“A Toda Velocidad”, el nuevo sencillo de Marineros

Marineros, el dúo conformado por Cer y Soledad, dio a conocer otro avance de su segundo álbum de estudio, lleva por título "A Toda Velocidad".

Después de "Rosas", "A Toda Velocidad" es la segunda muestra del futuro disco de estudio de Marineros, lanzamiento que tiene incierta su fecha de estreno, pero ya se está negociando.

Dentro de un pop romántico, característico de Javiera Mena, una de las mujeres más importantes en esta escena y parte de la inspiración de Marineros, presenta este single lleno de melancolía y amor.

Esta canción fue escrita con la perspectiva que da el tiempo. Es un amuleto para recordar que hay que amar la incertidumbre y entregarse al destino sin aferrarse a ilusiones, sino a uno mismo. La hicimos para desapegarnos del miedo a los finales, porque de ellos surgen también los comienzos", mencionó el dúo en un comunicado de prensa.

Es una canción producida por Cristián Heyne, las integrantes de Marineros afirman que es una representación fiel del espíritu que tendrá su futuro disco. Un trabajo que será "melancólico, retrofuturista y atemporal, porque nosotras marchamos al ritmo de nuestro propio corazón”.

Dale play a continuación:

Conoce 'De Las Raíces A La Fusión', un podcast de Magazine AM:PM

Disfruta y conoce sobre el jazz afronorteamericano, a través de un podcast que te lleva desde los inicios hasta el momento cúspide.

A principios de este 2022 surgió un nuevo y maravilloso proyecto que no puedes dejar pasar; se trata de De Las Raíces a La Fusión, un podcast en el que nuestros amigos Magazine AM:PM, grandes expertos en música cubana, se encargan de hacerte llegar información, datos y todos los detalles importantes y descatables sobre la historia del desarrollo del jazz afronorteamericano, desde sus raíces africanas hasta el período fusión de los años 70.

Todo se basa en un ensayo de John Harden, y es Omar Pérez quien se encarga de darle traducción y voz a las grabaciones. El podcast, hasta el momento ha tocado temas como los orígenes del jazz tras la abolición de la esclavitud, la fusión de tradiciones entre los spirituals y el blues rural, el nacimiento del Hot Jazz, los pequeños pero poderosos registros del jazz en Nuevo Orleans, la discriminación y segregación racial, entre otros.

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Este proyecto cuenta con 12 episodios, de los cuales se conocen hasta el momento, cinco. Así que si las matemáticas no te fallan a ti ni a nosotros, aún tienes tiempo para disfrutar siete episodios más y conocer a través de ellos lo que resta por saber sobre el mundo del jazz.

Puedes disfrutar el podcast desde distintas plataformas streaming, conócelas todas dando clic aquí y no dudes en darle play a De Las Raíces a La Fusión.

Meme del Real musicaliza 'Amsterdam', la nueva serie de HBO

Amsterdam es la nueva serie mexicana de HBO, ¿y quién mejor para musicalizarla que el cofundador de Café Tacvba?

El músico mexicano Emmanuel del Real, mejor conocido como Meme, fue el encargado de musicalizar Amsterdam, la nueva serie mexicana original de HBO que cuenta la historia de amor de una pareja que vive en la Colonia Condesa en la Ciudad de México.

El integrante y cofundador de Café Tacvba, la banda mexicana que a lo largo de su trayectoria ha plasmado en sus canciones mucha de la identidad de la capital mexicana, realizó la selección musical para una historia que ocurre una parte más “cosmopolita”, de la CDMX.

El reto fue encontrar canciones clásicas que todos conocieran para poder dotar de una nueva identidad a esa parte de la ciudad y a la película. Y para este trabajo, Meme contó con la ayuda de artistas como Ximena Sariñana, Elsa y Elmar, Ángela Aguilar, Marisoul (de la Santa Cecilia), Santiago Casillas (de Little Jesus) y Luis Humberto Navejas (de Enjambre).

Son temazos espectaculares. La idea fue poder reversionar estos temas y darles una identidad diferente, una revisitada para refrescarlos con el lenguaje de esta generación en la que están depositadas toda la serie y la ciudad”, mencionó el músico.

Meme del Real ha comentado también que la banda sonora quedó muy acorde al lugar en el que se desarrolla la serie, y que quienes colaboraron con él para crearla son artistas conocidos o con carreras en ascenso que tienen una relación íntima con la movida musical de la ciudad o las ciudades en las que se podría replicar esta historia. 

