Prismatic Shapes estrena “El rey de la noche”

El éxito de los 80 se renueva al estilo post punk.

Dándole un giro completamente a la época actual, donde el post punk y dark wave toman más fuerza que nunca; Prismatic Shapes decidió darle un toque más oscuro a “El rey de la noche”, el éxito de los 80 inmortalizado por Mijares.

Al igual que la versión de los 80, “El rey de la noche” del siglo XXI de Prismatic Shapes, mantiene esa dinámica de baile y energía, sin embargo, la banda originaria de la CDMX la ha impregnado de un aire de misterio y elegancia. 

Después de haber estrenado "Gloomy Afternoon"; la banda decidió retomar un tema al cual pudieran darle el toque del post punk, un tema para que las nuevas generaciones puedan disfrutar durante una noche de perdición.

Respecto a la canción, el vocalista de Prismatic Shapes expresó:

YO soy el Rey de la noche”.

Dale play  esta oscura versión del “El rey de la noche” a continuación:

Dug Dug’s: 50 aniversario de Avándaro

De interpretar versiones de The Beatles a encabezar la primera generación de la psicodelia mexicana.

El 11 de septiembre de 1971 a las 19:30 H dio inicio el momento cumbre —para bien y mal— del rock mexicano. Lo que se pensaba que sería una enorme carrera de automóviles con un pequeño concierto se transformó en un magno festival en el que nunca hubo coches a máxima velocidad. A la fecha Avándaro es más recordado por este evento que por ser un pequeño pueblo a las afueras de la Ciudad de México. La banda encargada de abrir la velada llegó desde el norte del país y su cacofónico nombre todavía hace sacudir las bocinas en la actualidad: Dug Dug’s.

La generación que descubrió un nuevo sonido llamado rock & roll

Pero aunque este conjunto había publicado su primer LP apenas unos meses antes del festival realizado en el Estado de México, su trayectoria ya era bastante extensa. Todo empezó en la desértica ciudad de Durango cuando unos adolescentes descubrieron el rock & roll a inicios de los sesenta. Era la nueva música de moda y lo natural fue replicar lo que se escuchaba todo el día en las estaciones de radio.

En su libro 60 Años del Rock Mexicano Vol. I (Ediciones B, 2016), Rafael González menciona que el primer nombre que adoptó el conjunto fue Xippos Rock aunque nunca logró trascender. Al poco tiempo uno de sus integrantes, Armando Nava, vivió un tiempo en Tijuana y eso le permitió estar en contacto directo con la música en inglés. La consecuencia fue dejar de hacer covers de Los Locos del Ritmo y empezar con las versiones de The Beatles.

Como un homenaje para su ciudad de origen y después de cambiar de integrantes, Armando decidió que Dug Dug’s sería su nuevo nombre de batalla. Lo que nunca se imaginó es que más de medio siglo después continuaría en el árido camino de la música.

Pero al igual que el rock mexicano ha cambiado a lo largo de la historia, lo mismo ocurrió con el conjunto. A mediados de los sesenta se dio a conocer a través de la publicación de diversos sencillos que mostraban un sonido alegre e infantiloide.

De forma progresiva llegó la influencia de la psicodelia de San Francisco y para 1967 hubo una notoria transformación. El compositor e historiador Merced Belen Valdes Cruz en su libro Ahí la Llevamos… Cantinfleando (Ediciones Independientes, 2002) hace otra anotación importante. El entonces cuarteto llegó al cine mediante la delirante película 5 de Chocolate y uno de Fresa, trabajo basado en un guión de José Agustín, en la que colaboran junto Angélica María en un pieza con toques psicotrópicos. La literatura de la onda y el flower power unidos mediante la música.

Todo este largo recorrido conduce hasta 1971 y la llegada de una nueva corriente musical basada en la expansión de la mente y el consumo de alucinógenos. De pronto la música perdió la inocencia de la década anterior y dejó de creer en las canciones de dos minutos con la estructura básica de verso-coro-verso. Cuando se dejó de traducir las letras de los éxitos estadounidenses para empezar a crear temas propios se generó la Onda Chicana. Sus máximos representantes llegaron del norte del país porque eran los que dominaban el idioma de Shakespeare.

