Dan Auerbach debuta como director en documental para Dr. John

De guitarrista, compositor y productor, a director de cine.

El frontman de The Black Keys, Dan Auerbach, realizará su debut como encargado de dirigir un documental sobre el músico pionero y oriundo de Nuevo Orleans, Dr. John, a través de RadicalMedia, y aún sin fecha de lanzamiento. 

El documental tocará diversos aspectos de Malcolm John Rebennack Jr. en una forma nunca antes vista, todo desde un enfoque biográfico que “proporcione una lente a la historia de su vida”, como ser humano y artista.

 Desde su misterioso personaje de teatro vudú, Dr. John, hasta su verdadero y humilde yo Mac Rebennack: el poeta callejero, el padre de familia, el adicto, el ganador del premio Grammy y todo lo que hay de por medio. Este documental le presentará al mundo en una forma en que no lo han visto antes”, describe Auerbach

Previamente, Quine Auerbach trabajó en la penúltima producción del mítico representante de blues y boogie-woogie, Locked Down (2012), lo que llevó a ganar el Grammy por Mejor Álbum de Blues, y a Auerbach como mejor productor. De esta manera el miembro de The Black Keys logró una aproximación más certera para dirigir el corto, a dos años del fallecimiento de este estandarte musical. 

Escucha algo de Dr. John y conoce más de su trabajo: 

No te despegues de Indie Rocks! para conocer más detalles de este documental.

Se estrenará documental de Jim Morrison

El filme mostrará otros atributos no conocidos del artista, más allá de su legado con The Doors.

Todo el mundo habla de las grandes leyendas del rock, pero pocos conocen la verdadera identidad detrás del personaje. Jim Morrison será la materia principal para un nuevo documental que detalla parte de su carrera multidisciplinaria como letrista, poeta y cineasta, con contenido nunca antes visto.

Esta producción, aún sin nombre y con posible fecha de lanzamiento entre 2022 y 2023 estará a cargo de Jampol Artist Management (JAM Inc.), bajo la producción de Gunpowder & Sky, y Jeff Pollack de FourScore Entertainment.

Este compendio audiovisual se enfocará en el cantante como un individuo independiente a su trabajo con The Doors, lo que no deja de posicionarlo como el mítico rockstar, pero trata de enfocar la atención en otros aspectos poco conocidos, celebrados o discutidos. Esto gracias a la aprobación de un acervo que fue aprobado para su acceso con material musical, poético y artístico nunca antes visto. 

Jim Morrison ha sido conocido como la estrella del rock dionisíaco vestido con pantalones de cuero, el guapo dios griego, increíble cantante, chamán e intérprete. Pero Jim era un erudito. Jim era poeta, escritor y cineasta mucho antes de que pensara en la música”, declaró para Billboard Jeff Jampol, director ejecutivo de JAM Inc.

El documental aún no cuenta con un director, sin embargo los productores aún buscan a “alguien que comprenda la importancia, profundidad y gravedad de Morrison”. 

Mantente al pendiente de Indie Rocks! para conocer más de este documental.

Escucha “Cosmic Empire”, canción inédita de George Harrison

Los seguidores del ex Beatle escucharán una canción que no alcanzó a formar parte de su tercer álbum.

Desde hace medio siglo, la música de George Harrison y The Beatles ha llevado a sus fanáticos a un viaje por el “imperio cósmico”. Por ello, la familia Harrison ha liberado otro avance de la remasterización del clásico álbum All Things Must Pass (1970) del ex Beatle. Se trata de la canción “Cosmic Empire”, misma que encantará a los seguidores del cuarteto de Liverpool y su sonido psicodélico.

“Cosmic Empire” es una balada acústica con tintes de folk cuya letra versa sobre el escape hacia aquel mundo soñado de luces y colores. El video animado, realizado por Lucy Dawkins y Tom Readdy, complementa esta idea con imágenes de flores, mandalas, planetas y símbolos de Om. Dale play a continuación.

Esta canción fue una de las tantas que George Harrison presentó a su productor Phil Spector durante las sesiones de grabación para All Things Must Pass, ocurridas en mayo de 1970. Sin embargo, el tema no convenció al productor y no logró hacerse un lugar en el corte final del álbum.

