Escucha “Totally”, lo nuevo de Inhaler

La nueva producción de la banda irlandesa llegará a la plataformas el 9 de julio.

Previo al estreno de It Won't Aways Be Like This, el cuarteto irlandés presentó un último adelanto promocional titulado "Totally" durante el programa de Zane Lowe en Apple Music. La canción se caracteriza por el uso de caja de ritmos, y aborda la incomunicación, así como el desamor a través de versos tristes que anhelan el entendimiento mutuo entre dos personas.

¡Dale play, aquí!

Inhaler grabó It Won't Aways Be Like This junto con el productor Antony Genn en los estudios Narcissus de Londres. La banda mencionó que se trata de un disco coming-of-age, cuyo eje temático se basa en "perderse y encontrarse de nuevo, tratando de dar sentido al mundo cuando el mundo no tiene mucho sentido".

Al respecto, Robert Keating, bajista de la agrupación, comentó: "Empezamos a escribir esto cuando éramos adolescentes y ahora somos adultos". Por su parte, el vocalista, Eli Hewson, agregó: "Quería que las canciones se sintieran positivas. Porque... no siempre será así".

El álbum sale este 9 de julio en todas las plataformas digitales, así como en formato vinilo y CD, a través del sello Polydor Records. Si deseas pre ordenarlo, dale click al siguiente enlace.

Mientras tanto, te recomendamos escuchar los singles previos: "When It Breaks", "Cheer Up Baby" y "Who's Your Money On? (Plastic House)". Recuerda seguir a la banda en redes sociales.

 

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Ciclo Hipnosis: MEELT + ACTY + Strange Color

De lo orgánico a lo hipnótico: circunvoluciones sonoras del tercer showcase.

Los sonidos proyectados desde la curaduría prismática de Hipnosis se abrían paso una vez más hasta nuestros oídos, sorteando el tiempo gris eléctrico de los últimos días junto al sabor de ansiedad colectiva que nos deja la pandemia llegaba la tercera fecha del ciclo de showcases organizados por el festival, presentando en esta ocasión a MEELT, ACTY y Strange Color en la cartelera del foro Indie Rocks!

La banda conformada por Uriel Mena al bajo y Alejandra Acosta en la batería fue la encargada de dar el kick off inicial en la cara del público; MEELT rompía la atmósfera de stand by con el tronar del primer riff y disparos percutivos que mantendrían presentes a lo largo de toda la presentación. Después de “Último Vagón”, “En Tu Cara / Bicampeón” y “La Noche Quedó Atrás” la línea sonora del concierto empezaba a definirse como un movimiento de loop incesante evolucionando sobre sí mismo.

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“Un slam con sana distancia.” Colocaba Acosta como preámbulo a “Buscapleitos”, haciendo sentir obligada la intensidad corporal cuando el dueto dejó caer “Golpe de Calor” seguida de “Bruce Willis Estaba Muerto”.

“Esta canción es de los Mengers, vamos a ir a quemar Pantitlán”. Soltaba Mena para conectar lo que sería la última ráfaga del set, logrando con “Doctor Psiquiatra” un contraste poco encontrado hasta ese momento. “Permanencia Voluntaria” daba cierre al desenfado punk y sensación de grito ahogado que nos regaló el proyecto, siendo el turno de los hidalguenses para tomar el escenario.

Amparo Carmen Teresa Yolanda inundó desde el primer acorde el aire del recinto en texturas eléctricas y experimentación sonora, hilando casi 18 minutos seguidos de pista tras pista que culminaban en el primer silencio otorgado por los músicos. Las pausas casi enteramente mudas que marcaban el inicio y fin de cada track lograban limpiar el paladar auditivo de los asistentes, enfatizando el contraste entre murmullo humano y el wall of sound en el que se había convertido el show.

