A 50 años del 'Imagine' de John Lennon

El renacimiento de John y Yoko.

Hablar de Imagine es contar la historia de un disco eclipsado por la canción que le da título. Con todo y que probablemente sea el trabajo más comercial en la historia del vínculo entre John Lennon y Yoko Ono, el ascenso de su single principal como himno de paz –y cliché de la unión entre los pueblos como artilugio mercadológico- nos ha llevado a olvidar que el álbum del que emana constituye el momento de mayor lucidez de su pareja de creadores. 

Pongámoslo en perspectiva: si bien no es el debut oficial de la dupla Ono-Lennon, sí fue el primer disco que grabaron bajo la certeza absoluta de que The Beatles ya no existía más. 

Harto del vaivén que significó el final de la banda, John le escribió una nota muy severa dirigida a Diana Robertson –secretaria de Apple Records– en la que explicaba que cualquier persona que quisiera hablar con él, tendría que visitarlo en su residencia de campo ubicada en Tittenhurst Park, sin excepciones. Curiosamente, esa mansión enorme pintada totalmente de blanco fue el último lugar donde McCartney, Harrison, Starr y Lennon se reunieron oficialmente como banda. Dicha regla fue cumplida con rigor hasta que llegó el momento de masterizar Imagine.

Las sesiones de grabación iniciaron sin un ritmo específico de trabajo; de hecho, aquellos días parecían más unas vacaciones para Yoko, John y Julian, el primogénito de Lennon. Las primeras horas del día transcurrían en su cama: él tocaba la guitarra, ella escribía y ambos fumaban marihuana mientras el niño corría por el pasto y alimentaba a los patos. Eso no quitaba que John tenía muy claro lo que quería hacer con Imagine: antes de citar a los primeros músicos, él ya había construido  cada maqueta en su cabeza e hizo labor de memoria para aprenderse todas las letras. 

Según Klaus Voormann –bajista de Imagine- "John siempre pensó que toda la gente iba al ritmo de su velocidad mental. Llegaba al estudio, se sentaba al piano o con la guitarra y simplemente empezaba a tocar hasta que los demás entendíamos el tiempo y la melodía". 

Phil Spector fue el tercer bastión de Imagine. Siempre en su traje de terciopelo negro y sus incomparables gafas, al  ser el hombre de confianza de John, este le cedió la jerarquía de comandante para que creara una disciplina balanceada que no afectara el deseo de descanso de la familia Ono-Lennon y que, al mismo tiempo, agilizara el proceso de grabación de las canciones. 

Todos los involucrados llegábamos temprano por la mañana, desayunábamos y hacíamos sobremesa de café durante horas hasta que Phil le susurraba algo a John. Inmediatamente después, John se levantaba, nos quitaba las tazas de las manos y se apuraba en dirección al estudio. Cualquiera que se retrasara recibía una mirada asesina de Phil. No me extrañaría que en el fondo todos le tuviéramos miedo", David Bailey, fotógrafo de las sesiones de Imagine.

Después de ensamblarse, John les leía las letras y les explicaba la emoción entorno a ella para involucrar sentimentalmente a todos los presentes. A partir de ahí era más fácil para todos aportar ideas sobre arreglos o modificaciones a la base del track.

Él fue muy respetuoso de nuestras intervenciones y si al ejecutarlas funcionaban según lo que buscaba de la canción, se quedaban en la versión final’’, Eddie Vale, ingeniero de audio principal de Imagine. 

"OH YOKO!"

Dado el contexto, para la mayoría de los involucrados en Imagine era imposible interactuar sin morbo cada que se acercaban a John y Yoko; sin embargo, se convirtió en el escenario ideal para mostrar el equipo que eran. Mientras los demás tocaban, ella escribía sus notas y se las presentaba a Lennon con la idea de mejorar las canciones. No era una complicidad común porque tardaban en entenderse el uno al otro; pero sí era una muy enriquecedora debido a que el contraste de visiones promovía la creatividad de todos. 