Ahora, “Cosmic Empire” formará parte del cuarto disco del box set que reunirá demos, jams, versiones inéditas y remasterizaciones del álbum All Things Must Pass, el cual cumplió 50 años en 2020. Esta reedición verá la luz el próximo 6 de agosto a través de Capitol / UMe y puedes apartarla en este enlace.

Hard Feelings anuncia álbum y comparte “Dangerous”

El dúo neoyorkino presenta un material inspirado en música dance y house.

A principios de mayo, Hard Feelings, el proyecto conformado por Joe Goddard de Hot Chip y la bailarina Amy Douglas, publicó la canción "Holding On Too Long".

Ambos artistas anunciaron que su primera producción se llama Dangerous y saldrá a la venta el 5 de noviembre vía Domino Records; puedes pre ordenarlo, aquí. Sobre el disco, Amy Douglas comentó en un comunicado: "Dangerous se llama acertadamente; escurridizo, sexy y empapado en la bondad del hip-hop".

Descrito como "una ópera de éxitos tristes", el álbum incluirá ocho tracks, entre ellos una canción homónima que ya cuenta con un videoclip oficial dirigido por Katie Paul.

Dale play, a continuación.

De todas las pistas de este LP, esta es una en la que Joe y yo trabajamos al revés, normalmente, nuestro modo de empleo es que yo escribo la melodía y la letra de sus increíbles producciones.

Aquí hay una vieja canción mía resucitada, que incorporé a la mezcla, y la increíble producción de bajo pesado y desagradable de Joe hace que toda la canción sea nueva. También nos mostró a Joe y a mí que realmente no hay absolutamente ningún método por el cual no podamos, aparente y rápidamente, llegar a estos bangers. ¡Escribimos por telepatía!", agrega Douglas

Si aún no escuchas "Holding On Too Long", el primer adelanto de Dangerous, dale click al siguiente enlace. Recuerda seguir a Hard Feelings en redes sociales, mientras tanto, te compartimos la portada y lista de canciones completa.

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Tracklist: 

01. "Love Scenes"
02. "Dangerous"
03. "Running Out Of Time"
04. "You Always Know"
05. "Take You Down"
06. "About Us"
07. "Holding On Too Long"
08. "Sister Infinity"

BNDRA colabora con Leiden para “Cenizas y Jardín”

La dupla une fuerzas con la cantautora cubana-mexicana en un tema que celebra la vida.

BNDRA, el dúo de hip hop folclórico conformado por Cris Irezabal y Rubén Camacho está de estreno con un nuevo sencillo titulado "Cenizas y Jardín", un tema que realizaron en colaboración con la talentosa cantautora cubana-mexicana Leiden.

'Cenizas y Jardín' es una celebración de la vida entendiéndola desde la muerte. Es dejarnos ir a través de nuestra música para regalarles lo que somos. Una mezcla de sonidos y emociones que abrazan el alma", explica BNDRA en su Instagram.

El sencillo es el primer lanzamiento de BNDRA desde su tema "Caramba", publicado a finales del 2020, mientras que Leiden ha compartido "Nunca Amor" y su EP "Nítida" en los últimos meses, así como el remix de "Olvídame" de Makenna y Cocó Cecé en el mes de mayo.

Sin más preámbulos aquí te dejamos "Cenizas y Jardín" de BNDRA y Leiden ¡dale play!

Ya puedes encontrar "Cenizas y Jardín" en todas las plataformas digitales haciendo click aquí.

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Iggy Pop narrará el documental sobre el Rey Tutankamón

Adéntrate en la fascinante historia del niño que se convirtió en Rey.

Iggy Pop ha sido elegido para narrar el documental Tutankhamun: The Last Exhibition. La película cuenta la historia del descubrimiento de la tumba del rey egipcio en 1922, así como la preparación de la exhibición conformada por 150 de sus tesoros, hecha en 2019 en Los Ángeles, California. Al respecto, la productora Rosella Gioffré mencionó para la revista Variety: "Estábamos buscando a alguien que pudiera darle un atractivo diferente a la narración de la película. Pensamos en Pop y él aceptó".

El filme, dirigido por Ernesto Pagano, muestra fotografías de los aproximadamente 5400 objetos del Rey Tut, hechas por Sandro Vannini, quien también se desempeña como productor. Sobre la participación de Iggy, el fotógrafo comentó para Variety: "Cuando escuchamos su voz por primera vez, dijimos 'esta es la voz. Esto es lo que necesitamos para esta película'. La voz de Iggy Pop es simplemente increíble. Cuando leyó la historia lo que iba a narrar, inmediatamente tuvo ganas de trabajar con nosotros".