Las mesetas de intensidad llegaban con “La Guerra Interior” y “Obsesivos Días Circulares”, traduciendo la naturaleza orgánica del movimiento sensorial en pulsaciones constantes. ACTY nos arrastraba a un trance de shoegaze, noise y el desgarre de la voz de Iván Aguilar entre la instrumentación abrasiva.

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La agrupación terminaba en un guiño a los fanáticos del balompié con “El 10” para cerrar en la violencia del spoken word vía “Los Intraterrenos”, reventando por última vez en la noche los tímpanos del Indie Rocks!

Después del impulso garage y oscilaciones hard ambient de las bandas anteriores llegaba Strange Color para dar la última estocada al ruido de esa noche. Abriendo setlist en un despliegue de psicodelia indie con “Estratagema” el proyecto mexiquense prendía el primer chispazo a la serie de melodías lisérgicas que nos tenían preparadas.

“Estamos al borde, al borde de los tiempos perdidos”, pronunciaba Ricardo Gil, frontman del proyecto.

La atmósfera se moldeada al ritmo de “Lightness”, encontrando su faceta más salvaje prendida al riff de “Fuzzphene”. La potencia en el groove percutivo de Ernesto Figueroa acompañado de las armonizaciones a seis cuerdas de Alex Carbajal lograban resolverse en una caída suave hacia “Three Sundays”.

El tercer show pre Hipnosis terminaba así con un nuevo track compuesto por la banda durante el aislamiento, seguido de “Talismán”, poniendo la cereza de psych sound sobre este triplete de experiencias sonoras.

Pond estrena el sencillo “Toast”

Una reflexión sobre la desigualdad económica y los problemas ambientales.

Pond compartió un adelanto más de 9, su próximo álbum de estudio. La canción se titula "Toast" y llega luego del estreno de "Pink Lunettes" y "America's Cup". En esta ocasión, la banda retoma, a través de la letra, los desafortunados incendios forestales de 2020 en Australia, así como la división de clases en Perth, ciudad natal de la banda.

Sobre la composición, Nick Allbrook, líder de la banda, mencionó en un comunicado: "Los acordes de introducción provienen de una demostración de Joe Ryan titulada misteriosamente 'Toast'. Nunca le pregunté a Joe por qué le dio ese nombre, y probablemente nunca lo haré, pero apuntó hacia la imagen de devoradores de cabeza gorda tocando flautas de burbujas, viendo el Fin de los Días galopar sobre el horizonte".

A menudo me pregunto acerca de esas personas, los acaparadores de dinero, los negadores del cambio climático, los saqueadores de la tierra y los capitalistas de la aventura, ¿son nihilistas o anarquistas o realmente creen que van a ser salvados por algún Jesús de la Ópera Rock?

Puede que nunca lo sepamos, pero aquí está 'Toast', que es de esperar que sea tan suave como la navegación tranquila de nuestros gloriosos líderes gordos y viejos blancos", agregó Nick Allbrook.

Como parte del estreno, Pond publicó el videoclip oficial dirigido por la misma banda y Alex Haygarth. Durante el clip, vemos al quinteto australiano brindar en una particular cena, ubicada en lo que parece ser un cielo azulado y deslumbrante.

Dale play al visual para "Toast", a continuación.

9 saldrá el 1 de octubre vía el sello Spinning Top Records y está conformado por nueve tracks. Si te interesa pre ordenarlo, dale click al siguiente enlace.

PREMIERE: Nick Pagan presenta video para “Hardly Use My Hands”

Una oda multidimensional a los antepasados.

Cuando Nick Pagan (cantante, compositor, psiconauta y narrador de California) describe el sonido de su música como new-wop no es una exageración. De la misma manera en la que un puñado de artistas en Los Ángeles y la costa oeste de los Estados Unidos usan sus raíces latinoamericanas para brindar justicia a sonidos olvidados, él evoca tiempos menos caóticos y más dulces. Su música está llena de color, pero teñida en un serpia especial que la dirige directo a la memoria. Con apenas unos sencillos rondando el internet, se ha convertido en una de las personalidades a las que hay que tener en el radar para los tiempos venideros.