Además, se buscó integrar a cantautores con públicos diferentes, para que así la banda sonora y la película pudieran llegar a mucha más gente. Y aunque el tecladista, cantante y productor mexicano se reservó los nombres de las canciones reversionadas hasta antes del estreno, ya podemos disfrutar de su selección musical en Amsterdam, disponible desde el 20 de marzo a través de HBO Max. 

Te dejamos el tráiler a continuación:

Fontaines D.C. estrena “Skinty Fia”

Una canción que se desarrolla entre escenas sombrías y paranoia.

Desde Dublín, Irlanda, Fontaines D.C. estrena “Skinty Fia”, un sencillo que forma parte de su tercer álbum homónimo. La banda continúa regalando emoción a sus fans con cada avance que sale a la luz, pues el lanzamiento de este disco será el 22 de abril.

“Skinty Fia” es una expresión irlandesa que demuestra molestia o decepción. En inglés se traduce como "The damnation of the deer" y en español como "la maldición del siervo".

El estreno viene acompañado de un videoclip que tiene una atmósfera oscura. Se desarrolla dentro de una fiesta que se caracteriza por una sensación de paranoia causada por el alcohol y las drogas. La canción está llena de un post punk que te hará bailar, pero al mismo tiempo te da una sentimiento de inconformidad y descontento.

Dale play:

El material audiovisual está dirigido por Hugh Mulhern. Al igual de los videos de "Jackie Down The Line" y "I Love You", los dos sencillos anteriores, está lleno de velas, rosas y predominan los colores rojo y azul dentro de la escenografía.

Skinty Fia es un álbum producido por Dan Carey, estará disponible para el público el 22 de abril de este año por parte de Partisan Records. Será un disco lleno de post punk, melancolía y enojo.

Festival de Primavera en CDMX

La primavera puso a bailar a la CDMX.

El fin de semana el Centro Histórico de la Ciudad de México se convirtió en una pista de baile. El kiosco de la Alameda Central, la plaza Tolsá, el Zócalo, la plaza de Santo Domingo, entre otras sedes, recibieron al Festival de Primavera, evento que de manera gratuita albergó más de 30 conciertos, obras de teatro y una función del Circo de Hermanos Atayde. 

Creo que uno de los mayores problemas que suelen tener los festivales es que están hechos exclusivamente para jóvenes. Si uno no tiene la fuerza de aguantar horas en el rayo de sol o la lluvia en lugares en donde no hay otra cosa que multitudes, se pierde del concierto que le gusta. El Festival de Primavera, una grata excepción, encontró un equilibrio de géneros musicales para que familias y jóvenes pudieran deleitarse.

Niños y adultos mayores pudieron disfrutar de una diversidad de espectáculos. Un hecho importante fue el regreso del mítico Teatro del Pueblo, después de que estuviera cerrado por varios años. No faltaron las carcajadas con las funciones del carro de comedias de la UNAM, algunos clowns y del único e inigualable Circo Atayde Hermanos, que logró ganarse los aplausos del Zócalo. Pocas cosas resultan más gratas que ver a las infancias reír en compañía de sus abuelos. Durante la función del circo, las primeras filas del Zócalo estuvieron reservadas para los adultos mayores, que podían pasar con sus nietos a un espectáculo que con lo “sencillo”: malabares, payasos, acróbatas, hicieron pasar un momento de ilusión a los pequeños, que en su mayoría por primera vez acudían a un circo.   

La primavera la asociamos con florecimientos, con dejar atrás el frío invierno donde estuvimos resguardados. Tal vez nuestro clima y los efectos que lo hacen cambiar, no nos haga sentir ese efecto tan drástico como en otros lugares. Lo cierto es que esta serie de conciertos revivieron una manera de ser del Centro Histórico que conservamos sólo enterrados en la memoria: la de los grandes conciertos. Es verdad, no estuvo ni Paul McCartney ni Café Tacvba en un Zócalo a reventar. Nuestra circunstancia es otra, pero no por eso estuvo ausente la fiesta: la plaza Tolsá (donde está el caballito y el Munal) se llenó de gente que vibró con una sesión de música electrónica de calidad mundial. Seguramente fue la euforia que muchos tenían guardada, pero artistas como el chileno Matías Aguayo o los peruanos de Dengue Dengue Dengue, lograron que las multitudes celebraran con el cuerpo esos ritmos acompañados de ligeros toques tribales. Fue algo realmente bonito que a pesar del desmadre de la fiestota el ambiente fue familiar, varios niñxs bailaban al lado de las diversas tribus urbanas que regresaron masivamente  al espacio público.  