Sandro Vannini también aparece en el documental, cuya producción se llevó a cabo en Italia gracias a Laboratorio Rosso y Nexo Digital. Cabe mencionar que la versión italiana cuenta con la voz de Manuel Agnelli.

Si deseas ver el tráiler de Tutankhamun: The Last Exhibition, dale click al póster de acá abajo.

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Foo Fighters estrena video de “You Should Be Dancing”

A tan sólo unos días del estreno de su álbum tributo a los Bee Gees, la banda de Seattle libera un nuevo video que te transportará a una discoteca de los años 70.

Los Dee Gees, el alter ego disco de Foo Fighters, vuelven con el nuevo video de "You Should Be Dancing", un cover del clásico de los Bee Gees que ya había sido interpretado por la banda de Seattle en febrero de este año para BBC Radio 2  y durante su show en el Madison Square Garden el mes pasado.

El video, de estética setentera, nos transporta a una discoteca en donde se puede ver a Dave Grohl y sus compañeros de banda interpretando la pista entre luces neón ¡míralo a continuación!

Hablando sobre por qué eligieron interpretar "You Should Be Dancing" para BBC Radio 2, Grohl explicó: 

“Alguien dijo: 'Oye, ¿has visto ese documental de Bee Gees?' Y yo era como la última persona en la tierra. - ¡la única persona que no lo había visto!- Entonces yo estaba como, '¿Por qué no hacemos una canción de Bee Gees?' Y alguien dijo, 'Está bien ... ¡¿Cómo quieres hacerlo?!' Y yo dije: 'Bueno, hagámoslo como los Bee Gees.' Empezamos a grabar la pista instrumental, y luego pensé: 'Está bien, voy a salir y cantarla ...' y déjame decirte: nunca, nunca en mi vida, había cantado así, pero fue ¡la canción más fácil que he cantado en toda mi vida! "

Hail Satin, el debut de los Dee Gees estará disponible a partir del viernes 17 de julio, en el marco del Record Store Day

No olvides seguir atento a Indie Rocks! para más novedades.

DJ Harvey en la Ciudad de México

Clase magistral de house.

Mientras la vacunación avanza progresivamente, la vida nocturna se reactiva de a poco. Durante las primeras horas del domingo, la Ciudad de México acogió la visita de uno de los DJs de culto en activo más importantes en la escena house internacional: DJ Harvey

Las alteraciones climatológicas derivadas del calentamiento global son cada vez más evidentes. Durante semanas hemos vivido un verano atípico, marcado por torrenciales lluvias; el sábado no fue la excepción. Lo anterior sumado al período vacacional, las medidas impuestas por el semáforo amarillo y la expectativa mediática por el fin de semana futbolero, hicieron que las calles de la megalópolis lucieran vacías. 

En punto de la media noche comenzó el acto abridor. Eric Duncan le dio play a un tema de electrónica instrumental desde una locación secreta en Av. Insurgentes. De entre las calles adyacentes comenzaron a chispear pequeños grupos de amigos. Ríos que desembocan en el mar. La revisión de rutina más las medidas sanitarias a las que nos hemos acostumbrado para ingresar en un lugar público. 

La emoción contenida y la expectativa eran evidentes. En cuestión de minutos el recinto alcanzó su aforo permitido. Con una primera hora de música tipo lounge, Duncan fue acomodando a las personas como legos en la pista de baile. Rayando la 1:15 H comenzó a meterle un poco de más de percusiones; a la 1:30 H ya estábamos en algo más funk y, para la 1:45 H las bocinas comenzaron a tronar disco. Rayos láser por encima de la gente. La mesa estaba servida para el plato fuerte. 

A las 2:00 H, DJ Harvey se apoderó de las tornamesas y sobre el tema que estaba corriendo montó una sesión instrumental de mucho saxofón y e instrumentos de viento. Por casi una hora fue pintando diversos paisajes jazz con el pincel de la progresión tipo orquesta.  

Para la comunidad amante de la música electrónica, Harvey es un referente obligado. Al margen de lo que actualmente representan Diplo, Skrillex o Martin Garrix, la revista Rolling Stone (sin ser un medio especializado) lo catalogó como uno de los 25 DJs que “dominan el mundo”. Lo cual habla más de su trascendencia cultural que de su exposición mediática. Es escuela de muchos de los artistas que encabezan carteles en festivales del género.  

