Se casa Patrick Carney de The Black Keys

La boda de Michelle Branch y Patrick Carney de The Black Keys por fin sucedió.

El baterista estadounidense ha estado muy ocupado, pues no solo reveló un nuevo tema y anunció gira junto a su compañero Dan Auerbach, también inició un nuevo proyecto llamado Sad Planets, con el que sacó disco el pasado fin de semana. A pesar de su apretada agenda, el músico tuvo tiempo para planear y prepararse para su boda.

El pasado sábado 20 de abril Patrick Carney, integrante de The Black Keys, contrajo nupcias con Michelle Branch. La cantante es en Estados Unidos, una de las artistas más reconocidas de principios del 2000 por discos como The Spirit Room y Hotel Paper, los cuales la llevaron a puestos importantes en el Billboard.

La pareja se conoció en 2015 en una fiesta de los premios Grammy y comenzaron a salir poco después. Tuvieron un hijo, Rhys James Carney, en agosto del 2018, pero hasta ahora decidieron casarse, luego de casi cuatro años de relación.

También, Patrick Carney colaboró en el último disco de su ahora esposa. El álbum Hopeless Romantic tiene al músico como productor y baterista, también participó en la composición de un par de temas. La última vez que estos dos trabajaron juntos fue en un cover de "A Horse With No Name" para la cuarta temporada de la serie animada BoJack Horseman.

Blink-182 ya no es una contraseña segura

Descubre a continuación cuáles son las contraseñas más inseguras del mundo.

En un reciente estudio realizado por el Centro Nacional de Seguridad Cibernética (NCSC) de Reino Unido –publicado a través de CNN– se revelaron las contraseñas más vulnerables para el hackeo. Encabezando la lista está el nombre de una de las bandas más emblemáticas del punk rock de los 90: Blink-182.

Tras esta publicación los fanáticos de la banda se llenaron de nostalgia, e incluso comenzaron a admitir en sus redes sociales que tienen una contraseña inspirada en ellos. Por otra parte el bajista de la banda Mark Hoppus compartió el tuit de CNN, añadiendo un “Ustedes”.

Dentro del listado también se encuentran contraseñas como: liverpool, superman, 12345, ashley, michael, abc123, iloveyou, Metallica, Slipknot y por su puesto: password. El NCSC recomendó el uso de tres términos aleatorios que sean fáciles de recordar en una contraseña, con la finalidad de evitar que la cuenta sea hackeada. "La reutilización de contraseñas es un riesgo importante que se puede evitar: nadie debería proteger los datos confidenciales con algo que se pueda adivinar, como su nombre de pila, su equipo de fútbol local o su banda favorita", expresó Ian Levy, Director Técnico de NCSC.

Ahora que saben esto, vayan a cambiar sus contraseñas fans de Blink-182.

Flying Lotus estrena: "Spontaneous" y "Takashi"

A unas horas del lanzamiento de su nuevo material discográfico, el músico estadounidense estrenó dos tracks.

Han pasado cinco años desde You're Dead! (2014), y falta muy poco para poder escuchar el sexto álbum de estudio del músico y productor, Flying LotusFlamagra es el título de este nuevo material discográfico y además de que serán 24 canciones, contendrá colaboraciones con artistas como Anderson .Paak, Solange, Toro y Moi, Thundercat y más.

De este disco se desprenden sus estrenos de hoy: "Spontaneous" y "Takashi". Y aquí puedes escucharlos.

"Spontaneous" es una colaboración con el grupo sueco de música electrónica, Little Dragon. Aunque solo dura poco más de dos minutos, desde los primeros compases la melodía toma un ritmo constante con tintes electrónicos y algo más funk. Por su parte, "Takashi" es un juego entre distintas velocidades rítmicas. Esta canción fusiona distintos elementos de géneros como el R&B, dance y hasta algo de nu music.