Basta con escuchar su más reciente sencillo para comprenderlo. “Hardly Use My Hands”, tema del que hoy Indie Rocks! estrena video en exclusiva, se escucha como tantas cosas que parece ser sacada de una máquina del tiempo, pero a la vez mira hacia un futuro brillante y prometedor. No solo es la evocación a una época de guitarras y armonías lo que la hace valiosa, sino también una voz con una personalidad especial que pide a gritos ser escuchada.

En palabras de Pagan, el video es “una oda multidimensional a mis antepasados, así como a mi propio viaje para tratar de encontrar mi lugar en el universo, con mis antepasados guiándome, especialmente por el camino de la música” y fue creado “usando videos caseros de los 90 cuando yo nací, metraje actual usando un 90 cámara de video, fotos familiares, collage y animación”. El video fue realizado por Humberto Howard, director creativo de La Santa Cecilia y en la canción participan personajes como Paul Butler (productor), quien ha colaborado con The Bees, Michael Kiwanuka, Nick Waterhouse y Devendra Banhart; Otto Hauser (Devendra Banhart) toca la batería, mientras que Ben Brandrett y Mike Rexhouse se encargan de la guitarra y el bajo, respectivamente.

Sigue a Nick Pagan aquí y compra “Hardly Use My Hands” aquí.

Little Dragon anuncia su EP de remixes 'New Me, Same Us'

Beats cristalinos para alegrar la noche.

El año pasado Little Dragon liberó New Me, Same Us (2020), su más reciente álbum de estudio; una fantasía en claroscuro envuelta por fugaces sintonías de electrónica. Posterior a su lanzamiento la banda compartió un remix para "Water" con la colaboración de FKJ y "The Other Lover" junto a Moses Sumney. Estos singles formarán parte de un EP de remixes que la agrupación lanzará bajo el mismo nombre de New Me, Same Us Remix el próximo 6 de agosto a través de Ninja Tune. Ya puedes pre-ordenar el tuyo aquí.

Para este proyecto Yukimi Nagano y compañía convocaron a músicos amigos como Lil Silva, Midland, Poté y Ela Minus, por mencionar algunos, para que interpretaran los grandes éxitos de esta producción que llegó en el mero auge de la pandemia. La selección de temas se vio inclinada sobre todo por "Rush" y "Hold On", de hecho una versión por parte de la compositora colombiana ya se encuentra disponible para su escucha. Disfruta a continuación de una versión cristalina de este track:

Little-Dragon New Me, Same Us Remix

Tracklist de New Me, Same Us:

01. "Hold On" (Ela Minus Remix)
02. "Rush" (Lil Silva Remix)
03. "Another Lover" (Octo Octa’s River Flow Mix)
04. "Hold On" (Georgia Anne Muldrow Remix)
05. "Rush" (Midland Remix)
06. "Hold On" (Andrés Remix)
07. "The Other Lover" (Little Dragon Vocal Celebration Mix) [ft. Moses Sumney]
08. "Water" (FKJ Remix)
09. "Hold On" (Poté Remix)

Yaf Swamy, glitch y cortos circuitos para no dejar de bailar

El sonido de una máquina cuando encuentra su propia felicidad.

¿Quién dijo que no había hyper pop en Latinoamérica? Este estilo de música electrónica, donde la plasticidad y la tecnología sobresalen más que la música en sí, ha ganado popularidad en algunos públicos especializados de países angloparlantes. Pero, de este lado del mundo, también comenzamos a conocer propuestas que recuperan esta tradición donde el exceso de adornos y la primacía de las computadoras son parte del discurso. El trío Yaf Swamy, de Ciudad de México, es ejemplo de ello.