Yoko era realmente encantadora. Creo que fue hasta esos meses que todo el círculo cercano de ambos pudo darse cuenta del bien mutuo que se hacían, y lo errada que era esa lectura promovida por la prensa inglesa en la que la pretendían venderla como la bruja desaliñada que separó a The Beatles".

Precisamente, ese amor desbordado que se tenían fue la chispa que detonaría "Imagine" (la canción). Ambos estaban sumamente politizados como consecuencia de sus infancias: él, huérfano de la Segunda Guerra Mundial; y ella, nacida de la aristocracia japonesa que se vendría abajo durante la década de los 40’s, también a causa de la segunda gran guerra. La idea de ser activistas por la paz fue sembrada por Yoko desde que se conocieron, y se consolidaría en 1969, cuando John renunció a su título nobiliario que la corona inglesa le concedió apenas cuatro años antes. Fue su manera de protestar contra la participación del ejército británico en las guerras de Vietnam y de Biafra. 

Con todo eso en mente, construyeron una utopía discursiva donde no existen los colores, ni las posesiones ni las fronteras; y en la que lo único que está por encima de nosotros es el cielo.  

"HOW DO YOU SLEEP?"

Del otro lado de la moneda, aquellos días en Tittenhurst Park también estuvieron marcados por el clima de rencor que John promovía desde su distanciamiento artístico y emocional con Paul McCartney. Si bien, durante 1969 y 1970 nunca se esclarecieron de manera oficial las razones por las cuales los Beatles se separaron, la polémica surgida a raíz de Let It Be  -tanto la película como el disco- marcaron la pauta para intuir que la gota que derramó el vaso fue el divorcio entre Paul y John

Particularmente en el octavo track de Imagine titulado "How Do You Sleep?", John interpreta una diatriba visceral de desamor en la que responde a los comentarios que McCartney le había dejado en su propio álbum: RAM. La canción cuenta con la particular participación de George Harrison en el requinto; y según el testimonio del propio Phil Spector, la idea era que la batería fuera grabada por Ringo Starr, en una rarísima metáfora del padre y la madre que pelean la custodia de sus hijos. Para bien y para mal, los proyectos de Ringo Starr le impidieron acudir al llamado de John

‘’Desde que nos conocimos nació una rivalidad de hermanos por ver quién componía las mejores canciones. "How Do You Sleep?" nunca se trató de Paul porque la escribí para mi y la manera en que seguía metabolizando la ruptura de la banda. Es chistoso porque una semana antes de mudarnos a Tittenhurst Park cené con Paul y le conté lo que sentía… Él me dijo que se sentía igual’’. 

"I Don’t Wanna Be A Soldier Mama"

Estrenado el 8 de octubre de 1971 –un día antes del cumpleaños de John- Imagine terminó por ser un disco con un sonido elemental, de progresiones melódicas pragmáticas y sencillo en la construcción de su discurso; aunque no por eso menos poderoso. De cierto modo, también fue la culminación de una etapa en los intereses musicales de Lennon, misma que coqueteo de cerca con el Blues, el Folk y las composiciones orquestales, y que arrastraba desde los días del White Album. Igualmente, marcó la despedida de los Ono-Lennon de Inglaterra. Atraídos por la energía vibrante de Nueva York, la posproducción de Imagine se realizó en los Estados Unidos, donde se instalarían en el edificio Dakota para abrirse un nuevo mundo de posibilidades artísticas en la que ambos explotarían su versión más cruda y contestataria. 

Alabado por la crítica y remasterizado en varias ocasiones, Imagine es la consolidación de John y Yoko como fuerza amorosa y creativa.

A 25 años del 'First Band on the Moon' de The Cardigans

La engañosa ternura de The Cardigans.

El tercer disco de The Cardigans, First Band on the Moon, cumple 25 años de su lanzamiento. Históricamente, el álbum se encuentra entre la decadencia del grunge y el apogeo del britpop. El primero no pudo recuperarse del duro golpe de perder a su figura principal, dejando vía libre para que el sonido más ligero de los británicos prevaleciera sobre la música de aquellos años. Ya que, por sus tonos nacionalistas, era difícil de replicar, haciendo más valiosa la irrupción de la agrupación sueca, que demostró lo innecesario que puede ser adherirse a una corriente o movimiento para conseguir éxito, sino lo importante que es trabajar sobre el estilo propio.

