso, sí, pero todo con un control cuidadoso en cómo se ponen en su lugar los elementos que hacen de cada una de sus canciones una experiencia exuberante.

“Lo bueno de ser nosotros es que nunca paramos. Podríamos crear y grabar una canción nueva durante un soundcheck o en un cuarto de hotel o mientras esperamos en un aeropuerto. Todo sigue fluyendo y las vivencias que tenemos en el camino son nuestra mayor inspiración”, concluye Vallance.

Bob Moses se presentará el 2 de noviembre de 2018 en el Auditorio BlackBerry.

The Kooks — Let’s Go Sunshine

Posted on septiembre 6, 2018 by -

Simplemente The Kooks.

Es reconfortante escuchar la música del ayer, sin importar cuál sea tu ayer. Para algunos, The Kooks y su disco Inside in/Inside Out junto a su icónica “Naive” son emblemáticos: uno de los himnos de nuestra generación. En su segunda entrega Konk, no se quedó atrás y nos dio otros cuantos para cantar a todo pulmón. 14 años después, después de un poco de experimentación, The Kooks regresa a sus raíces, a un espíritu relajado y romántico.

El quinto álbum de la banda es justo lo que su título transmite. En Let’s Go Sunshine, The Kooks entrega su esencia, su verdadero yo. Let’s Go Sunshine es sencillo, vibrante y hasta acogedor. Con un “Intro” de coros desfachatados a capela de “No Pressure”, se abren las puertas a un desahogo de diversión.

“Kids” definitivamente es The Kooks. Comienza sonando como Junk of the Heart para transformarse en algo que recuerda a “Do You Wanna”. El beat continúa con “All The Time”, canción que dieron a conocer hace unos meses y que seguro será de las más coreadas en vivo. Todo sigue bien, consistente y con un sonido constante muy familiar.

Sin embargo, tanta similaridad resulta en un mar de ecos a toda la discografía de la banda, lo que hace que “Believe”, “Honey Bee” e “Initials for Gainsbourg” pasen desapercibidas. Por otro lado destaca “Four Leaf Clover”: con un sabor pegajoso y una letra cínica y refrescante. Y algo similar pasa con “Tesco Disco”, que suena como la versión acústica de sí misma, lo que es parte de su notoriedad.

En general, Let’s Go Sunshine es puramente The Kooks. No obstante, no es lo más relevante que la banda británica haya o vaya a entregar; tal vez sea que quienes los llevamos en el corazón ya crecimos un poco y superamos su sonido, o tal vez sea que faltó un poco de audacia e inspiración.

Entrevista con Parquet Courts

Posted on septiembre 5, 2018 by -

Foto Ebru Yildiz

El guitarrista y vocalista, Austin Brown, platica con Indie Rocks! sobre su banda de indie-rock-punk.

Uno de los grupos más emocionantes de los últimos años sigue evangelizando a los melómanos con el espíritu del punk y del DIY. A lo largo de 6 LPs, diversos EPs y una que otra colaboración, lo impredecible de su música sigue manteniendo atentos a sus seguidores, que esperan cada una de sus entregas como un bálsamo de frescura entre tanta oferta musical pre-fabricada.

Platicamos con Austin Brown, mitad del dúo creativo de Parquet Courts (junto con Andrew Savage, quién tuvo que atender una urgencia médica en lugar de participar en esta entrevista), para hablar del trabajo musical de la banda, poco después del lanzamiento de su más nuevo LP Wide Awake!, y en la antesala de su visita a la CDMX en octubre de este año.

Como buen artista progresivo neoyorquino, Austin es parco para hablar, como que preferiría estar haciendo otra cosa. Pero esto nos contó sobre la creciente naturaleza melódica de sus canciones.

“Tal vez sí… creo que las canciones son mejor servidas con la melodía, soy un gran amante de la melodía, pero no siempre es el enfoque hacia una canción, a veces el ritmo es el enfoque, aunque en Wide Awake! construimos mucho ritmo melódico, y siempre es un proceso diferente cuando estamos haciendo un nuevo disco, es una cosa nueva, algunos discos son más enfocados en la melodía que otros, y no se si tenga algo que ver con la edad, odio tener que envejecer, pero creo que así les pasa a todos”, comentó Austin.

