Cöstigan: melodías que crecen entre la finura de lo electroacústico

Transitar entre veredas multicolor.

En el último par de años, Nicolas Larre ha estado idealizando nuevos proyectos; uno de ellos y quizá el menos ambicioso, ha sido el de Cöstigan, una fina propuesta musical que se alinea entre el folk y el dream pop. El proyecto nació en 2020 con la simple idea de compartir rolas electroacústicas y poco a poco definió el sentido de cada una de sus composiciones en compañía de sus amigos Renzo Germán y Christian Hachiche quien a su vez impregnaron su talento con el bajo y la batería en Algunas Lagunas (2020); su álbum debut.

El confinamiento fue el mejor aliado para los uruguayos quienes aprovecharon todo el tiempo para seguir trabajando en demos; el resultado de este esfuerzo por fin se puede apreciar en Mundano, Vol. 1, su más reciente EP. Sus líricas sencillas, honestas y fácil de procesar, se acomodan a la premisa de esta banda: "un indie pop de gente común", tal como describe Larre.

¿Qué continúa para Cöstigan? Al ritmo que las letras se acomodan en estos tenues y cálidos sonidos pronto estaremos escuchando más canciones por parte de la banda. Más secuencias melódicas, cargadas de emoción y con la finalidad de compaginar con todos sus escuchas. Escucha su más reciente sencillo "Naves":

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A 25 años del 'Babel' del Santa Sabina

Babel, la risa de Dios.

El paso del tiempo es, casi siempre, un sabio y justo curador, que hoy tiene a Babel en el lugar que merece, y es que era imposible que a mediados de los 90 la banda supiera que estaba a punto de grabar un disco, necesario, obligatorio y atemporal.

Mencionar a estas alturas la importancia de Santa Sabina, de sus extraordinarios músicos y la inconmensurable figura de Rita Guerrero resultaría redundante, no así concentrarnos en Babel, un trabajo que a los ojos de sus protagonistas no resultó muy placentero el proceso de grabación, sobre todo de postproducción, hay un video en YouTube donde en entrevista para MTV en el marco de la presentación del disco en el Teatro Metropólitan, la banda hace saber su inconformidad.

Rita Guerrero, Poncho Figueroa, Alejandro Otaola, Patricio Iglesias y Juan Sebastián Lach, se pusieron en manos de Peter Baleani y Pedro Aznar, y aunque la vibra desde adentro no convencía del todo, el público resultó cautivado, le abrió los brazos, los oídos y se consolidó con el paso de los años.

¿Qué hace a este disco especial?, probablemente varios factores, primero es un disco largo, 16 canciones, intensas, ascéticas y memorables; es también el trabajo más conceptual de todos, es probablemente el momento más integral de la banda, me refiero a todos los ángulos, desde la estética hasta el performance. 

Alex Otaola declaró alguna vez que Santa Sabina tiene muchas caras y muchas aristas, Babel representa una muy interesante y entrañable, en este su tercer álbum de estudio se desprendieron sencillos como “La Garra” y “El Ángel”, ahora clásicos del rock nacional. 

El trabajo de la banda es un camino de exploración, de posibilidades, las referencias bíblicas aparecen, un aire lúgubre, incluso de desconsuelo, envuelve a Babel. Más allá de una evolución podría ser la consolidación, Santa Sabina deja de ser un grupo, para ser una bandera, para empezar la mitificación, se hace un espacio en el altar para ser adorados.

¿Es el mejor disco de su carrera? Puede ser, la afirmación es fuerte, pero la realidad es que todas las aristas de la banda son interesantes; su inicio contundente, el apoyo al EZLN, el regreso en el Vive Latino, el homenaje póstumo a Rita. Parece que Santa Sabina estaba destinada a marcar generaciones, a darle luz a nuestro lado oscuro.

Es irónico pensar que después de un cambio de alineación, de una grabación no tan grata, de un corte presupuestal a mitad del proceso, (es la última grabación de Culebra Records antes de quebrar), resulte un disco que la gente atesora con mucho amor, eso es como dice la canción, “La risa de Dios”.