Los originarios de Jönköping realizaron el trabajo, tenían en su haber dos materiales previos (Emmerdale y Life) que les valieron cierto reconocimiento en la escena local e internacional, sirviendo, para para pulir su característica combinación de pop rock; difícil de describir, pero fácil de escuchar. Con una notable evolución entre cada uno de estos, este proceso culminaría en el sonido que fue retomado (para bien y para mal) por bandas y solistas de la segunda parte de los 90´s en pos de encontrar el nuevo hit que dominara las listas, definiendo en gran parte, el tono juguetón de la cultura de aquellos años. Claro ejemplo de ello es la canción más conocida del disco y probablemente del grupo “Lovefool”, un clásico inmediato, que tomó por asalto los charts del mundo, y que ha sido utilizado en innumerables ocasiones para series y películas, al igual que los covers, sampleos y pobres imitaciones que ha padecido desde su aparición, fenómeno que se repite cada tanto, cuando lo alternativo llega al mainstream, en su constante intento por envasar la fórmula del éxito.

Musicalmente hablando First Band on the Moon, no suena muy actual, pero no por ello es menos relevante, sirve como registro, uno muy valioso, de su tiempo, que como se mencionó, fue definido en gran medida por él mismo. Las guitarras rítmicas, combinadas con una base de jazz y la tierna, además de, característica voz de Nina Persson, hacen que este viaje melancólico sea disfrutable. Lo que, si se siente con mayor actualidad, son las letras, que justo a partir de este material Persson se involucra más en la composición, que antes corrían casi en su totalidad por Peter Svensson (guitarrista), dotándolas de un toque genuino al ser interpretadas, como en “Been It” que en definitiva deja las sutilezas de lado.

Otros títulos destacables son “Your New Cuckoo” que por momentos te remonta a una fiesta amenizada por una banda, por la simpleza de su melodía, Heartbreaker” talvez la más experimental del disco, llena de guitarras distorsionadas que contrasta de buena manera con la voz de Persson y “Losers” que, interpretada por otra banda un poco menos estigmatizada por el éxito en las listas de popularidad, pudo ser un himno de la Generación X.

Escuchar este disco sin dudas remonta a esa época de tonos neón y mucha frivolidad frente a lo que venía.

Thee Gunlocks — Messed It Up​!​!

Punk sudoroso de malos modales para disfrutar del fin del mundo.

¿A qué suena la música creada cuando el fin del mundo cada vez luce más cercano? Es difícil pensar que a una linda balada romántica llena de optimismo. Si la congruencia existiera en realidad los músicos deberían mostrar su furia y enojo en cada golpe dado a sus instrumentos. Son pocos los casos como Thee Gunlocks en donde de verdad se siente la desesperanza y rabia en cada una de sus composiciones.

El cuarteto francés forma parte de la nueva generación de agrupaciones de garage-punk. Sus integrantes son los primeros en reconocer que sus habilidades musicales son limitadas y sus rostros están bastante lejanos a los hombres que encabezan las pasarelas europeas de moda. Por lo tanto, su única alternativa fue crear una banda de rock en la que no existen los buenos modales ni la intención de querer agradar a los demás.

El primer grito de furia del combo se tradujo en un EP publicado en 2019 y ahora, en medio de una pandemia, llega su debut de larga duración. Aunque en este caso el término es bastante ambiguo porque a pesar de incluir ocho composiciones la duración total es de escasos 15 minutos. Con esto se puede tener una idea de lo que se puede esperar al darle play y dejarse llevar por la música.

En ese sentido, el grupo es un reflejo de bandas del estilo de The Cavemen y The Jackets con las que ha compartido escenario, al menos cuando los conciertos eran habituales. No hay virtuosismo pero sí ganas de divertirse y litros de sudor por toda la energía que se desprende del material.