El reciente LP Wide Awake!, ha recibido criticas muy positivas por su eclecticismo y la calidad de las composiciones, aunado al gusto casi cinemático del productor en turno, ni más ni menos que el afamado Danger Mouse, quién saltó a la escena hace casi 15 años con su mashup de Jay-Z y The Beatles. A pesar de la buena recepción, Austin confiesa que las críticas lo tienen sin cuidado.

“Si, me dicen sobre las reseñas de vez en cuando, pero para mí, normalmente cuando salen las reseñas yo ya he pasado a otra cosa. Digo, es agradable tener a personas apreciando tu trabajo y diciendo cosas buenas sobre ti, pero no es la razón por la cual hago música y esos críticos no están escribiendo para mí de todos modos, pero definitivamente aprecio que escriban cosas bonitas sobre mí, me permite seguir haciendo cosas, pero no afecta para nada mi estilo de vida”, dijo Brown.

El grupo ha progresado a partir del punk rústico de su debut American Specialties (2011); con el segundo álbum Light Up Gold (2012), ya se podía apreciar una banda sin temor a experimentar con su sonido y ampliar su panorama sonoro, aunque seguían, y siguen hoy en día, volviendo al punk-rock, pero más esporádicamente, Wide Awake! contiene algunas rolas como “NYC Observation” y “Extinction”, como algunos ejemplos de aquel género, pero ya son pocas en comparación a rolas de otro estilo como “Mardi Gras Beads” (post punk) y “Tenderness” (pop rock estilo sesentero). La mano de Danger Mouse está muy presente en el sonido de este álbum, pero Austin disminuye un poco el protagonismo del afamado productor.

“No creo que hayamos dependido mucho de él, nosotros normalmente nos vamos en una dirección diferente por nuestra propia cuenta, trabajar con un productor es algo que apenas hemos estado haciendo, pero nos gusta probar cosas nuevas, tal vez la próxima vez no usemos un productor, trataremos de, ya sabes, hacer algo diferente”, opinó Brown.

A diferencia de Andrew –su compañero en el grupo–, a Austin no le apetece andar grabando como solista, y realmente no tiene algún otro escaparate artístico (como lo es la pintura para Andrew) donde pueda desahogar alguna de la creatividad personal que no se refleja en el producto final de Parquet Courts. Más bien dice que está trabajando en una app para el iPhone. “No puedo platicar mucho sobre eso en este momento”, replica ante la pregunta de qué, exactamente, hace la app; pero afirma que es algo relacionado con la música y que será lanzada el próximo año. Confiesa que artísticamente, es su naturaleza el colaborar con otras personas.

“Soy un gran fan de los grupos, de trabajar con otras personas, no me interesa ser un artista solitario o trabajar por mi propia cuenta. Mis mejores resultados siempre se han dado colaborando con alguien más, y no estoy seguro de la idea de hacer un álbum en solitario, no me gusta trabajar de esa manera. Como músico, mi parte favorita es el proceso de estar en el estudio haciendo música, colaborando con otras personas. Trato a veces de hacer música en mi casa, por mi propia cuenta, y se que a muchas personas les emociona hacer eso, pero a mí se me hace aburrido, no sé, no me atrae que algo tenga nada más mi nombre”, nos compartió Brown.

Parquet Courts estará regresando a la CDMX después de haber visitado nuestro país por última vez en el 2016 para presentarse en el Corona Capital. Esta vez estarán en el SALA de la calle Puebla en solitario. El tímido Austin Brown nos compartió sus expectativas sobre el show del 10 de octubre.

“Em, me emociona estar de regreso…va a estar bueno (risas)”, concluyó.

Boletos acá.

Top: Covers a The Cranberries

Posted on septiembre 5, 2018 by -

Recordando a Dolores O'Riordan, te presentamos algunos covers que le han hecho a The Cranberries.

El mundo de la música se estremeció a principios de este año cuando la vocalista de The Cranberries, Dolores O'Riordan, falleció inesperadamente. Desde este suceso, decenas de bandas e interpretes le han rendido tributo, dejando en claro la importancia de la cantante y cómo su figura pudo trascender a pesar de la muerte.

Arcade Fire

Unos meses después del fallecimiento de Dolores, los canadienses dieron un concierto en Irlanda, país natal de la líder de The Cranberries. Los de Montreal interpretaron "Linger", tema publicado por la banda de O'Riordan en 1993 como sencillo promocional de su álbum debut Everybody Else Is Doing It, So Why Can't We?.