Con una experiencia de más de dos décadas, llegó a la CDMX con su característico estilo tipo detective de Miami Vice para poner a bailar a un público que, en su mayoría, no estaba en los planes de sus padres cuando él comenzó a pinchar vinilos. Hacía las 3:30 H su set estaba transitando de lo etéreo a algo más estilo funky town

Legendario por sus largas sesiones que se extienden por horas y horas, transformó la pista de baile en una maquina del tiempo que recorrió múltiples épocas a través de diversos géneros. Todo sin caer en cliché de los hits de radio y sin desangrar la vena del disco.

A las 4:30 el lugar en su configuración tipo antro reventó en jubilo. Todo mundo bailaba sin parar. DJ Harvey posee tal sensibilidad para leer la pista que, el desarrollo de su set se va construyendo conforme percibe la vibra de la gente. Así pues, el resto de su sesión transitó por diversos escenarios en los que se fueron incorporando de forma orgánica, vocales de euro disco, sonidos tribales, dance y, hasta secuencias "bloondiescas".

En México, DJ Harvey ha sido parte del cartel de Trópico, Mutek e incluso hasta de un Corona Capital. Esta vez, las condiciones globales solo permiten un aforo limitado, pero igual se entrega con la misma vitalidad de alguien que sabe que la música es oxígeno. Su participación estaba pensada para durar tres horas y terminar a las 5:00 H, sin embargo pasadas las 6:30 seguía con el mismo entusiasmo del principio. Nosotros tuvimos que retirarnos para volver a la rutina semanal, pero la fiesta continuaba. Si alguna vez tienen la oportunidad de cacharlo en vivo, se los recomendamos ampliamente; solo consideren que no es un acto de hits musicales y que sus sesiones son largas.

Antiguo Autómata Mexicano — 20+ Piano Improvisations

La música al servicio de la tecnología.

A mediados del siglo pasado, Marshall McLuhan sentó las bases del estudio de los fenómenos de comunicación masiva con su conocido axioma: “el medio es el mensaje”. A través de éste, advertía que el contenido de un medio es menos importante que la tecnología por sí misma, la cual altera la forma en la que nos relacionamos con el entorno. Más de cincuenta años después, esta teoría ha alcanzado al mundo del arte con proyectos como Antiguo Autómata Mexicano, quien disuelve las barreras entre ciencia y sensibilidad humana en el álbum 20+ Piano Improvisations, su esperado regreso tras más de un lustro.

El regiomontano Ángel Sánchez Borges, filósofo, periodista de rock y músico, es un artista que no conoce límites ni con las tecnologías de producción ni con la música enfrentada a sí misma. Proyectos de los 90 e inicios de siglo como Alambrista, Slowmotionlove y Seekers Who Are Lovers —el último con un sólido reconocimiento de revistas como Pitchfork— rompieron las barreras entre el rock, el shoegaze, el dreampop y hasta ritmos como la cumbia, en un ejercicio estilístico que incluso precedió la revolución sónica de la Avanzada Regia.

Pero, si acaso Ángel se ha sentido cómodo en un lugar, éste ha sido la música electrónica. Bajo el nombre de Antiguo Autómata Mexicano, el artista ha explorado los límites entre el techno, el glitch, el micro-house y el krautrock para forzar las barreras del software como Reason y, de paso, demostrar la futilidad de las etiquetas musicales en la época actual. Sin embargo, seis años después de su último álbum titulado Microhate (2015), la sociedad y tecnología —el “medio”— han cambiado tanto que el “mensaje” ha exigido una transformación radical. Por ello, 20+ Piano Improvisations llegó para establecerse como la música definitiva de la era contemporánea.

Como el título lo sugiere, 20+ Piano Improvisations es una colección de piezas donde la aleatoriedad precede al academicismo. En lugar de una ejecución virtuosa y razonada del piano, Ángel programa una serie de algoritmos generados por computadora que derivan en sobrios ambientes instrumentales numerados en orden ascendente. Por momentos, éstos rozan el principio minimalista de la repetición; por otros, se dejan arrastrar al caos rítmico sin llegar a la atonalidad.