El primer golpe llega con “Fuck You Scum” y desde el título es claro que no estamos ante un proyecto de rock progresivo con mensajes filosóficos. Aquí todo es punk & roll callejero que te escupe en la cara y te invita a sacudirte como demente. No existen reglas sobre cómo se debe bailar esta música así que puedes hacer cualquier movimiento y siempre vas a estar en lo correcto.

El LP destaca porque no hay intermedios ni piezas experimentales. Todas las canciones se ejecutan una tras otra como los proyectiles que salen de una bazuca. Al igual que ocurre con bandas como The Cramps todas las piezas suenan igual y por lo tanto si te gusta una te van a encantar todas.

En esencia el trabajo es cercano a lo hecho en el pasado por The Monsters y The Mummies. Lo único que se necesita es una frase y un riff en la guitarra para crear una canción. Así lo demuestran composiciones como “I Don’t Wanna Make Love With You” y “Do My Best”. De la simpleza nace la grandeza.

Si el final del mundo se acerca lo mejor es divertirse mientras eso ocurre. El soundtrack de la perdición a cargo de Thee Gunlocks es una opción para disfrutar mientras llega el apocalipsis. Al menos vas a tener diversión garantizada y un pretexto para agitar la cabeza a ritmo de rock sudoroso.

 

Él Mató A Un Policía Motorizado — Unas Vacaciones Raras

21 años después y EMAUPM sigue motorizado.

Cuántas veces no cerramos los ojos y tenemos en mente aquel recuerdo amargo, aquel que nos quita el sueño; otras tantas, deseamos revivir nuestro primer concierto, el primer beso, ese día que olvidamos el reloj y nos situamos en el presente ¡Qué ganas de regresar el tiempo! Si bien, el Delorean no puede hacer eso aún, Él Mató A Un Policía Motorizado nos trae un poco del pasado en este nuevo material, Unas Vacaciones Raras, que contiene temas antiguos, con reversiones de temas de sus discos anteriores Un Millón De Euros (2006), Día De Los Muertos (2008) y La Dinastía Scorpio (2012).

Este compilado contiene 8 temas que fueron cuidadosamente seleccionados por Bruno Stagnaro para musicalizar la clásica serie argentina Okupas, en su reestreno para la plataforma de streaming Netflix, a 21 años de su primera transmisión. El director de la serie tomó estas canciones analizando las escenas de la serie y escogió las más adecuadas, según su criterio, para que las acompañaran.

Uno de los adelantos de este álbum es “La Otra Ciudad”, la única canción original, que en su video también narra la historia de la serie y nos sorprende con la voz de Santiago Motorizado como instrumento principal, algo que la banda argentina no había acostumbrado a hacer en sus discos anteriores. La única canción de Un millón De Euros que se incluye es “Vienen Bajando”, que le da un toque nostálgico, un ritmo relajante y un soft rock muy característico.

Las canciones incluidas en Unas Vacaciones Raras que originalmente pertenecieron a Día De Los Muertos son: “El día Del Huracán”, “Día De Muertos”, “Rey Del Terror” y “Noche De Los Muertos”; las de La Dinastía Scorpio son: “Yoni B” y “Noche Negra”, que son la pura esencia del rock sudamericano, apostando por la psicodelia y sonidos explosivos que de momento musicalizan la situación.

Se adelantó también que la banda originaria de Río de la Plata prepara ya una segunda entrega para musicalizar la serie Okupas, y el álbum contará con más experimentación, al incluir ritmos de cumbia, folklor, tango, salsa y hasta música electrónica, los que esperan que complementen la intencionalidad de la banda al musicalizar una serie de antaño, con recuerdos de nostalgia y familiarización.

A 10 años del 'Junk Of The Heart' de The Kooks

Un lugar en donde albergar a los amores imposibles.

Las posibilidades de mostrar cariño y afecto hacia otra persona son infinitas. Aunque a veces las demostraciones se repiten creando clichés o estereotipos, cada forma de expresar amor es distinta. The Kooks es una de las bandas del radar indie-pop británico que ha abordado mucho este concepto a lo largo de su trayectoria artística.