Japanese Breakfast

A pesar de que Michelle Zauner llevaba un par de años versionando a The Cranberries en sus shows, luego de la muerte de Dolores O'Riordan la estadounidense fue a Spotify Single Series para sacar una versión de estudio de "Dreams", otro de los adelantos del primer disco de la agrupación irlandesa.

Liza Anne

La artista de Nashville recientemente firmó con el sello de Broken Social Scene, Arts & Crafts. Junto al anuncio llegó un EP que abría con "Dreams". Aunque a la interprete no le gusta hacer covers, cuenta que cuando Dolores murió el año pasado, sintió que necesitaba hacer algo para agradecerle todo lo que nos dio.

Shamir

En septiembre del año pasado, antes de que falleciera la cantante de The Cranberries, el músico de Las Vegas se juntó con algunos artistas originarios de Philadelphia, como The Dove & The Wolf, Queen of Jeans y Sad13, vocalista de Speedy Ortiz. Juntos grabaron su versión de "Linger".

Best Coast

Al saber la noticia de Dolores O'Riordan, Bethany Cosentino usó el Twitter de Best Coast para dedicarle unas palabras a la cantante y aprovechar para subir un cover que le hicieron a "Zombie" en 2017. Aunque el mensaje fue algo extraño, el cover fue muy bien recibido.

Metallica hace cover a Prince

Posted on septiembre 5, 2018 by -

Un breve tributo en vivo a Prince por parte de Metallica.

Hace un par de días, la banda estadounidense Metallica dio un show único en el Target Center de Minneapolis, en el que los más de 19.000 asistentes escucharon no solo el setlist perteneciente a la gira WorldWired sino que también un cover por parte de la banda a la canción “When Doves Cry” , estrenada originalmente en el año 1984 a manos de Prince. 

El cover fue interpretado por el guitarrista Kirk Hammett y el bajista Robert Trujillo, quienes han hecho ya costumbre en los conciertos de la gira interpretar un cover a algún artista originario del país o estado en el que tocan.

Una curiosa interpretación que cuenta con un cambio de instrumentación con un toque único con matices heavy.

Mira el video del cover aquí.

Recientemente Metallica informó en un comunicado que los asistentes a sus conciertos podrán descargar alguna de las canciones del show de forma digital.  "Cada show es mezclado y masterizado por el equipo detrás de Hardwired... To Self-Destruct para ofrecerte la mejor calidad de audio posible. Sostén ese ticket después del show y ve a LiveMetallica.com/scan para escanear o ingresar el código de barras de su boleto para descargar su espectáculo.

 

Saldrá vinilo de 'Adventure Time'

Posted on septiembre 5, 2018 by -

La popular serie animada llegó a su fin y su soundtrack será puesto en formato vinilo.

Tal vez eres de los que aún están llorando por el final de Adventure Time o como lo conocemos en Latinoamérica: Hora de Aventura, pero para que no te pegue tanto Mondo y Cartoon Network han anunciado el lanzamiento de un vinilo con canciones del episodio final en el que destacan tracks de Willow Smith, Rebecca Sugar, entre otros.

La pre-orden ya está disponible en el sitio de Mondo. Checa el disco y el tracklist de este material que será liberado en octubre próximo.

Lado A
01.- "Main Title (feat. Willow Smith)"
02.- "You and Your Brain"  
03.- "Climb Time" 
04.- "Memory Strings"  
05.- "A Bad Omen" 
06.- "War Chant"
07.- "Mind Matters"  
08.- "Imagination A Dream"
09.- "Gum Shoes"
10.- "In Our Minds"
11.- "Kingdom Gum"
12.- "Nightmare Hangover"

Lado B
13.- "March on the Monster"
14.- "Nothing Was Real"
15.- "Drooly Dread"
16.- "Bubbling"
17.- "Last Defense"
18.- "Out of Home"
19.- "Time Adventure"
20.- "Sun Cycles"
21.- "Clouds"
22.- "Island Song"
23.- "Waving To You"

El capitulo final trata de la aventura de Finn y Jake en el País de Ooo donde la Princesa Bubblegum reúne a sus aliados. Finn busca una forma de prevenir la próxima Gran Guerra de las Gomas de la cual depende el destino de Ooo.

Juan Son estrena "Wind"

Posted on septiembre 5, 2018 by -

Un nuevo sencillo que consolida el regreso de Juan Son.