El concierto que condenó al rock mexicano a la prohibición

La consagración llegó con el Festival Rock y Ruedas de Avándaro. El concepto e idea surgió de unos juniors de la Universidad Iberoamericana que buscaban diversión pero también hacer dinero. Un par de años antes tuvo lugar el Festival de Woodstock en Estados Unidos y ahora se buscó hacer una versión similar con sabor a guacamole. 

Como lo menciona el productor de televisión Luis de Llano en su libro Avándaro: Cuando el Rock Mexicano Perdió la Inocencia (Ediciones del Lirio, 2021), para concretar la idea se requirió de muchas personas. Uno de los casos fue el del veinteañero Vicente Fox, quien en ese entonces era director de marketing de Coca Cola, y fue el encargado de autorizar el convenio de patrocinio principal. Así de extraña es la vida.

Finalmente llegó la noche en la que se demostró el poder de convocatoria que tenía el rock. No existe un conteo oficial pero se estima que fueron entre 200 mil y 300 mil los jóvenes que acudieron a la cita en Avándaro.

Para ese entonces el combo comandado por Armando Nava era un cuarteto completado por Genaro García (bajo), Alberto Escoto (batería) y Gustavo Garayzar (guitarra líder). Con respecto al sonido, se aprecia una fuerte influencia de Jethro Tull gracias al uso de una flauta que otorga misticismo.

Para un concierto en el que tienes frente a ti un océano de personas es necesario iniciar con algo poderoso y dejar las canciones relajadas de lado. Por lo mismo, el grupo eligió “Let’s Make It Now” para iniciar su presentación en lo que al final se convertiría en la hecatombe del rock made in Mexico. La batería energética recuerda a la época de gloria de Led Zeppelin con unos riffs de guitarra al nivel del mejor Deep Purple.

Fueron un total de ocho piezas las que Dug Dug’s preparó para su participación, siendo la última “Avándaro”. Para una fecha tan especial la banda estrenó una pieza compuesta especialmente para esa noche. Al abandonar el escenario lo único seguro era una lluvia como las que siempre ocurren en septiembre. Aunque en ese entonces nadie tenía idea del impacto y magnitud que tendría el festival. Fue el inicio y final de muchas cosas para la juventud mexicana. Mientras que a pesar de las adversidades Armando se mantiene activo y junto a una nueva alineación se presenta de manera periódica para demostrar que pese a todo el rock nunca morirá.

My Morning Jacket — My Morning Jacket

La realidad del mundo a los ojos de My Morning Jacket.

La banda estadounidense se encuentra de estreno con su noveno material discográfico, al cual decidieron llamar por el nombre de la misma banda My Morning Jacket, fue grabado en ATO Records y está compuesto por 11 canciones.

Este reluciente álbum comienza con “Regularly Scheduled Programming” un tema bastante cálido con suaves notas de voz, que te hacen entrar a un modo de relajación. Para “Love Love Love” las melodías cambian y empieza a subir el volumen con sonidos más movidos y tropicales con unas ligeras notas de guitarra.

“In Color” te envuelve con las melancólicas notas de voz, las delicadas y agudas guitarras que combinan con el constante sentimiento de sanación para el alma. En “Least Expected” vuelven melodías más alegres en las que se combinan varios instrumentos como sintetizador, batería y guitarra. Reflexionar sobre lo que es real o no de nuestro propio mundo es lo que “Never In The Real World” produce en nuestras mentes.

Uno de los temas más largos y serios que compone este álbum es “The Devil’s In The Details” con casi 10 minutos de duración este tema nos muestra la seriedad y madurez que tiene la banda al tocar temas profundos como el miedo, los pensamientos paranormales y las creencias. A mi parecer la canción más divertida y feliz “Lucky To Be Alive” con sintetizadores que te ponen a bailar haciendo que tu estado de ánimo cambie de inmediato.