La agrupación, formada en 2004 por cuatro jóvenes estudiantes del Instituto de Brighton de Música Moderna, demostró en sus dos primeros álbumes aquello en lo que realmente es buena: componer canciones espontáneas, sinceras y apasionadas, todas hechas a partir de tan solo una guitarra acústica. Es así que su estética con influencias en el britpop, indie-rock y principalmente en The Beatles catapultaron a Luke Pritchard, Hugh Harris, Paul Garred y Max Rafferty en la industria del entretenimiento como nunca se lo habían imaginado.

Sin embargo, es hasta su tercer material de estudio, Junk Of The Heart, que Luke y Hugh consiguen cimentar sus inquietas ideas bajo una misma unidad narrativa con su respectiva forma y sentido, así como transitar de lo analógico y lo digital. Recordemos que para aquel 2011, Max Rafferty ya no formaba parte de la alineación y, posteriormente, el baterista Paul Garred dejó la banda debido a un problema de salud en su brazo. 

¿Qué es lo más interesante del Junk Of The Heart 10 años después de su publicación? Pues bien, que todo comienza y termina en un personaje llamado “Rosie”. Una mujer intrigante, misteriosa e increíblemente hermosa (según las descripciones de Pritchard) en la que convergen y se fusionan las demás pistas, las cuales adquieren un significado muy especial si partimos de los versos de la canción.

No es ninguna sorpresa. The Kooks suele crear muy buenos singles, y en su tercer disco explota este atributo proponiendo 11 temas que forman parte de todo un universo sonoro y el cual se gesta, precisamente, de una sola canción. Quizá solo sea una sobre interpretación y la banda nunca lo pensó o planeó así, sin embargo, es el único de sus discos en el que encuentro esta correspondencia bien definida.

Cuando entramos en el estudio ya teníamos unas seis canciones grabadas, pero me di cuenta de que algo fallaba. Eran geniales, pero se parecían demasiado al segundo disco, así que empezamos a hablar sobre cómo queríamos que sonara y nos pusimos a trabajar de nuevo. Se puede decir que el disco sí que tenía una idea preconcebida: no era una colección de temas, como en los dos primeros álbumes”, comentó Luke Pritchard en entrevista con Mondo Sonoro en 2011.  

La primera canción, "Junk Of The Heart (Happy)", representa ese deseo por ser correspondido en el amor, aunque la resignación de no serlo está presente en la interpretación vocal de Pritchard. "How'd You Like That" juega con algunas características del hip hop, mientras que en "Taking Pictures Of You" prevalece la intención de capturar momentos alegres sin importar lo sucedido.

Por otra parte, la banda experimenta con ciertos elementos del funk en "F**k The World Off". Y de repente, "Time Above the Earth" crea un momento súper reflexivo e instrumental acerca de lo importante y necesaria que una persona puede llegar a ser para otra en un mundo tan grande.

Posteriormente, "Runaway" se transforma en el eterno cuento de las rupturas amorosas y es la canción perfecta para hablar de las promesas no cumplidas sobre dejar de sufrir por alguien. "Is It Me" plantea diversos cuestionamientos: ¿Quién es el responsable de que una relación falle?, ¿El tiempo en que vivimos? ¿Nosotros? o quizá simplemente no era el momento adecuado. 

***

El ahora multipremiado productor Tony Hoffer trabajó en el álbum cuya publicación ocurrió vía el sello Virgin Records. Las aportaciones de Hoffer ayudaron a que, por ejemplo, al inicio de "Mr. Nice Guy" exista una similitud casi exacta con "We Used To Wait" de Arcade Fire, incluida en el The Suburbs (2010). En esa misma canción, la cual cierra el álbum, también hay una breve referencia a "Let's Dance" de David Bowie. ¿Lo habías notado? 

En fin, Junk Of The Heart mantiene la esencia romántica de los inicios de The Kooks, pero vislumbra cambios en cuanto a la madurez de su sonido. Aunque en sus posteriores producciones, la banda ya no dejó claro hacia dónde quería dirigir su propuesta, es innegable que este álbum representó un antes y un después en su carrera profesional. Además, proporcionó a sus seguidores un espacio al cual acudir cuando solo queden rastros e ilusiones de un amor imposible.