Yaf Swamy comenzó en 2019 cuando Máximo Campo y Santiago Cueto decidieron unirse para explorar sus intereses de música experimental y técnicas menos ortodoxas de producción, quienes se complementaron con la posterior llegada de Jaycie Litteral. Así, el nuevo trío se armó de computadoras, sintetizadores, bajos, teclados MIDI y comenzó a explotar sus más arriesgadas ideas en una casa de la colonia Santa María la Ribera, Ciudad de México.

“Turning Wheels”, el primer sencillo de Yaf Swamy, apenas fue la puerta de entrada para su primer EP titulado Yerbo Flashbacks (2020). En éste quedó marcado su estilo de sintetizadores saturados, voces cargadas de efectos, glitch, beats microscópicos y un montón de recursos que exhalan influencia del hyper pop y estilos más experimentales de la electrónica.

Ahora, para continuar la explotación de los recursos tecnológicos, Yaf Swamy estrenó dos sencillos que bien podrían leerse como dos caras de una misma moneda. El primero es “2020” (2021), una profecía realizada desde un pasado imaginario sobre cómo sonaría la década que corre actualmente. Escúchala aquí.

Seguido, Yaf Swamy estrenó “Nueces” (2021), una canción que mira al trío debutar en el idioma español y acercarse a una visión más ortodoxa de la balada folk, sin perder su impredecible estilo. La letra continúa el desencanto sobre el caos que han sido estos últimos años marcados por la pandemia: “nueces caen, ya no hay; otro año todo extraño”. Dale play a continuación.

Yaf Swamy puede ser un gran referente en el electro pop experimental mexicano. Así que no le pierdas la pista a este trío en Facebook, Instagram, Spotify y Bandcamp.

Entrevista con José González

Valle humanístico.

¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos y a dónde vamos? José González se ha convertido en uno de los máximos exponentes en ceder luz a estas inquietudes antropológicas a través de la música, pero desde un ángulo más optimista y hasta mágico. Desde su primer disco, Veneer, hasta el álbum más reciente, Vestiges & Claws, González ha empleado alegorías lacónicas con acordes y arreglos igual de austeros para crear un estilo que es a la vez único, pero que igual hace reverencia puntual a sus ídolos Silvio Rodríguez y Nick Drake.

Su cuarto disco como solista, Local Valley, es otra tesis más en una rica discografía llena de humanidad, pero con unos ligeros cambios en su patentada fórmula para enfatizar la evolución. Con motivo de su salida, Indie Rocks! tuvo una plática virtual con González para que nos contara más de este nuevo lanzamiento.

Actualmente estoy en Gotemburgo, Suecia. Es la ciudad donde siempre he vivido y hasta cierto punto ha influido en mi proceso creativo, pero la música que he escuchado es de todo el mundo. Artistas como Silvio, Mercedes Sosa, João Gilberto y sobre todo gente de EE.UU. y Canadá, de donde he tomado más influencias para definir mi estilo. Retomando la noción de Gotemburgo, es una de las ciudades más lluviosas de Europa y muchos me han comentado que eso lo escuchan en mi música, entonces de alguna manera supongo que se ha canalizado la tempestad de mis alrededores con el estilo de mis influencias,” detalló González.

Jose-Gonzalez_2021

Local Valley viene después de seis años de relativo silencio. En tiempos recientes, el músico sacó un disco en vivo con el ensamble orquestal The String Theory, con quienes hizo nuevos arreglos de sus temas más conocidos para una gira en Europa. También tuvo una hija con su pareja sentimental de hace tiempo, la diseñadora Hannele Fernström. Todos estos factores contribuyeron tanto a la gestación lenta del material como a su inspiración y composición.

Yo siempre he sido más lento. Tardé un poco más de lo usual, que son 3 años entre discos. Además de sacar el disco en vivo y del nacimiento de mi hija, la cosa es que no encontraba el tiempo para escribir. Soy de esas personas que necesita más meses para tomar vuelo, y a veces lo que sale no es suficientemente bueno para mí. Tomó su tiempo pero acá estamos y, además, estoy más contento que nunca,” reveló felizmente González.