Con unos fuertes riffs de guitarra comienza “Complex” un tema que la banda lanzó en promoción al álbum hace poco tiempo que habla sobre lo abrumador que pueden llegar a ser nuestros pensamientos. La serenidad que te produce escuchar “Out Of Range, Pt2” es increíble.

“Penny For Your Thoughts” es un tema más que habla sobre los pensamientos y la esperanza en el la cálida voz de Jim James. El álbum finaliza con “I Never Could Get Enough” un tema de ocho minutos que nos cautiva con sus melodías tan lentas y tranquilas.

My Morning Jacket entregó un material muy cálido y humano, en el que los pensamientos sobre que es o no real en nuestras vidas predomina en cada instante de cada tema, de una forma tan mágica que te hace entrar en debate contigo mismo sobre lo que sientes y observas a tu alrededor. 

Duran Duran — Future Past

Cuando el pasado y el futuro se encuentran.

Duran Duran es quizás junto a Depeche Mode y The Cure, una de las pocas bandas ochenteras que no quedó atrapada en el loop eterno de la nostalgia. Ha sabido evolucionar con el tiempo, yendo más allá de la etiqueta new romantic y new wave que la prensa de la época les endilgó. Este 2021 está de regreso con un nuevo álbum que lleva por nombre Future Past, integrado por 12 tracks, y editado por BMG. Un LP que presenta a una banda en plena forma, con cuatro décadas detrás, que se reflejan en la perfecta ejecución de sus respectivos instrumentos y en el cuidado a detalle de cada uno de los temas.

Future Past está plagado de colaboraciones de alto calibre, sobresaliendo la enorme figura de Giorgio Moroder, pionero de la música electrónica; lo mismo participa Mike Garson, conocido sobre todo por su trabajo con David Bowie; otra pieza fundamental es Graham Coxon, guitarrista de Blur, que aparece una y otra vez en varios tracks. A ellos se suman Tove Lo, Ivorian Doll, Chai, Mark Ronson y Erol Alkan como productor.

La portada representa muy bien el mensaje que el grupo busca transmitir, en ella se muestran dos siluetas ensimismadas, una de color rojo y la otra de color amarillo, esta última intentando desprenderse de la otra. Es el Duran Duran del futuro y el del pasado convergiendo irremediablemente en este nuevo disco.

Del álbum podemos destacar varios temas como “Give It All Up”, un track bailable apoyado en una base rítmica con tintes funk, ejecutada por una batería y un bajo contundentes, perfectamente sincronizados. “Invisible” es una canción que nos remite a la etapa ochentera de la banda, emparentada con los acordes más característicos de su gran hit: “The Reflex”. “Wing” es un track downtempo construido a partir de atmosferas sutiles, en donde la voz, el sintetizador y la guitarra logran una amalgama sonora que por instantes conmueve. El álbum incluye varios cortes bailables, de los cuales sobresalen “Tonight United” y “Beautiful Lies”, en donde la genialidad de Giorgio Moroder en los sintetizadores se hace presente todo el tiempo, remitiéndonos por momentos a la electrónica tecno pop de Pet Shop Boys y New Order. “Falling” es el tema con el que cierra el decimoquinto LP del grupo, una balada en la que el piano ejecutado de forma magistral por Mike Garson, se vuelve el protagonista de principio a fin, acompañado de microscópicas texturas de sintetizador.

En síntesis, Future Past es un disco a la altura de sus mejores obras, cargado de canciones minuciosamente producidas, mostrando a un Duran Duran que echa mano del pasado, sin dejar de mirar hacia el futuro.

SUSTO publica el disco 'Time in the Sun'

Con este, su cuarto LP, la banda debuta con el sello New West Records.

Para este nuevo álbum, SUSTO se inspiró en un par de ejes de de la vida, comenzando desde el nacimiento hasta la muerte, donde la amistad y el futuro incierto, son los temas principales de Time in the Sun, el cuarto LP de la banda y con el que debutan dentro del sello New West Records.