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Richard Ashcroft anuncia el disco 'Acoustic Hymns Vol. 1'

Este material incluirá una colaboración con Liam Gallagher.

Richard Ashcroft, mejor conocido por ser el vocalista de The Verve, anunció que lanzará un álbum de nuevas versiones acústicas de su trabajo en solitario, así como de algunos clásicos de The Verve.

El material se titula, Acoustic Hymns Vol. 1, y será publicado el próximo 29 de octubre a través RPA / BMG. Y, como un adelanto de este disco, Richard Ashcroft, compartió el clásico de The Verve, “Bittersweet Symphony”, el más grande éxito de la banda en 1997.

Escucha aquí la versión acústica de “Bittersweet Symphony”:

Acoustic Hymns Vol. 1, se compone de 12 canciones, en la que se incluye una versión completamente nueva de “This Thing Called Life”, tema que formó parte del disco debut de The United Nations Of Sound, el proyecto paralelo de Ashcroft.

El disco contará con la participación de Liam Gallagher en el sencillo “C'mon People (We're Making It Now)”, del tema se ha dicho que es una de las canciones favoritas de los hermanos Gallagher, desde que Richard Ashcroft "originalmente la tocó a Liam en un piano en algún lugar de Mallorca en 1998".

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Aquí te dejamos el tracklist de Acoustic Hymns Vol. 1:

  1. “Bittersweet Symphony”
  2. “A Song For The Lovers”
  3. “Sonnet”
  4. “C’mon People (We’re Making It Now)”
  5. “Weeping Willow”
  6. “Man”
  7. “This Thing Called Life”
  8. “Space & Time”
  9. “Velvet Morning”
  10. “Break The Night With Colour”
  11. “One Day”
  12. “The Drugs Don’t Work”

Yard Act, post punk minimalista desde el corazón de Leeds

Una sobrecarga de spoken word con la furia de la ciudad británica.

Bajos trepidantes y versos quebrados por su propia inexactitud… Cuando se trata de crítica social, a veces, la mejor herramienta es una canción directa y sin rodeos, como las que han caracterizado a la novísima ola del post-punk británico contemporáneo. Este mismo sonido, basado en la extravagancia de Sleaford Mods y el minimalismo de Gang of Four, es el que abandera Yard Act, un nuevo grupo de Leeds, Inglaterra.

Yard Act comenzó en 2019 cuando James Smith (vocal) y Ryan Needham se unieron para crear temas de rock primitivo y minimalista con una pequeña caja de ritmos. Al ver el potencial del proyecto, terminaron por incluir a Jay Russell en la batería y Sam Shjipstone en la guitarra, con quienes el grupo obtuvo su forma final. Así, Yard Act debutó en 2021 mediante su EP Dark Days, conformado por cuatro temas llenos de un spoken word descarnado sobre una base de punk en su mínima expresión.

Tras el éxito de este material, que vendió más de 3 mil copias físicas, y después de su presentación en respetados festivales como el Reading de 2021, Yard Act se alista para su debut en el larga duración. Por ello, lanzará su álbum The Overload el próximo 7 de enero de 2022 vía Island Records, armado de 11 canciones originales y nuevas dosis del cinismo y el humor oscuro que caracteriza al grupo. Como adelanto, puedes ver a continuación el video de “The Overload” dirigido por James Slater.

Líricamente, creo que es un álbum sobre todas las cosas que hacemos. Estamos tan conectados al sistema del día a día que, realmente, nunca nos detenemos para pensar en los constructos que nos definen”, comenta James Smith.

Ya puedes apartar The Overload en la tienda oficial del grupo con acceso a mercancía exclusiva. O bien, puedes pre-guardarlo en tu plataforma favorita de streaming. Sigue a Yard Act en redes sociales para que no te pierdas su nueva música.

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Rodrigo y Gabriela libera cover de “The Struggle Within” de Metallica

Metal y poderío folk.

El dúo dinámico de guitarras acústicas, Rodrigo y Gabriela, convierte el thrash metal en un juego de cuerdas con “The Struggle Within”, extracto del nuevo álbum compilatorio y de aniversario The Metallica Blacklist. En celebración al 30 aniversario de The Black Album, el cuarteto compartirá todas las versiones y colaboraciones especiales incluidas este próximo 10 de septiembre. 