Además de una renovada inspiración lírica para la composición del disco, González tomó algunos riesgos y experimentó con sonidos y texturas no exploradas anteriormente en el estudio. Tomó un poco de los arreglos más elaborados en sus presentaciones en vivo más recientes e incluyó secciones con instrumentos que antes no figuraban en su arsenal, para dar una idea mayor de su identidad musical actual.

Cuando empecé a escribir el disco, quería tener canciones clásicas de mi estilo, que consiste en solo guitarra y canto. Hace años empecé a experimentar con cajas de ritmos y sintetizadores. Esta vez los usé en el disco y fue una cuestión más de preguntarme, ‘¿por qué no?’ en vez de pensar que me estaba saboteando o intentando algo que no iba conmigo. 

Además, la mayor inspiración para mí fue mi hija, que me presentó a la posibilidad de un mundo sin reglas. Al final, Local Valley es una mezcla de las canciones clásicas y algunas más experimentales y bailables. El disco presenta una imagen más completa de quién soy yo en este momento. Un balance entre lo más serio y lo más juguetón,” afirmó González.

Entre los cambios más notorios está “El Invento”, el primer sencillo del disco compuesto e interpretado completamente en español —la primera vez en su discografía—. Aunque siguen presentes los elementos ya característicos de un tema de su autoría —elementos surreales, naturalismo, armonías, arpegios de guitarra acústica elocuentes y magistrales— el hecho de ser compuesta en el idioma de su familia le da un toque más romántico e inusual.

El Invento’ es algo que ya había probado anteriormente en mi composición, pero no había salido como tema final para un material de estudio. Anteriormente no me nacía componer en ese idioma, y de joven no me llamaba la atención comunicarme en español. En inglés era mucho más fácil para mí expresar mis ideas y deseos. Era más rápido si lo hacía en inglés, pero ahora probé con el español no solamente como reto personal, sino también es la encapsulación de un momento en el que empecé a pensar quién soy y quién quiero ser. Decidí que no quiero ser el que solo canta en inglés.

González siempre ha manejado una paleta de estilo sobria y mesurada. Desde los sonidos mismos hasta el arte en sus portadas de discos, uno podría pensar que ya existe un estilo predeterminado. De lo poco que hemos escuchado de Local Valley, González ha vuelto con más colores para pintar y emociones por compartir. Otro de estos ejemplos es el segundo sencillo, "Visions", un paisaje onírico lleno de adornos existenciales en donde los sintetizadores y cantos de pájaros cobijan a González y a su guitarra.

Visions’ empezó siendo compuesta con una serie de acordes que para mí sonaban como a elefantes marchando lento, pero que han vivido muchos años.

Empecé a escribir la letra pensando en una de las canciones de Vestiges & Claws, “Every Age”. En ambas me puse a escribir sobre lo ser humano y hacia lo ser humano. Es vernos desde arriba en este planeta, en un espacio enorme y frío. La canción habla de cómo creamos herramientas para combatir problemas de la naturaleza, pero también cómo lidiamos con sus desafíos, como el cambio climático, la inteligencia artificial o los virus sintéticos. Necesitamos tener visiones juntas y no separadas para ayudarnos como especie,” comentó González.

Mabe Fratti — Será Que Ahora Podremos Entendernos

Violonchelo, sintetizadores, naturaleza con paisajes sonoros y más en lo nuevo de Mabe Fratti.

Desde Guatemala, la violonchelista y compositora, Mabe Fratti, regresa para presentarnos su más reciente producción titulada Será Que Ahora Podremos Entendernos, una colección de fascinantes temas ambientales y new age.