Aunque Flying Lotus se ha mantenido activo en estos últimos años, ya era justo y necesario escuchar un nuevo material discográfico del músico. Y con los adelantos que hemos podido escuchar de Flamagra, estamos seguros de que la espera habrá valido la pena.

Mientras tanto, les dejamos el teaser de Flamagra. Un audiovisual titulado de "Fire Is Coming", el cual es protagonizado por el reconocido director: David Lynch. ¡Que empiece la cuenta regresiva!

Entrevista con of Montreal

Kevin Barnes: La saga del músico indie continúa.

Platicamos con el fundador, líder y alma de of Montreal, Kevin Barnes, con motivo de su presentación en el Corona Capital Guadalajara y aunque el excéntrico Barnes es una máquina de entretenimiento sobre el escenario, con estrafalarios sets y vestuarios, en entrevistas es reconocido por ser reservado y hasta tímido. Sin embargo, se suelta rápido, y pronto sale a relucir su sentido del humor, seco, pero humor a final de cuentas.

Es de Ohio, y su banda of Montreal (nombre derivado de un amorío que tuvo con una mujer de Montreal) lleva poco más de 20 años presentando una música ecléctica, psicodélica, con tintes electrónicos poperos. La constantemente cambiante alineación de la banda ha sacado 15 discos en su carrera incluyendo White is Relic/Irrealis Mood, más un puñado de EPs.

Los sencillos que se desprendieron del álbum, “Plateau Phase/No Careerism No Corruption” y “Paranoiac Intervals/Body Dysmorphia”, nos muestran a Barnes deleitándose en el trap y el electro pop, al mismo tiempo que conserva sus típicas letras fatalistas, pero graciosas. En su página declara que dos eventos influenciaron grandemente la composición del nuevo material: su paranoia durante el periodo electoral en EUA y el estar realmente enamorado de alguien (aww).

“Pues definitivamente está influenciado por el chop & screwed de Houston estilo DJ remix, es una producción donde básicamente todo está super lento, suena como si estuvieras tomando codeína o jarabe para la tos o algo así, y de hecho sí tomaba codeína, es la droga por excelencia en este álbum para escuchar este tipo de música. Me influyó mucho DJ Screw, quien es de ese género, fue una influencia muy grande para este disco y para el sonido de la producción”, comentó Barnes sobre el sonido general del álbum.

Barnes ahonda en el tema de las influencias musicales para este álbum y menciona que géneros como el chillwave y vaporwave también se pueden detectar en su producción, de modo que el trabajo tiene un sonido más relajante y nostálgicamente ochentero. “Como lo que escucharías en un video tutorial de McDonald’s sobre cómo cocinar bien las papas, algo así”, comentó.

¿Y a qué se debe la utilización de dos títulos alternos para cada canción?

“Pues de alguna manera hace referencia al tiempo de duración de las canciones, porque todas duran más que la típica canción pop, y tienen diferentes secciones y cambios como hacia un nuevo espíritu o una nueva atmósfera, así que quería que los títulos representaran esos aspectos de las canciones y el álbum, que hiciera referencia a la complejidad intelectual. Me gustaría que tuvieran 20 títulos diferentes, pero eso sería molesto para la gente, bueno dos títulos ya es de por sí molesto probablemente (risas)”, se sinceró el artista.

Radiohead hizo lo mismo, creo que en Hail to the Thief, ¿te acuerdas de ese?

“No me gusta Radiohead”, respondió.

¿Y eso?

“Por alguna razón nunca me enganché con ellos, yo se que –se supone– son muy buenos, pero siempre que escucho algo como (voz de asco) ‘dios, que es eso?, no me gusta’, y me dicen ‘es Radiohead’, digo ‘ah si, claro, tenía que ser Radiohead, también es ya como un chiste con mis conocidos, es como decir ‘no me gusta The Beatles o algo así’. Su voz (la de Thom Yorke) me pone en un estado emocional incómodo”, continuó.