En resumen, la juventud a mediados de los noventa necesitaba cantar que el arrepentimiento no basta para sanar, o que morir es llevar nuestro amor al abismo. En realidad no importa la década, siempre lo necesitaremos, necesitaremos a quien le ponga música a nuestra búsqueda y nuestro crecimiento, siempre vamos a necesitar a Santa Sabina.

Asaph Sánchez, pasajes de introspección y textura fílmica

El músico que ha formado parte de Orquesta Vulgar, Los Brass y otros grupos estrena su primer material de corta duración.

Metales, pasajes llenos de aliento y ambientes binaurales… Si te suena el nombre de Asaph Sánchez quizá es por su colaboración como saxofonista en Borchi y su Doble Redoble. Sin embargo, el músico de la Ciudad de México también cuenta con una larga trayectoria como musicalizador de cine y creador de esculturas sonoras. Por ello, ahora debuta oficialmente con su EP Renaissance.

Asaph Sánchez ha participado en proyectos como Orquesta Vulgar, Los Brass y Juggernot, además de un sinfín de colaboraciones con grupos cono MexFutura, La Banda Bastön, entre otros. Aunque en ellos desempeñaba un rol de instrumentista con su saxofón tenor, el músico desarrollaba en paralelo su propio concepto musical y ambiental inspirado en la obra de compositores como Brian Eno o Steve Reich. De este ejercicio surgieron piezas como “Protocol” y Trip To Space, entre otras.

Ahora, el músico estrena Renaissance, al cual define como su primer EP oficial como solista. Para este nuevo material, Asaph Sánchez se inspiró en su propio proceso de “renacer y reinventarse”, derivado de las nuevas formas de composición que aprendió tras año y medio de encierro.

Se trata de un disco corto pero ambicioso: busca a un escucha comprometido y atento. Es una obra minimalista donde los motivos musicales crean texturas, las texturas crean ambientes y los ambientes generan emociones”, agrega Sánchez en comunicado de prensa.

Ya puedes escuchar Renaissance completo a continuación y adquirirlo a través de Bandcamp. Si te gusta el material, no olvides asistir a las presentaciones que Asaph Sánchez estará dando en diferentes foros de México para estrenar en vivo cortes de este EP. Síguelo en redes sociales para más información de estas fechas.

Mild Minds presenta su nueva canción “Haunted”

Un paisaje sonoro de sintetizadores y voces cautivadoras.

Tras el tiempo incierto de la pandemia y una exploración de sensaciones melancólicas, el artista Mild Minds se sumergió en la oscuridad para darnos su nuevo tema “Haunted” a través de Foreign Family y que ya está disponible en las plataformas de streaming.

La combinación de sintetizadores, voces cautivadoras y un ritmo contundente son los ejes centrales que conforman a "Haunted", un paisaje sonoro que enaltece la producción de Mind para capturar la esencia de cada sonido y posicionar en primer plano un circuito electrónico.

Creo que todos pasamos gran parte del 2020 contemplando mucho sobre nuestras propias vidas, mientras sentimos una sensación general de oscuridad sobre si perderíamos a nuestros seres queridos o no; a muchos sí nos sucedió. La pesadez de todo esto me llevó a explorar temas más melancólicos en mi música. Me encontré rompiendo todos los matices que podrían estar asociados con la melancolía; explorando la muerte, la pérdida, el renacimiento y la belleza asociada”, destacó Minds en un comunicado de prensa sobre el significado de su recién tema.

Luego de lanzar sus dos sencillos “Machine” y “No Skin”, los cuales fueron bien recibidos por la audiencia, el cantante regresa a los reflectores para darnos una composición más profunda e íntima con “Haunted”. Sin duda, las composiciones de Mild Minds son un perfecto “equilibrio entre el estado de ánimo listo para la pista de baile y el downtempo”.

Entrevista con Jueves

Cambiar la jugada de las mujeres dentro de la escena musical.

Adryana Marroquín y Leiden recuerdan su primera reunión como sello discográfico hace seis meses: una tarde cálida y llena de energía que fungió como una nueva etapa dentro del ecosistema musical. Poco a poco su proyecto tomó forma y fue nombrado como Jueves, una comunidad de talento femenino que narra sus pensares y sentires a través de la música. Su misión es simple: posicionar a las mujeres dentro de la escena nacional y formar una red de apoyo desde el mundo artístico.