MX BF DENGUE DENGUE DENGUE

La mezcla de tradición y modernidad del line up hacía que cualquiera pudiera encontrar algo que les gustara. Unas hermanas que venían desde los tuxtlas por una situación médica, no se separaron del escenario que se instaló en el Edificio Guardiola para recibir a tríos como los Dandys o Los Panchos. Una de las hermanas me comentó con los ojos húmedos: “están tocando todas las canciones que le gustan a mi papá que está ahora en el hospital.(...) Cantar para nosotras es una manera de descansar del hospital, pero también es una manera de estar con él”. 

Las chicas de Xochicanela y su son Huasteco pusieron a zapatear a la gente que se acercó al kiosco de la Alameda Central. Lo mismo que el sonidero de las Musas Sonideras que pusieron a bailar a más de un turista. Por no decir de las danzoneras o la Orquesta Pérez Prado. Definitivamente,  si algo no le falta a esta ciudad es gente dispuesta a bailar a la menor provocación.    

Lo valioso de este festival no sólo lo es por sus grandes músicos, sino por su posibilidad de silencio, de descanso. Basta con que uno camine cuatro cuadras para poder encontrar una cafetería, lejos del bullicio, donde comer algo a un precio accesible. De tal manera, insisto, en que uno no tiene que quedar atrapado en un foro lejos de poder darse una pausa. O en su defecto, en este festival uno podía irse a un escenario más confortable a escuchar jazz. Para una opción más clásica, la iglesia de Santo Domingo, que no es cualquier capilla, llenó todas sus bancas con el público que fue a escuchar a la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México.

Como cualquier festival también tuvo cosas malas, por ejemplo, ahora cuando caminemos por el centro y veamos la plaza de Santo Domingo o la plaza Tolsá sin ningún escenario montado, pensaremos que ahí bien podría estar tocando una banda… Nos quedamos con la sensación de que en el centro hay muchos comercios y museos pero no hay un lugar para la música, que siempre tendría que estar presente.

 

Will Butler anuncia su salida de Arcade Fire

Es tiempo de cosas nuevas.

El músico multiinstrumentista Will Butler, ha anunciado su salida de Arcade Fire, la noticia se compartió el sábado pasado justo antes del show que la banda dio en el Bowery Ballroom de Nueva York. El guitarrista explicó por medio de sus redes sociales que es una decisión que tomó desde hace un tiempo y que es ajena a cualquier clase de conflicto con sus compañeros.

A través de Twitter el artista de 39 años contó que alcanzó a participar en la grabación del próximo disco de la banda WE. Más adelante el músico reveló que se encuentra trabajando en un nuevo álbum como solista, para el cual ha arreglado algunas presentaciones para el verano. De igual forma confirmó que musicalizará una obra de David Adjmi y que tiene una serie de propuestas para los próximos meses.

No hubo ninguna razón aguda más allá de que yo he cambiado, y la banda ha cambiado, en los últimos casi 20 años. Tiempo para cosas nuevas.”

Al final dejó en claro que no terminó con una mala relación con sus ex compañeros asegurando que para el son su familia: "Los del grupo son mis amigos y mi familia. Estaré por ahí. Nos vemos”Will Butler fue uno miembros centrales de Arcade Fire, formando parte del proyecto desde el 2003, su carisma y su talento quedarán plasmados en cada una de las producciones de la banda.

Gracias a cualquiera que haya venido a los shows de AF, haya comprado un disco o ame nuestra música. Es significativo ser parte de sus vidas. Gracias a la tripulación, el personal, la gerencia, la gente del sello discográfico, las bandas, los artistas y los amigos que ayudaron a hacer realidad nuestra visión durante tantos años."

 

 

 

 

 

King Princess comparte “For My Friends” y anuncia nuevo álbum

Hold On Baby... una nueva era de King Princess ha llegado.

La cantante y compositora estadounidense, King Princess, publicó a través de sus redes sociales “For My Friends”, primer single de su esperado segundo álbum que lleva por titulo: Hold On Baby y se estrenará antes de finalizar el 2022.

For My Friends” llega acompañado de un jocoso videoclip dirigido por Nick Harwood que fue grabado en diferentes sitios de la ciudad de Nueva York, en el que Princess  muestra una representación de lo entrañable que es su relación con sus amigas en vida real.