En el proyecto están presentes su violonchelo, sintetizadores y micrófonos de campo, con su voz apareciendo con regularidad. Fratti grabó los sonidos de los pájaros dando vueltas en los cielos, insectos parloteando durante la noche y sonidos de la naturaleza que se encuentran dispersos por todas partes, destacando su amor por el mundo natural e invitando al oyente a enamorarse de lo mismo. La creación de paisajes sonoros de textura ambiental son uno de los factores que más destacan en la producción.

La canción que abre el disco es “Nadie Sabe”, con el suave falsete de Mabe en conjunto con el violonchelo, pájaros silbantes y una melodía de sintetizador interpuesta. La letra del tema que sigue “Mil Formas De Decirlo”, trae consigo frases minimalistas que apunta a la siguiente pista “Hacia El Vacío”. La duda, la incertidumbre, las preguntas de la vocalista y sus intentos de conectarse y comunicarse con alguien destacan en “En Medio”.

Con nueve canciones en su haber, se puede dividir así: a mitad del álbum está “Inicio Vínculo Final”, como una epopeya con mucha distorsión que te saca del mundo sereno y tranquilo de las pistas anteriores, “Aire” con las mismas intenciones, de aspectos inquietante; la parte final del álbum te adentra en un ambiente más abierto con la reverencia rasposa de “Cuerpo De Agua”, “Que Me Hace Saber Esto” y “Un Día Cualquiera”.

Se puede decir que Mabe Fratti está en su faceta más experimental, con cada canción explorando ambientes nuevos, cargadas de sintetizadores, sonidos naturales bien medidos y descifrados en el disco. Es una exploración de comunicación masiva, no solo con los demás y las relaciones interpersonales, sino también con nosotros mismos. Por algo Fratti es una figura reconocida en la escena underground, con sus paisajes sonoros de etéros ambientales te llevará por introspectivas formas de pensar y ver la vida.

A 5 años del 'The Bride' de Bat For Lashes

El matrimonio que nunca fue y los cantos funebres para volver a la vida; The Bride, el asombroso álbum conceptual de Bat For Lashes cumple cinco años.

Son bastante emotivos los escenarios sonoros que puede llegar a presentar Natasha Khan y Bat For Lashes en cada una de sus entregas discográficas. Parece que nunca hay momentos donde se pierda la teatralidad y la cinematografía, es así que cada canción te lleva a una dimensión bastante concreta, algo lindo de disfrutar de inicio a fin como si se tratara de un libro, una película o una obra de teatro. Hace cinco años fue lanzado The Bride, un disco lleno de dolor, catarsis y aceptación.

El primer día de julio de 2016 fue lanzado The Bride a través de Parlophone Records. Esta obra significó un enorme trabajo de reinvención para Khan, ya que tardó cerca de dos años en escribir la historia que narra el disco aunque primordialmente fue creada para un cortometraje llamado I Do, que salió a la luz en el mismo año.

La grabación de esta obra significó un nuevo reto para la agrupación, ya que la lideresa alquiló una casa en la cima de la Montaña Ohío, que se ubica en Woodstock, Nueva York. Este lugar fue adaptado como un estudio y ahí se desarrolló el trabajo de cada una de las canciones, posteriormente se continuaron añadiendo detalles en estudios de Los Angeles, Brighton y Londres. Es una obra autoproducida por Natasha, aunque contó con la colaboración de muchos conocidos como Dan Carey, Ben Christophers, Simone Felice y David Baron, así como Jacknife Lee y Matt "Aqualum" Hales.

 

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El viaje de la tragedia y el encuentro con los nuevos inicios.

The Bride cuenta la dramática historia de una mujer que pierde a su prometido, quien murió mientras iba rumbo a la iglesia. Todo lo que puede significar el matrimonio culturalmente al rededor del mundo así como el amor romántico se ven sesgados por la tragedia, un golpe brutal en el momento tal vez más irónico. ¿Cómo podríamos reaccionar?, si tenemos esta premisa de entrada no nos queda más que presenciar lo que hará la protagonista.