La idea surgió luego de que ambas artistas se percataron que su lugar soñado estaba regido bajo un sistema patriarcal y misógino que les impedía sobresalir. Al darse cuenta de la falta de espacios para producir y presentar trabajos musicales de mujeres, dirigidas por ellas mismas, decidieron emprender su sello con tal de afrontar desde su trinchera las adversidades entorno a la música y así formar una alianza entre el sector femenino.

Cuando creces y te enfrentas en un entorno como es el de la industria musical, te das cuenta que te faltan ciertas herramientas en tu personalidad. Uno de los impulsos para crear este sello fue entrar a este otro mundo de hombres pero con mujeres, con una propuesta nueva, como crecer en ese sentido”, destacó Adriana, mientras el ruido de la ciudad se sumerge en la entrevista.

Este proceso introspectivo le otorgó a Jueves las bases claves para cimentar sus objetivos, mezclar nuevos ritmos y sonidos; así como el abrir la puerta a nuevas colaboradoras que dediquen su tiempo a una vertiente musical. El inicio de este sello está a punto de comenzar.

Día Jueves

Si algo caracteriza a Jueves es su peculiar conexión entre cada integrante del equipo para componer y compartir su talento musical desde un lugar más intuitivo. Fue así como Adryana y Leiden se unieron y comenzaron a reunirse cada Jueves para trabajar en los detalles de su sello, convirtiéndose en un equipo con energía muy orgánica; una particularidad y esencia de su proyecto.

Cuando iniciamos con esta idea nos empezamos a reunir cada jueves y desde ahí todo ha sido muy intuitivo y muy fluido. Así que me pareció muy fresco y un poco random llamarnos como el día de la semana. También quisimos llevar un nombre que no fuera totalmente femenino, sino que pudiera traer las energías de creación y de acción”, destacó Leiden.

La originalidad con la que se desarrolló Jueves fue la misma para conectar con artistas de diferentes latitudes, entre ellas: Ximbo, Tyna Ros, Michelle Anzo, Edna Nao, Rosk, Fer Elío, Lúa Jenn y por supuesto sus creadoras y desarrolladoras: Leiden y Adryana Marroquín, artistas musicales y escénicas con más de diez años de trayectoria.

Esta alianza entrelaza los géneros que van desde el alternativo, el hip hop, el trap, el norteño, el indie nostálgico hasta el rock, lo latino y pop electrónico. Sin duda, “una estructura muy sólida de apoyo mutuo de trabajo y de seguir desarrollando y produciendo cosas”, comentó Leiden para Indie Rocks!

“Bruja”: un himno de hermandad femenina

El esfuerzo y pasión plasmada en Jueves y la energía de cada artista fueron motores que impulsaron el tema “Bruja”, la primera producción colaborativa del sello y la bienvenida a un nuevo renacer. A través de melódicas voces se percibe un mensaje sobre la independencia, la liberación y la toma de conciencia respecto al rol de la mujer en la actualidad, apegado a la equidad y la superación personal.

Cuando escuchas la canción hay siete universos, siete voces diferentes, siete propuestas y siete perspectivas de la vida que si bien son distinta. Es una re significación desde varios lados como mujeres y artistas”, destacaron Adryana y Leiden como recta final de la pintoresca conversación.

La canción “Bruja" evoca a una resignificación femenina y dejar a un lado todo aquello que la ha nos vulnera. “Se busca resemantizar algunas palabras que normalmente se utilizan de una manera negativa hacia la mujer y que nos parece que son palabras y conceptos fuertes y poderosos, además integra las múltiples facetas de la naturaleza femenina”, mencionan en comunicado de prensa.

Esta canción poderosa busca conectar con todos los públicos y proponer un statement de la visión de la mujer en la escena musical. Un ejemplo que perdurará en Jueves y que seguirá reproduciéndose como un himno de hermandad femenina en nuestros corazones.

Deerhoof — Actually, You Can

Actually, You Can la reinvención del rock en el nuevo disco de Deerhoof.

Desde hace un par de semanas que se anunció nuevo material de Deerhoof estremeció a más de uno y bastó con ver el videoclip para intuir que se aproximaba algo emocionante y único, lo cual no es extraño para la banda estadounidense.