Pensé que sería fabuloso, lanzar este nuevo álbum con una canción dedicada a mis dos mejores amigas de la escuela… Esas chicas han estado conmigo a través del pozo y mientras más tiempo paso con ellas, como adulta, más recuerdo que ellas son mi hogar”, destacó Princess.

Acá puedes ver el video:

Además de “For My Friends”, King Princess anunció que realizará con una gira a través de Estados Unidos y Canadá, para promocionar el álbum venidero. Esta gira arrancará el 5 de julio en Vancouver y finalizará el 15 de septiembre en St. Paul, Minnesota, con una actuación incluida en el Primavera Sound 2022.

Estas son las fechas que hasta ahora contempla la gira:

07/05 — Vancouver, BC @ Queen Elizabeth Theatre *
07/06 — Seattle, WA @ Paramount *
07/08 — Forest Grove, OR @ Grand Lodge *
07/09 — Boise, ID @ Revolution *
07/12 — Denver, CO @ Mission Ballroom *
07/13 — Salt Lake City, UT @ Union Event Center *
07/15 — Berkeley, CA @ Greek Theatre *
07/16 — Los Angeles, CA @ Greek Theatre *
07/18 — San Diego, CA @ SOMA *
07/19 — Phoenix, AZ @ Van Buren *
07/21 — Austin, TX @ Stubb’s Amphitheater *
07/22 — Houston, TX @ House of Blues *
07/23 — Dallas, TX @ House of Blues *
07/25 — Kansas City, MO @ Arvest Bank Theatre at The Midland *
07/26 — St. Louis, MO @ The Factory at The District *
09/28 — Charlotte, NC @ The Fillmore †
09/30 — Philadelphia, PA @ The Fillmore †
10/03 — New York, NY @ Radio City Music Hall †
10/05 — Boston, MA @ Roadrunner †
10/06 — Portland, ME @ State Theatre †
10/08 — Toronto, ON @ HISTORY †
10/09 — Detroit, MI @The Fillmore †
10/11 — Pittsburgh, PA @ Stage AE †
10/12 — Cleveland, OH @ Agora Theatre †
10/14 — Madison, WI @ The Sylvee †
10/15 — St. Paul, MN @ Palace Theatre †

A 40 años del ‘The Number of the Beast’ de Iron Maiden

Solos de guitarra, headbanging y agudos gritos que rompen cristales en... ¿el mejor álbum de heavy metal de la historia?

Si existe una banda responsable de todos los estereotipos que hoy se tienen acerca del heavy metal es Iron Maiden. Desde las melenas de león enjaulado y los estoperoles hasta los solos de guitarra y los agudos gritos que pueden romper cristales. No fue la primera de su tipo pero sí se ha posicionado como una de las más representativas. Y en especial hay un álbum que se encargó de formar las ideas que hoy se tienen acerca de este estilo musical.

A pesar de que el proyecto apareció en el Reino Unido durante la efervescencia del punk, el bajista Steve Harris siempre ha renegado de cualquier tipo de relación con los sonidos desaliñados y contestatarios. En realidad las influencias vienen de los dos gigantes ingleses de la música: Black Sabbath y Judas Priest. Pero además hay otro fuerte referente que viene de más atrás.

El primer cantante que integró las referencias terroríficas en su música

En la serie documental Metal Evolution (2011) dirigida por Sam Dunn aparecen los integrantes de la Doncella de Hierro. De forma directa afirman ser fieles seguidores de Screamin' Jay Hawkins, quien es el verdadero creador del shock rock. Desde la década de los 50 se distinguió por sus interpretaciones que lograron la unión perfecta entre la música, el teatro y el horror. Antes que Alice Cooper hubo un afroamericano que escandalizó a las buenas costumbres con féretros y supuestas invocaciones al demonio.

A partir de lo anterior es que no sorprende que desde un inicio Iron Maiden buscó replicar ese modelo. Aunque fue su tercer material el que de verdad catapultó al combo hasta lo más alto del cielo… o tal vez fue lo más bajo del inframundo. La llegada a las tiendas de discos el 22 de marzo de 1982 marcó el inicio para la década dorada del heavy metal.

En primera instancia, la majestuosa portada creada por el artista Derek Rigs es imposible de ignorar. Durante años fue rodrigoel encargado de mostrar su estilo visual en las tapas de los LP’s de la banda. En este caso muestra a Eddie, la famosa mascota de la banda, manejar a un títere en forma del Diablo, quien a su vez domina otro con la imagen del propio Eddie. Es la versión satánica y con bastante humor del Ummagumma de Pink Floyd.