Nos queda como un minuto, te pregunto rápido ¿ya escuchaste el último de –y corrígeme si es el término inadecuado– tus ex protegidos MGMT? ¿cómo se te hizo?

(No me corrige) “Me encantó, Andrew (VanWyngarden) me lo mandó hace como dos años, digo meses, y lo estuve escuchando un montón, luego fue emocionante ver cuando salió y pienso que es genial, me encantó la calidad de la producción y como suena su voz”, concluyó Barnes.

Entrevista con Khruangbin

Khruangbin: dejando atrás los estereotipos de la industria.

El universo musical siempre tiene cómo sorprender. Creemos, de manera egocéntrica y superficial, que lo hemos escuchado todo. En pocas ocasiones recordamos que un mundo lleno de sabores y texturas se encuentra afuera. Pero hay aventureros que se atreven a quebrantar reglas y estereotipos. Que indagan en lo más profundo para encontrar tesoros auditivos para transmitir sentimientos y vibraciones. Khruangbin es uno de esos guerreros que lucha por entregar más que momentos efímeros.

Khruangbin no decepciona, pues hace las cosas con amor, ¿no de eso se trata la música? En su momento de exploración nos ha invitado a ser participes para unirnos en un viaje que ha conjuntado sonidos que pintan lienzos tratando de mostrarnos su percepción de la realidad. Una llena de colores funk y destellos psicodélicos que alimentan nuestra mente. Otra que nos abre los ojos al hacernos saber que nunca nos debemos cerrar a querer seguir descubriendo y probar nuevos géneros en nuestro repertorio.

En una charla con Mark Speer, encargado de la ejecutar la guitarra en el trío texano, nos habla de Con Todo el Mundo, segundo LP de Khruangbin que los ha llevado a recorrer el planeta en una extensa gira, misma que los trajo al festival Ceremonia y a ofrecer un show en solitario en Guadalajara presentado por HIPNOSIS hace apenas unos días.

“El proceso creativo fue muy similar al primero: menos tiempo ideal para grabar un álbum, temperaturas extremadamente frías para hacerlo, pero con el mismo amor y determinación. La principal diferencia fue que todos habíamos estado de gira durante un buen año antes de que estuviéramos inmersos en el disco, por lo que estábamos más cerca que nunca”, afirma Mark sobre la concepción de su segundo larga duración.

La banda tiene diversas conexiones con nuestro país y cultura, abrazándola y haciéndola parte de su proyecto siempre que es posible. "Todos crecimos en Houston. Por lo menos, todos estamos familiarizados con la cultura mexicana en Houston. Incluso Laura, que tiene más raíces mexicanas que el resto de nosotros, conoce principalmente la cultura de Brownsville y Matamoros, que es su propio tipo de cultura mexicana. Lo que siempre nos sorprende es lo deliciosa que es la comida cada vez que la probamos".

Mark, al igual que Laura y Donald, saben exactamente lo que quieren con su proyecto: crear mientras se sumergen en su propio universo. “Si viviéramos de acuerdo con los estereotipos que la industria musical nos ha propuesto, probablemente no habríamos llamado a nuestra banda Khruangbin o hecho música instrumental. Lo que parece resonar con la gente es Khruangbin haciendo Khruangbin. De hecho, hemos descubierto que el elemento instrumental de nuestra música es lo que nos acerca a las personas. Nos ha permitido recorrer países que nunca creímos posibles, y creemos que parte de eso se debe al hecho de que la música es instrumental y universal".

Todos hemos sentido que la música del trío atraviesa nuestra alma hasta llenar de color e intensidad todo el cuerpo. Momentos sublimes que al fin y al cabo, las palabras podrían salir sobrando. Pero, nunca podemos dar nada por sentado. “Tratamos de dejar que la música nos diga lo que quiere. Por lo tanto, no podemos prometer nada, excepto más música”, comenta Mark al preguntarle si algún día escucharíamos algo de Khruangbin acompañado de letras y versos.