“Department of Corrections” fue el single que anunció el décimo octavo álbum de Deerhoof que lleva por título Actually, You Can y el cual fue lanzado hace un par de días y nos lleva por un viaje musical a través de distintos géneros, sonidos y atmósferas.

Este nuevo proyecto está bajo la dirección de Joy Full Noise y cuenta con nueve temas que demuestran porque Deerhoof sigue vigente a pesar de tener más de 20 años en el mundo musical y como siguen innovándose a sí mismos.

Ya hablamos de “Department of Corrections” la cual fue preludio de este álbum y anunciaba a grandes rasgos que escucharíamos: notas llenas de energía con distintos timbres a cargo de la voz de la cantante japonesa Satomi Matsuzaki, pero también nos dieron un adelanto visual a cargo del artista Jess Joy el cual crea un diseño único que actúa de manera simbiótica con esta tema y lo cual nos prepara para 30 minutos de alucinación musical.

Lo primero que escuchamos en Actually, You Can es “Be Unbarred, O Ye Gates of Hell”, la cual funciona a manera de cuento futurista ya que narra una rebelión de tomates a manera de Matrix y nos muestra a grandes rasgos lo que está por venir: rock con fusión de jazz y destellos de algunos otros géneros que nos sorprenderán más adelante.

El siguiente tema es “We Grew, and we Are Astonished” el cual se entiende como el crecer y ver la vida de otra manera y la cual es una premisa que recorre el disco y justo como la agrupación lo ha declarado en varias ocasiones con este proyecto “los maravillosos misterios de la vida que se suman en una hoja de contabilidad…” para esta parte ya sabemos que el rock es una pieza fundamental de este disco y el cual se hace notable gracias a Greg Saunier en la batería y John Dieterich y Ed Rodríguez en la guitarra.

Posterior a este tema podemos oír “Scarcity is Manufactured” y “Ancient Mysteries, Described” las cuales preparan el camino para llega al punto más alto del disco que es “Plant Thief” la cual nos muestra como la banda sigue vigente en el mundo del rock, como ha sabido adaptarse y presentar propuestas nuevas de un mismo género y al escuchar la letra pareciera un sueño. Este sueño es llevado visualmente en tu videoclip que funciona al igual que el primero: una historia que pareciera infantil pero con destellos alucinantes y oníricos que nos alejan de la realidad.

Pará cerrar este proyecto vienen tres canciones más, las cuales por ser las últimas no quiere decir que sean malas, sino todo lo contrario: son un cierre majestuoso para este proyecto. “Our Philosohy is Fiction” es una canción que va suave y toques reflexivos, pero tiene matices de Trip Hop que nos recuerdan un poco a las letras de Portishead, pero lo llevan al otro extremo con la batería que se mantiene constante y nos deja en claro el estilo de Deerhoof.

Finalmente, llegamos a “Epic Love Poem” y “Divine Comedy” las cuales funcionan como un gran desenlace ya que mantienen el ritmo del disco pero de manera más suave, con ambientes reflexivos sin dejar de lado las letras reflexivas que en ocasiones pareciera están dirigidas a la vida misma.

Este ha sido uno de los discos más esperados, ya que durante el confinamiento fue una de las bandas que se mantuvo con mayor actividad y ahora sabemos lo que estaban cocinando. Durante este disco vemos que la banda tiene una madurez y se han consolidado dentro de un género que han sabido explorar. Quienes digan que el rock ha muerto es porque no han escuchado Actually, You Can de Deerhoof.

Francisco, El Hombre — CASA FRANCISCO

Una odisea llena de hazañas para homenajear a vida, la muerte y a la naturaleza. Francisco, El Hombre se muestra tal y como es en una de sus producciones más honestas.

Aunque parezca sencillo, cuesta mucho trabajo asimilar la palabra "casa" u "hogar". ¿Dónde queda eso?, quizás es donde sentimos que pertenecemos, donde nos sentimos identificados, y ese lugar tan mágico que a veces es conflictivo nos conoce tan bien que sabe todos nuestros defectos, y también nuestras virtudes. La casa es ese lugar que atesoramos, que nos abraza y es reflejo de nuestra identidad. Ahora, al escuchar CASA FRANCISCO, el nuevo álbum de Francisco, El Hombre, podemos acercarnos un poco al hogar de este quinteto.