Time in the Sun fue grabado en Charleston, California del Sur, la ciudad natal de la banda; aquí, Justin Osborne, el líder de SUSTO exploró todos los sonidos, creando así once canciones en dónde el rock and roll es principal protagonista.

Todos somos sólo productos de la luz del sol, girando alrededor de una gran bola de fuego", compartió Justin sobre el álbum.

Para Justin este disco tiene mucho significado, pues mientras se grabó afrontó dos cosas, la primera de ellas, la muerte de su padre y, la segundo, convertirse en padre, es por eso que el disco es un balance entre estas dos, la vida y la muerte.

...Cada álbum es como una marca de tiempo, y Time in the Sun es sobre tratar de expresar este momento en mi vida. Estaba atrapado en medio de perder a mi padre y también convertirme en padre. A través de estas canciones, exprese cómo me sentí y cómo he cambiado”, expresó Justin.

Además de explorar la vida y la muerte, el disco también habla de la amistad, es por eso que se escribió el sencillo “Get Down", ya que un amigo de Justin estaba peleando contra las adicciones, y esta canción fue una forma de apoyo de la banda hacia ese amigo.

A lo largo de las 11 canciones, SUSTO comparte las alegrías de la vida, con este pequeño ser que viene al mundo, así como aquellos bonitos recuerdos que quedan de las personas que ya no están, como es el caso del padre de Justin

Time in the Sun es un disco para salir adelante y superar una pérdida, dale play a continuación:

Gativideo comparte el disco: 'Boutique'

Colores oscuros, melancólicos y juguetones envuelven a su próxima discografía.

Tras noches de encierro, calor, café y trabajo creativo llega Boutique, el nuevo álbum de estudio de Gativido que está disponible a partir de hoy en todas las plataformas digitales. Un material que se tiñe con colores oscuros, melancólicos y juguetones para resarcir el disfrute perdido.

Boutique representa una etapa más compleja y renovada del cuarteto argentino en contraste con Colorama, su último proyecto estrenado en 2018 con temas suaves y frescos. Sin embargo su nueva puesta musical muestra una viaje más allá de la mera melodía pop durante un crecimiento emocional y artístico.

Desde su home studio, Gativideo junto a Julián Contopulos encontraron un hilo y un marco que envolvió su esencia y la plasmó en este resultado final, el cual cuenta con 10 tracks llenos de toques mágicos y sonidos eufóricos que te hipnotizan. Estas características se pueden percibir en uno de los temas titulado "Gualicho".

A lo largo del disco se teje himnos que mezclan el funk, pop y rock muy cercanos a los sonidos de sus colegas de Bandalos Chinos. Por ahora te dejamos su próximo lanzamiento Boutique para que lo disfrutes y te prepares para su estreno.

Entrevista con Parcels

La armonía en el caos y las polaridades según Parcels.

Es una día frío en la Ciudad de México, pero una noche muy obscura en París, donde Patrick Hetherington, tecladista de Parcels, le regaló unos minutos de su tiempo a Indie Rocks!, iluminado a lo lejos por las luces citadinas y los faros de los carros que pasan en la calle frente a su balcón.

Parcels está cerca de lanzar su esperado segundo disco, Day/Night, tres años después de su debut homónimo. En este lapso no sólo tuvieron la oportunidad de adquirir fama y tocar en algunos de los escenarios más importantes del mundo, sino que también tuvieron que atravesar un redescubrimiento grupal e individual en medio del caos que azotó al planeta desde 2020 y encontrar la forma de crear su propio espacio seguro para que la creatividad floreciera y regresaran con no menos que un álbum doble para deleitar a sus seguidores.

Fue un proceso muy largo, la etapa más temprana fue la idea musical de nuestros distintos lados como banda. Estos deseos de crear música para las vacaciones que sonara viva y abierta, pero también el de ir a un lugar más obscuro y profundo. Fue como dividir a la banda en dos para que pudiéramos adentrarnos en cada lado tanto como quisiéramos. Nos dio mucha libertad, fue muy emocionante.”