"I Do" se encarga de abrir el álbum, es una pieza donde se acompaña la dulce voz de Natasha con un instrumento de cuerdas que simula un arpa. Ahí se narra la expectativa de la protagonista sobre el matrimonio, un nuevo comienzo, un momento donde desaparecerá todo lo malo. Desde que aparecen las guitarras del segundo track, "Joe's Dream" se percibe el ambiente triste. La novia narra que su pareja de nombre Joe había tenido una premonición hace tiempo, una donde era llamado por dios, esto lo piensa mientras ocurre la previa a su ceremonia de matrimonio.

"In God's House", donde se iba a consumar su amor por la eternidad resalta un ambiente tenso, ella se da cuenta que no llegará. Hay incertidumbre y preocupación hasta que la tragedia es visible en forma de fuego, con niebla y sintetizadores brutales así como el arpa de "I Do", solo que ahora suena desoladora. "¿Dónde estará mi chico? ¿Por qué me mentiría y me dejaría en esta iglesia llorando?". El sonido de un accidente automovilístico da inicio a "Honeymooning Alone", donde la tragedia ya ha ocurrido, y entre llantos y momentos de pánico la novia decide tomar un auto y emprender el viaje de lo que sería la luna de miel, pero sin miel, solo una luz opaca en el cielo y la ausencia de Joe.

Se suponía que iba a morir, pero siento que hicieron un contrato espiritual, donde él hizo una hoja de ruta para ella de esta luna de miel en la que se suponía que iban a continuar, pero sabía que nunca lo haría. Es casi el viaje perfecto que él conoce como alma que ella necesita para convertirse en una mujer de pleno derecho y encontrar la felicidad", expresó Khan respecto a este movimiento en The Bride.

Para "Sunday Love" cambia la perspectiva de la narración, ahora podemos ver en tercera persona a la novia, así como su soledad y traumatismo tras lo ocurrido. Aunque sea una canción que desde su ritmo alude al drama y a la tensión, es el inicio de un viaje tal vez necesario, que rompe con la quietud de las personas vulnerables y nos muestra el lado humano de la desesperación. "Never Forgive The Angels" es parte de esa sensación de enojo, esa pregunta "¿Por qué a mí?" que a nadie le gusta hacerse y la frustración de perder a ese ser amado tan pronto. Aunque luego viene el consuelo con la poética "Close Encounters", donde ella le jura que jamás lo olvidará ni dejará de amar aquellos buenos momentos junto a él.

Bat For Lashes_2016

Ese viaje que emprende la novia se llena de etapas de duelo, mismas que nos ayudan a interiorizar y empatizar con lo que puede implicar algo tan complejo de comprender. La boda es lo menos importante, el amor que le tenía a Joe estaba en otro plano más cercano a la espiritualidad, por lo que podemos ser testigos de sus sentimientos y deseos a lo largo de la segunda mitad del álbum. El miedo al futuro en "Widow's Peak", la necesidad de liberar toda la carga sentimental en "Land's End" y finalmente el agradecimiento en "If I Knew" probablemente el climax de esta obra. Todo lo aprendido desde aquel doloroso día hasta un camino que costó lagrimas pero consiguió amor propio es fundamental para entender y agradecer que Joe siempre estuvo presente, tal vez lo último que pudo hacer por ella fue regalarle esa aventura.

"I Will Love Again" significa el regreso a casa tras aprender la lección, tras amarse un poco más a sí misma. Es una apertura a los nuevos amores, pero sobre todo a la vida, que aunque pueda ser ingrata continua y tiene su lado hermoso, mismo que agradece en "In Your Bed", donde se recuerdan los buenos momentos con Joe. "Clouds" es un cierre donde la lluvia sirve para terminar de limpiar un alma que se rompió y resurgió gracias a una tragedia y un nuevo comienzo.