A la banda le tomó un par de años volver a centrarse en el proyecto luego de una serie de trabajos alternos y una pandemia que nos atrincheró a todos, pero el regreso valió la pena. Valió la pena porque este nuevo álbum es el que, en palabras de la agrupación, más les representa. Y es que ahora, gracias a que los integrantes cuentan con la capacidad de auto producirse y de no depender más que de ellos mismos es que podemos escuchar un disco bastante bien logrado, donde la banda dejó plasmadas canciones que desde hace años querían sacar, así como algunas nuevas piezas.

Las 10 canciones de CASA FRANCISCO son resultado de una selección que comenzó con cerca de sesenta temas. La banda recopiló las mejores y ahora tenemos disponible un brillante rompecabezas de sonidos e historias emocionantes para bailar, reflexionar y ¿Por qué no? rendir homenaje a esas cosas hermosas como la naturaleza, nuestras raíces, la vida y la muerte. Todo en un camino apasionante.

francisco, el hombre_2021

Música de colisión intercultural.

Uno de los principales factores de CASA FRANCISCO es la espontaneidad entre cada track. Ninguna canción es predecible y siempre pueden aparecer diferentes instrumentos que agregan texturas interesantes y hacen de cada canción una experiencia única. La mezcla de sonidos que van desde la zamba, punk, folk, reggae, ska, rock, dance, ritmos tropicales entre otros al final es resultado de toda la influencia que ha forjado la identidad del proyecto.

Es entonces que la música que presenta Francisco, El Hombre resulta un conmovedor y divertido tránsito entre los diversos sonidos que impactan no solo en Brasil, también en los demás países de Latinoamérica, donde compartimos un gusto por ciertos compases, por cierta intensidad y por una forma compleja de explicar sobre como disfrutamos la música. Más allá de cualquier idioma, el diseño sonoro de CASA FRANCISCO tiene ese toque que conecta con todos, y que tiene dentro mucho factor humano, que se refleja en cada matiz y en cada brazada.

El nuevo álbum de Francisco, El Hombre es ideal para correr por la playa, para bailar en la noche lluviosa, para saltar con amigos en un moshpit, para dejarse llevar por el ritmo y sobre todo para sonreír y disfrutar, porque al final, pese a todo dolor estamos aquí, en el único lugar del universo donde sabemos que hay aire, y por ende, el único lugar donde podemos escuchar música. El mundo es nuestra casa, y la música también.

En el desarrollo del álbum hay temas bailables como "Loucura", "Ocê" y "Olha a Chuva", que gozan de un ritmo colorido y pintoresco, aunque por otra parte hay algunas pistas suaves y enigmáticas como "Arbolito" o "Se Não Fosse Por Ontem", donde reinan las guitarras acústicas y las voces suaves.

El disco está lleno de colaboraciones que intervienen de forma acertada en las canciones y el crecimiento de la obra. Podemos encontrar a Josyara, Dona Onete, Rubel, Céu y directamente desde España a La Pegatina, quien colabora en "Solo Muere el que se Olvida", probablemente el tema más importante y climático en todo el álbum. La mezcla cultural es impresionante, y es un recurso que la banda aprovecha para generar una serie de factores sorpresa que dejan bastante alegre al oído.

La casa está en cada uno.

Las historias que narra Francisco, El Hombre en este nuevo álbum son un recorrido por esas cosas y personas que atesoramos, que hacemos nuestras. La banda plantea una serie de formidables reflexiones para considerar nuestro lugar en el mundo, así como, de algún modo, dar a entender que a veces esos detalles o seres que amamos son nuestra casa, así como también podemos serlo nosotros mismos.

Si bien, no es un álbum conceptual, la banda toca el tema de la muerte con "Solo Muere el que se Olvida". La reflexión nos invita a ver los claroscuros que trae consigo un momento tan doloroso desde una perspectiva optimista y esperanzadora. Por otra parte, hay canciones que rinden homenaje a esos fenómenos naturales que a veces son tan comunes que no los valoramos, tal es el caso de y "Coração Acorda".