La historia de Day/Night comenzó a inicios de 2020. La banda se encontraba viviendo en una casa en medio del bosque de Australia cuando los trágicos incendios forestales estaban arrasando con el hábitat de varias especies endémicas. Afortunadamente, el fuego no los alcanzó, pero después de las llamas, la lluvia no cesó y los cinco jóvenes tuvieron que enterrar a un canguro que llegó arrastrado por la inundación. Tras haber vivido en un ambiente tan caótico, regresaron a Berlín, donde escucharían por primera vez acerca de un virus que poco a poco iba esparciéndose por los continentes.

Hubo una sensación de caos cuando empezamos el disco, pero durante todo el proceso hubo una intensidad que atravesamos juntos en nuestra pequeña burbuja y eso nos permitió profundizar en ello. Desde Australia escribiendo, a Berlín ensayando, a París grabando y regresando a Australia a mezclarlo fueron unos dos años de trabajo en el que creamos este refugio para nosotros dentro de la música y el proyecto.”

Considerando el entorno tan obscuro que atravesaron, resulta interesante escuchar algunas de las pistas nuevas que han liberado y encontrarnos con ritmos alegres y letras optimistas tales como en “Free”. No obstante, dichas canciones pertenecen a la parte inspirada por el día, mientras que la dedicada a la noche aún permanece como un misterio, siendo “SHADOW” el único sencillo que se ha lanzado. Acerca de esta dualidad y la creación de su siguiente placa discográfica, Pat compartió lo siguiente.

Durante ése tiempo estábamos en Australia y pasamos tanto tiempo alrededor de la naturaleza que el día y la noche se presentó como la forma más amplia y emocionante de abordar las polaridades y los opuestos.”

El segundo disco puede ser todo un reto para algunas agrupaciones ya que la experimentación puede ser duramente criticada, sin embargo, Patrick afirma que para Parcels eso no era una preocupación.

No creo que haya habido ninguna presión, generalmente somos muy buenos creando nuestro ambiente para hacer música sin dejar que nada nos afecte. Creo que subconscientemente nos presionamos para expandirnos, experimentar, conceptualizar y ser más diferentes. Siento que tal vez no estamos listos o no queremos hacer un disco de pop que podríamos hacer (y que tal vez hagamos), pero creo que nos adelantamos porque, naturalmente, necesitábamos expresar otras cosas por el momento.”

Para la creación de Day/Night, Parcels contó con la ayuda de dos grandes músicos de la escena alternativa: James Ford de Simian Mobile Disco y Owen Pallett, quienes han trabajado con artistas como The Last Shadow Puppets.

“Fue asombroso, muy emocionante y divertido. Fue una de las primeras colaboraciones que hemos hecho en nuestra música, pero creo que esta vez le cedimos mucho espacio a ambos, particularmente a Owen con sus arreglos de cuerdas. Teníamos las ideas, el ritmo del álbum, todo el viaje hecho. Dejamos un gran espacio para Owen y le dijimos ‘hey, vuélvete loco, queremos que nos aportes tus  ideas para Day/Night’’ y creo que él también tuvo un gran tiempo porque pudo ser realmente creativo como individuo. Cada que recibíamos un nuevo arreglo de él lo escuchábamos juntos y era como si abriera nuestros ojos a una nueva canción.”

Pallett y Ford no son los únicos nombres importantes con los que han trabajado, pues en 2017 liberaron el sencillo “Overnight”, que contó con el último crédito de producción de Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, mejor conocidos como Daft Punk, proyecto que llegó a su fin en agosto pasado. Pat también nos comentó acerca de esta mancuerna y la separación del dúo.