Una historia universal y ambiciosa.

The Bride es sencilla de entender e interiorizar debido a que la mayoría de las personas tenemos una idea sobre lo que es el matrimonio. Un día bello que para algunos es el mejor de sus vidas, solo que ahora es un punto de partida donde una mujer logra encontrarse a si misma y es capaz de subsistir ante un desafortunado evento. La evolución de la novia le hace dejar de creer que el matrimonio le salvará de los problemas, tal como pensaba en el primer track, y ahora se sabe fuerte.

Bat For Lashes_

Destacar la ambición que surge dentro de la instrumentación que presenta Bat For Lashes. Las canciones suelen ser minimalistas y no requieren a veces más que un piano, una guitarra suave, sintetizadores de fondo o alguna pequeña base que sirvan a la poderosa voz de Natsha Khan, que es núcleo de toda la obra y sin su performance lleno de melancolía y emotividad este álbum habría sido una obra literaria con música de fondo.

The Bride es probablemente el álbum más ambicioso y arriesgado de Bat For Lashes. Los sonidos pop y la música para moverse en la pista de baile fueron sustituidas por paisajes sonoros altamente estilizados, de ellos es casi imposible no pensar en alguna película o una obra de teatro. Además la agrupación presentó una gira que exclusivamente tenía lugar en distintas iglesias, de hecho se le pedía a los asistentes llevar ropa formal para vivir ese momento en uno de los escenarios donde la novia pasó.

Te invitamos a redescubrir The Bride a cinco años de su lanzamiento.

Kekko, un desprendimiento espiritual de dreamgaze

Escucha Dreaming Life, el EP debut de Kekko.

La vida cotidiana nos mantiene sumergidos en una burbuja donde el alejamiento espiritual es moneda de cambio, el mundo de las ideas avanza a mil kilómetros por hora dejándonos caer sobre la estela que deja detrás, es ahí donde las expresiones genuinas de una filosofía a la que aferrarnos cobra importancia y se nos presenta ya no como sujeto de estudio, sino como herramienta para llevar el día a día. La dulzura reverberante de una sensación espiritual nos rodea, Kekko nos rodea.

Kekko (01)

El proyecto con base en Singapur es formado por el matrimonio de Tim y Cherie Kekko, quienes ya habían tenido incursiones en el mundo musical. Tim como fundador y promotor del festival Symmetry Entertainment y Cherie como integrante de TOMGIRL y Bored Spies, siempre coqueteando con ese estilo difuso en la línea del shoegaze y dreampop que ha logrado explotar en el material del dúo.

Lanzando “Within You” y “Past Lives” como sencillos previos a su EP debut, el dueto nos regalaba un abanico de melodías dulces que posaban delicadamente sobre los soundscapes sugeridos en las capas de sintetizador e instrumentación orgánica presentes en cada composición.

Cada integrante conforma una parte fundamental del sonido de Kekko, logrando una simbiosis sonora entre las aptitudes multinstrumentales de uno con la fuerte carga lírica presente en la voz de la otra. Esta comunión encuentra un punto alto en Dreaming Life, primer material del proyecto lanzado a inicios de junio vía Spirit Goth Records. El lanzamiento nos lleva de un dream pop sobrio hasta la eléctrica suavidad de un shoegaze casi religioso, recordándonos a bandas como Pond, Slowdive, Crumb o Melody’s Echo Chamber.

 

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Kekko termina de introducirnos a esta experiencia extracorporal con letras sobre nihilismo oriental, reminiscencias de ideas budistas y el recordarnos que la vida es solo un mar de momentos fluyendo a través de nosotros, una experiencia continua que vale la pena contemplar.

Acá el tracklist de Dreaming Life, ya disponible en plataformas.

Kekko - Dreaming Life (Cover)

  1. “Dreaming Life”
  2. “Within You”
  3. “Timelessness”
  4. “Past Lives”