Al tratarse de un proyecto que busca crear todo de manera instrumental, es difícil saber qué influencias pueden tener en un tiempo específico. Pero tal vez ese podría ser el error de muchos. Buscar algo o alguien a quién seguir, más que darle amor y empeño a crear momentos que llenen su corazón.

“Nos apasiona la energía en el camino, experimentar nuevos lugares y el amor por las personas para las que tocamos nuestra música. Recientemente hicimos una gira por Asia y encontramos algunas joyas musicales en las tiendas de discos de Seúl y Tokio".

El proyecto por su manera de concebir la música, nos transporta a remotos lugares que conocemos únicamente de manera sensorial. Khruangbin aclara que todo se hace para tratar de transmitir sentimientos, pero si logra transportarnos a otros sitios con su obra, ese es el mejor resultado posible.

Los desafíos de la banda son claros, seguir tocando, evolucionar y crear más día a día. Confirmado por la banda, es cierto que ya se trabaja en más temas y pronto podríamos tener nueva música con nosotros. Para todos los que empiezan el sueño de conquistar al mundo con sonidos, Mark les da un sencillo consejo que en general, se puede aplicar para casi todo en la vida: “elige tu equipo sabiamente". 

Cage the Elephant — Social Cues

Las cenizas de un divorcio resultan en una de las obras más significativas de Cage the Elephant.

Después de haber ganado un Grammy al Mejor Álbum de Rock en 2017 por Tell Me I’m Pretty, el elefante vuelve a salir de su jaula para llevar de nuevo su sonido ecléctico al mundo. Este viernes, Cage The Elephant lanza Social Cues, un álbum 100% cautivante desde la primera canción. La pérdida, el fracaso, el desamor, y un tumulto de emociones encontradas fueron el punto de partida y los ritmos catárticos que llevaron a Matt Shultz a componer, uno de los álbumes más imponentes de su carrera, demostrando la madurez musical y artística que la banda ha alcanzado en 11 años de trayectoria.

Todo tiene un concepto, una idea artística inspirada en las experiencias personales, y en la forma en que Shultz observa, y siente al mundo. En el arte del disco observamos al vocalista en un traje de látex rojo, con sombrero vaquero, cubierto del rostro con una máscara y empuñando una rosa. En entrevista para Indie Rocks!, el compositor compartió que el nombre del álbum se debe a que considera que las señales y las expresiones sociales pueden ser engañosas, como el amor mismo.

Para los que creen que el rock no es asunto de la época que vivimos, desde Kentucky regresan seis hombres con la garra necesaria para seguir transgrediendo oídos, y quebrantando normas sociales. En sus manos se esconde un poderoso don para ejecutar instrumentos e interpretar melodías eclécticas que atrapan desde la primera vez que das play al reproductor. “Broken Boy” es el inicio de un álbum de duelo, en el que los pedales de batería alucinantes, así como la nostalgia sesentera del mellotron crean una atmósfera retro que estalla con la enigmática y poderosa voz del hombre detrás de la máscara. Así Shultz, y compañía comienzan a hablarnos de la ruptura interior.

Enseguida resuena “Social Cues” con un descenso en la energía, pero con una mayor carga emocional. La lírica se entrelaza con el sonido de los sintetizadores de forma casi hipnotizante, propiciando un ambiente más luminoso. Por otro lado, uno de los temas más icónicos es “Night Running”, ya que en este, los de Kentucky colaboraron con Beck. Esta canción llega para dar un toque distinto al álbum. Los versos son más dinámicos y las rimas en voz de Shultz y Beck convierten a esta pieza en una obra arriesgada, obligada a tener on repeat por lo cautivante de su invitación. “En un mundo de secretos y demonios, y gente escondiéndose del sol, mandando mi mensaje a todos los que están perdiendo el control”.