Nos sentimos muy afortunados, fue algo verdaderamente especial haber trabajado con ellos haciendo ésa canción. Estoy muy agradecido por esa experiencia. Cuando escuchamos la noticia me hizo pensar en ése tiempo, pero también creo que, lo que sea que decidan hacer, deber ser lo correcto y han hecho tanto por la música en el mundo que quizás ha sido suficiente y tiene sentido. Han dejado un legado impresionante.”

Acerca de nuevas colaboraciones en el futuro, Patrick comentó lo siguiente:

“Creo que apenas estamos empezando a abrirnos más y a sentir que tenemos espacio para eso porque creo que en el proceso de este disco realmente aprendimos a colaborar entre nosotros de una mejor manera. Ahora me siento más listo para colaborar con otra gente. Nunca se siente bien pedirle a alguien que no conocemos que haga una canción con nosotros. Realmente nos gusta que las cosas se den de forma natural, conocer bien a alguien bien. Tiene que haber una conexión personal en el estudio también.”

Después de haber elegido de entre más de 150 demos, Parcels finalmente lanzará Day/Night el próximo 5 de noviembre. Acompañando el disco llegó un anunció de una pequeña gira que iniciará con una serie de conciertos en algunas de las capitales más importantes del mundo a partir de este 2 de noviembre en lo que serán sus primeras presentaciones después de 18 meses y la oportunidad perfecta para estrenar algunos temas.

Por el momento estamos ensayando para los primeros shows y estamos trabajando en la mitad de las canciones del nuevo disco. Nos falta pulir algunas pero ha sido muy entretenido. 'LordHenry' tiene un groove muy divertido, 'Somethinggreater', no sé, naturalmente nos perdemos mientras ensayamos y cambiamos cosas, nos gusta introducir nuevos ritmos, probar nuevas ideas y siempre es divertido.”

En 2022 la gira mundial de Parcels los traerá de vuelta a nuestro país y por primera vez a la Ciudad de México el 1 de abril. El concierto fue anunciado para albergarse en el Auditorio BlackBerry, sin embargo, fue tanta la demanda que se anunció un cambio de sede al Pepsi Center. La banda australiana no esperaba una respuesta tan grande y Patrick entre risas nos compartió un poco al respecto.

Eso fue loco. Hemos estado muy impresionados. Creo que todo empezó hace 6 meses cuando notamos cuánta gente de México nos comentaba en redes, enviaba mensajes y compartía tanto amor. Fue como ‘wow, tenemos que ir especialmente a México’ y ahora ése show se agotó mucho más rápido de lo que cualquiera de nosotros habría imaginado, es realmente loco. Será nuestro concierto en solitario más grande hasta la fecha.”

Con gran emoción por unos días más brillantes terminó nuestra conversación con Pat en medio de la negra noche de París. Parcels está de regreso tras haber encontrado el perfecto balance entre las polaridades de la vida, convirtiendo todo el caos de los últimos años en los 19 tracks que componen su álbum doble Day/Night, disponible a partir del 5 de noviembre.

Pahua: retos y alegrías del camino a la cima

En menos de un año, Pau Sotomayor a.k.a. Pahua ha logrado posicionarse como una de las voces fundamentales del género alternativo electrónico folk en Latinoamérica.

Es lunes por la tarde en la Ciudad de México. En la sala del departamento de Pau Sotomayor la luz del sol se cuela por un gran ventanal decorado con plantas verdes y flores rojas. Pau sostiene con ambas manos un café humeante que ella misma preparó. No muchos lo saben, pero ella fue barista a los 19 años.

“En realidad desarrollé el gusto por el café hasta los 23, cuando trabajaba en Casa Cardinal, una de las primeras cafeterías de especialidad en la Ciudad de México. Ahí adquirí la necesidad de crear la taza de café perfecta; moler los granos, calentar el agua a la temperatura correcta y disfrutar de cafés mexicanos es mi pasión”, cuenta Pau.

Se le nota cansada, pero feliz. Dos días antes comenzó un fin de semana intenso y revelador, pues tocó por primera vez en vivo. Viernes en CDMX, ante casi trescientas eufóricas personas y sábado en Guadalajara, ambas fechas al lado del trío dominicano Mula.