De esta forma, hay momentos como “Piano Improvisation No. 4” o “No. 17” que evocan los ambientes oníricos de Brian Eno en su Music for Airports, mientras otros más veloces como “No. 5” o “No. 19” hacen un guiño a las obras minimalistas de Terry Riley o Steve Reich. No obstante, piezas como “No. 9”, “No. 10” y “No. 11”, ahogadas en notas y patrones incognoscibles, parecen ser una continuación de Conlon Nancarrow y su legado experimental. Este compositor estadounidense radicado en México se hizo un lugar en la historia de la música por escribir partituras que a simple vista parecían imposibles para cualquier pianista, pero, ejecutadas por máquinas como la pianola, revelaban patrones matemáticos escondidos para el oído promedio. Así que, en momentos como éste, la música de Antiguo Autómata Mexicano no solo se evidencia como no-humana, sino que aprovecha esta condición para realizar un comentario sobre ella misma.

Como todo álbum de ambient, 20+ Piano Improvisations es una obra para escuchar en soledad y apreciar las variaciones armónicas. Pero, más allá de eso, es un claro ejemplo de la relación simbiótica creada entre la omnipresencia de la tecnología digital y las nuevas formas de apreciación artística. Aunque escuchamos retazos de sensibilidad humana, termina por imponerse un programador automático; pero éste no molesta, sino que suma a la experiencia al permitirnos darnos cuenta de nuestra propia aceptación por máquinas haciendo música.

Antiguo Autómata Mexicano ha experimentado con los límites del rock, el shoegaze y el techno. Esta vez, lo hizo con los límites de la creación musical.

A 10 años del 'Skying' de The Horrors

Skying, el descanso oportuno de la banda.

Con un ritmo que va desde el garage-rock hasta el ambient, de influencias e imitaciones a The Cramps, Sonic Youth, Can entre otros, la banda inglesa The Horrors, ha experimentado diversos cambios en la manera de producir su música, y es que en el año 2007 lanzaron su álbum debut Strange House; material donde se demuestra la intensidad musical que ha representado a la agrupación. Con géneros como el garage rock, post punk, psicodelia y más, demostró la intensidad que permeaba a The Horrros. También, es en este álbum donde viene el éxito "Sheena is a Parasite", del cual el experimentado director Chris Cunningham quien a trabajado con Aphex Twin, Björk, Porstishead, entre otros decidió crear un video musical. Es así que esta agrupación inglesa empezó con la energía y creatividad necesaria para posicionarse en el mercado.

Lo que en un inicio comenzó con una mezcla de psicodelia, garage rock y post punk, en su segundo material discográfico Primary Colours se encontraron matices del krautrock y un poco de ambient. Su primer sencillo, "Mirror's Image" comienza como si se tratará de una de las tantas creaciones de Brian Eno que después toma forma de rock alternativo. Este álbum fue producido por Geoff Barrow, quien es otra de las mentes brillantes detrás de muchos proyectos como el de Portishead. Barrow es el productor y multiinstrumentista de esta agrupación y ha tenido participaciones con otras bandas como Massive Attack en su álbum Blue Lines. Con el primer y segundo material, The Horrors tendría que realizar el siguiente álbum con una carga creativa aún más amplia, un disco que continuara dejando impresionado a su público cautivo, ya que anteriormente la banda había sorprendido con la potencia de su música junto con la voz de Faris Badwan así como con participaciones de Geoff Barrow y Chris Cunningham.

El 11 de julio del 2011, salió a la venta el tercer álbum la agrupación, Skying. La banda británica que empezó con una energía musical irrompible, paso a crear el lado opuesto de lo que ya habían cimentado, para entrar al pop-rock y algo más melódico. Skying, es una producción que fue realizada por la propia banda y en la cual su creatividad musical y lírica fue explotada, pese a ser algo totalmente “relajado” y “disperso” a lo que ya se habían acostumbrado, este material tiene muchas “sorpresas” dentro de sus composiciones. En el aniversario número diez del álbum, es importante recordar que Skying, no necesitó de participaciones de personajes importantes dentro de la industria para poder darse a conocer.  Los diez temas dentro del disco crean un contra peso musical dentro de la trayectoria de la banda; lo que iba en picada se mantuvo por un instante de manera lineal.

Comparado a Strange House y Primary Colours, Skying es diferente por su decadencia en la energía musical, pero lo que sí puedo decir es que en este proyecto la creatividad fue dirigida hacia las letras de las canciones. Se puede calificar este material como algo “suave” y como un descanso oportuno tanto para la banda como para su público.