“Ready To Let Go” es, sin duda, la composición más dolorosa y liberadora del disco. Junto con el video, dirigido por el propio Shultz, se trata de un viaje a sus adentros: al dolor del alejamiento, el final de una relación, el divorcio, y la decisión de soltar. En el video observamos al cantante en ropa interior en un altar,  llorando sangre. Alternadamente vemos a Cage The Elephant interpretando el tema en blanco y negro, con solemnidad, al tiempo que parejas devoran su carne, y otras más se dejan llevar por la lujuria aún ensangrentados. Y como en la mayoría de los divorcios, después del canibalismo y la destrucción, estando listos para dejarse ir.

La poesía nacida del dolor de un artista es incomparable. Y así llega “Love's The Only Way” una balada que también nos transporta a algún momento del pasado, con su esencia nostálgica, mientras Shultz comparte sus más profundas reflexiones y sueños. “Debe haber un lugar en que el amor es el único camino”.

“Dance Dance” es nuevamente un tributo al pasado en el que la banda nos lleva al pasado para después volver al futuro, con una vibra que nos recuerda a The Black Keys. Minutos después surge la pregunta “¿en qué me estoy convirtiendo?”. En “What I’m Becoming?”, el artista de nuevo se vuelca en un autoanálisis, y una catarsis que finalmente lo lleva a decir adiós. En “Goodbye”, es el piano el que da la entrada al final. “Parece que ayer era un niño”.

“Está bien, adiós, no lloraré. El Señor sabe lo mucho que lo intentamos. Tantas cosas que quisiera decirte. Mi corazón es un cenicero, y he perdido la cordura”. La confusión, el aturdimiento y la derrota finalmente llegan a la mente y al corazón, y como el fénix, de entre las cenizas surge una de las mejores obras que nos ha traído este 2019.

The Marías estrena video para "ABQ"

La horrible sensación de la ansiedad en "ABQ", el nuevo video de The Marías.

Como parte de la promoción de su más reciente extended playSuperclean, Vol. ll, The Marías ha lanzado como siguiente corte promocional el tema "ABQ". En él podemos sentir una atmósfera relajada, que muestra el paralelísmo de su letra, la cuál nos hace reflexionar sobre lo asfixiante y terrible que puede llegar a ser la ansiedad; la cuál sufrió María, su vocalista. A través de guitarras tenues, sintentizadores dulces y la suave voz, crean una sensación de paz y comprensión.

Para acompañar este single, la banda también ha estrenado un audiovisual dirigido por Ian Lipton y la propia María. Se trata de un videoclip completamente cinematográfico y oscuro, el cuál refuerza la idea central de la canción, mostrar lo agobiante que puede llegar a ser este padecimiento. A lo largo del video podemos ver cómo se acercan a nuestra protagonista cuatro mujeres encapuchadas, las cuáles representan al trastorno y, cómo a pesar de que ella parece estar en calma, las sombras no la dejan tranquila.

Checa lo nuevo de The Marías por aquí.

En un comunicado de prensa, María nos cuenta un poco sobre cómo fue la grabación de este track. "Recuerdo que grabé voces y tuve que ir debajo de una manta para que nadie pudiera escucharme o verme. La letra la escribí durante un estado enorme de ansiedad, mientras viajaba en una camioneta en la primera gira de la banda".

Actualmente The Marías se encuentra en un tour para presentar su último material discográfico, con el que estará tocando en gran parte del territorio estadounidense, así como en Vancouver, París y Londres.

"Stadium West", el nuevo videoclip de L7

Tras años de silencio, la agrupación regresa más fuerte que nunca.

L7 es una de las tantas bandas que revolucionaron el rock hecho por chicas, con una actitud y sonido punk crudo. Después de ir y venir, ha anunciado el lanzamiento de Scatter The Rats; su primer material discográfico en casi 20 años.

Después de presentar "Burn Baby", ahora estrena un nuevo sencillo llamado "Stadium West". Se trata de un tema enérgico, que carga con el sello característico de la banda; guitarras distorsionadas y potentes, batería y bajo perfectamente sincronizados, y un coro pegadizo. Una canción que, como su nombre indica, perfectamente podría ser un himno de estadios.