Hace un par de meses, Juan Carlos Pereda mejor conocido en el mundo de la música como Juan Son, dio a conocer el tema "Siento" después de nueve años de ausencia en los estudios de grabación, ahora presenta el segundo lanzamiento en el año bajo el nombre de "Wind", material realizado una vez más con el trabajo de producción de Yamil Rezc (ganador de un Grammy Latino y colaborador de bandas como Hello Seahorse! , Zoé , Julieta Venegas, entre otros).

"Wind" es una canción en la que los teclados atmosféricos y el bajo toman el protagonismo desde el primer minuto. El sencillo no llegó solo, sino que se presentó acompañado de un video musical casero realizado por el mismo Juan Son en donde el color amarillo y anaranjado predominan en cada escena.

Mira el video de "Wind" aquí.

A más de seis semanas antes de su regreso a los escenarios, Juan Son ha agotado los boletos disponibles para su show en el Lunario del Auditorio Nacional.  El sencillo "Siento" logró posicionarse en el lugar numero 1 de los 50 más virales de México en la plataforma Spotify, poco tiempo después de su estreno.   

Ty Segall anuncia disco de covers

Posted on septiembre 5, 2018 by -

Foto: Denee Segall

Temas de Sparks, John Lennon y más, conformarán el nuevo álbum de Ty Segall.

A principios de este año, el músico de Laguna Beach lanzó el disco Freedom's Goblin, y unos meses después Joy, este último junto a White Fences. Pero eso no fue suficiente para el interprete, ya que acaba de anunciar un nuevo álbum, solo que conformado por covers.

El siguiente estreno de Ty Segall llevará el nombre de Fudge Sandwich y saldrá el próximo 26 de octubre a través del sello discográfico In the Red. Este tendrá 11 canciones que versionará el cantante bajo su enérgico estilo de psych rock.

Entre los músicos a los que le rendirá homenaje el estadounidense están: John Lennon, Grateful Dead, Funkadelic, War y Neil Young. Todos ellos han influenciado de forma importante en el sonido del californiano, aunque muy pocos estén dentro de la psicodélia.

El primer adelanto del disco de Ty Segall es un cover a "I'm a Man", tema publicado en 1967 por The Spencer Davis Group. Unos años después la canción fue retomada por Chicago, logrando más éxito que a versión original.

También, el cantante hace poco anunció oficialmente el lanzamiento del segundo álbum de estudio de GØGGS, que estará disponible a partir del 29 de septiembre.

Puedes escuchar ambas versiones de "I'm a Man" justo aquí:

Tracklist de Fudge Sandwich:

01 "Lowrider (War)"
02 "I’m a Man (Spencer Davis Group)"
03 "Isolation (John Lennon)"
04 "Hit It and Quit it (Funkadelic) 05 Class War (The Dils)"
06 "The Loner (Neil Young)"
07 "Pretty Miss Titty (Gong)"
08 "Archangel Thunderbird (Amon Düül II)"
09 "Rotten to the Core (Rudimentary Peni)"
10 "St. Stephen (Grateful Dead)"
11 "Slowboat (Sparks)"

Top 10: Lo-fi en Latinoamérica

Posted on septiembre 5, 2018 by -

Descubre algunas agrupaciones y artistas en Latinoamérica que son parte de este movimiento.

Antes de los noventa, una grabación en donde la calidad fuera notoriamente baja era percibida como de mal gusto, sin embargo, años adelante se empezó a romantizar la cultura del DIY. En esta, un músico ya no necesitaba de un gran presupuesto ni un estudio de grabación ostentoso para plasmar sus composiciones.

Como consecuencia, se podían percibir ciertos rasgos de baja calidad que eventualmente fueron creando subgéneros dentro del el rock, pop o hip hop, que atraen a varios fanáticos por la calidez que puede llegar a generar.

Este estilo tiene precursores incluso desde los años 60, pero no fue hasta una década después que artistas como Todd Rundgren comenzaron a darle un valor estético. De igual modo, en las últimas tres décadas ha atraído una popularidad bastante significativa desde que artistas como Daniel Johnston en su álbum 1990 (1990), Beck en Golden Feelings (1993) o Dinosaur Jr. en Dinosaur (1985) lo empezaran a utilizar alrededor de los 90. Posteriormente, actos como Ariel Pink en Worn Copy (2003), Wavves en Wavves (2008) y Car Seat Headrest en 1, 2, 3 y 4 (2010) también fueron grandes expositores de esta corriente. Algunas veces se unían por falta de recursos, y otras podía llegar a ser una decisión artística.