Al final, considero que las sensación más importante al escuchar CASA FRANCISCO es esa posibilidad de sentirse humano, con dolores pero también con alegrías y emocionantes aventuras. El hogar siempre varía, a veces es el mundo, a veces es una casa, a veces son las personas, pero siempre hay un hogar en nosotros. Y hay que abrazarlo y cuidarlo.

Te invitamos a escuchar el nuevo álbum de Francisco, El Hombre, un viaje de sonidos estimulantes para disfrutar.

Segundo aniversario de Devil In The Woods el Foro Indie Rocks!

Un segundo renacimiento entre meteoros de sonido.

Si bien el nombre Devil In The Woods puede llegar a sonar relativamente nuevo dentro de tierras nacionales, el sello, fundado originalmente por el gurú del indie Mike Cloward a finales de los 80, cuenta con una larga trayectoria a la hora de descubrir mundos de talento jamás explorado. Tras un reset forzado por la llegada de lo digital, la label ha logrado florecer una vez más dentro de la fertilidad del mexaground, celebrando a filo de blast en overdrive uno de los conciertos más intensos vividos dentro del Indie Rocks!

El primer acorde de la tarde alcanzaría el vestíbulo del venue cortesía de Axel Catalán, deleitándonos con un set breve pero sustancioso repleto del folkpop eléctrico característico del moreliano, todo enmarcado por los chispazos multicolor del altar de Día de Muertos montado a sus espaldas.

Ya entrados en el heat de celebración sónica la estafeta pasaría a los arreglos de distorsión surf y tropijam sello de Los Flakos, presentando una marejada de melodías frescas, explosiones de energía y la sensación de indie garage en la peculiar voz del frontman; sonoridades de la periferia directo desde el pacífico mexicano.

Los sonidos tropicales retratados por el sexteto se derretirían al calor del sacro fuzz en las guitarras de The Froys, acompañados por Uriel Mena (Meelt) desde las trincheras de lo percutivo. Tras poco más de cuarenta minutos en un hilo constante de saturaciones ultragarage el suelo del recinto empezaría a desprenderse con el fluir de los escuchas, convirtiendo el segundo aniversario de DIW en un flamante meteoro de sonido próximo a impactarse contra el escenario.

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El glitter punk a cargo de Las Pijamas serviría como combustible para la creciente sensación piromaníaca respirada entre los asistentes. Bajos crudos, riffs en distorsión y voces más allá de lo estridente fueron los recursos de los que se sirvieron las integrantes para llevar al foro hacia un remolino de hard sound y diamantina, llegando a un punto alto con Sophie Rue, vocalista y guitarrista del proyecto, usando un cuchillo de 20 cm como slide sobre su Jazzmaster.

El dueto formado por los hermanos García tomando el frente del Indie Rocks! auguraba el final de las festividades, no sin antes convertir al público en un grito de slam continuo al calor del punk garage. El despliegue hipermelódico de Sgt. Papers se vería aderezado con la participación de Rodrigo Desentis (The Risin' Sun, The Bunyans) caracterizado como Slash, terminando de catapultarnos hacia el último stage del incendio sensorial hecho concierto.

Sgt. Papers_Foro Inde Rocks_David Durán (4)

Dos guitarras, bajo y batería fue todo lo que necesitó El Shirota para volar en pedazos a los reunidos esa noche bajo el signo de Devil In The Woods. Soundscapes texturizados, rugidos armónicos y la siempre presente sensación de masividad sonora nos inundaron hasta el último rasgueo de los headliners, elevando cada track como proyectiles espirituales dirigidos a la fibra más sensible de los asistentes. Sin mencionar la participación del ex-Shirota, Mauricio Avendaño (Loiis), dejando caer el encore a cargo de "Chiluca" seguida de "El Bob Rosendo".

El venue arrancado y disparado a 124,000 kilómetros por hora terminaría por colisionar poco antes de la medianoche, dejando el resonar de techo y paredes como único colateral tras de sí. La sensación post impulso nos guiaría de vuelta a la antesala donde éramos recibidos por el oleaje vinil en DJ set de Los Blenders, colocando las cerezas finales a la celebración.

Algora — Pódium

Confesiones juveniles en busca de la identidad propia.