“Estos shows me sirvieron para perder el miedo, poner en práctica mi expresión corporal, ganarme la atención de la gente y tener contacto con los fans”, dice Pahua.

“Admiro mucho a Mula y abrir sus conciertos fue un reto personal que me hizo entender cómo realizar mi show y cómo quiero que la gente se identifique con mi música”, agrega.

Consolidarse y crecer

Parece que no hay mejor preámbulo para el estreno de su tercer EP, La Cura, que llega casi un año después del lanzamiento de su primer sencillo como solista. Muchas cosas han pasado desde entonces...

La Cura es un título que se antoja rejuvenecedor. En el EP encontramos cinco temas que exploran varios ritmos y envían distintos mensajes. Se mantiene, por supuesto, la esencia latina, con la guitarra como hilo conductor de canciones que transitan entre el folk pop, cumbia, afro pop y hasta trap.

Este EP es una búsqueda de la paz interior; a veces nos encontramos vulnerables, confundidos… es importante regresar a nuestro origen, escucharnos y curarnos”, reflexiona la cantante.

Con este material, Pahua se consolida como LA voz mexicana de la música electrónica folk alternativa y demuestra una capacidad creativa fenomenal, pues en apenas 11 meses ha lanzado 10 canciones propias, 4 remixes y 3 colaboraciones.

El poder de la latinidad

En el primer semestre de 2021, solo en Estados Unidos, los ingresos de la música latina sumaron $407,000,000 de dólares, un crecimiento del 37% comparado con el mismo periodo del año anterior; el resto del mercado musical en dicho país creció 27%... ¡Poder latino! Y Pahua es parte de ello.

Su música no solo ha sido escuchada por fans en Estados Unidos, donde cadenas radiofónicas como KEXP y KRCW la programan constantemente, también en Europa y Latinoamérica se le presta atención a sus estrenos.

Medios tradicionales, especializados y taste makers de más de 15 países avalan el crecimiento de Pahua: Jamz Supernova, de BBC Radio 1Xtra, Cal Jader de Soho Radio (ambos en UK) y Deep Shah de Colors (ALE) la apoyan constantemente; Sounds & Colors (UK), Shock (COL), Indie Hoy (ARG), Remezcla (US), Rolling Stone (MX), entre otros, escriben sobre ella; Radio 3 y Radio Gladys Palmera (ESP), Radiónica (COL) e Ibero, Reactor y Aire Libre (MX) programan su música.

A veces uno no se percata de cómo viaja la música; es hermoso ver las gráficas y saber que el tercer país que te escucha es Japón. Me llena el corazón que las personas me busquen para compartirme lo que sienten con mi música, me ha ocurrido mucho con extranjeros. Es lindo saber que la gente se identifica con lo que haces”, platica Pau, que está firmada con Nacional Records, sello de Los Ángeles, California.

Los números avalan la sensación colectiva de que la música latina conquistará aún más territorios del mundo, y aunque Pahua no busca el mainstream, es cuestión de poco tiempo para se convierta en una artista esencial de su nicho.

Solista, pero no sola

Si bien Paulina tiene bagaje en la escena alternativa, pues es la vocalista y letrista de Sotomayor, la experiencia como solista, aunque enriquecedora, no ha sido fácil.

“La organización es el reto más grande; solía ser una persona desordenada, pero este proceso me ha servido para organizar mi trabajo, con mi libreta, mi calendario… esto me permite planear el futuro y estar más enfocada”, confiesa.

Pau no ha surcado este camino sola, pues desde el principio de este viaje se rodeó de amigos muy queridos y talentosos, como la directora y fotógrafa Zeltzin Manzano, artífice del video de “Vayayó” y “El Traketeo” y las fotos de su primer EP, Ofrenda.

Pahua es un proyecto que nace del amor y la resiliencia, la muestra viva de la sutileza y el empoderamiento femenino; me enorgullece saber que existen proyectos tan genuinos y poderosos en Latinoamérica; nuestras raíces merecen ser reconocidas, celebradas y admiradas”, dice Manzano.