Acompañando este single, ha publicado un audiovisual dirigido por Rob Sheridan. En él vemos a las cuatro integrantes deambular por las calles de Los Ángeles, California, posando y reafirmando esa imagen frenética que siempre han mostrado. Un visual veloz, con un toque de psicodelia y rock duro de principio a fin.

No esperes más y mira lo nuevo de L7 a continuación.

Para promocionar esta placa, la agrupación se embarcará en una gira por los Estados Unidos junto a Le Butcherettes; además formarán parte del festival itinerante Bash Music & Craft Beer Tour, en el que estarán acompañadas por Rancid, Pennywise, Suicidal Tendencies y muchos más.

Scatter The Rats, el nuevo álbum de estudio de L7 estará disponible a partir del 3 de mayo a través del sello discográfico Blackheart Records.

Escucha 'Calor Central', lo nuevo de Los Mundos

A unos días del lanzamiento oficial de su nuevo material, el dúo de rock psicodélico filtró su nuevo álbum vía Bandcamp.

Provenientes de Monterrey, Nuevo León, Los Mundos es la banda que se encarga de poner en alto la escena psicodélica nacional. Luis Ángel Martinez y Alejandro Elizondo son los músicos que se encuentran detrás de este proyecto. Y son quienes hoy nos presentan: Calor Central.

Hace solo unas semanas, pudimos escuchar el primer adelanto de su nuevo álbum con "Subterráneos Mar Jurásico". En poco más de nueve minutos, la dupla dejó en claro que su disco, aunque seguiría con el sonido característico de las guitarras densas y la canciones llenas de fuerza, tendría un toque más experimental.

Con seis sencillos bajo el brazo, Calor Central sería lanzado el próximo 26 de abril. Sin embargo, hoy la dupla nos sorprendió al filtrar el álbum completo a través de Bandcamp. ¡Aquí lo puedes escuchar!

Cada pista de este material discográfico nos adentra a la atmósfera psicodélica de Los Mundos. Pero, específicamente, "Calor Central" nos transporta a un espacio oscuro, y no es casualidad. A través de sus redes sociales los músicos comentaron que las percusiones y baterías para este sencillo, y otros más, fueron grabados dentro de una cueva minera en Hidalgo. Sin embargo, solo el tema homónimo del disco quedó dentro de Calor Central.

Algo nuevo está cocinando Los Mundos, así que disfruta este nuevo álbum y mantente pendiente de próximas sorpresas.

Coma Pony estrena "Volando bajo la lluvia"

La dupla del norte de la república está de vuelta con un tema envolvente y relajado.

Desde hace algunos años, Coma Pony se ha mostrado como uno de los proyectos más ambiciosos en la escena musical independiente de nuestro país, entregando trabajos interesantes y presentándose en festivales internacionales, como el SXSW en Austin, Texas.

Después del estreno de su extended play, Bonito, la banda nos presenta una nueva canción titulada "Volando bajo la lluvia". Se trata de un tema nostálgico, que brilla por contar con capas de guitarras aterciopeladas y una caja de ritmos marcada pero sutil. A lo largo de los tres minutos y medio de duración, nos envuelve por una onda sonora agradable que seguramente te llenará de paz, ideal para esos momentos de introspección personal.

No esperes más y escucha lo nuevo de Coma Pony a continuación.

Sobre esta nueva etapa de la banda y la inspiración para este single, el guitarrista Marco comentó al respecto. "Últimamente estamos asentándonos; yo ya vivo en Torreón, ciudad de la que desconozco la escena, y Chuy sigue en Chihuahua. Por fin yo tuve la oportunidad de sentarme a darle a nuevas ideas y de la fecha en SXSW salió la nueva canción. Empezaremos a tener dos sets, yo solo con drum machine, y full set con Chuy; esto para no dejar que Coma Pony dependa de los dos y que se tenga la posibilidad de tocar en más lugares de México".