Por otra parte, el mayor acierto del trabajo es la incorporación de un nuevo vocalista proveniente de Samson y se trata de Bruce Dickinson. En ese entonces fue una decisión tan arriesgada como cuando AC/DC eligió a Brian Johnson como reemplazo del fallecido Bon Scott.

El nuevo encargado de la voz mostró su potencia de inmediato y su estilo ha sido copiado por cientos de bandas de metal de todo el mundo. Los gritos agudos que se prolongan hasta la eternidad hacen su aparición en “Invaders” con los redobles de batería que hacen una invocación al headbanging. La misa de sonidos a máximo volumen comienza de buena forma aunque lo mejor está más adelante.

Six six six, the number of the beast
Hell and fire was spawned to be released

Pasan los años y “The Number of the Beast” se mantiene como una de las piezas más emblemáticas del grupo. Durante los primeros segundos se puede escuchar un versículo de la Biblia que funciona como preámbulo para la verdadera explosión. En este tema Dickinson muestra el verdadero poder de sus cuerdas vocales con gritos que hacen recordar a la versión juvenil de Roger Daltrey de The Who. Mientras que los juegos de guitarras son el complemento perfecto para sacudir el cuerpo con los puños en alto.

Pero eso no es todo porque al terminar de manera inmediata suenan los primeros acordes de "Run to the Hills". Otra composición de máximo nivel que nunca puede faltar en un concierto del proyecto inglés. Quienes piensan que el bajo es un instrumento de relleno es porque no han escuchado a Harris, quien aquí ofrece uno de sus trabajos mejor logrado al destacar en todo el tema.

Muchas veces se suele decir que lo mejor se debe dejar para el final y aunque todo el disco deslumbra, la pieza que lo despide es una de las mejor logradas. En "Hallowed Be Thy Name" se consigue una monumental obra de siete minutos compuesta por diversos pasajes. No tiene nada que envidiar a “Bohemian Rhapsody” de Queen. De hecho, en 2007 fue catalogada por Billboard como la mejor composición de heavy metal de la historia.

A lo largo de la discografía de Iron Maiden se observa un sonido uniforme con un estilo bien definido que no muestra grandes variantes. Aunque de todos los lanzamientos el tercer LP representa uno de los puntos más altos de la banda. Es la representación más clara de lo que significa ser una banda de rock.

Entrevista con Lanza Internacional

Un crisol de miradas acerca de las relaciones en el mundo postmoderno y fragmentado.

Desde las entrañas de Chile y México nació uno de los proyectos más ambiciosos en la escena emergente y la música alternativa latinoamericana: Lanza Internacional. Una agrupación que busca contagiar con energía y contundencia su ánimo synth pop y post punk a todo aquel melómano que se disponga a escucharlos.

Con la idea de aventurarse a nuevos territorios sonoros, los hermanos Francisco y Mauricio Durán, esencia creativa detrás de Los Bunkers; y Ricardo Nájera, integrante de Furland, lograron crear una combinación explosiva  que, sin siquiera esperarlo,  los posicionó en los reflectores musical desde hace cinco años.

"Empezamos a investigar y a desarrollar otras inquietudes que estaban ligadas al rock. Siempre teníamos la idea de que formaríamos una banda y en el año de 2017 conocimos a Ricardo, quien nos comentó que tenía una sala de ensayo desocupada y que nos invitó a tocar. De a poco comenzaron a surgir ideas y de forma paulatina este nuevo proyecto en conjunto", indicó Ricardo acerca de los inicios del trío.

A partir de ese momento, cada una de sus composiciones tomó fuerza y dio como resultado su disco homónimo de 2017, así como su nuevo proyecto discográfico titulado Frente, el cual es una mezcla perfecta que rompe fronteras a través de las  reflexiones personales y todo lo que compartimos en sociedad.

El trabajo de este álbum fue estar concentrados durante un tiempo con mucha intensidad. Fue meternos al estudio de grabación y empezar las canciones desde cero, a componerlas, a tirar ideas y jugar un poco con las puertas que se nos iban abriendo. Eso dio lugar a que diéramos con un disco muy variado, las canciones de cada una tienen un estilo y sentimiento distinto respecto a cómo nos relacionamos hoy en día con la tecnología y las redes sociales", indicaron.