PAHUA-24

A ella se sumaron el fotógrafo Jesús Cornejo (fotos para La Cura EP), Michel Pax (productor de sus videos), la multi instrumentista Julia Zenteno (parte de su banda), personajes de la música que han apoyado en distintas cosas como Madame Recamier, Caro Lyne, Maya Piña (Budaya) y Laura Guevara, entre muchxs más.

Gracias a mis amigos he logrado concluir este trabajo; me han ayudado a complementar y unir su universo con el mío para hacer gráficas, diseño de arte, visuales, vestuarios y fotos. Además, admiran mi trabajo como yo admiro el suyo”, dice conmovida la también productora y DJ.

En la parte meramente musical, Pahua no escatimó y, al brillo y calidez que la caracterizan, conectó con personajes que le han aportado músculo y experiencia: desde cumplir el sueño de colaborar con La Dame Blanche (CUB), descubrir nuevos y talentosos amigos como Barzo (CR), componer a distancia con Gizmo Varillas (ESP) y Robert Strauss (UK), hasta ser remezclada por grandes como Klik & Frik (AR), Jitwam (US), CERO39 (COL) y Jiony (MX).

De aquí pa’l real

El café de Pau ya no humea, indicador de que la plática debe terminar, pero es imposible despedirme sin preguntar por el futuro, que traerá más retos y nuevas experiencias.

De entrada, dos sencillos más a principio de año, preámbulo de su primer disco de larga duración, que estará lleno de colaboradores de Latinoamérica. Luego, tocar en uno de los festivales de música electrónica más grandes de México. Finalmente, compartir.

“Me visualizo tocando mucho, creciendo como productora y compositora. Quiero compartir lo que hago con quienes están comenzando un proyecto musical, aportar mi conocimiento y ser parte de su universo”, concluye Pahua.

Escucha “Red Lipstick”, lo nuevo de Iommic

Melancolía nacida de la fertilidad en fuzz.

El dueto conformado por Eduardo Becerril en la batería junto a Francisco Doniz a seis cuerdas sacude de nueva cuenta al submundo del hard sound nacional con el recién estrenado track, componiendo, corte por corte, el disco debut y homónimo para el proyecto capitalino.

Si bien la dupla nos ha sumergido contantemente en una avalancha de riffs incandescentes y percusiones imparables “Red Lipstick” expande la paleta sonora de la banda al apuntar por un espíritu mucho más melancólico y ligero, permitiéndonos respirar entre las texturas de fuzz siempre presentes. Contrastando con la calidez y lejanía que nos transmite la lírica en los arreglos vocales.

Iommic_2020

“Just like a kiss on my skin I carry with me every road I kick. When I close my eyes I feel it, so deep and warm upon me”, escuchamos en el coro traducido como “Como un beso sobre mi piel el cual llevo conmigo por todo camino que tomo. Cuando cierro los ojos lo siento, tan profundo y cálido sobre mí”.

La producción llevada a cabo por Iommic en conjunto con Miguel Fraino (Cardiel, Vesubio 34) y Álbar Alcantar (Apolo, Daga) destaca en los momentos más intensos de la composición raspando los límites del rock alternativo y psicodelia deslavada, sin perder el blues al core del lanzamiento, ya disponible en todas las plataformas.

Top 10: Los mejores videos de octubre

Silvana Estrada, C.Tangana, Meth Math, Lido Pimienta y más en los mejores videos del mes.

A lo largo del mes tuvimos la oportunidad de escuchar decenas de canciones que afortunadamente llegaron acompañadas de grandes videos, así que antes de que te alistes para tener un fin de semana muy spooky y repleto de misterio, espanto, dulces y fiesta, toma asiento, abre bien los ojos y disfruta este maravilloso top de los mejores 10 videoclips de octubre que el equipo editorial de Indie Rocks! eligió especialmente para ti y tu buen gusto.

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