Es seguro decir que este es un movimiento que va muy de la mano con el garage y surf rock, o por otro lado, de ramas del pop como dream pop o synth pop.

Si bien, esta expresión se origina principalmente en Estados Unidos, algunos músicos de Latinoamérica también comparten esta cruda y acogedora estética. A continuación te presentamos algunos:

Lê Almeida

Proveniente de Brasil, Lê Almeida es el proyecto de un solo músico que ejecuta, graba y produce cada uno de los sonidos que se aprecian en sus piezas. Estas no carecen de hooks contagiosos, ni guitarras llenas de fuzz en donde se siente una fuerte influencia por rock de los 90 mezclado con pop.

Hasta la fecha lleva varias publicaciones que datan desde el 2009 con una reciente que tiene como nombre Amenidades, la cual puedes disfrutar a continuación:

Julio Viernes

Si alguno está familiarizado y disfruta de la rama del hip hop lo-fi que se utiliza para “relajarse, dormir o estudiar” según las mezclas en YouTube, este proyecto será de su agrado. Se origina en Chile y tiene en Bandcamp varias grabaciones del mismo estilo bajo diferentes seudónimos, pero la más reciente se titula Música para conducir y la puedes disfrutar en su totalidad a continuación:

Los Fritos

Con cede en Pilar, Argentina, esta agrupación alude a uno de los géneros más populares dentro de lo que es el lo-fi: el surf rock. A continuación puedes disfrutar del video para una de sus canciones titulada "Un poco de vos" y en su página de Bandcamp puedes escuchar algunas otras:

Juan Gris

Esta agrupación proviene de Perú y también rescata un sonido popular y nostálgico dentro del rock alternativo de una manera placentera. Hasta la fecha lleva un álbum titulado Está bien por ahora, seguido por un EP llamado Brillante. Admíralos aquí abajo:

Karl Neudert

Por si no sabían, el vocalista de la banda mexicana Señor Kino, también produce algunas piezas como solista bastante bonitas. Estas se conforman de letras afables, nostálgicas y gentiles musicalizadas por melodías creadas con sintetizadores. En su Bandcamp puedes disfrutar de todo su repertorio compuesto por canciones originales y algunos covers de bandas como Misfits, Surf Curse y uno del gran Daniel Johnston, pero aquí abajo te puedes dar un adelanto:


Unidad 01

Este proyecto también tiene base en Argentina y aquí puedes apreciar mezclas de sonidos que pasan por géneros como dream pop, rock progresivo, shoegaze y hasta math rock que adornan a interesantes líricas. Aquí abajo puedes escuchar su más reciente álbum:

Santino Amigo

Aquí presento un proyecto solista que nace en Perú y no utiliza más que una guitarra, una voz y letras desgarradoras para crear piezas acústicas llenas de sentimiento y emoción. Me centré en esta propuesta acústica para explorar algo diferente a lo que ya mencioné, pero también tiene otro proyecto de surf rock denominado Suerte Campeón que también merece una escucha.

Disfruta aquí abajo del último álbum de Santino Amigo:

Eric Curiel

Este es un artista del norte de México que lleva algunos años creando música unificando géneros que van desde el rock alternativo y pop hasta un poco de psych de manera independiente. Aquí abajo puedes escuchar un tema que sacó hace algunos años para conocer su sonido, pero si entras a su página de Bandcamp encontrarás material más reciente que de hecho va más de la mano con el lo-fi.

Margatt

Esta agrupación Argentina también refiere a las ramas más populares del lo-fi, al utilizar elementos de sonidos como el garage, punk y surf rock. Con el EP titulado Margatt, te puedes imaginar la energía y emoción que seguramente transmite en sus presentaciones en vivo. Disfruta a continuación:

Andyholes

De este artista no hay mucha información que vaya más allá de su lugar de origen (otra vez Argentina), pero recientemente publicó un álbum titulado demos inconclusos, en donde se encuentran 14 grabaciones que comparte cierta energía con lo que presenta Julio Viernes al utilizar cálidos riffs de guitarra, beats tranquilizantes y algunos otros elementos que resultan en una grata experiencia. También cabe mencionar que como lo dicta el nombre del álbum, son piezas sin terminar. Habrá que estar al pendiente para ver en que resultan, pues hasta ahorita suena encantador.