A lo largo de 11 canciones directas y diversas, el reciente material de Lanza Internacional nos revela un crisol de miradas acerca de nuestras relaciones con el mundo postmoderno y fragmentado. Un idea que enfrenta a las innovadas cosmovisiones de la sociedad y su evolución con nuestro ser.

"El disco es una mezcla de sentimientos personales y el reflejo de cómo nos tratamos/ relacionamos a nivel general, ya que se inserta en el mundo actual, su evolución y la forma en que nos acostumbramos a él, pues uno termina escribiendo de las cosas que está conversando en el día a día", destacó la agrupación.

Es así como Frente se nutre de diversas vertientes musicales dando como resultado un recorrido ecléctico con las piezas "Cordel" y "De Policía a Ladrón" hasta la acústica reposada y contenida de "Un Pedazo Más de tu Corazón" y "Un Día Antes de Recaer".

Desde post punk, balada setentera, California pre Laurel Canyon, el disco y hasta un folk vals, Lanza Internacional nos sumerge en una marea de distintos ritmos y géneros, pues su proceso creativo suele ser una antítesis de lo que se hace en la actualidad. La estructura se concreta por medio de su sentir cotidiano, y al parecer, lo proyectan de una manera muy sólida a la hora de grabar en el estudio.

Queríamos hacer un disco con ciertas características musicales y creemos que lo  logramos muy bien. Decidimos no ponerle un marco estético con tal jugar con las combinaciones a medida en que iban saliendo canciones variadas y coloridas. Este álbum es más intuitivo", mencionó Mauricio.

El nuevo proyecto Frente de Lanza Internacional tiene toda la veteranía para hacer vibrar los escenarios de manera autoritaria. Dicha trayectoria sonora explora paisajes melódicos con una perspectiva de conciencie a través de la inusual frescura adherida del ser.

Yumi Zouma — Present Tense

Un golpe de sentimientos encontrados, romance, alegría, cuestionamientos y vaivenes del ser que tarde o temprano asecharan nuestro camino.

Originalmente creado como un proyecto de larga distancia entre amigos, Yumi Zouma se ha consolidado como una de las bandas más sobresaliente en la escena internacional, pues a lo largo de su carrera ha cosechado tres álbumes de estudio y numerables EP, de los cuales destacan: Truth or Consequences (2020) Willowbank (2017) y Yoncalla (2016).

Dos años después, la banda originaria de Nueva Zelanda emprende otro viaje musical bajo el título Present Tense, su cuarto material discográfico del que ahora forma parte una paleta sonora de baterías, pianos, cuerdas y vientos para revelar un vistazo cacofónico de su esencia.

Una exploración de tonalidades que reivindican su estilo en su máxima expresión a través de 10 tracks electrizantes de indie pop. Una mezcla que yace en el romance, la poesía, las voces dulces o cualquier otra variante que alberga nuestra mente y corazón.

El álbum comienza con “Give It Hell” a través de un mezcla orgánica de percusiones y riffs de guitarras que nos dan un ambiente rítmico para calentar los motores. Esta no solo marca el inicio de su proyecto discográfico, también habla del proceso de composición de la banda y en cómo buscan superarse día con día.

Es así como llega “Mona Lisa”, el protagonista del disco y el más escandaloso, pues hace hincapié a las “melodías dulces que encubren una oscuridad lírica y una conclusión triunfante”. Aquel tema que alude a un amor incierto y a los malentendidos que brotan durante un tiempo pandémico.

Más tarde se presenta “If I Had The Heart For Chasing”, un sentimiento libre que vuela lejos de la  toxicidad y que nos enseña a soltar todo aquello que nos hace daño. Una experiencia que le da paso a "Where The Light Used To Lay" para sumergirnos en una introspección interna del recuerdo y la añoranza.

En "Razorblede", la banda de indie pop baja su ritmo, ocasionando una pista más sobria y aguda de relajación. Aunque el ánimo cobra vida con "In The Eyes Of Our Loves" y "Of Me and You", pues sus frecuencias de alto impacto hacen que las vibraciones vuelvan al punto de inicio de ondas suave y pegajosa sin aburrir al oído.

Y como todo en esta vida tiene que culminar, Yumi Zouma decidió colocar "Honestly, It´s Fine", "Haunt" y "Astral Projection" al final de su álbum. Tres temas sobrios que bajan poco a poco el telón de su repertorio musical, mismo que lo conforman sentimientos encontrados, romance, alegría, cuestionamientos y vaivenes del ser que tarde o temprano asecharan nuestro camino.