Algora sigue siendo un secreto en la escena independiente española, pero seguramente algunos de ustedes lo lleguen a identificar más por sus incursiones como letrista en los temas de La Prohibida, y recordarán lo exacto que resulta cuando se trata de combinar, mensaje, letras y melodías pop. Ahora regresa con un nuevo disco, de carácter casi conceptual: Un joven que poco a poco va descubriendo que nació para perder, obligado a ser un ciudadano de segunda clase por una sociedad que juzga y castiga lo diferente. Pódium es su más reciente placa, un disco que aborda la búsqueda de identidad (tema que nunca pasa de moda) pero con claras reminiscencias al pasado.

Bajo la producción del propio cantautor, el disco inicia con “Días de Nieve” que relata a un joven pidiendo que el clima se ponga de su lado para que no tenga que asistir al colegio, con un piano siempre presente, la balada navega entre el pop de los 70 que lo mismo enternece y conmueve. El track que le sigue parece indicar que hay ciertos saltos cronológicos, en “Luna de Cazador” habla de una persecución mayor, pero en una etapa de la vida distinta a aquellos que solo desean amar.

Tras dos temas oscuros llega el sencillo “Medalla de Oro” que navega en la misma bandera de la melancolía pero al ritmo del baile, desde una relación en la que uno de los dos es el “trofeo” del otro. Es así como entre cada tema hay un mensaje claro de lucha contra uno mismo y el sistema como en “Los Amantes de Magritte” que habla del closet como refugio. Es así como continúan los relatos escalofriantes de la lucha por vivir (“Liebre”) una pareja que busca un momento de paz mientras se prepara para luchar contra la sociedad (“Polvo”).

Uno de los mejores temas del disco llega con "Kreuzberg Blues", una canción  de desamor por el que cualquiera que desconozca al cantante, o que no sienta identificado con la temática abiertamente diversa del disco podría empezar; una base electrónica que parece ir creciendo pero que mantiene el pulso durante el coro para crear algo que, con un remix podría ser cantando por Fangoria.

El disco cierra con dos piezas para la pista de baile “La Destrucción del Mundo” y el tema que da nombre al disco, ambas entrelazadas por sus títulos. La primera es un relato ciberpunk de venganza que bebe del pop de los años 80 y el italodisco. Pero es en “Pódium” dónde nuestro personaje se acepta, determina que ha nacido para no triunfar, pero no por ello va a dejar que la historia se repita, entre un paisaje casi apocalíptico Algora cierra un disco, crudo, sincero y al mismo tiempo netamente pop.

Es probable que la temática sea tan incómoda que este material se quede a futuro en el circuito de culto, pero es la misma sociedad la que ha determinado que pocos son los que están destinados a fracasar y tal vez para ellos es este material.

Yard Act estrena “Land Of The Blind”

Riffs pegadizos y ritmos implacables.

La banda originaria de Leeds, Yard Act, ha anunciado la llegada de su LP debut titulado The Overload, material que saldrá el próximo 7 de enero a través de Island Records y el sello propio del cuarteto Zen F.C. Después del lanzamiento de algunos sencillos durante el 2020 y principios del 2021 la banda estrena su nuevo sencillo "Land Of The Blind".

El nuevo tema es el segundo adelanto de su tan esperado álbum debut, el cual toca temas sobre el arte de la ilusión y la construcción de la confianza para poder llegar a tener una vida armónica y pacifica. Con una base de bajo bastante solida y riffs bastante interesantes, la banda logra tener un sonido pesado, fresco y vanguardista.

La canción es acompañada de un video musical dirigido por el director James Slater, quien por segunda vez colabora con la banda. A continuación te dejamos con lo nuevo de Yard Act y disfruta del vibrante ritmo de "Land Of The Blind".

El esperado álbum The Overload será un registro político que de alguna forma analizará lo compleja que resulta ser la naturaleza humana actualmente. Con cada adelanto que comparte Yard Act, van reafirmando el por que son tan aclamados por su público y por las criticas.

Ya puedes pre ordenar The Overload aquí 

Yard Act__2021

1. "The Overload"
2. "Dead Horse"
3. "Payday"
4. "Rich"
5. "The Incident"
6. "Witness (Can I Get A?)"
7. "Land Of The Blind"
8. "Quarantine The Sticks"
9. "Tall Poppies"
10. "Pour Another"
11. "100% Endurance"