En este adelanto, los músicos mexicanos añaden parte de su esencia folk/flamenca para sustituir las percusiones, líneas melódicas y progresiones vocales de la banda, por riffs de guitarra y poderosos solos. 

Por otra parte, ya puedes escuchar la versión original remasterizada de este tema aquí

The Struggle Within” es el último track del disco original de 12 canciones y en este grupo de versiones estará acompañado por las interpretaciones especiales de Weezer, Mac DeMarco, Ghost, Juanes, Rina Sawayama, Mexican Institute of Sound, Royal Blood, St. Vincent, Mon Laferte, IDLES, y mucho más. 53 artistas de estilos diferentes se unirán con el propósito de recaudar fondos para ser destinados a organizaciones benéficas. 

Esta no es la primera vez que la copla realiza un cover de Metallica, pues incluyeron el tema “Battery” en su EP Mettal de 2019; además de presentarse en vivo junto al bajista Robert Trujillo en repetidas ocasiones.

Pre guarda The Metallic Blacklist y disfruta de "The Struggle Within" por Rodrigo y Gabriela.

Maxo Kream y Tyler, The Creator en “Big Persona” 

Como parte de su regreso triunfal, Maxo colabora en este, el segundo adelanto de su próximo LP.

Grandes autos, grandes joyas y grandes personalidades en “Big Persona”, el nuevo sencillo del rapero Maxo Kream, en compañía del enigmático Tyler, The Creator. Este tema es un extracto de su próximo álbum, Weight of the World, disponible en octubre vía Big Persona/88 Classic/RCA Records

El oriundo de Houston, TX, y el compositor californiano presentan un videoclip con el que seguramente querrás salir a dar una vuelta en un gran Rolls Royce, rodeado de joyas, fajos de dinero y uno que otro lujo: 

El pasado mes de julio, Kream liberó su más reciente track, “Local Joker”, el cual comprende de un tema tributo a su hermano, quien falleció en marzo 2020; desde entonces y tras dos años de silencio total llega después del lanzamiento de su quinto larga duración, Brandon Banks (2019).

Por otra parte, Tyler estrenó Call Me If You Get Lost, con la participación de Lil Wayne, Brent Faiyaz, Pharrell Williams y más, disco con el que actualmente ya agenda un gira estadounidense junto a Kali Uchis, Vince Staples y Teezo Touchdown, de febrero a abril 2022. Checa su regreso a los escenarios con su presentación en la última edición del festival Lollapalooza aquí

Escucha "Big Persona" y no te pierdas de más novedades en Indie Rocks!  

Amyl and The Sniffers estrena video para “Hertz”

Escapar del confinamiento ha sido nuestro mayor deseo en los últimos meses.

Seguramente, después de año y medio de pandemia, ya querrás volver a la playa o al centro de la ciudad para divertirte y liberar el estrés. Pues no serías la única persona y, para muestra de ello, basta mirar el video de “Hertz”, nuevo sencillo de Amyl and the Sniffers y último adelanto de su álbum Comfort to Me.

“Hertz” es una muestra más de la energía punk rock que exhalará el nuevo álbum de Amyl and the Sniffers, con sus veloces riffs de guitarra y coros emanados casi en un grito. El video dirigido por John Angus Stewart de PHC Films muestra a la vocalista Amy Taylor sufrir la angustia del encierro a la vez que, mentalmente, recorre los escenarios de la playa, las piscinas y los encantos de la ciudad. Dale play a continuación.

‘Hertz' fue escrita en 2019 pero suena mucho como un tema pandémico, porque es una ensoñación sobre el rechazo al confinamiento y la frustración de estar atrapado en un solo lugar”, comentó Amy en comunicado recuperado de Consequence of Sound.

Comfort to Me se estrenará el 10 de septiembre vía ATO Records y ya puedes apartarlo en el sitio web de la disquera o pre-guardarlo en tu plataforma favorita de streaming.

 

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